Piccolo Glossario Sinottico Musicale 4b2j66

PICCOLO GLOSSARIO SINOTTICO MUSICALE

CARLO PASCERI

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Editor: Antonio Lisi

Grazie ad Antonio Lisi, che con magistrale tecnica e tecnologia ha analizzato e sintetizzato questo lavoro migliorandolo.

Dove i raggi del sole non giungono, pur giungono i suoni. S. Kierkegaard Sempre a te, che per giungere a me, non hai bisogno né di luce né di suono, perché tu sei sempre con me perché dentro di me.

DEFINIRE PER NON FINIRE

È sconfinato il campo acustico dei suoni naturali in cui siamo stati immersi sin dai primordi della nostra storia; tuttavia, partendo proprio dalla voce umana e dai rumori, il materiale sonico è stato sottoposto a una preparazione attraverso invenzioni e realizzazioni di strumenti produttori di suoni musicali che fossero selettivamente ben lontani dai rumori e vicini alle voci (infatti a loro volta questi timbri hanno un preciso ordine interno, chiamati poi note). Dopo questa basica e preliminare distillazione, il campo acustico funzionale per l’espressione della musica è stato poi ordinato e raffinato mediante sistematizzazioni in scale e accordi, in modo che i suoni siano pronti e a disposizione a ricevere superiore forma dalle idee strutturanti. E ancora c’è molto da fare, non è finita qui. Questo, grossolanamente, a oggi è stato il percorso; e dallo sconfinato iamo, in questo scritto, solo a qualche decina di termini e concetti musicali da me selezionati, reputandoli essenziali: ho provato di definirli, mettendoli in relazione tra loro per fare ordine a mia volta. Scrive l’enciclopedia Treccani al lemma Definizione: "Espressione con cui si esplicita (1) l’essenza di qualcosa, oppure (2) il significato di una parola. La dichiarazione del significato di un termine con riferimento all’uso particolare che ne può essere fatto in un dato campo di indagine". La necessità di redigere questo stringato glossario è quindi sorta dal tentativo di riuscire a compendiare una parziale ma fondamentale quantità di termini usati diffusamente in musica per meglio farla intendere, estraendo e filtrando opportunamente pure i termini che ho ritenuto essenziali dall’omogeneo magma del mio libro "Tecnologia Musicale"; ho tratto qualche spunto anche dagli altri miei due libri "Musica ‘70" e "Supreme Kind Of Brew" e dai molti articoli pubblicati. Va sottolineato che non solo le invalse definizioni, presenti anche in pubblicazioni di rango, sono perlopiù contestabili, ma anche che i termini sono spesso confusi tra loro e usati come sinonimi; tanto per citarne qualcuno: stile/genere, registro/tessitura, metro/ritmo. Poi, a rigore, tutti i riferimenti paralleli alla comunicazione umana (vocabolario/linguaggio/lessico/sintassi) sono mischiati e usati ancora come sinonimi, mentre in questo glossario sono tutti definiti e collegati tra loro. Inoltre sono diffusissimi i casi di termini, attinenti a precisi effetti prodotti da precise cause, per i quali, invece di una definizione, sono propugnate considerazioni scialbe e soggettive associando quegli stessi termini ad arbitrarie

percezioni anche per sinonimia ad altre parole (aggettivi), pertanto in questo quadro di riferimento sono doppiamente opinabili: "consonanza/gradevole" – "dissonanza/sgradevole", addirittura con ulteriori nessi con "musica/ciò che è piacevole" e "rumore/ciò che è spiacevole". Infatti quando trattati specificatamente anche i termini "rumore" e "musica" spesso non sono davvero definiti, ma solo indicati come fenomeni sonici di sensazioni e stime personali. Considerato il fatto che la musica è una disciplina che "funziona" da secoli, potrebbe sembrare strano che molte definizioni, idee e concetti che si sono sedimentati su di essa siano incompleti, imprecisi, talora illogici, comunque carenti; però è da considerare che le definizioni sono "dichiarazioni di significato di un termine", e questo non toglie che operativamente le cose possano funzionare a priori, di là di eventuali precisazioni e completamenti, giacché si tratta di "esplicitare l’essenza di qualcosa" che già esiste. Nondimeno a posteriori se le definizioni dei termini sono carenti, ciò non è benefico… Pertanto quello che ho tentato di fare è compendiare una specie di conoscenza autoreferenziale di questa disciplina artistica mediante l’individuazione dei termini da definire con una logica sia "interna" (nella definizione stessa) sia "esterna" (tra le varie definizioni con le altre parole della stessa classe di oggetti nello stesso terreno d’azione). Dunque, questo glossario sinottico musicale credo sia un favorevole punto di partenza per sciogliere nodi dei significati di parole e locuzioni. Oltre a ciò può essere utile anche come veloce manuale d’uso per richiamare alla memoria, e quindi legare opportunamente, idee e nozioni precedentemente acquisite. In ogni caso, questo glossario (anche solo per la brevità) non è e non vuole essere assolutamente un esaustivo dizionario musicale. Ma nel corso del tempo potrebbe essere oggetto di un ampliamento. A margine, ma centrale nell’affrontare la musica, è appunto cominciare a definire correttamente cos’è, (addirittura in molti "lessicari" musicali non c’è la voce "musica" oppure non si arrischiano comunque di definirla!) poiché paradossalmente sembra esserci, da più parti e da qualche tempo, un ritorno al primitivismo panteistico che contempla il concetto che "Tutto è musica", "La musica sta in natura", "Tutta la musica è già scritta" e così via; sostenendo in sostanza pure che il rumore, addirittura solo il rumore organizzato, possa essere musica. Un tale concetto è da respingere anche solo come atteggiamento logicofilosofico: se tutto può essere musica allora non c’è necessità di definizione; pertanto potrà esserci pure ignoranza specifica e ci potremo abbandonare a chissà quale sortilegio romantico-sentimentale d’ispirazione intima-divina per produrre musica. Si recapiterebbe così un messaggio negativo travestito da uno ecumenico iper-positivo (qualunquista, pertanto incoraggiante per i più con la formuletta "Tutto è…"): quindi ancora più infido poiché così si suscitano

facilmente entusiasmi tra i pigri. Perciò il dato fondamentale del fare musica è che ha necessità di una tipologia particolare di suoni (note) e di null’altro (tuttavia si possono inserire dei rumori nella trama di note organizzate). Ma mai il contrario, ossia che solo dei rumori, pure se organizzati in strutture di durate (ritmi), possono essere considerati davvero musica. Sono un simulacro, parziale e fittizio, di attività musicale: è solo un’ordinata realizzazione sonica (magari progettata da umani). Una risacca marina, una catena di montaggio o anche il tip tap di un ballerino, non devono essere considerati musica altrimenti rischiamo di confondere anziché definire correttamente la sua essenza, che concerne soprattutto l’organizzazione delle note melodiche e delle armonie (e usando il rumore è impossibile farlo); e poi tutto il resto. (Se suoneremo con un povero piffero una sequenza di note in modo uniforme con tutte le durate uguali, in pratica con un ritmo "stupidissimo", la riconosceremo come musica, seppur povera, a prescindere dall’uniformità di espressione ritmica. Invece se con un produttore di rumore qualsiasi suoneremo pure dei ritmi intelligenti e vari, mai potremo incantare i topini di un villaggio o anche solo un cobra, al massimo faremo ballare qualche umano… Non ci sarà nessuna magia perché non ci sarà davvero musica. Quella produzione di rumori organizzati non dobbiamo assolutamente pensarla come un genere o uno stile di musica molto difforme da quella espressa da Bach, Beethoven, Debussy, Schoenberg, Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Miles Davis, John Coltrane, Beatles, Pink Floyd, Jimi Hendrix, James Brown, Led Zeppelin, Genesis, Elton John, Michael Jackson, Metallica, Nirvana ecc., è semplicemente qualcosa di diverso dalla musica.) Nella pagina successiva c’è un piccolo schema cronologico dei termini (classico alberello dall’alto verso il basso), con il quale suggerisco al lettore una via coerente e consequenziale per la loro consultazione, in modo di ottenere una comprensione più possibile strutturata e razionale dell’intera disciplina musicale. Da tenere in considerazione che, una volta arrivati alla riga, c’è un ulteriore ordine di consultazione, ed è quello che va da sinistra verso destra: meno risolutivo e indispensabile, tuttavia c’è. Insomma questo è un mio ulteriore tentativo di mettere un po’ d’ordine nell’impianto delle questioni musicali, che a mio avviso è formalmente disomogeneo e talvolta oggettivamente incoerente, e che per il fatto di essere così diffuso nell’immaginario e nella coscienza collettiva, non deve ingannare: "voce di popolo" non vuol necessariamente dire voce vera...

SCHEMA CRONOLOGICO DI CONSULTAZIONE

SUONO FREQUENZA - NOTA - RUMORE ARMONICHE - FORMANTI INTERVALLO ALTEZZA – DURATA - INTENSITA’ – TIMBRO INVILUPPO SONICO DINAMICO (adsr) – ACCENTO - DINAMICA PRONUNCIA/PROSODIA (metodo tecnico d’articolazione) - PAUSA MUSICA - FORMA RITMO – UNITA’ DI TEMPO – METRO (tempo) - BATTUTA (misura) MONODIA – MELISMA SCALA - MOTIVO – FRASE - LINEA MELODICA – PERIODO – MELODIA (tema) ORNAMENTO - MODALITA’ - PEDALE POLIFONIA - OTTAVA ARMONIA – ACCORDO - ARPEGGIO MELODICO/ARMONICO CONSONANZA/DISSONANZA DIATONIA – SISTEMA TEMPERATO (equabile) – SEMITONO - TONALITA’ TONICA - GRADO

MODULAZIONE – RIFF (ostinato) FATTORI DENOTATIVI E CONNOTATIVI VOCABOLARIO – LESSICO – SINTASSI - LINGUAGGIO CANTABILITA’ – LIRICITA’ IMPROVVISAZIONE - PATTERN (cliché) GENERE - STILE – ARRANGIAMENTO TECNOLOGIA - TECNICA POLIRITMIA - POLIMETRIA REGISTRO – TESSITURA

A

ABBELLIMENTO: vedi Ornamento. (↑) ACCENTO: Differenziazione, di solito dinamica (e normalmente fornita da un’intensità relativamente maggiore), di un suono (o di un suo raggruppamento) rispetto ad altri, che conferisce a tutto il flusso sonico più espressione e rilievo ritmico, poiché così è manifestata una marcatura che ne caratterizza il profilo. Dunque è un importantissimo parametro dell'articolazione musicale. Comunque a un suono si può assegnare accentuazione e marcatura pure con una qualsiasi estremizzazione (maggiore o minore che sia) di frequenza e durata (oltre che d’intensità). (↑) ACCORDO: Schematica disposizione di due o più note (di differente altezza) simultanee ordinate tramite codificati intervalli. Comunemente è emesso da strumenti polifonici ossia in grado di produrre più suoni insieme (organo, chitarra, pianoforte, vibrafono ecc.), ma è possibile anche realizzarlo facendo suonare contemporaneamente più strumenti monofonici (voce, sax ecc.). È la dimensione verticale della musica, quella inerente all’armonia. La nota più grave, detta fondamentale (o tonica), è quella che nomina l’accordo. (↑) ALTEZZA: Carattere distintivo di una nota dipendente dalla frequenza (grandezza fisica) della sua onda sonica, data dal numero di vibrazioni nel tempo della sorgente della prima armonica (la più bassa detta fondamentale). Più la nota ha numero di vibrazioni in un dato tempo più è acuta, e viceversa. È uno dei 4 parametri del suono insieme con durata, intensità e timbro. Congiuntamente con la durata è un parametro musicale denotativo e quindi basilare e primario, perciò importantissimo per la musica. (↑) ARMONIA: L’insieme di correlazioni dei rapporti intervallatici che sussistono fra più suoni percepiti simultaneamente ed eventuali interrelazioni di sovrapposizioni e connessioni tra loro nel divenire temporale.

