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TEMA 10: EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA 1. LA ESPAÑA DEL RENACIMIENTO Las intensas relaciones que España mantenía con Italia, como consecuencia de las múltiples campañas impulsadas por Fernando el Católico por el dominio sobre Nápoles y Sicilia y por el continuo intercambio de artistas y materiales entre los distintos estados italianos y la monarquía hispánica, permitieron que la esencia del Renacimiento fuera asimilada ya a finales del siglo XV y se extendiera a lo largo del siglo XVI. Las características sociales de la España del momento distaban bastante de las que se habían observado en Italia en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia el resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto en que se desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, en los albores del siglo XVI el fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña y Valencia; al mismo tiempo, si en Italia la aparición de la burguesía y su enriquecimiento hicieron posible que dicha clase social se convirtiera en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas, en España eran la iglesia, la nobleza y la monarquía absolutista las que seguían ostentando el poderío económico; sin embargo las circunstancias políticas del momento, profundamente marcadas por la consecución de la unidad nacional y por el descubrimiento del Nuevo Continente a finales del siglo XV, hacían de España un reino con grandes perspectivas, lo cual también facilitó la penetración de Renacimiento. Todo esto explica que el Renacimiento en España se mantenga bajo la tutela de la nobleza, la Corte y la Iglesia, quienes establecerán cuáles son las necesidades que debe satisfacer el arte. 2. LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO ESPAÑOL La arquitectura del Renacimiento español se puede estructurar en tres fases o períodos: Estilo Plateresco, Estilo Purista o Clasicista y Estilo Herreriano. No obstante, es preciso hablar previamente de la evolución que sufren las formas arquitectónicas a lo largo del siglo XV para llegar a lo que se considera propiamente arquitectura renacentista y comprender cómo se ha ido gestando el lenguaje artístico del nuevo estilo. A) La evolución de las formas arquitectónicas a finales del siglo XV A principios del siglo XV las formas arquitectónicas presentan una claridad absoluta y una decoración suave y moderada que irá evolucionando hacia una decoración excesiva, cuya máxima expresión se dará durante el reinado de los Reyes Católicos. Los artistas trabajan, en la mayoría de los casos, al servicio de una clase noble adinerada o de los propios reyes y ponen de manifiesto a través de sus obras sus deseos de grandeza. 1

Así, paulatinamente, las líneas arquitectónicas se irán recargando de ornamentación hasta ver totalmente desdibujadas sus formas; éste es el estilo que caracteriza la construcción de San Juan de los Reyes en Toledo, de Juan Guas, probablemente la obra más representativa del período, que ha recibido el nombre de Estilo Isabelino. Como ejemplo de transición de este final del Gótico al Primer Renacimiento podemos citar otra construcción de este mismo arquitecto, Juan Guas, el Palacio del Duque del Infantado de Guadalajara, en cuya fachada podemos apreciar una mezcla de características de ambos estilos. B) El Primer Renacimiento: El Estilo Plateresco Este estilo arquitectónico se desarrolla cronológicamente en la primera mitad del siglo XVI, correspondiendo con el reinado de Carlos I de España y V de Alemania, y geográficamente se ubica principalmente en Castilla, concretamente en las ciudades de Burgos, Toledo, Guadalajara, Salamanca y Valladolid; posteriormente, la primacía artística pasará sobre todo a Sevilla, aunque otras ciudades españolas contarán también con obras pertenecientes a este estilo. Se trata de un estilo ornamental que abarca desde las últimas obras del Gótico Flamígero hasta la consolidación de las formas plenamente renacentistas libres de pervivencias góticas y platerescas, es decir, hasta lo que se denomina Estilo Clasicista por su clara influencia italiana. La característica fundamental que define el Estilo Plateresco es la profusión decorativa, que combina simultáneamente elementos de influencia italiana con otros hispanos: medallones, escudos, balaustradas y figuras humanas, animales o vegetales entrelazadas, los denominados grutescos, se conjugan con habilidad y cubren las superficies de los edificios hasta desdibujar sus originarias líneas puras. Esta característica le valió la denominación de “plateresco”, al comparar su minuciosa decoración con la tarea propia de los plateros y orfebres. Las obras arquitectónicas y los artistas más significativos del Estilo Plateresco son los siguientes: La Fachada de la Universidad de Salamanca, de autor anónimo: esculpida en el primer tercio del siglo XVI, se divide en tres cuerpos por encima de dos arcadas o puertas (una denominada de la Virtud y otra del Vicio), en el primero aparece un medallón con los Reyes Católicos y una inscripción en griego, en el central se encuentra el escudo imperial de Carlos V, y en el superior se halla la figura del Papa con dos cardenales; se trata de una fachada muy decorada, que recuerda a un retablo, con calles y cuerpos, con medallones, escudos, motivos heráldicos, remates en crestería, decoración calada imitando a una cresta, con elementos ornamentales que imitan candelabros u otros elementos constructivos, arquitectónicos o simplemente abstractos, con grutescos, etc. 2

