La Iluminacion En La Danza 3q418

DANZA DANCE DANSE DANS TANZ Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, INBA

BAILETIN E-ZINE

ILUMINACIÓN EN DANZA1© POR ROCIO C. BARRAZA RIVACOBA Luz Adriana, ex-alumna de ballet en la ENDCC

El diseño de iluminación es un aspecto muy importante para completar el mensaje del coreógrafo. Con los diseños apropiados se dan los cambios de ambiente y sensaciones que percibimos los espectadores. Con la iluminación, se comunica el colorido, el ambiente, se da la atmósfera a la escena, y , a la vez guía el interés del público hacia la parte esencial de la danza y de los bailarines, sus cuerpos, su vestuario, y sobre todo, sus movimientos. Casi todos los efectos escénicos que antes se hacían por medios mecánicos, ahora se hacen a base de proyección: nubes, estrellas, fuego, tempestad, mar, y otros efectos especiales. La iluminación actualmente forma parte de la interpretación de una obra coreográfica. Anteriormente, desde el Ballet de Cour (ballet de corte) del Rey Luis XIV hasta los siglos 17 y 18, se utilizaban velas o grandes cirios para iluminar el lugar donde se bailaba. Entonces la iluminación era nada mas para poder ver a los bailarines. Después, en los años 1830 a 1870 aproximadamente, se utilizaba iluminación con lámparas de gas, que podían ser reguladas para dar la impresión de ambientes misteriosos o nocturnos. Pero el uso del gas era muy peligroso, y varias bailarinas murieron al incendiarse sus vestidos. El gas se utilizó por primera vez en París en 1832, para la representación de la ópera de Meyerbeer, Roberto el Diablo. En la actualidad, la electricidad a principios de siglo, y a finales de este siglo, el uso de computadoras, han revolucionado la iluminación para danza. Con el uso de la electricidad, se diseñaron lámparas de diversos tipos que se colocan en diferentes posiciones y la luz se puede regular de manera muy precisa, con lo cuál, se le da volúmen a los cuerpos en el foro, esto es, que antes las figuras tenían la tendencia de verse aplanadas y ahora se aprecian en tres dimensiones.

Existen teatros que cuentan con equipos y tecnología muy avanzada, donde los cambios de iluminación están programados a través de las computadoras. Esto es especialmente útil cuando se tienen cientos de luces a disposición para iluminar un foro. Sin embargo, en otros teatros en México no se cuenta ni con el equipo, ni con la cantidad apropiada de lámparas. En ocasiones, tampoco se cuenta con los técnicos especializados, por lo que depende de la creatividad, habilidad y conocimientos de la persona que se encargará de la iluminación, el poder hacer un buen diseño que apoye la coreografía. En estas ocasiones se debe manejar la consola en forma manual durante la función. Pensando en que la danza es una forma de comunicación para un público, y que es una expresión organizada que emplea movimientos corporales y usa un ritmo como base, se pueden diferenciar los tipos de danza teatral. Estos tipos de danza tienen características comunes: 1. El objetivo de la danza. Puede ser contar una historia, delinear un sentimiento, o tener una funcionalidad específica, como bailar para que llueva, celebrar una victoria, etc. 2. Técnica dancística y vocabulario de movimiento. En ballet existen técnicas formales, así como en la danza contemporánea y la danza española. 3. El acompañamiento. Estas danzas tienen un ritmo base, que puede ser música, el ritmo interno del bailarín, o generadores de sonido de varios tipos, incluyendo la voz. En danza clásica tradicional se utiliza la música primordialmente, pero la danza neoclásica o "post modernista" puede utilizar lo que el coreógrafo sienta necesario para apoyar su obra. 4. La forma de la producción. Algunas coreografías utilizan escenografía específica. Otras coreografías abstractas no la utilizan necesariamente. Algunos coreógrafos involucran el uso de luz, sonido, vestuario y objetos dentro de los movimientos de los bailarines.

Para el diseño de la iluminación es necesario pensar en estos aspectos, y en los tipos de danza que se presentan, pues de ello depende el diseño que apoye las coreografías.

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El ballet clásico tradicional o de repertorio, resalta la técnica y la historia. La danza contemporánea y el ballet neoclásico resalta la idea a comunicar, los ambientes, las sensaciones, y en ocasiones alguna historia. La danza-teatro, y otras tendencias como el performance, como el trabajo de John Cage, que involucran otras artes, también tienen como objetivo primordial transmitir una idea, recurriendo a todo lo que sea necesario. La danza de entretenimiento, como el jazz, el tap y otras formas de danza tienen el objetivo de entretener y divertir, por lo que las necesidades de iluminación son muy diferentes a las anteriores. La danza que forma parte de una producción, como serían los ballets de óperas, o las comedias musicales, son danzas teatrales que requieren diseños complejos de iluminación. La danza étnica, folklórica o regional, por lo general tienen otras funciones además de la función estética. Pueden ser rituales, o sociales o festivas (celebratorias). Algunas compañías hacen versiones mas estilizadas de estas

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danzas para "teatralizarlas", esto quiere decir que para su difusión, las han modificado para que se puedan bailar en los teatros. La pantomima, las artes marciales, las danzas gimnásticas y otras, tienen otros objetivos, por lo que la función estética - danza como arte - queda relegada a segundo plano. Para muchas personas, estas actividades no forman parte del concepto de danza propiamente dicho.