Un accordo suonato da un piano o una chitarra è l’esempio più comune e semplice di armonia. Dunque è la dimensione "verticale" della musica, la "costruzione architettonica", che quindi nel corso dei secoli è intesa come disciplina parascientifica che, con principi e regole, deve sovrintendere le concatenazioni geometriche dei moltissimi suoni musicali sincronici e diacronici possibili, per gestire efficacemente e quindi progettare e governare questa miriade di note in modo di essere percepita ordinata e quindi "giusta" e gradevole. Di qui l’esigenza in Occidente circa mezzo millennio fa di elaborare una dottrina (tonalità) con i suoi ristrettissimi precetti per ottenere efficientemente dei risultati che fossero più possibili vicini a un loro concetto di assetto coerente. La base fu fornita dalle esperienze con il monocordo di Pitagora, sviluppate poi da teorizzazioni sul modo maggiore e minore da Gioseffo Zarlino nel ‘500, e dalla scoperta delle armoniche, avvenuta nel 1701 per opera del fisico J. Sauveur. Fortunatamente nel corso dei secoli successivi quei precetti sono sempre stati meno costringenti, fino ad arrivare, agli albori del ‘900, a regole di armonia ben più flessibili, quasi plastiche, per opera dei grandi compositori dell’800 che hanno, nella loro pratica visionaria e creativa, superato quelle normative. Nel ‘900 l’armonia ha subito un’ulteriore evoluzione e sviluppo anche perché "illuminata" da sistemi e stili del tutto diversi da quello tonale classico. È uno dei 4 elementi musicali insieme con timbro, melodia e ritmo. (↑) ARMONICHE (ARMONICI): Suoni ausiliari che si originano e sommano contemporaneamente a quello generatore detto fondamentale (prima armonica), di frequenze multiple a essa e quindi più acute. Le armoniche concorrono a formare quel suono complesso che chiamiamo nota. Infatti, ogni suono di uno strumento musicale (o voce umana) ha una proprietà davvero peculiare: producendo la nota con il suo suono fondamentale (l’altezza riconoscibile), genera simultaneamente anche altri suoni di vibrazione frazionata e quindi di frequenza più alta e in rapporto al primo: se questo è di 100 Hz, il secondo è di 200, il terzo di 300 e così via. A mano a mano di solito l’intensità delle armoniche superiori diminuisce. Quale che sia lo strumento, a parità di nota matrice emessa, la serie di armoniche è sempre la stessa come il loro numero (quantità), ma sono le infinite combinazioni delle densità di energie (qualità) di questi suoni accessori che si sommano a quello matrice, che offrono le macro e le micro differenze di distinzione timbrica tra la moltitudine dei vari strumenti anche all'interno della stessa famiglia (per esempio è per questo che

riconosciamo le persone mediante le voci). Infatti, (insieme con il suo inviluppo sonico dinamico) è proprio la particolarissima fusione d’ampiezze tra tutte le armoniche che dona al suono il suo timbro caratteristico, il suo "colore" di tono. Pertanto quando noi ascoltiamo una nota emessa da una voce o uno strumento, essa, anche se la percepiamo come frequenza sonica compatta, è in realtà il risultato di una molteplicità di suoni con infinite variabili, date dallo strumento in sé e da come è sollecitato. Le mescolanze d’intensità energetiche comunque variano nel tempo ossia le varie ampiezze dei suoni accessori cambiano continuamente (seppur di poco) nella durata del suono stesso. Come mutano al variare del vigore della sollecitazione: un pianoforte suona più "morbido e levigato" se toccato con poca forza poiché le armoniche superiori sono meno eccitate perciò meno percepite, quindi il suono risultante è meno "duro e metallico"; e viceversa. (Le armoniche di un suono sono da noi percepite anche e soprattutto a "pacchetti" chiamati formanti: questi insiemi di frequenze soniche saranno da noi ancor più discriminabili e determinanti.) Un suono privo di armoniche, dunque solo con la frequenza fondamentale (prima armonica) si dice puro (semplice), e può essere emesso solo da strumenti elettronici, ma è approssimato dal diapason, ossia quella forcella di metallo che serve per accordare gli strumenti musicali e voci inventata nel '700. (↑) ARPEGGIO MELODICO (E ARMONICO): Linea di note corrispondente a un accordo eseguito una nota per volta (in qualsiasi successione). Quello armonico è un accordo eseguito una nota per volta ma con la tipicità che le note sono lasciate risuonare una appresso all’altra. (↑) ARRANGIAMENTO: Modificazione di un brano già del tutto composto e realizzato agendo su uno o più parametri dei fattori sia denotativi sia connotativi che lo costituiscono. Più s’interviene sulle qualità formali denotative più la mutazione è notevole. Avendo pertanto a disposizione una moltitudine di fattori si possono eseguire tantissime variazioni operando cambiamenti anche radicali, innestando nuove entità e, di fatto, reinventando (parzialmente) l‘opera giacché in sostanza ricomposta. Insomma con le vere e proprie "rielaborazioni dati" delle variazioni ritmiche, melodiche e armoniche, forma e velocità, e scelte di strumenti quindi di registri e timbri, insieme con l’importantissima interpretazione individuale del dato oggettivo denotativo chiamata pronuncia musicale (che dà appunto il carattere ad ogni parte musicale), si possono realizzare da sfumate differenze, a

piccole distinzioni che portano a versioni più o meno riconoscibili, fino a realizzare delle (quasi) ricomposizioni. (↑)

B

BATTITO: vedi Unità di tempo. (↑) BATTUTA (MISURA): Cellula di porzione del tempo determinata formalmente dal metro di riferimento (4/4, 7/8 ecc.), ma dipendente in sostanza dall’unità di tempo (battito). Infatti nella battuta ci sono le suddivisioni corrispondenti i valori di convenzione di misura degli eventi musicali (suoni e pause) proporzionati in base al battito. Per esempio, la frazione 7/8 significa che nella battuta gli eventi, in numero e disposizione qualsiasi, devono essere in totale l’equivalente di 7 movimenti (unità di tempo/battiti) da 1/8 di durata convenzionata (bpm). Graficamente è rappresentata dallo spazio racchiuso tra due barrette perpendicolari sul pentagramma. (↑)

C

CANTABILITA’ (ORECCHIABILITA’): Linea di note (solitamente non molte e ripetute) perlopiù ponderata nello scorrere scalare diatonico (a gradi congiunti). Perciò formata dai più piccoli intervalli forniti dal nostro Sistema Temperato ossia di seconde minori e maggiori (semitoni e toni), quindi con pochi ampi salti frequenziali. Di solito una linea cantabile è posta nella tessitura media e non è molto rapida. (↑) CLICHE’: vedi Pattern. (↑) CONSONANZA/DISSONANZA: Effetti causati da combinazioni di due o più note insieme che producono stabilità/tensione - rilassamento/movimento accostamento/attrito. Pertanto la consonanza e la dissonanza si generano quando ci sono almeno due note da mettere in relazione l’una con l’altra e sono qualità fisico-musicali puramente attinenti all’armonia. In una qualsiasi successione melodica è improprio definire consonante o dissonante il rapporto tra quelle stesse note, ma sarà possibile definirlo eventualmente riguardo alle simultanee note suonanti in quel momento: non esistono scale o melodie intrinsecamente consonanti o dissonanti. Gli agglomerati di suoni consonanti si fondono uno con l’altro, quelli dissonanti creano frizione e urto, infatti sono termini per indicare (pure a priori) consapevolezza di nessi oggettivi di causa-effetto delle armonie musicali per meglio usarle e non per giudicare soggettivamente disposizioni di note come gradevoli/sgradevoli. I primi rapporti semplici e contigui tra gli intervalli hanno un peso decisivo per la convergenza delle consonanze (e viceversa); e le proporzioni che più danno esito di consonanza sono 2:1 (ottava), 3:2 (quinta), 4:3 (quarta), e a seguire 5:4 (terza maggiore) e 6:5 (terza minore). Da notare che la somma tra 3:2 e 4:3 dà l’ottava e la somma tra 5:4 e 6:5 dà la quinta, quindi sommandola con 4:3 dà ancora l’ottava. Più i rapporti numerici di distanza tra gli intervalli dei suoni è complessa più c’è dissonanza: la seconda minore (18:17) e il tritono (727:514) sono gli intervalli più dissonanti. Insomma, la consonanza

offre stabilità e rilassamento e quindi esprime uno stato di quiete e solidità, spesso vivacizzata da dissonanze; invece la dissonanza è tensione e movimento pertanto è espressione di fluida inquietudine, di solito "risolta" con le consonanze. Da considerare comunque che nella tessitura musicale dell'estensione in frequenza bassissima, tutti gli intervalli, fatto salvo quello di ottava, tendono alla dissonanza per cause prettamente fisiche-frequenziali: l'effetto consonanza lo abbiamo quando sentiamo i suoni più fusi uno dentro l'altro, e nelle bassissime regioni frequenziali ciò non avviene, infatti pure intervalli classificati come consonanti risultano all'orecchio dissonanti poiché il ridottissimo spazio frequenziale non permette una percezione agevole e quindi la normale e valida discriminazione intervallare-numerica di riferimento. (A ogni modo c'è la comune abitudine di applicare l’interrelazione di questi termini attributivi come concetto qualitativo di definizione per esprimere gradi di piacevolezza o spiacevolezza, ma essendo del tutto soggettiva e variabile nel corso del tempo e nelle geografie dei popoli, è da ritenere poco utile se non controproducente per comprendere l’oggettivo "fenomeno" consonanza/dissonanza e quindi la sua puntuale applicazione vera e propria. Il giudizio di sensazioni consonante/dissonante può essere accolto solo in un ambito del tutto individuale di assimilazione di concrete esperienze musicali che possono ingenerare all’ascoltatore, attinenti all’insieme generico e indistinto di altezze, timbri, dinamiche, esecuzioni formali ed espressive peculiari.) (↑)