La casa de las Conchas de Salamanca, es un palacio urbano representativo de la nueva nobleza cortesana del siglo XVI. El edificio se construye por encargo de don Rodrigo Maldonado de Talavera, caballero de la Orden de Santiago, Las conchas, símbolo de la familia Pimentel, decoran la fachada del edificio tras la boda de Juana Pimentel con don Arias Maldonado en 1517 y las flores de lis de los Maldonado en el escudo. El palacio urbano se convierte en símbolo del poder de la nobleza. En él se pueden observar reminiscencias del antiguo castillo medieval: altas torres, que se levantan orgullosas sobre el resto de los edificios de la ciudad, y una crestería que evocaría las almenas. Los muros exteriores e interiores se llenan de blasones y símbolos del señor del palacio, orgulloso de su condición se lo muestra al resto de los ciudadanos. En la fachada principal destacan la puerta dintelada con dos órdenes decorativos. En la parte superior hay un blasón de los Maldonado enmarcado por molduras de líneas curvas y rectas, en la parte inferior del dintel se representan delfines, símbolo renacentista del amor, unidos a motivos vegetales. C) El Clasicismo Renacentista: El Estilo Purista Este estilo coexiste con el plateresco durante los años centrales del siglo XVI y muchos de los arquitectos que lo representan son también autores de obras de Estilo Plateresco. El Estilo Purista o Clasicismo Renacentista se caracteriza por un retorno a las formas clásicas, al gusto italianizante, por una implantación de aquellas formas arquitectónicas que han definido al Renacimiento italiano. Como consecuencia la arquitectura recobra su esencia y su principal preocupación se centrará en los espacios, concebidos como un todo unitario en el que unas partes no se acentúan más que otras. Se imponen los arcos de medio punto, los almohadillados en los muros y los edificios adquieren un aspecto más sereno, armónico y equilibrado. La decoración, aspecto fundamental del estilo inmediatamente anterior, pasará a ocupar un segundo plano, generalmente sólo cubre puertas y ventanas, limitándose a algunos elementos concretos, generalmente de inspiración clásica. Las obras arquitectónicas y los artistas más significativos del Estilo Purista o Clasicismo son los siguientes: La Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, de Rodrigo Gil de Hontañón: de tres cuerpos con gran número de elementos decorativos, frontón con las armas imperiales y galería tradicionalmente española; sus arcos de medio punto, las columnas corintias adosadas y los frontones semicirculares en los vanos suponen una evolución hacia normas de más claridad y clasicismo.

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El Palacio de Carlos V de Granada, de Pedro Machuca: El Palacio de Carlos (I como Rey de España y V como Emperador de Alemania) en Granada es un palacio real. Está situado dentro del conjunto palaciego islámico de la Alhambra, en la ciudad de Granada, y erigido entre 1527 y 1637 aproximadamente. La planta del palacio la conforma un cuadrado de 63 metros de lado y 17,4 de altura con un gran patio circular de 30 metros de diámetro inscrito en su interior. El palacio del Emperador en Granada, obra de Pedro Machuca, fue encargado por el monarca después de su estancia en la Alhambra con motivo de su luna de miel con Isabel de Portugal. El palacio carece de una relación entre exterior e interior, pues el exterior aparece muy cerrado y opaco por los muros. El choque entre su planta cuadrada y su patio interior circular es para muchos teóricos un ejemplo manierista de contraste entre ideas estéticas. El patio, es sencillo y elegante en su planta circular, que simboliza el poder universal del emperador. También se organiza en dos pisos. El inferior tiene una columnata dórico-toscana de 32 columnas de piedra pudinga del Turro (Loja), con un entablamento de triglifos y metopas con motivos de guirnaldas y bucráneos. El piso superior ostenta una columnata de orden jónico, más ligera, con entablamento liso, y está delimitada por una barandilla cerrada. La galería del piso inferior del patio se cubre con una bóveda anular, al parecer inspirada en modelos de Bramante, mientras que el piso superior tiene una cubierta de madera. El patio distribuye las estancias interiores. Se accede a estos espacios interiores a través de puertas y escaleras, creando espacios que se yuxtaponen y sufren cambios de orientaciones propios del final del Renacimiento y el inicio del Manierismo. Las cuatro fachadas del palacio se ordenan en dos pisos. El piso inferior se estructura con pilastras de orden dórico-toscano, en las que se insertan grandes anillas de bronce decoradas, y el muro se decora a la manera „rústica‟ con un almohadillado resaltado y un largo zócalo para asiento del paseante. El piso superior está estructurado con pilastras de orden jónico, con una alternancia de pequeños vanos adintelados con frontones triangulares, circulares y con pedestales o ménsulas. Las dos fachadas principales, este y oeste, ostentan sendas portadas de piedra de Sierra Elvira, divididas en múltiples elementos, lo que ayuda a romper el movimiento visual horizontal. Las fachadas están profusamente decoradas con relieves del emperador, del que se exaltan sus virtudes con una iconografía repleta de motivos de la mitología antigua, presentando al monarca como un Hércules redivivo, en alegorías de las virtudes de la paz, la abundancia, la prudencia, el valor o la constancia, así como motivos heráldicos. La Catedral de Granada, de Diego de Siloé: comenzada por Enrique Egas en estilo gótico, Siloé tuvo que adaptarse al plano primitivo y buscar un sistema moderno que se adaptara a sus elevadas proporciones, una vez 4