De acuerdo con esto, el diseñador de la iluminación utiliza técnicas y criterios específicos para apoyar las ejecuciones de las obras. El diseñador debe conocer bien la obra que va a iluminar, y estar presente en los ensayos en el foro. A menudo, las funciones de danza se llevan a cabo fuera de un teatro, ya sea en espacios abiertos o museos, o inclusive en la calle, y a veces con luz de día. Si la función se lleva a cabo en la noche, el diseñador de iluminación debe tomar en cuenta el equipo y la disposición del mismo para lograr los efectos deseados. En danza, la iluminación es casi opuesta a la que necesita una obra de teatro o la ópera. En la danza, lo más importante son los bailarínes; su cuerpo y sus movimientos deben resaltarse, así como el espacio donde se mueven. En la ópera y en el teatro, la voz y las caras de los actores son más importantes, así como los decorados. El aspecto quizá mas importante que considera el iluminador de danza, es el tipo de piso sobre el cuál se bailará. La danza clásica enfatiza los pies de los bailarines. La reflexión de la luz que da el piso, el color y o patrón dibujado del piso, es una parte de la decoración del escenario, y todo ello afecta cómo se verán los bailarines en escena. La luz que rebota del piso varía: superficies obscuras rebotan menos la luz que las claras, afectando también cómo se verá el ciclorama. Estos pisos obscuros ayudan a resaltar los cuerpos y pies de los bailarines. Otros diseñadores prefieren pisos muy claros y reflectivos, ya que la luz que rebota o se refleja, enfatiza mas los pies y da mas luz a las caras de los bailarines. Todo es cuestión de preferencias, del tipo de danza de que se trate, y de la idea coreográfica. Algunas sugerencias para iluminar danza . 1. Se debe tratar de utilizar las luces en forma cruzada, para dar volumen a los cuerpos de los bailarines y a sus movimientos y evoluciones sobre el escenario. 2. Se debe procurar utilizar contraluces (luz que proviene de atrás de los bailarines) para separar a los cuerpos del fondo del escenario, de manera que se de la ilusión de tercera dimensión. 3. La luz que proviene del frente tiene una importancia menor a la contraluz. En los ballets clásicos tradicionales la luz frontal es mas necesaria, pero mas bien para crear un ambiente. Nunca debe usarse la luz frontal en exceso. 4. En la danza clásica, los reflectores seguidores son útiles para enfatizar los movimientos de los bailarines principales, o para llamar la atención a un lugar específico en el escenario. Siempre se deben usar en forma moderada y con suave intensidad, a menos que una coreografía requiera de otro diseño. 5. Se debe estudiar los movimientos de los bailarines en el escenario para poder definir patrones de movimiento y figuras y poder apoyarlos creativamente. Se debe tener en cuenta los movimientos de cargadas o movimientos que se lleven a cabo sobre practicables o plataformas, para iluminar el espacio por arriba de la altura de los bailarines. En ballet clásico, se debe tener cuidado de no cortar

las figuras por la mitad o cortar los pies con sombras causadas por lámparas mal colocadas. En danza contemporánea en ocasiones los diseños pueden ser mas libres en este aspecto. Por esto, a algunos coreógrafos les gusta iluminar el ballet con un poco de luces "picadas" y a danza contemporánea con luces "rasantes". 6. En la iluminación para danza, se deben tomar en cuenta las áreas del escenario y enfatizarlas utilizando las lámparas especiales necesarias, apoyando el foco escénico de la coreografía. Así mismo, debe poder crear ambientes generales que iluminen todo el espacio. Por ejemplo: los colores ámbar, rojo y rosa, dan un ambiente cálido, de día, alegre o de fuego; los azules y violetas dan la sensación de frío, de la noche, de misterio o tristeza. 7. El diseño de iluminación de una obra coreográfica nunca se debe imponer; esto es, que el diseñador no debe forzar un diseño sobre el coreógrafo y los bailarines. El diseño debe siempre responder a las necesidades de expresión de la coreografía y no al revés. 8. El uso del ciclorama o telón negro o inclusive, no usarlos, debe decidirse de acuerdo con el tipo de danza y la idea que comunica la coreografía, pero siempre debe darse la ilusión de tercera dimensión de los cuerpos de los bailarines de manera que se aprecie el volúmen de sus cuerpos y no se vean aplanados. Se debe evitar que aparezcan sombras de los cuerpos sobre el ciclorama o que otras luces "manchen" el ambiente creado. En danza contemporánea o neoclásica, esto no es tan estricto. Para ello, es importante el lugar donde se colocan las lámparas, y el ángulo que forma la luz.

Equipo. Entre los equipos de luz podemos distinguir dos clases:  

1. Equipo para la iluminación general: incluye las diablas, la batería, los varales, secciones, cajas u olivettes y "rifles", que dan una luz difusa. 2. Equipo para luz concentrada o dirigida: reflectores o spots de los diversos tamaños e intensidad.

Los colores básicos para utilizar en las diablas, la batería y varales, son: blanco, rojo o ámbar y azul. Existen las micas o geles de muchos colores, que pueden cambiarse en las lámparas para que la luz sea de otro color o se puedan hacer mezclas de colores. Todo el equipo de iluminación se maneja en la cabina con un aparato que puede ser un tablero o consola y que permite controlar la intensidad de las luces a través de dimmers. Esto permite también que la luz no se prenda y se apague bruscamente, sino poco a poco.

NOTAS.

1. Este capítulo fue elaborado por Rocio C. Barraza Rivacoba para el libro "PRACTICAS ESCENICAS EN LA CARRERA PROFESIONAL DE DANZA CLASICA, PRIMERO Y SEGUNDO AÑO", por la MTRA. SYLVIA SUSARREY RIOS, México D.F. DERECHOS RESERVADOS© SYLVIA SUSARREY RIOS, 1999. PROHIBIDA SU PUBLICACION Y REPRODUCCION.