D

DIATONIA: Concezione organizzativa delle note che si fonda su una scala avente 7 intervalli e 8 note, strutturata nell’ambito di un’ottava con intervalli di cinque toni e due semitoni disposti a propria scelta, con la prescrizione che non siano contigui. Naturalmente l’intervallo di un tono corrisponde alla distanza di 2 semitoni. La diatonia, pur essendo uno dei molti possibili, è l’impianto basilare occidentale, che poi si è sviluppato ed esteso a cominciare dal sistema tonale (tonalità). Comprende dunque solo 4 modelli di scale: la scala maggiore e quella relativa minore (naturale), poi la minore melodica e minore armonica. Però, a rigore, la scala minore armonica non rientrerebbe nella definizione di scala diatonica, seppur direttamente discendente da quella minore naturale, poiché ha addirittura una specie diversa d'intervallo, ossia quello di terza minore (in luogo delle seconde). Dunque ha una struttura mutata così: un tono e mezzo, tre semitoni e tre toni. E' infatti una scala con una sonorità particolare, poco europea e molto araba (usata pochissimo anche nel genere jazz), tuttavia è stata sfruttatissima nella "nostra" musica classica. (↑) DINAMICA: Rapporto che intercorre tra il suono più debole e quello più forte in termini d’intensità (volume). Quindi è quell’elemento di controllo sonico che può essere applicato sia dal singolo musicista sia da un’intera orchestra, e che offre vitalità decisiva al discorso musicale. Infatti, questo complesso dei rapporti dei volumi sonici si può produrre tra nota e nota e/o tra ogni singola parte costituiva formale di un brano. Le dinamiche musicali in pratica, soprattutto considerando le piccole ampiezze volumetriche, sono fondamentali per creare spazi "tridimensionali": infatti, se c‘è sempre un pieno dinamico (grandi ampiezze ossia alte intensità), saremo solo sopraffatti dalla massa sonora, non riuscendo di scorgere il resto. Viceversa con piccole ampiezze avvicendate ad altre più grandi, percepiremo tutto lo spazio intorno agli eventi sonori. Per approfondire vedere Inviluppo Sonico Dinamico e Pronuncia/Prosodia (metodo tecnico di articolazione). (↑)

DISSONANZA: vedi Consonanza. (↑) DURATA: Caratteristica del suono (e/o del silenzio) in funzione del tempo stabilita dalla porzione occupata dall’evento, dal suo principio alla sua estinzione. L’arco temporale tra un suono (e/o una pausa) e un altro. È uno dei 4 parametri del suono (e in musica delle pause) insieme con altezza, intensità e timbro. Le varie durate di ogni singolo evento sonico definiscono il ritmo. A sua volta un qualsiasi evento (porzione minima o un intero brano musicale) può essere determinato "esternamente" e in modo globale in termini di velocità di esecuzione, mantenendo proporzionalmente all’interno le stesse strutture convenzionali di durate e quindi gli stessi ritmi. Infatti, si stabilisce piuttosto precisamente da qualche secolo (soprattutto dall’invenzione nell’800 del metronomo), l'assegnazione all’unità di tempo (battito) del valore di misura del brani: grandezza assoluta di velocità di riferimento (battiti per minuto: bpm) della scansione/pulsazione in base alla quale saranno proporzionate le convenzionali comunicazioni di durate scritte (o orali che siano) di tutti i suoni. Insomma la velocità di esecuzione di un evento musicale è data da questa impostazione di durata che sarà convenzione sia in termini di proporzione interna della scansione temporale tra tutti gli eventi, sia quella assoluta di tempo (rispetto a un minuto) ovvero che tutti gli eventi che si spostano in blocco. Il parametro durata è strutturale (fattore denotativo) quando è interno tra le relazioni dei suoni statuendo il profilo ritmico proporzionale dell’intera musica, ed è sovrastrutturale (fattore connotativo) quando è esterno ovvero globale, trasportando quelle interne relazioni ritmiche proporzionali a una specifica velocità assoluta di esecuzione mediante l’impostazione del valore della pulsazione dell’unità di tempo. (↑)

F

FATTORI DENOTATIVI E CONNOTATIVI: Gli elementi denotativi definiscono oggettivamente un'opera musicale, laddove quelli connotativi soggettivamente la "colorano" anche attraverso traduzioni espressive personali giacché si configurano principalmente come prassi esecutive. Di fatto, le scelte delle qualità fisiche connotative di una musica sono quasi sempre successive a quelle formali denotative: le "tattiche operative" seguono dunque le "strategiche idee" compositive, le due cose insieme costituiscono e realizzano l'opera intera. Le qualità formali denotative (strutturali) musicali sono quelle degli intervalli di altezze relativi di una linea melodica e di armonie, e/o le durate (rapporti di tempi) di un ritmo (anche esclusivamente melodico), cioè le distanze temporali relative tra gli eventi. Le qualità fisiche connotative (sovrastrutturali) musicali sono, oltre le articolazioni tecniche di pronuncia (legato, staccato, portato, accentato, glissato), le altezze assolute dei suoni, quindi anche le globali tonalità/modalità, gli strumenti usati per emetterle per cui i timbri, le intensità dinamiche (piano/forte), le velocità metronomiche di esecuzione, e la forma (quante e quando le varie parti si presentano nella composizione). Le denotazioni strutturali definiscono un’opera in termini di genere; mentre le connotazioni sovrastrutturali la precisano in termini di stile. (↑) FORMA (STRUTTURA): Schema con il quale la musica si articola e compone; impalcatura astratta o scritta, improvvisata o prefissata (e sfumature di queste eventualità) del divenire temporale mediante la quale la musica si organizza. La forma è determinata dalle parti costitutive di un brano musicale, chiamate in vari modi secondo i generi e gli stili: intro, strofa, ritornello, ponte, inciso, tema, A, B, special, finale, vamp, sezione, soggetto, movimento ecc. Più dettagliatamente, la forma di un brano musicale si realizza con le idee strutturali (fattori denotativi) ossia ritmi, melodie e armonie, che modellano quelle parti con la pretesa coerenza di realizzare archi di inizio/sviluppo/fine, mediante motivi, frasi e periodi. Un brano è dunque formalizzato in un preciso contenitore temporale strutturato in quelle parti (intro, strofa ecc.). Talvolta la forma è

cristallizzata e quindi capita in molti generi e stili che la struttura sia già decisa da subito, pertanto la forma delle parti costitutive può semplicemente essere intesa come uno spazio da riempire nel tempo. L'assetto dell'assemblaggio può essere strutturato con le più fantasiose combinazioni, è bene tenere presente che più motivi possono costituire frasi, e più frasi un periodo, più periodi possono costituire una sezione (strofa, ritornello ecc.), e più sezioni possono costituire formalmente un brano. (↑) FORMANTI: Zone dello spettro acustico di un suono di concentrazione di alcune frequenze d’intensità superiori rispetto ad altre. Tutti i suoni hanno queste zone per vari motivi, quello degli strumenti musicali è soprattutto derivato dalle risonanze indotte dalle forme e materiali con i quali sono costruiti. Queste fasce di energia acustica più evidenti di altre offrono una peculiarità timbrica spesso predominante al suono ancor più che delle singole armoniche; per questo un timbro di un suono è distinguibile da un altro in modo così palese. Ciò accade perché il nostro sistema uditivo è in grado di stimare l'energia acustica presente in bande piuttosto larghe di frequenze più di analizzare ogni singola frequenza, pertanto le formanti possono essere identificate più facilmente e divengono per noi importanti come basilare sintesi timbrica del suono: sono l’impronta identificativa caratteristica dei suoni. (↑) FRASE MELODICA: Linea di note di numero rilevante (oltre 10) con insito poco ritmo e con una concatenazione più scalare, quindi più fluida nello scorrere rispetto a una linea melodica. (↑) FREQUENZA: Grandezza fisica che indica il numero di cicli completi di vibrazione di un’onda sonora nel tempo; sono misurate nel periodo di un secondo, e un ciclo al secondo è detto di frequenza (f) di 1 Hertz (Hz), che è pertanto la sua unità di misura. Quindi "un suono di 100 Hz" significa che in un secondo l’onda ha compiuto 100 cicli completi. Un suono è più o meno acuto o grave a fronte della frequenza (numero di oscillazioni) del corpo che lo emette vibrando: più il numero è alto più il suono è acuto. A grandi linee la suddivisione delle frequenze in termini attributivi di sensazione uditiva sonora si può considerarla così: 20/60 bassissime, 60/180 basse, 180/360 medio-basse, 360/1.100 medie, 1.100/3.200 medio-alte, 3.200/9.800 alte, 9.800/20.000 altissime. (↑)

G

GENERE: E’ determinato da schemi compositivi di natura perlopiù denotativi quindi strutturali, di conseguenza alquanto rigidi e basilari. Le denotazioni strutturali definiscono oggettivamente un’opera inquadrandola in un genere (mentre le connotazioni sovrastrutturali la "colorano" e la precisano conferendole uno stile). Quella che segue è un’elencazione sintetica (su base storica) dei 9 generi musicali più diffusi nell’occidente. Per favorire la loro comprensione, il loro riconoscimento e identificazione (a grandi linee), vengono elencate le qualificazioni degli elementi musicali, formali e strutturali che hanno permesso la composizione dei brani. Naturalmente si tratta di una schematizzazione generica: esistono musiche realizzate da alcuni solisti o gruppi che si profittano proprio di trascendere le linee guida di queste matrici.