desechados los elementos constructivos góticos, convirtiéndola finalmente en uno de los edificios más destacados del estilo renacentista español. El conjunto se concibe con una nave de planta central, dividida en cinco naves, con una enorme cabecera y deambulatorio. Esta última, está cubierta con una gran cúpula, al modo de los edificios funerarios de la época romana. En el sistema de alzados se pueden observar referencias al arte de Filippo Brunelleschi con unos grandes pilares sobre cuyos frentes se apoyan medias columnas corintias, duplicando la altura de las naves con un segundo cuerpo de soportes sobre el entablamento del primero y sobre estos arcos de medio punto; sobresale también la portada del Perdón, concebida a modo de un gran arco de triunfo. D) Arquitectura del Bajo Renacimiento Español: El Estilo Herreriano Este estilo arquitectónico, el Estilo Herreriano o Escurialense, cuyas manifestaciones se denominan también Arquitectura del Bajo Renacimiento Español, ocupa el último tercio del siglo XVI, bajo el reinado de Felipe II. El estilo anterior se ve interrumpido por la introducción de formas del Cinquecento italiano y los postulados del Manierismo, caracterizadas por una gran sobriedad decorativa, conectando perfectamente con la austeridad que propugnaba la Contrarreforma, debiéndose también su triunfo al hecho de ser un estilo propio y nacional. El nombre que recibe el estilo deriva de Juan de Herrera, autor de la obra clave de este período: El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial: Situado en la Sierra de Guadarrama, este monumental complejo fue mandado construir por el rey Felipe II para conmemorar la victoria de San Quintín el 10 de agosto de 1557 sobre las tropas de Enrique II, rey de Francia y para servir de lugar de enterramiento de los restos de sus padres, el emperador Carlos I e Isabel de Portugal, los suyos propios y los de sus sucesores, así como un lugar de residencia para los monarcas. La planta del edificio, con sus torres, recuerda la forma de una parrilla, por lo que tradicionalmente se ha afirmado que esto se hizo así en honor a San Lorenzo, martirizado en Roma asándole en una parrilla y cuya festividad se celebra el 10 de agosto, esto es el día que tuvo lugar batalla de San Quintín, de ahí el nombre del conjunto y de la localidad creada a su alrededor. En realidad el origen arquitectónico de su planta es muy controvertido. Dejando a un lado la feliz casualidad de la parrilla, la planta parece estar basada más bien en las descripciones del Templo de Salomón del historiador judeo-romano Flavio Josefo, modificadas por la necesidad de adaptar esa idea a las necesidades del programa monástico y a las múltiples funciones que Felipe II quiso que albergara el edificio: panteón, basílica, convento, colegio, 5

biblioteca, palacio, etc. Todo ello llevó a duplicar las dimensiones iniciales del edificio. La obra dio comienzo en abril de 1563 y fue encargada al arquitecto Juan Bautista de Toledo, que no pudo finalizarla al morir en 1567, Después de un breve período (1567 - 1569) en el que Giovanni Battista Castello 'El Bergamasco' asume la dirección y se construye la magnífica escalera principal del Monasterio, toma la dirección Juan de Herrera, que ya había sido ayudante de Juan Bautista de Toledo, quien la llevó a término en 1584, con tanto acierto que su obra dio origen a la denominada en arquitectura escuela herreriana Los grandes conocimientos de geometría de Juan de Herrera cambian la imagen del edificio, modificando las proporciones del complejo, la disposición de la fachada y las torres proyectadas por su antecesor. Continuando la traza de Juan Bautista de Toledo, simplifica su planteamiento. El edificio se convierte en un alarde de ostentación y grandeza. La portada principal de soberbias proporciones, entre el Patio de los Reyes y la Iglesia, destruye la correspondencia clásica entre la fachada y la estructura, impidiendo ver desde fuera la fachada de la Iglesia a la que se llega a través del Patio de los Reyes. La influencia de Juan de Herrera, decisiva en el Real Monasterio, tiene una enorme influencia en la arquitectura española del momento, creando el estilo denominado Herreriano o Escurialense, caracterizado por la sobriedad. La Iglesia En esta nueva etapa, se convoca un concurso para la construcción de la Iglesia, al que acudieron numerosos artistas italianos. Se eligió el proyecto de un artista italiano, Doménico Fancelli, que lo único que hizo fue trasladar los planos de San Pedro del Vaticano con algunas modificaciones. La planta de la Iglesia es de cruz griega inscrita en un cuadrado, pero se convierte en basilical al añadir un vestíbulo o nartex de cierto desarrollo (como en San Pedro Vaticano). Las cubiertas son de medio cañón en los brazos, bóvedas rebajadas o baldas en los ángulos y una airosa cúpula central sobre tambor. El altar está situado en alto sobre el panteón real. La fachada de esta iglesia también es muy seria donde destacan las pilastras dóricas sobre las que corre un entablamento con triglifos y metopas. La Biblioteca La Biblioteca, a la cual Felipe II cedió los ricos códices que poseía y para cuyo enriquecimiento encargó la adquisición de las bibliotecas y obras más ejemplares tanto de España como del extranjero, fue proyectada por el arquitecto Juan de Herrera que, además de la misma, se ocupó de diseñar las estanterías que contiene. Los frescos de las bóvedas fueron pintados por Pellegrino Tibaldi. Dotada de una colección de más de 40.000 volúmenes de extraordinario valor, está ubicada en una gran nave de 54 metros de larga, 9 de ancha y 10 metros de altura con suelo de mármol y estanterías de ricas maderas nobles primorosamente talladas. 6

2. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA La escultura renacentista llega a España gracias a artistas italianos, como Fancelli y Torrigiano, o a los españoles que viajan a Italia a formarse, como es el caso del gran Alonso Berruguete. La escultura del Renacimiento español es de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del que está impregnado, siguiendo la línea anterior del gótico. Además de dar mucha importancia de la expresividad. También es original por los materiales empleados: se utiliza mucho la madera policromada con la técnica del estofado, en la que se aplica una fina capa de pan dorado y luego se pinta encima y se raspa para que se vea el dorado. Se siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y retratos. A) Contexto artístico del siglo XV: permanencia gótica e influencia flamenca en la escultura española La escultura renacentista de concepción clásica, la inspirada en la imaginería italiana, la que centraba su objetivo en el retorno a las formas clásicas de la Antigüedad y en la búsqueda a ultranza de la belleza formal, no se introdujo en España ni con rapidez ni con facilidad. Desde mediados del siglo XV España contó con la llegada masiva de artistas borgoñones, flamencos, alemanes y holandeses que destacaron por su abundante producción y que indudablemente ejercieron una influencia notable en el ámbito de las manifestaciones artísticas escultóricas hispanas. Además, el “modus faciendi” de los artistas españoles no contemplaba con excesivo interés los temas de carácter mitológico ni la observancia de unas fórmulas teóricas mediante las cuales obtener la belleza formal, aspecto ineludible en los artistas italianos, sino que por el contrario tendían más a la plasmación de los sentimientos y pasiones humanas que a la de los valores puramente estéticos. Como consecuencia, en España la tradición goticista perduró durante todo el siglo XV, marcado profundamente por la influencia flamenca, y el estilo que se desarrolló se ha denominado estilo hispano-flamenco. B) El primer tercio del siglo XVI: La influencia del renacimiento italiano Con todo, la introducción del Renacimiento italiano fue posible y se produjo por varios caminos: la importación de piezas italianas, principalmente sepulcros, así como la llegada a España de artistas italianos y los viajes a Italia emprendidos por los españoles, fueron algunos de los aspectos que propiciaron la asimilación del nuevo gusto estético. C) El Pleno Renacimiento español del segundo tercio del XVI: El Manierismo, la Escuela de Valladolid