ELEMENTI COSTITUTIVI DEI GENERI MUSICALI

BLUES Ritmo - binario terzinato, lineare, ricorrente e moderatamente serrato Melodia - semplicissima, riff pentatonici Timbro - elettrico poco vario Armonia - semplicissima tonale-modale, modulante, schematica e ripetitiva, con riff Forme semplicissime circolari-ricorrenti, con molto spazio solistico

Senza il linguaggio classico JAZZ Ritmo - terzinato, a volte ternario, libero e fluente, ricorrente e moderatamente serrato, tempi (metri) semplici Melodia - da complessa a semplice, diatonica e linguaggio cromatico Timbro - acustico e poco vario Armonia - da complessa a semplice, modulante con cadenze ricorrenti modulanti tonali Forme semplici e con moltissimo spazio solistico Senza (o quasi) il linguaggio classico ROCK Ritmo - binario, aggressivo, poco libero e molto serrato, tempi semplici Melodia - minimale, penta-diatonica, linguaggio blues, con riff Timbro - elettrico e aggressivo Armonia - minimale, con poche voci, pochi accordi e poche modulazioni, con riff Forme da semplici a medie, con obbligati tematici e con medio spazio solistico PROGRESSIVE Ritmo - da medio a molto complesso, anche con tempi dispari e polimetrici, poco libero e mediamente serrato Melodia - da complessa a media diatonica modulante, linguaggio classico Timbro - elettro-acustico mediamente aggressivo Armonia - da complessa a media con polifonie contrappuntistiche

Forme molto complesse con obbligati tematici e con poco spazio solistico Senza il linguaggio afroamericano JAZZ-ROCK Ritmo - da medio a molto complesso, anche con tempi dispari e polimetrici, poco libero e mediamente serrato Melodia - da complessa a media diatonica modulante, linguaggio classico e afroamericano, con riff Timbro - elettro-acustico mediamente aggressivo Armonia - da semplice con polifonie contrappuntistiche a media, modale, con riff Forme complesse con obbligati tematici virtuosistici e con molto spazio solistico FUSION Ritmo - da semplice a poco complesso, binario, terzinato, a volte ternario e con pochi tempi dispari Melodia - da semplice a media, diatonica modulante Timbro - elettro-acustico mediamente morbido e vario Armonia - da semplice a complessa modulante tonale Forme di media complessità, con esotismi di natura timbrica e ritmica, con molto spazio solistico Senza (o quasi) il linguaggio classico POP Ritmo - binario, terzinato, a volte ternario, lineare e semplice Melodia - da semplice a media, penta-diatonica

Timbro - elettro-acustico molto vario Armonia - da semplice a media tonale non modulante (o quasi) Forme da semplici a medie, con esotismi di natura timbrica, pochissimo spazio solistico FUNK-DANCE Ritmo - binario, terzinato, lineare e semplice ciclico-ripetitivo Melodia - semplice minimale, con riff Timbro – elettro-acustico e aggressivo, duro e vario Armonia - semplice minimale tonale, modale, con riff Forme semplicissime ridondanti ossessive, eventuali esotismi di natura timbrica, con pochissimo spazio solistico METAL Ritmo - binario, lineare e semplice ciclico-ripetitivo Melodia - semplicissima minimale, con riff Timbro - elettrico e aggressivo, durissimo e poco vario Armonia - minimale, modale con riff Forme semplicissime ridondanti ossessive, con spazio solistico

(↑)

GRADO: Numero di posizione di una nota in una scala in relazione alla prima chiamata tonica; perciò la tonica è sempre il primo grado (I).

Graficamente i gradi sono indicati da numeri romani. Di una scala di DO (I), il RE è il secondo grado (II), il MI (III) il FA (IV), il SOL (V), il LA (VI) e SI (VII). (↑)

I

IMPROVVISAZIONE: Eseguire la musica pensandola solo qualche attimo prima. Quello che si pondera qualche attimo prima è la scelta del materiale (lessico) cui ricorrere tra quello studiato e su cui ci si è allenati per anni per comporre un ente sonico che abbia coerenza superiore (sintassi): insomma cosa eseguire e pure come eseguirlo. Per stabilire il grado di quanto un materiale musicale sia improvvisato, si devono considerare di quanto le due funzioni, ponderazione ed esecuzione, siano slittate nel tempo: più lo sono meno grado c’è d’improvvisazione vera. In ogni caso l‘improvvisazione non è da intendersi come mancanza di schemi, ma come l‘avvicendarsi di suoni in un preciso progetto. Il musicista deve pensare molto velocemente, pertanto deve dotarsi di moltissimi schemi (anche pattern/cliché) che lo mettano in condizione di avere molte scelte che attimo dopo attimo è obbligato di fare, e che gli permetteranno di comporre la sua musica. Ne deriva che questa musica non è così estemporanea come normalmente si crede, anzi è il frutto di anni di duro lavoro: la capacità d’improvvisazione è data da meditati progetti musicali, ma non precisi nei dettagli, che si concretano in tempo reale di volta in volta sempre diversi con l‘avvicendarsi obbligatorio e contingente di suoni. Proprio perché l'improvvisazione non è correggibile in un secondo o terzo tempo, come la scrittura di un tema, riff ecc., l’improvvisatore deve essere in grado di immaginare e poi concretare, mediante un’opportuna pronuncia, sintassi, frasi ecc. che siano sin da subito coerenti. Se in un brano musicale è prevista un‘improvvisazione, e il musicista concreta un'originale costruzione melodicaarmonica-ritmica-timbrica per mezzo di un’interpretazione, quindi correlandola con una peculiare tecnica espressiva, il valore intero viene accresciuto da questo apporto di poderosa ed estrema individualità. Pertanto il musicista che improvvisa, approssima e adatta tutto ciò che ha appreso alla propria personalità, nel momento del presente, pensandolo nel ato, per concretarlo nell’immediato futuro, tentando di armonizzare il tutto con le altre individualità e producendo una musica unica e irripetibile. Infatti abbiamo sempre queste condizioni conseguenti alle improvvisazioni: inseparabilità tra l’esecutore e la realizzazione, originalità (in sostanza è impossibile ripetere le stesse cose),

irreversibilità (non si può tornare indietro e correggere). (↑) INTENSITA’: Grandezza fisica del suono dipendente dall’ampiezza delle sue vibrazioni, che determina la sensazione sonora-uditiva dinamica di volume, che sarà pertanto forte o debole conseguenza se al cospetto di più ingenti o limitate vibrazioni. Si misura in decibel (dB) e la scala logaritmica prevede che 0 dB corrisponda al silenzio, 30 dB è un suono appena percettibile, e 120 dB è la soglia del dolore per l’essere umano: l’ottimale ascolto della musica si aggira tra 84 e 87 decibel. Ogni 10 dB circa, abbiamo la sensazione di raddoppio o dimezzamento del volume sonoro (oggettivamente ciò avviene ogni 3 dB), e la variazione minima che riusciamo a percepire è di 1 dB. L’intensità, insieme con altezza, durata e timbro, è uno dei 4 parametri del suono. (Da tenere in stima comunque che nelle tessiture frequenziali più basse e quelle più alte i suoni hanno bisogno di più intensità per essere da noi percepiti nello stesso modo relativamente agli altri delle regioni medie, poiché la risposta in frequenza del nostro apparato uditivo non è lineare, risultando meno efficiente agli estremi dello spettro frequenziale per noi udibile che va da circa 20 Hz a circa 20.000 Hz.) (↑) INTERVALLO: Distanza tra due note stabilita dalla loro differenza in frequenza: quando è tra due note simultanee è chiamato intervallo armonico, invece quando le due note sono in successione è chiamato melodico. L’intervallo armonico più consonante in assoluto è quello cosiddetto d’ottava (il rapporto tra le due frequenze è 2:1), poi c’è quello di quinta (rapporto 3:2) e a seguire quello di quarta (4:3). (↑)

INVILUPPO SONICO DINAMICO (ADSR): Evoluzione nel tempo dell’intensità di un suono dal momento in cui è generato a quando si estingue. Tutti i suoni, specie quelli che compongono la musica, hanno un andamento dinamico, ossia un profilo d'inviluppo di solito diviso in 4 fasi chiamato ADSR, acronimo di attacco, decadimento, sostegno e rilascio. L'attacco è la porzione del profilo dell'onda sonora attinente dalla sua comparsa, quindi da 0, alla sua massima intensità; il decadimento è quella fase pertinente dalla massima intensità ad un declino del suono fino ad un dato punto in cui si stabilizza come energia, iniziando così la fase di sostegno, e non appena termina questa condizione c'è appunto il rilascio, concernente la scomparsa del suono come intensità, fino quindi alla sua estinzione dunque allo 0. L'alterazione o comunque il controllo (anche artificiale con mezzi elettronici) da parte dello strumentista di queste 4 fasi d'inviluppo sonico (a fronte delle peculiarità di ogni strumento), determina le diverse pronunce musicali anche tra musicisti che suonano lo stesso strumento, rendendoli stilisticamente differenti. (↑)

L

LESSICO: E’ determinato dalle scale musicali (dalle quali derivano pure gli accordi e gli arpeggi melodici e armonici), le stringhe di note alle quali attingere (anche a fronte delle potenzialità del vocabolario tipico di ogni strumento). Il lessico è una scelta determinante per imprimere una basica continuità significativa all’operato musicale, una elementare maniera costitutiva di connessioni coerenti di suoni di per sé selezionati e scelti dalla Scala Cromatica (che a sua volta è una specificazione di rapporti frequenziali tra tutto lo spettro possibile di note), e tramite una persistenza di uso pure coordinata spesso con le armonie accordali, una specie di auto coesione che si potrà riconoscere già come un proto linguaggio. È la fase che concreta l’iniziale fare musica. (↑) Lessico Idiomatico: Espressioni "gergali", frasi, automatismi, a volte opzioni di sottostringhe di suoni all’interno delle stringhe-scale, quindi motivi e pattern che si ripetono anche con minime inflessioni ritmiche funzionali. Dunque innanzitutto le scale; poi schematiche mini-frasette e prediletti tipi di arpeggi, pattern, motivi ricorrenti, sequenze di accordi (stile). Il lessico idiomatico può concorrere a determinare anche la pronuncia (prosodia) in una sorta di anello di reciproca influenza: è sintesi funzionale del vocabolario e della pronuncia e quindi vestibolo della sintassi. (↑) LICK: vedi Pattern. (↑) LINEA MELODICA: Sequenza di poche note (circa 10, e non necessariamente tutte diseguali, con qualche ripetizione di altezza) di qualsiasi durata e ritmo, dunque pure con pause, ponderate tra lo scorrere scalare formato perlopiù da intervalli di seconde (semitoni e toni), e i movimenti di distanze frequenziali relative più ampie, quindi da intervalli spesso di terze, quarte e quinte, come quelli formanti gli accordi più comuni (arpeggi melodici). È la dimensione orizzontale della musica. (↑) LINGUAGGIO: Esito finale di un'articolata associazione di espressione e

contenuto, conseguenza del collegamento di 4 "condizioni" variamente combinate di vocabolario, pronuncia, lessico e sintassi. Dopo aver scelto lo strumento che ci darà un vocabolario di suoni, questi dovranno essere emessi correttamente e pronunciati a nostro piacimento gestendoli tecnicamente; spesso per esercitarsi si sceglie frattanto il lessico codificato ovvero scale e arpeggi (e qualche mini frasetta idiomatica da declamare); organizzando queste minime unità di suoni ordinate in unità più complesse e grandi, otterremo delle frasi (sintassi); connettendo tra loro più di queste frasi, avremo dei periodi, e collegando più periodi otterremo un peculiare "testo" (una melodia o meglio ancora un’improvvisazione giacché più ampia) pertanto con un linguaggio comodamente identificabile. (↑) LIRICITA’: Poche note suonate su un registro molto alto, spesso pure lentamente e con particolare enfasi dinamica. In questo caso si è sicuramente cantabili ma non necessariamente melodici (nella rigorosa accezione di questo glossario). Da rilevare che si è detto un registro e non una tessitura molta alta, pure se sarebbe più corretto e più probabile, giacché sicuramente uno strumento attestato in una regione frequenziale media-alta, è "naturalmente" più lirico; tuttavia proprio perché meno plausibile anche in termini tecnici, pure lo sforzato di un contrabbasso o trombone al limite della loro possibilità di emissione, lo percepiamo come lirico. (↑)