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La plenitud de la escultura renacentista española llegará de la mano de la Escuela de Valladolid, concretamente de Alonso de Berruguete y de Juan de Juni. Alonso de Berruguete (1488-1561) se convertirá en el artista más representativo de esta etapa. Hijo del pintor Pedro Berruguete, su formación artística fue muy completa al permanecer durante diez años en Italia, donde entró en o directo con las obras de Donatello, cumbre de la escultura del Quattrocento italiano, y con las de Miguel Ángel. Pero a pesar del estudio directo que realizó de las obras del Renacimiento italiano su obra escultórica no se caracterizará por la plasmación de los valores estéticos de armonía y serenidad, sino que en ella dominarán los rasgos expresivos y dramáticos, debido al ambiente que se respiraba en aquel momento en la Península, donde el deseo de buscar una relación entre el espíritu renacentista y la espiritualidad o religiosidad era una hecho que se prolongaría a lo largo del siglo XVI. Alonso de Berruguete supo canalizar esta búsqueda y lo hizo por medio de esculturas policromadas de volumen alargado que reflejaban gestos muy acentuados y actitudes inestables, en ellas el artista huye voluntariamente de las formas y proporciones consideradas correctas y da primacía a su estilo personal antes que a los parámetros establecidos en Italia. Entre sus obras más significativas figuran las siguientes: Retablo de San Benito del Museo de Valladolid: el retablo constaba de pinturas, relieves y esculturas exentas, con los martirios de San Sebastián y el Sacrificio de Isaac entre otros. San Sebastián aparece adherido a un tronco sinuoso, al cual se adapta la figura, claro ejemplo de la postura inestable típica de las figuras de Berruguete, también muestra magistralmente la angustia por el martirio y se aprecia un buen estudio del desnudo. En el Sacrificio de Isaac (nogal policromado) destacan la expresividad y el movimiento de la figura de Abrahán y la actitud asustada de Isaac. La escultura representa a Abraham que está apunto de sacrificar a su amado hijo Isaac por mandato divino. El padre está de pies con una pierna adelantada y sujeta por el pelo a su hijo que está agachado y con una rodilla hincada en el suelo. Berruguete opta por el momento de máxima tensión justo cuando el padre está apunto de quitarle la vida a su hijo, ningún elemento hace referencia al ángel enviado por Yahvé para detenerlo en su propósito. Así las imágenes de padre e hijo tienen una fuerza y carga expresiva inigualables. Resulta evidente la asimilación de las formas clasicistas e italianizantes en la composición escultórica aunque más que una asimilación se debería hablar de una reinterpretación personal del artista. Las formas son claramente manieristas, el grupo escultórica hace gala de esa refinada forma serpentinata que le permite la elevación en espiral de todo el conjunto. Parece indudable que la obra de Berruguete tiene ecos de la obra realizada por Donatello con la misma temática, no obstante las figuras del español adquieren una mayor 8

fuerza y expresividad influenciadas quizás por el descubrimiento en aquella época del grupo escultórico helenístico del Laocoonte. Es precisamente ese dramatismo al que el artista da preminencia en detrimento de las formas anatómicas realistas. Los personajes ataviados con ligeras prendas decoradas por la técnica del dorado muestran gran parte de su cuerpo desnudo donde el artista plasma un perfectísimo encarnado de gran naturalidad, el canon es alargado propio del manierismo y los rostros se tuercen en muecas de terror en Isaac y dolor en Abraham. La Sillería del Coro de la Catedral de Toledo: aquí juega con las posturas de los personajes y las composiciones de plegados en los ropajes en su búsqueda de movimiento y expresionismo, además de que realizará un magnífico estudio psicológico de las emociones humanas. Juan de Juni (1506-1577), de origen francés, pero de formación también fundamentalmente italiana. Al analizar su obra se observan con claridad sus raíces sas y la influencia que recibió de Miguel Ángel, aunque ninguno de estos dos aspectos entorpeció su integración en la escuela castellana, por lo que se convirtió en un artista que supo transmitir el fervor religioso de sus contemporáneos. Se caracterizó por sus figuras polícromas de gran tamaño, impregnadas de dramatismo, de gesticulación casi teatral, trabajadas con lentitud y detalle, y composiciones agobiadas por la falta de espacio, que inician ya el Manierismo. El Grupo del Santo Entierro de la Catedral de Segovia: grupo escultórico en madera policromada, de gran patetismo, mostrando el dolor físico y espiritual a través de los rostros y los gestos de las figuras, que actualmente se halla en el Museo de Escultura de Valladolid; se trata de una composición bien ordenada, con San Juan y la Virgen en el centro y a los lados dos figuras que actúan de paréntesis, Cristo se encuentra yaciente. Retablo de Santa Mª la Antigua: El retablo está dedicado a Santa María, por lo que presenta escenas de la vida de la Virgen y de Cristo. Está dividido en predela y tres cuerpos más el ático. En los dos primeros cuerpos las columnas de orden compuesto sirven de separación (o de marco) para las distintas figuras de santos esculpidas en busto redondo. Los fustes no presentan ninguna ornamentación de grutescos, como todavía se venía haciendo, siendo este detalle bastante criticado por algunos personajes de la época. El tercer cuerpo no tiene esculturas enteras sino relieves que sobresalen bastante, contrastando con los relieves del segundo cuerpo que están alrededor de las figuras y que sobresalen muy poco. En los intercolumnios se hallan las figuras de San Andrés, San José, San Joaquín y San Agustín. Tienen la originalidad de que la cruz de San Andrés se asoma por detrás de la columna, en el hueco siguiente y lo mismo ocurre con el báculo de San Agustín. 9

D) El tercer tercio del siglo XVI: La Escultura del bajo renacimiento español Se produce una nueva influencia italiana, una nueva época de clasicismo, como reacción al violento apasionamiento que se había apoderado de la escultura renacentista española, alejándola de toda norma clásica. Los artistas que mejor representan este momento son los broncistas y escultores que Felipe II reunió en su corte, sobre todo en el Escorial, que va a ser en esta época el centro artístico por excelencia, como León y Pompeyo Leoni, que realizan principalmente retratos de la familia real. 4. LA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA Aunque el clasicismo de la pintura renacentista italiana pugnó por entrar en nuestro país, el fervor religioso del catolicismo español no lo permite de manera intensa. En este contexto, por ejemplo, el desnudo apenas existe y si lo hace es cargado de exaltación mística. A) La influencia del Quattrocento italiano Se introduce el Renacimiento en la pintura de Castilla por Pedro Berruguete, que viajó muy joven a Italia, donde trabajó bajo el mecenazgo del duque de Urbino Federico de Montefeltro, lo que le permitió conocer a los principales artistas del Quattrocento. B) Influencia de los grandes maestros italianos del siglo XVI Dentro de esta etapa hay un importante foco de pintores en Valencia, donde las influencias de Leonardo Da Vinci y Rafael verdaderamente están muy latentes. Tal es el caso de Yáñez de la Almedina y Juan de Juanes. C) Pintores del Bajo renacimiento Durante la segunda mitad del siglo XVI a las influencias de los grandes maestros del Cinquecento se suman las de los promotores del Manierismo. El gran pintor de este periodo es sin duda El Greco. EL GRECO Domenico Theotokopulos (1541-1614), oriundo de Creta se cree que comenzó como pintor de iconos. De esta etapa bizantina conservó su valoración de la importancia del mundo trascendente por encima de la simple copia de la naturaleza. En 1567 emigra a Venecia, donde comenzó a trabajar en el taller de Tiziano y realizó algunas colaboraciones con Tintoretto; influencias de esta etapa serían su cromatismo más cálido y vibrante, la importancia de la luz, las composiciones grandes, los escorzos, etc. A partir del año 1570 se encontraba al servicio del cardenal Farnese en Roma, donde adquiere influencias sobre todo de Miguel Ángel, en especial el 10