M

MELISMA: Arcaico tipo di ornamento che attende l’approccio a linee di note molto "cantabili" e "liriche", infatti proviene dalla musica vocale (tanto che questo abbellimento risale pure ai canti cristiani orientali dei primi anni, che su una sola sillaba facevano fiorire molte altre note, arricchendo la linea melodica; poi ereditato dal canto gregoriano). Dunque con il melisma, pur prevedendo i classici abbellimenti, le note sono spesso approcciate anche con frazionamenti di semitoni, perciò glissando in frequenza intorno alla nota "giusta": sia in oriente sia nel blues afroamericano abbiamo tutt’ora questo tipo di tecnica espressiva che ha fecondato anche l’odierno Occidente e strumentisti di ogni genere. (↑) MELODIA (TEMA): Unione tra due e più linee melodiche. È uno dei 4 elementi musicali insieme con timbro, ritmo e armonia. La coerenza di senso di un’ortodossa e consueta melodia è fornita da un sistema di prescelta delle note data dalle scale (lessico) e da un’elaborazione sintattica che perlopiù prevede delle ripetizioni/mini-variazioni di una cellula motivica, con archi sinuosi di altezze e velocità moderate (o durate elevate delle note): ciò è quello che percettivamente permette a una melodia di essere un elemento così netto da essere facilmente memorizzabile, quindi stimabile e molto suggestivo. Si attribuisce alla melodia quasi il sinonimo di musica anche per i suoi termini d’indipendenza da altri elementi musicali e in fatto di strumenti: spesso nei brani si attua la strategia di ottenere uno sfondo (con ritmi e armonie) tutto fa piattaforma e da trampolino di lancio per la melodia, che si sovrappone con forza quale che siano gli strumenti che la producono. Per converso se si togliessero quegli elementi di sfondo che fanno da corollario, la melodia è di poco alterata anche come importanza: starebbe sempre in "piedi" e sempre fischiettabile (almeno mentalmente). Comunque lo spazio frequenziale di distribuzione di una melodia di solito supera appena l‘ottava, tuttavia è consuetudine che le melodie siano suonate su tessiture medio-alte o alte poiché meglio si stagliano nello spazio, in virtù del fatto che le frequenze delle note sono più distanziate e sono meglio qualificabili e identificabili; oltre questo, le note con frequenza alta

hanno una semplicità armonica insita (ne percepiamo minori quantità poiché quelli più alti poi sono inudibili) che ne accentuano la maggiore definizione di linea melodica-orizzontale nello scorrimento temporale che di solito, come già detto, è mediamente molto rilassato. (Nei flussi melodici i principi più importanti, cioè quelli che percettivamente sono più incisivi, sono il numero di note e come sono distribuite nell’unità di tempo (ritmo), se sono suonate velocemente o no in senso assoluto (velocità bpm), la loro direzione (ascendente/discendente), la loro frequenza di tessitura (intonazione bassa, medio-bassa, ecc.) e quali sono gli intervalli relativi nel loro scorrimento. Queste condizioni sono più importanti delle scelte delle note in sé per sé stesse (cioè quali), e talvolta anche delle loro relazioni armonicointervallatiche con accordi, riff di basso e quant’altro (vale a dire delle loro derivazioni tonali e modali). (↑) METRO (TEMPO): Espressione (in termini numerici) del raggruppamento ritmico cellulare periodico (il frequentissimo elemento ciclico della battuta/misura). Quindi è definito da un’opportuna valutazione del periodare degli accenti insiti nel ritmo, e quindi la determinazione dei valori temporali dei vari eventi musicali in funzione dell’unità di tempo (battito), con conseguente misurazione e definizione numerica della cosiddetta metrica musicale (3/4, 7/8 ecc.). In altre parole il metro è l’indicazione (numeratore) di quanti battiti (pulsazioni/scansioni) ci sono dei valori temporali di riferimento (denominatore), con il richiamo circostanziale grafico/concettuale della battuta. (↑) MISURA: vedi Battuta. (↑) MODALITA’: Sistema di riferimento prettamente melodico di libere strutturazioni d’interrelazioni tra note. Per ottenere un ambiente musicale modale c’è necessità di pochissimo: un accordo isolato, una breve sequenza di note, pure ciclica (riff/ostinato), oppure una sola nota di solito di bassa frequenza (pedale). Non ci sono progressioni di accordi e le scale scelte (lessico) per realizzare le linee melodiche, definiscono in modo decisivo il carattere dell’esito musicale. Pertanto la modalità è una concezione musicale di tipo semplicissimo, d’impianto quasi primitivo: infatti le musiche più antiche sono modali. Tuttavia già nel corso del’900 ci sono state

importantissime incursioni nella modalità, andando poi a sviluppare ed estendere in maniera raffinatissima questa tipologia di organismo musicale. La modalità, mediante quelle aree statiche (armoniche, melodiche e ritmiche) offre svincolate scelte di scale da associare, stabilendo ulteriori straordinarie possibilità melodiche che creano peculiari atmosfere; le risorse melodiche potenziali applicative sono illimitate (scale e altre combinazioni intervallari). Il fatto che ci sia uno sfondo statico aumenta considerevolmente il puro carattere del lessico scelto e quindi la sua importanza assoluta. C'è un rapporto privilegiato tra la tonica fondamentale del modo scalare e tutte le altre note, concettualmente simile a quello della tonalità, tuttavia la differenza sostanziale è che questi rapporti tra note rimangono costanti a fronte della staticità dello sfondo armonico, determinando così un sapore e una formidabile suggestione denotativa e connotativa prettamente melodica non riscontrabile nelle musiche tonali. Quindi le combinazioni delle note nelle modalità hanno una tendenza centrifuga e più libera, perciò il sistema modale si affranca dai consueti centri gravitazionali autoreferenziali prodotti da quello tonale. (↑) MODULAZIONE: Variazione (di solito transitoria) di tonalità nel corso di un brano. Quindi si sostituisce la tonica e si sposta perciò la regione gerarchica di attrazione e gravitazione assoluta delle note, acquisendone di differenti e mutando pure le loro reciproche relazioni. (Cambia anche l’intera tessitura e registro delle altezze, movimentando tutto il denso magma musicale.) Tutto ciò si tramuta nell’ottenimento di nuova linfa rispetto a quella stabilita originariamente o, in ogni caso, a quella appena precedente. È un affascinante procedimento tecnologico che richiede la conoscenza delle leggi della tonalità. Ci possono essere modulazioni a tonalità più affini (più dolci) o difformi (più aspre) e ciò dal numero di note in comune tra le tonalità in questione: da un massimo di sei su sette, quelle distanti una quinta (intervallo di 7 semitoni), a quelle distanti un tritono (intervallo di 6 semitoni) che ne hanno solo una su sette! Le modulazioni servono per allargare le possibilità d’impiego delle note e il numero delle note stesse; ne conseguono aggi, sfumature e suggestioni altrimenti impossibili. Le modulazioni sono state uno strumento formidabile per tutta la musica classica o comunque tonale compresa quella jazz, per stabilire climi espressivi e rinnovare il linguaggio dall’interno; vale a dire che è stato per certi versi l’apogeo del concetto della funzionalizzazione del tono fondamentale e, come spesso accade, l’inizio del suo disfacimento, almeno nell’ambito accademico della musica classica. Il massimo delle contorsioni tonali mediante

un uso immenso di modulazioni è stato raggiunto con la musica classica dell’800 (della seconda metà a fine secolo), e nel ‘900 (verso la metà) per opera del jazz. (↑) MONODIA: Canto a una sola voce e, estendendo il concetto, qualsiasi singola melodia emessa da voci o strumenti in solitudine. C’è poi la monodia accompagnata, che nella sua forma più profana e antica s’incarna nei menestrelli e trovatori che, con liuti o comunque con strumenti in grado di emettere più note contemporaneamente (detti polifonici), intrattenevano il pubblico in modo semplicissimo ma "completo", avendo capacità di emettere melodia e armonia insieme. (↑) MOTIVO: Brevissima linea melodica (una o due battute) di solito emessa in tessitura media o alta; talvolta può essere sviluppata tramite qualche variazione. A fronte del suo impiego ricorsivo, può essere pietra angolare di brani: con poco materiale investito molto si guadagna. (Oltre a ciò si può considerare che un mini sequenza di sole 6 note in un’ottava nell’alveo di una scala diatonica, la possiamo combinare in oltre 262.000 maniere differenti, e una sequenza di 10 note ne offre più di un miliardo! Se invece consideriamo la Scala Cromatica, un motivetto di sole 8 note in una sola ottava lo possiamo differenziare in oltre 815 milioni di maniere. E senza contemplare le differenze di durate che forniscono l’importantissimo ritmo che tanto comporta distinzioni pure alle linee melodiche. Potenzialmente di spunti melodici, anche solo di motivici, ne abbiamo davvero moltissimi.) (↑) MUSICA: Organizzazione selettiva e combinatoria di suoni e silenzi disposti nel tempo. A loro volta i suoni hanno una strutturazione interna data dalla correlazione aritmetica delle frequenze che li compongono (armoniche): questi suoni sono chiamate note. Le note sono quindi distinte dal rumore, che invece include tutte le frequenze soniche in maniera indiscriminata, disorganica e imprevedibile. Tuttavia per fare musica possono essere anche usati dei rumori (in primis lo strumento batteria), ma sempre insieme con i suoni-note espressi da strumenti e voci. In ogni caso gli elementi musicali costituivi sono ritmo, melodia armonia e timbro. In pratica la prima selezione di suoni si ha con le scale e, seppur elementare, i primi i nel mondo della musica, si fanno quindi nel suonare le

note delle scale magari combinandole tra loro e con qualche durata diversa e pausa. (Anche solo considerandola come realizzazione storica, musica con soli rumori è un’eccezione, un’estremizzazione di un’organizzazione selettiva e combinatoria di suoni e silenzi disposti nel tempo che sicuramente potremo riconoscere come tale solo in virtù dell’elemento ritmico e quindi con delle caratteristiche che appunto possono ricordare delle eventualità musicali perché già conosciamo la musica: è un ente incompleto, troppo parzializzato nelle sue componenti essenziali per poterlo considerare musica, infatti esprime solo l’elemento ritmico che è sempre presente in musica e quindi non discriminante, pertanto non decisivo come assoluto fautore musicale (mai una melodia o un’armonia). Difatti, è come se in una sala cinematografica proiettassimo su uno schermo delle luci: lo possiamo considerare un oggetto-film ma non è "cinema", poiché se è vero com’è vero che per fare cinema abbiamo bisogno dell’elemento luce altrimenti non esiste, è altrettanto vero che solo con la luce non possiamo fare del cinema.) (↑)

N

NOTA: Suono (complesso) con una frequenza basica (la fondamentale prima armonica) che avvertiamo come quella di altezza percepita come riferimento identificativo e distinguibile, e con un corredo proporzionale di altri suoni più acuti che si sommano al primo (chiamati armoniche o armonici). Di solito il suono-nota è indicata da un nome o una lettera. Una nota è realizzata solo da una voce umana e da strumenti musicali che quindi, quando entrano in vibrazione, producono insieme al suono fondamentale una serie infinita di altri suoni rapportati al primo. Dunque la nota possiede una peculiare correlazione di frequenze interne più alte che si sviluppano insieme con la frequenza fondamentale: sono delle sovrapposizioni della frequenza originaria e sempre di variabili intensità. Questa è la singolarità della nota musicale, ovvero la relazione aritmetica delle moltitudini di frequenze che la compongono con riferimento alla frequenza primaria. Ciò la distingue da qualsiasi altro tipo di suono complesso, che non avendo questa caratteristica "armonica", rientra nella denominazione di rumore. Comunque la frequenza distintiva di una nota, quella identificabile e che permette appunto l’intonazione relativamente a quella serie di altre che simultaneamente sono presenti insieme a quella basica (armoniche), è solo quella data dalla prima armonica fondamentale: naturalmente è questa la precisa frequenza alla quale i musicisti con i loro strumenti si attengono e si riferiscono quando emettono dei suoni. Le note sono poi state codificate in una serie di altezze progressive e ordinate strutturalmente: queste sono state chiamate scale, e sono il tramite principe per fare musica. (↑)

O

ORECCHIABILITA’: vedi Cantabilità. (↑) ORNAMENTO (ABBELLIMENTO): Nota o miniserie di note accessorie (gruppetti, mordenti, trilli, appoggiature/acciaccature, tremoli/vibrati, glissati) che è realizzata intorno alla nota-obiettivo, quella rilevante di una lineare successione di note singole. Sono come il germogliare dei fiori intorno alla pianta. Chiamati anche abbellimenti che, dopo i melismi dei canti gregoriani, già in epoca barocca (XVII secolo) sono prosperati e (ab)usati per decorare (arricchendoli) i profili melodici; ed è possibile che siano previsti dai compositori ma anche "improvvisati" dagli esecutori. Comunque spesso sono ricerca un po’ affettata di rivestimento esterno ed effimero anche quando sono estemporanei, e quindi nemmeno frutto sincero di individuale espressionismo. (↑) OSTINATO: vedi Riff. (↑) OTTAVA: Intervallo e quindi distanza di altezza tra le note che si configura come quella di raddoppio di frequenza (rapporto 2:1) o di metà (1:2). È chiamato così perché abbraccia otto gradi della scala diatonica. Quando si conforma come un intervallo armonico perché stabilito tra due note percepite contemporaneamente, è quello che più dà il risultato di fusione tra i due suoni (sono quasi inscindibili), e quindi quello che è per noi il più dolce in assoluto ovvero consonante. A fronte dell’estrema somiglianza con il preciso raddoppio/dimezzamento delle note, i nomi e simboli di queste sono appunto limitate a 12 dell’intero campo acustico utile: gli 88 tasti di un pianoforte hanno solo 12 denominazioni, talora si indica con un numerino (da -1 a 7, o in alcuni paesi da 0 a 8) in quale porzione frequenziale (ottava) è quella nota. (↑)

P

PATTERN (LICK, CLICHE’): Schema sonico (di solito non più lungo di 2 battute) di note, ritmi ecc., ripetuto e quindi abusato e cristallizzato (talvolta con minime variazioni), e non necessariamente originale. È una funzionale soluzione di continuità tra un affastellamento sonico e un altro. (↑) PAUSA: È il non suono, il silenzio. Perciò è un elemento in musica spesso sottovalutato. La pausa è condensazione di energia, quindi slancio vitale di enorme caratura musicale, sia per qualità fisica-espressiva sia per qualità formale-compositiva. Una pausa è un elemento in più che può essere usato tra gli eventi musicali: se abbiamo due suoni di durate xy, una pausa z è una scelta ulteriore che possiamo impiegare, e oltre ciò altera le percezioni di durate quelle stesse note, aggiungendo quindi opportunità ritmiche combinatorie. La pausa è fattore musicale estremo e critico, nel senso che restituisce una sensazione di riposo, sospensione, di stasi, o al contrario di accumulo d’energia deflagrante; o i due effetti insieme. È quindi un ente musicale peculiare a sé stante, ma dipendente dal contesto con gli altri elementi per la determinazione di quale tra i due segni sensazionali andrà a indurre. (↑) PEDALE: Nota tenuta o ripetuta per un considerevole lasso di tempo (almeno qualche battuta). Spesso è eseguito con una nota grave (bassa frequenza), mentre le altre parti musicali si muovono creando interessanti esiti di fusioni tra modalità e tonalità: nel qual caso è musica né statica né dinamica, è un po’ centripeta e un po’ centrifuga. (↑) PERIODO: Sezione temporale di solito lunga 8 battute e contenente un'intera melodia; nel qual caso spesso è costituito da sottosezioni di frasi e motivi. (↑) POLIFONIA: Sovrapposizione di 2 o più linee melodiche (dette voci o parti) eseguite contemporaneamente; queste parti melodiche seguono un principio di

parità o comunque d’indipendenza percettiva che è antitesi della monodia accompagnata. La polifonia costituisce l’elemento super orizzontale della musica, e ha dominato la scena occidentale dal 1000 al 1500, giungendo a raffinatezze e virtuosismi davvero notevoli, per poi lasciare il campo all’avvento della tonalità. (↑) POLIMETRIA: Si costituisce quando sono sovrapposti 2 o più ritmi con metri differenti (per esempio 4/4 insieme con 5/4). Di là di questa semplice e semplicistica definizione, in verità la polimetria contempla una tecnologia musicale complessa inerente a precise ripartizioni aritmetiche relative a un’unità di tempo base per stabilirne (almeno) un’altra diversa con una pulsazione che abbia però insiti rapporti con quella base e con la quale periodicamente si ricongiunge (di solito dopo due o più battute). Dunque sviluppando la semplice definizione fornita all’inizio, la polimetria si concreta soprattutto quando un ritmo è sovrapposto (o accostato) a un altro avente sfasate pulsazioni di unità temporali (velocità differenti dei battiti di riferimento) prodotte da accenti marcatori ciclici chiari e predefiniti aritmeticamente che sistematicamente si ricongiungono con il primario. La polimetria è usata per realizzare peculiari effetti di percezione di 2 (o più) ritmi con velocità differenti, perciò di slittamento (e/o contrazioni-dilatazioni) di tempi. Questo offre all’ascoltatore una potente sensazione di intreccio e di rete multidimensionale temporale che altrimenti sarebbe inaccessibile: particolarissime frizioni di episodi sonici con dinamiche tensive e periodiche rilassatezze fornite dalle diverse scansioni di riferimento che si riallineano ciclicamente. Quindi le metriche (seppur differenti) sono sempre in connessione aritmetica in modo più o meno palese. Ciò si attua mediante numerazioni di velocità di battiti o suddivisioni delle porzioni dei valori temporali tra di essi presi poi a marcatori primari delle nuove unità di tempo. Non sono considerabili polimetrie tempi con battiti e marcatori che hanno rapporti con la scansione base di raddoppi/dimezzamenti (poiché hanno sempre coincidenti sovrapposizioni), né quelle concernenti numeri che non siano naturali (poiché al contrario la periodicità e l’insita connessione in sostanza non c’è e tantomeno è percepita, quindi sono sentiti come rapporti casuali e pertanto confusi). Non è da considerarsi una polimetria una sequenza di battute in successione con dei metri diversi (per esempio 4/4, 5/4, 3/4) che hanno la stessa unità di tempo. Quando le polimetrie sono poste in successione, si possono chiamarle anche modulazioni metriche.