gusto por composiciones monumentales y el vigoroso modelado de las anatomías. Finalmente se dirigió a España, donde pasó un tiempo en Madrid, atraído por la Corte de Felipe II y la posibilidad de trabajar en El Escorial, estableciéndose tras su fracaso allí en la ciudad de Toledo, donde trabajó intensamente y con gran éxito, aunque casi exclusivamente para los conventos del lugar y la nobleza toledana. En su obra se produce la fusión de las formas iconográficas bizantinas, con el colorido de la pintura veneciana y la religiosidad española, creando un nuevo lenguaje artístico estrechamente relacionado con el manierismo italiano, pero de rasgos estilísticos muy personales, no siendo su obra comprendida enteramente por sus contemporáneos. Entre las principales características de la pintura de El Greco debemos destacar las siguientes: sus figuras son exageradamente alargadas, delgadas y con grandes paños flotando a su alrededor, por influencia su fuerte manierismo, lo que además imprime en ellas una mayor espiritualidad; otra peculiaridad de sus modelos es su gran expresividad y misticismo, llegándose a decir que los buscaba en los manicomios toledanos; sus composiciones también son manieristas, en ellas falta el espacio, las figuras aparecen recargadas hacia una de las zonas del lienzo, parecen ser impulsadas hacia lo alto; los fondos en muchas de sus obras son inexistentes, en otras son paisajes con luz de tormenta o la ciudad de Toledo entre brumas; los colores dominantes pasan de la gama cálida inicial al dominio cada vez mayor de los más fríos e irreales, acentuando así las visiones místicas que caracterizan su obra; su técnica es libre y abocetada; etc. Sus obras más importantes fueron: El Expolio: Tema. Se trata de un pasaje evangélico correspondiente a la Pasión en la que un sayón (de verde, a la derecha) se dispone a arrancar la túnica a Cristo ante la expectación de la muchedumbre. Junto a Él, en la parte inferior del lienzo, se encuentran las Tres Marías que observan cómo un hombre prepara la cruz. Por último, y en un lugar destacado (izquierda) se encuentra un guerrero vestido a la moda del siglo XVI que mira al espectador, involucrándolo en la obra, al igual de un hombre de la multitud que nos señala (esto se repetirá en el Entierro del Conde Orgaz). Técnica. Óleo sobre lienzo de grandes dimensiones. La pincelada es suelta y al difuminar los perfiles consigue una mejor integración entre el fondo y las figuras. Composición. Se centra en la figura de Cristo que ocupa el eje central (y es reforzado por el fuerte color rojo que crea una forma ovalada o romboidal que vuelve a repetirse en el resto de las figuras que le rodean), creando una composición simétrica en la que predominan las líneas verticales (rematadas en la parte superior por el bosque de lanzas que se extienden más allá del lienzo). 11

Línea y color. Predomina el color sobre la línea a través de la pincelada suelta, siendo un dibujo poco detallista que en la multitud del fondo se vuelve francamente abocetado (sin concretar los contornos ni los detalles). En cuanto a los colores resalta especialmente el cálido y saturado rojo de la túnica de Cristo que atrae con intensidad a la mirada del espectador. En contraposición (típica técnica manierista para crear tensión) este rojo es rodeado por colores fríos y, en general, ácidos (en especial el manto amarillovioleta de las mujeres o el hombre de la cruz). Luz con ciertos tintes expresivos que, entrado por la izquierda del espectador, ilumina directamente a Cristo y genera fuertes claroscuros en los distintos personajes que componen la escena (en especial las figuras del fondo) Espacio. Es sumamente reducido debido al agobio espacial de todo el lienzo que nos impulsa en vertical (ayudado por las líneas comentadas en la composición), aunque existen ciertas figuras en escorzo (hombre de la cruz, Tres Marías, manos) que proyectan el espacio de la escena hacia el espacio propio del espectador para así incluirlo en la. Existe, por otra parte, un doble punto de vista (típico del manierismo que busca romper con la armonía clásica), pues, mientras el Cristo es visto desde un punto bajo (agrandando así su figura), las Tres Marías y el hombre de la Cruz son vistos casi desde arriba abajo, creando una tensión antinaturalista. Figuras. De canon bastante correcto para lo que viene a ser normal en el espectador, destacan por la fuerza expresiva que se concentra en sus miradas y gestos de las manos (comparar la mano de Cristo con la del sayón de verde) De entre todas las figuras destaca el tratamiento expresivo de Cristo que, con su mano y sobre todo, con su mirada elevada asiste a la escena con una mezcla de melancolía y resignación, volviendo a contrastar (de nuevo, una técnica manierista) con los gestos teatrales de la multitud que le rodea. Los paños se realizan con plegados bastante sintéticos (contrario al detallismo), destacando el extraordinario manejos de las texturas cuya máxima expresión sería los brillos y reflejos que están realizados sobre la armadura del guerrero. El martirio de San Mauricio (1580): Es un óleo sobre lienzo que realiza por encargo de Felipe II para el altar lateral de la basílica de El Escorial. Tema: San Mauricio es uno de los santos patronos en la lucha contra la herejía. Era el comandante de la legión tebana y murió martirizado a principios del S. III. La legión tebana, integrada por cristianos procedentes de Egipto, recibió la orden de partir hacia la Galia para ayudar al emperador Maximiliano. Allí se les manda realizar unos sacrificios a los dioses romanos; al negarse, toda la legión fue ejecutada, sufriendo martirio. 12