(Soprattutto con le esperienze polimetriche la musica è un "luogo" per l’esplorazione del tempo; e dopo la sua profonda conoscenza, un laboratorio dove avviene la sua sofisticazione. Si conseguono così modalità temporali non agibili normalmente.) (↑) POLIRITMIA: Sovrapposizione di 2 o più ritmi diversi tra loro ma aventi la stessa unità di tempo di riferimento. Un poliritmo non è mai conseguentemente polimetrico, mentre una polimetria (quando sovrapposta) è sempre poliritmica. Si possono ottenere poliritmi intrecciando contemporaneamente più cellule di durate di vari suoni, e conseguenti loro diverse disposizioni nello scorrimento temporale assoluto, in un numero preciso di battute isòcrone: in pratica i diversi ritmi iniziano e finiscono nella stessa concatenazione di battute dunque allo stesso tempo. È quello che fa normalmente lo strumento della batteria suonando un qualsiasi ritmo anche con il tempo semplice di 4/4. In questo caso di evento specificamente percussivo si generano delle pause, quindi lo scorrere del tempo sottostante è percepito con più nitidezza ed evidenza. In ogni caso in musica tutti gli elementi generano del ritmo, giacché essendo l‘elemento temporale nel fluire di una musica si genererà comunque una pulsazione, ne consegue che in pratica i poliritmi sono naturalmente originati: ogni musica che ascoltiamo ha un accumulo di poliritmi, fatta salva la monodia pura. I poliritmi non devono essere confusi con le polimetrie. (Da notare che noi, in fatto di pura scansione/pulsazione, produciamo naturalmente e di continuo un poliritmo conseguenza di una specie di endogena polimetria: sempre si sovrappongono il battito cardiaco, di solito intorno ai 75 bpm, insieme con la respirazione, circa 17 bpm). (↑) PRONUNCIA/PROSODIA (METODO TECNICO D’ARTICOLAZIONE): L'insieme delle procedure operative strumentali di soluzioni di continuità per are da un micro evento all’altro, che serve tecnicamente al musicista per compiere, nei vari modi possibili, l’emissione sonica. La pronuncia è l'alterazione o comunque il controllo esecutivo (anche artificiale con mezzi elettronici) da parte dello strumentista delle 4 fasi d'inviluppo sonico dinamico: attacco, decadimento, sostegno e rilascio. Dunque la pronuncia di un musicista mediante le articolazioni degli inviluppi (chiamate legato, staccato, portato, accentato, glissato ecc.) determina la produzione sonora specifica,

esprimendo un’individuale tecnica formale: anche tra musicisti che suonano lo stesso strumento, le differenti pronunce musicali li rendono diversi tra loro pertanto "riconoscibili" anche per questo (stile). (↑)

R

REGISTRO: L’estensione specifica di uno strumento, ovvero quante e quali note è in grado d’emettere, definendo la sua portata d’intervento: la capacità di uno strumento in un preciso arco di frequenze. La massima estensione di registro la possiede il pianoforte (88 tasti), circa 7 ottave e mezzo (approssimativamente 27 Hz - 4.200 Hz). La voce umana (considerando dalle più basse dell’uomo a quelle più alte della donna) ne ha poco più della metà, quindi circa 4 ottave (80Hz - 1.400 Hz). (↑) RIFF (OSTINATO): Breve e ripetuta linea melodica (di solito lunga una o due battute) emessa nella tessitura di bassa frequenza. Questa cellula melodica non ha connaturata necessariamente una peculiare valenza ritmica, ma giacché si ripete, acquisisce naturalmente importanza anche in questo senso. (↑) RITMO: Susseguirsi di eventi sonici con inerenti durate ed eventuali pause intervallate nel dominio del tempo, che seguono di solito (ma non obbligatoriamente) uno o più modelli ciclici. Per ottenere un ritmo musicale oltre le distanze temporali tra gli eventi (molte volte eterogenee e con pause ma spesso multipli o sottomultipli di valore di durata), spesso ci sono anche delle variazioni d’intensità chiamati accenti che ne evidenziano la cadenza periodica. Il ritmo così articola il tempo suddividendolo, determinando la pulsazione costante, pertanto (se non data precedentemente) concreta l’unità di tempo (scansione temporale) di riferimento. È uno dei 4 elementi musicali insieme con timbro, melodia e armonia. (Per avere dei riferimenti per quanto concerne le enormi possibilità di scelte che ci sono nella musica, basti pensare che in soli 5 secondi, che corrispondono a 2 battute musicali di 4/4 a 96 bpm, ci sono circa 8 milioni di distinzione ritmica, e in 7 secondi oltre 4 miliardi.) (↑) RUMORE: Suono (complesso) di vibrazione interamente casuale, perciò

aperiodica e quindi di altezza indefinita, giacché contenente tutte le frequenze soniche ma distribuite con varie intensità nell’intero spettro (formanti), che gli conferiscono vari tipi di carattere (di bassa frequenza, media, alta ecc.). Pertanto ha parzialmente una sorta di timbro. Il rumore cosiddetto bianco ha in assoluto tutte le frequenze d'intensità simile, vale a dire che ha tutto lo spettro armonico manifestato in maniera pressoché uniforme in tutta la tessitura frequenziale. Il rumore in ogni caso non può esprimere né una melodia né una armonia. (↑)

S

SCALA: Serie strutturale di note (di numero variabile) d'altezza progressiva determinata da una qualsiasi combinazione di susseguenti intervalli nell'ambito della Scala Cromatica. Nella stragrande maggioranza dei casi abbiamo scale costruite nello spazio di un'ottava: insomma è una sequenza di note attigue che suddivide opportunamente l’intervallo compreso tra 2 suoni che stanno in rapporto 2:1. Pertanto sia nelle ottave successive sia nelle precedenti ripetono la stessa struttura intervallatica, quindi le stesse distanze proporzionali, conseguendo le stesse note con frequenze raddoppiate e dimezzate. Le scale sono determinanti per imprimere una basica continuità significativa all’operato musicale, sono il primo o verso la musica, il mezzo principale. La scelta di esse è molto importante, e va evidenziato che se è vero come è vero che è la scala il "DNA" del fare musica (di solito è lei a fornire le conseguenti armonizzazioni accordali), è la struttura scalare a offrire pure i "colori" e il "ritmo" melodico: le sfumature di chiarezza-cupezza sono date dal numero di semitoni presenti (+ numero=scuro), e in caso di parità, la distanza dalla tonica (soprattutto del primo, + vicino=scuro); il "ritmo" è dato dagli impulsi di distanze tra le note e quindi la sequenza intervallare (il semitono è percepito come accento, tono neutro, tono e mezzo slancio). Dunque quando si percorre la scala in senso inverso discendente rispetto al senso normale dalla distanza ascendente, le sensazioni di solito sono molto diverse. (Considerando modelli di scale a 5, 6, 7 e 8 intervalli, ne abbiamo 3.003 possibili, dunque molti possibili lessici sonici a cui attingere per fare musica.) (↑) SCALA CROMATICA: Vedi Sistema Temperato. (↑) SEMITONO: Il più piccolo intervallo che c’è tra le note statuito nel nostro Sistema Temperato/Cromatico, ed è chiamato seconda minore. Tuttavia la voce e molti strumenti possono usare frazionamenti di

quest’intervallo per approcciare la nota "giusta" stabilita da esso, per ottenere sfumature ed espressioni che connotano potentemente qualsiasi motivo, frase e linea melodica. Il semitono poi è stato convenzionalmente suddiviso in centesimi, ovvero in 100 parti, dunque la Scala Cromatica in 1.200 (e quindi pure un’ottava): questo ha permesso misure e interventi tecnici strumentali molto precisi e fini (intonazioni, costruzioni, accordature ecc.). (↑) SINTASSI: Scelta dei suoni e loro durate, e quindi la loro organizzazione nel tempo in unità più grandi, per il conseguimento di un "discorso". Quindi la sintassi è la costruzione di linee di fraseggio periodico mediante coerente organizzazione del lessico (scale e arpeggi): connessioni di unità minori e semplici (motivi e linee) per formare unità maggiori e più complesse (frasi e melodie) fino ai periodi, rispetto al suonare banalmente in modo uniforme una stringa scalare. (↑) SISTEMA TEMPERATO/CROMATICO (EQUABILE): Suddivisione matematica di un’ottava in 12 suoni chiamati note. Questa partizione di altezze progressive equivale a quella che è stata chiamata Scala Cromatica (una scala di semitoni), che è ovviamente la base di tutti i sottosistemi e metodi giacché corrisponde all’intero spettro di suoni "fissi" possibili dell’organizzazione e sviluppo della musica occidentale da molti secoli, dalla quale sono desunte perciò tutte le altre scale (e accordi). Mantiene lo stesso rapporto tra le frequenze degli estremi dell’intervallo semitonale (1,05946) tra le note attigue; correlazione che rimane costante anche considerando le traslazioni delle note nelle diverse ottave. Gli intervalli musicali realizzati dagli strumenti e codificati non sono proporzionali alle differenze tra le frequenze dei suoni, ma corrispondono alle differenze stabilite da un preciso coefficiente che quindi determina le distanze tra le relative frequenze. Pertanto gli spazi tra le note non sono lineari ma logaritmici: tra FA e SOL (considerate tutte nella stessa ottava) non sussiste la stessa assoluta distanza frequenziale che intercorre tra LA e SI, pur avendo lo stesso intervallo musicale di 2 semitoni (1 tono). Insomma mai tra le note corrisponderà la stessa differenza in frequenza quale che sia l’intervallo intercorrente e l’ottava presa in considerazione: le distanze tra le note sono in questo sistema sempre diseguali. (↑) STILE: E’ stabilito da precise (e costanti) scelte delle potenzialità offerte dalla disciplina musicale.

Queste scelte possono essere sia di origine tecnica (in musica è la pronuncia) sia di origine intellettuale (fattori connotativi-sovrastrutturali), nei più disparati modi di combinazioni tra loro (i fattori denotativi-strutturali sono agenti marginalmente). Stile significa adozione di specifiche possibilità a disposizione per il conseguimento di un obiettivo che abbia evidenti segni di peculiarità (che di solito sono ricorrenti). Il riconoscimento degli stili avviene quando queste scelte, fusioni e metodi tecnici sono ripetuti, e ciò determina in seguito anche scuole e tendenze. Lo stile è perlopiù sovrastrutturale: si sovrappone e s'integra con il genere. (↑) STRUTTURA: vedi Forma. (↑) SUONO: Fenomeno meccanico dato da una perturbazione di un mezzo di propagazione tale da essere rilevato dal nostro sistema uditivo. Di solito il mezzo è l'aria, e il suono in questo mezzo viaggia alla velocità di circa 340 m/s (metri al secondo). All’origine di un suono vi è sempre una vibrazione, effetto di una sollecitazione, quindi la produzione del suono è fornita da sorgenti (corpi) che vibrano e generano poi un’onda. Onda che arriva eventualmente al nostro orecchio, perché nell’aria (da una posizione d’equilibrio) le molecole si comprimono e si rarefanno spostandosi così nello spazio, variando la costante pressione atmosferica fino a "colpire" il nostro orecchio. Il suono è il nucleo qualitativo di ogni attività vibratoria di un corpo. I 4 parametri caratteristici di un suono sono intensità (ampiezza, volume), durata (tempo), timbro (spettro frequenziale armonico) e, nel caso delle note, altezza (frequenza specifica distinguibile). Ci sono 3 tipi di suoni, due complessi, rumore e note, e uno chiamato puro, che in pratica esiste solo tramite emissione di strumenti elettronici e ha solo la frequenza fondamentale pertanto non ha armoniche. (↑)

T

TECNICA: Supplemento (e complemento) della tecnologia: è il lato meccanico della messa in atto. La tecnica quindi è (o potrebbe essere) la terza e ultima fase della competenza di un individuo dopo la pura conoscenza (teoria) e le sue potenzialità applicative (combinazioni e permutazioni delle parti teoriche). La tecnica però si può scorporare dal tutto tecnologico poiché è la parte "operaia" di una realizzazione, perciò non richiede istruzioni teoriche e di procedimenti per l'evoluzione di una data disciplina, dato che con la tecnica non si deve concepire e progettare un'opera. Si possono distinguere comunque tre tipologie di tecniche: la tecnica manuale di accesso basica, la tecnica formale e la tecnica espressiva. La prima è quella che permette di riprodurre concretamente il dato in potenza fondamentale e denotativo; la seconda perfeziona quella riproduzione in termini di precisione e pulizia per mezzo di un'abbondanza di quei mezzi manuali basici. Infine la terza è quella che s'incarica di connotare i dati in termini di sfumature e proporzionamenti, attraverso iper raffinazioni delle procedure di articolazione dei suoni (pronuncia) che s'intendono riprodurre, con un'inevitabile interpretazione dei dati originali e un trasferimento soggettivo di mutazione di questi, che può a sua volta accrescere l'opera e spesso, ma non ineluttabilmente, migliorarla. Queste tre tecniche dovrebbero essere in linea di massima apprese e sviluppate in cronologia come appena enunciato. (↑) TECNOLOGIA: Insieme del complesso di pure conoscenze teoriche quindi di metodi e procedure per lo sviluppo e l'applicazione di un’attività. Pertanto la tecnologia è il prodotto della ricerca e sviluppo metodologica delle facoltà applicative di una sapienza teorica primaria, ma a sua volta potrà permettere un successivo aumento del cosa fare creativamente piuttosto che del come fare tecnicamente, in una virtuosa quanto stimolante attività biunivoca. L’argomento si potrebbe risolvere così: tecnologia = teoria, tecnica = pratica, ma le questioni sono più sfumate e complicate. La tecnologia non ha necessità della tecnica e viceversa, prova ne è la grandissima storia della musica classica: i magnifici compositori del ato erano dei portenti di sapere ma non tutti erano

degli esecutori eccezionali, come d’altronde chi successivamente ha riprodotto (magari pure magnificamente) la loro musica scritta, non doveva obbligatoriamente essere (infatti spesso non lo era) in grado di concepire e comprendere quello che stava leggendo per eseguirlo. Questa netta distinzione è per inquadrare i due cardini fondamentali, non necessariamente molto interagenti (caratteristica di questa disciplina artistica), delle capacità che le persone devono avere per esprimere la musica: strutturale sintesi tecnologica per la composizione, esito di astratte ed estese informazioni analitiche, e la vitale tecnica per l’esecuzione, esito di concreti addestramenti fisici applicativi di funzionali informazioni meccaniche. (Solo nel ‘900 e in altri generi musicali, come il jazz, i musicisti si avvicinano a una sorta di equilibrio tra l’essere tecnologici e tecnici. In questi casi la pura teoria è il o basico che permette concrete attività altrimenti quasi impossibili, poiché gli esecutori devono fare musica improvvisando dunque inventando, di solito, dentro forme complesse: devono avere una adeguata preparazione. Così fanno confluire il loro specifico apporto e realizzano una musica che si materializzerà in modo non prestabilito, causando così effetti sempre differenti: sono dei mini compositori istantanei. In questi casi il musicista è una fusione tra il tecnico-esecutore e il tecnologo-compositore.) (↑) TEMPO: vedi Metro. (↑) TESSITURA: L’estensione in frequenza generale oggettiva dei suoni musicali pertinente all’intera macro famiglia di voci e strumenti (suoni fondamentali puri ovvero senza considerare le armoniche). L’arco di frequenze va circa da 27 Hz a 4.187 Hz, ed è corrispondente a quella del pianoforte (LA-1/DO7): per esso perciò tessitura e registro coincidono. (↑) TIMBRO: E’ la qualità di un suono ("colore tonale") che lo rende distinto da un altro anche a parità di altezza e intensità, procurando così a noi una sensazione sonora pure molto diversa, che ci permette di distinguere non solo famiglie di strumenti differenti tra loro (tromba-chitarra), ma anche tra strumenti della stessa famiglia (chitarra-chitarra). Il timbro è stabilito dallo spettro armonico (dato dalle sempre differenti distribuzioni di energia delle armoniche) e dal suo profilo d’inviluppo sonico dinamico: queste determinazioni possono essere dipendenti anche dall’azione del

musicista, perciò egli può variare ulteriormente il timbro potenziale e insito del suo strumento, rendendolo più individuale e caratteristico. Il timbro è uno dei 4 parametri del suono insieme con altezza, durata, e intensità; ed è uno dei 4 elementi musicali insieme con ritmo, melodia e armonia. (↑) TONALITA’: Specifico ordinamento armonico-melodico di vincolanti relazioni di riferimento intercorrenti fra le note di una scala diatonica per farle "orbitare" (come satelliti riguardo un pianeta) verso una nota distinta chiamata tonica mediante progressioni di armonie. Infatti nella pratica funzionale le note sono messe armonicamente in rapporto tra loro cioè coagulate formando così gli accordi, che sono poi ulteriormente messi in relazione tra loro orientandoli in modo che gravitino attorno e/o tendano attratti in direzione di una nota predeterminata (tonica) considerata quella basica fondamentale, che è pertanto il centro tonale intorno al quale melodie e quant’altro "girano". Il sistema tonale mediante armonie sempre (velocemente) mutevoli, offre una peculiare vitalità musicale intrinseca e indipendente da cosa (melodicamente) si sovrappone, ma che è obbligato da un limitatissimo lessico; vitalità e dinamismo musicale, seppur per un tempo minimo, che sono possibili aumentare con sovrapposizioni non coincidenti con la scala di origine. Insomma è un sistema organizzato in modo tale che ci sia una fortissima gerarchia tra i suoni, realizzata tramite l’uso degli accordi e quindi le loro concatenazioni armoniche verticali con sopra una melodia; talvolta per dilatare le regioni sonore tonali si effettuano delle modulazioni. È il nostro sistema musicale per eccellenza da molti secoli, è molto efficiente, e ancor oggi siamo attorniati da musiche a impianto prettamente tonale nei generi più diffusi in assoluto (pop, rock e jazz). (↑) TONICA: Prima nota di una scala (la più grave, quella che le dà il nome). La tonica è considerata pure la nota (fondamentale) che assegna il nome ad un accordo. (↑)

U

UNITA’ DI TEMPO (BATTITO): E’ la concreta scansione temporale, la pulsazione con spaziatura costante che produce il riferimento cui tutto e tutti sono rapportati. Si cronometra per minuto (bpm). (↑)

V

VOCABOLARIO: Le potenzialità insite di uno strumento di accedere alle possibili "parole" ovvero ai suoni (frequenze-note) musicali e alla loro pronuncia, e quindi, nella pratica, a quali suoni e come realizzarli. Pertanto strumenti diversi hanno potenzialità differenti. E’ il materiale musicale di base, ossia le note a disposizione e loro capacità timbriche, dinamiche, di frequenze di registro e tessitura e loro condizioni di essere emesse: nel caso del pianoforte, per esempio, senza possibili approcci microtonali né di alterazione dell’inviluppo sonico dinamico (la nota-frequenza non è possibile modularla, è quella e basta). Infatti il flauto ha, rispetto al pianoforte, una ridotta estensione in frequenza (meno della metà), ed è impossibilitato di suonare più di una nota alla volta, ma ha accesso a tutte le micro note-frequenze. Ciò gli permette tecniche di articolazione dei suoni molto difformi (pronuncia) e supplementari, e quindi differenti sintassi e addirittura lessici: relativamente alla loro capacità di registro, strumenti come il flauto non hanno limiti nelle quantità di note che possono emettere, dunque sono in grado di produrre stabili e/o transitorie scale peculiari rispetto a strumenti come il pianoforte che hanno altezze fissate in intervalli semitonali (pertanto non possono emettere più di 13 note per ottava). Questi strumenti tra loro hanno possibilità di accesso a linguaggi molto diversi a fronte di vocabolari in origine molto diversi. (Esacerbando: il pianoforte, la fisarmonica, il vibrafono, l’organo ecc., non hanno possibilità di conseguire linguaggi atti a suonare, in modo ortodosso, musiche fondate su lessici diversi, come quella indiana, mediorientale o simili; il flauto, il violino, la tromba, la chitarra ecc., invece possono farlo.) (↑)

BIBLIOGRAFIA

Questi sono i libri che ho consultato e che mi hanno spinto a scrivere il mio.

Otto Károlyi, "La grammatica della musica" – Einaudi, 1969

Lettèrio Cirìaco, "Compendio di teoria musicale" vol. 1 - vol.2 – Lettèrio Cirìaco, 1972

Luigi Rossi, "Teoria Musicale" – Carrara, 1977

Gianfranco Maselli, "Lessico musicale" - Bur Rizzoli, 1982

Nerina Poltronieri, "Lezioni di teoria musicale" vol.1 – vol.2 – Rugginenti, 1987

Susanna Gramaglia, "Teoria e armonia e nozioni di arrangiamento jazz" Ricordi, 1991

Ulrich Michels, "Atlante di musica" - Sperling & Kupfer, 1994

Enciclopedia della Musica - Garzanti, 1996

Ettore Napoli, Antonio Polignano, "Dizionario dei termini musicali" - B. Mondadori, 2002

Arrigo Quattrocchi, "La musica in cento parole" – Carocci, 2003

Ennio Peres, "Concerto Pitagorico. Le basi matematiche della musica" – Iacobelli, 2007

Dizionario "Tutto musica" – DeAgostini, 2009

Giovanni Bietti, "Ascoltare Beethoven" - Laterza, 2013

L’AUTORE

Carlo Pasceri, musicista, ha all'attivo quattro album solisti, più svariate collaborazioni con artisti nazionali. Ha collaborato con diverse riviste di musica tra cui Ciao 2001, Fare Musica e AXE Magazine. Per quest'ultima ha curato per oltre otto anni la sua rubrica didattica, recensito dischi, testato strumenti musicali, scritto approfondimenti storico-musicali specifici e trascritto musica. Insegna corsi per "Esperto delle Tecniche di Costruzione e Gestione del Suono" e "Tecnica Audio". Nel 2011 è uscito il suo libro "Tecnologia Musicale", edito da Aracne Editrice. Dal 2013 collabora con il sito Jazzitalia.net, pubblicando periodicamente una serie di lezioni musicali e articoli sotto il titolo "Viaggio all'interno della Musica". Nel 2013 ha dato alle stampe "Musica ‘70" e "Supreme Kind of Brew. Infine nel 2014 ha pubblicato il "Piccolo Glossario Sinottico Musicale".

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