San Mauricio es la figura del primer plano vestido con un coraza azulada y con barba y aparece acompañado por sus capitanes que deciden si realizan o no el sacrificio. En segundo plano aparece el martirio: los legionarios se sitúan en fila, vestidos con túnicas transparentes o desnudos y esperan su turno para ser ejecutados; a su lado, de nuevo, San Mauricio les reconforta y el verdugo se encuentra de espaldas. El hombre degollado, en un fuerte escorzo, refuerza la idea del martirio. En la obra se mezcla la historia del cristianismo con acontecimientos contemporáneos ya que parte de los personajes son militares españoles del S. XVI como Alejandro Farnesio que está luchando contra los holandeses en ese momento (al lado del santo) o Juan de Austria (al fondo), el vencedor de la batalla de Lepanto. Todas las figuras visten uniforme militar del S. XVI, uniendo así ambos hechos: la lucha de los generales españoles contra la herejía protestante y el paganismo como lo hizo San Mauricio. En el cielo, formado por nubes y ángeles, algunos con palmas y coronas esperan a los futuros mártires. Aspectos formales La composición se organiza en dos planos divididos por una diagonal: a la izquierda el cielo y a la derecha la tierra. En la zona celestial hay mucho movimiento – fuertes escorzos de los ángeles- frente a la quietud de la zona principal. El tratamiento anatómico muy cuidado, que se deja ver bajo las corazas, recuerda a Miguel Ángel. La forma de expresión se aleja del naturalismo: las figuras están desproporcionadas – el busto es mayor que piernas y cabeza; y parecen flotar sobre un escenario pedregoso que no guarda ninguna relación con la realidad. Los colores fríos y poco reales reflejan la influencia veneciana y tienen un carácter simbólico (rojo = martirio; azul = eternidad). La luz blanquecina es utiliza para resaltar más unas partes que otras produciendo fuertes contrastes. Estilo: el cuadro es un ejemplo de pintura manierista por la inestabilidad de la figuras, los escorzos, el amontonamiento de los personajes en unos espacios dejando casi libres otros o los colores irreales. En esta obra ya aparecen los rasgos que irá adoptando el estilo de El Greco: figuras alargadas que transmiten una fuerte espiritualidad. El entierro del Conde de Orgaz (1603-1605): lienzo situado en la Iglesia de Santo Tomé de Toledo, representa el milagro del Señor de Illescas, a cuyo entierro acudieron San Esteban y San Agustín mientras un ángel subía al cielo su alma; representa dos mundos, la tierra y el cielo, con dos técnicas y características completamente diferentes. La composición de la pintura está dividida en dos planos: el inferior, más clasicista, representa al mundo terrenal, predomina la horizontalidad y la paleta es cálida; mientras que el superior, más irreal, representa al 13

mundo celestial, predomina la triangularidad y la paleta de colores es más fría. La parte inferior nos presenta el entierro: San Agustín y San Esteban sostienen al noble vestido con armadura y un muchacho joven señala el acontecimiento (posiblemente el hijo del pintor). Tras ellos, un grupo de personajes reconocidos como el propio rector, seguramente el pintor, etc.; y a representantes del clero regular (dominicos, franciscanos y jerónimos). En esta parte, deja constancia de su dominio del retrato físico y psicológico. En la parte superior, representa un ángel que lleva el alma del difunto, a la Virgen con Cristo y San Juan junto a los Apóstoles y personajes bíblicos que, por falta de espacio parecen flotar a distintos niveles. El alineamiento de sus cabezas hace de límite entre los dos espacios. La obra impresiona por el poderoso colorido veneciano, por los contrastes lumínicos y por el alargamiento de las figuras que produce un efecto de espiritualidad El caballero de la mano en el pecho: El Greco fue un genial retratista, irado por Velázquez, que supo trasladar con gran maestría al lienzo la fisonomía y la personalidad de los sobrios caballeros castellanos. Laocoonte y sus hijos: tema mitológico con paisaje tenebroso de Toledo como fondo.

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Temas de PAU: Arquitectura renacentista española (5) La escultura renacentista española: Berruguete (1) y Juan de Juni El Greco (5) Fotos PAU: Arquitectura Palacio de Carlos V (2) – Pedro Machuca

El Escorial – Juan de Herrera

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Escultura Sacrificio de Isaac (2) - Berruguete

Pintura El Expolio (3) - Greco

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El martirio de San Mauricio - Greco

Entierro del Conde de Orgaz (2) - Greco

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