Abreviaturas 1h1g1o

UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar

UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal Curso académico 2012 - 2013

CURSOS CERO Temas: 1. Las claves y su relación 2. Abreviaturas, Agógica, Dinámica y acentuaciones 3. Tesituras y registros vocales 4. La melodía: Estructura y fraseo

Profesora: Dra. Matilde Chaves de Tobar

Salamanca, Septiembre de 2012

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TEMA I. Las claves y su relación

¿Qué entendemos en música por clave? Es un signo que determina el nombre que deben tener las notas del pentagrama. Hay tres signos de claves:

Clave de Sol:

Claves de Fa:

Clave de Do:

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar En música se utilizan las claves de la siguiente manera: Clave de Sol en 2ª línea Clave de Fa en 4ª línea Clave de Fa en 3ª línea Clave de Do en 1ª Línea Clave de Do en 2ª Línea Clave de Do en 3ª Línea Clave de Do en 4ª Línea Partiendo de la nota a la que da su nombre la clave, por el orden ascendente o descendente de la serie, se conoce el lugar que ocupan las demás notas en el pentagrama y en las líneas y espacios adicionales.

ORIGEN E HISTORIA DE LAS CLAVES: En su origen, la grafía del símbolo de cada clave se deriva del nombre de la misma según el sistema de notación musical anglosajón, que nombra a sus notas, y por extensión a sus claves, con letras en vez de con nombres (A en lugar de la, B en lugar de si, etc.). De manera que según este sistema, la clave de sol sería la clave de G, la clave de fa sería la clave de F, y la clave de do sería la clave de C. La G, la F y la C se usarían en su día para simbolizar las claves, y la actual grafía sería una versión transformada de estas letras. Este hecho, se asocia a un monje benedictino italiano, Guido D'Arezzo, que fue el creador de la notación musical, y el que puso las bases para el sistema musical que conocemos en la actualidad, aunque con anterioridad ya hubo otro intento de notación, propuesto por Hucbaldo.

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Comentario [J1]: (Arezzo, actual Italia, h. 991 - ?, h. 1033) Teórico de la música italiano. Fue un monje benedictino que ha pasado a la historia de la música como uno de los más importantes reformadores del sistema de notación musical. Después de haber seguido estudios en la abadía benedictina de Pomposa, en Ferrara, hacia 1025 ingresó como maestro en la escuela catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal y escribió su tratado principal, el Micrologus de disciplina artis musicae. En 1029 se retiró al convento de Avellana, en el que posiblemente murió en fecha que no se ha logrado precisar. A Guido se debe la fórmula que permite memorizar la entonación precisa de las notas del hexacordo mayor, cuya nomenclatura (ut o do, re, mi, fa, sol, la) extrajo de las sílabas iniciales de cada hemistiquio del himno de san Juan Ut queant laxis. Tomado De: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/ g/guido.htm Comentario [J2]: En cuanto a la técnica de escritura musical, la Alta Edad Media fue una época de grandes novedades, pues ya a finales del siglo IX el monje Hucbaldo de Saint Amand abandonó el viejo sistema de letras que representaban las notas, para sustituirlo por el de "neumas", es decir conjunto de signos (rayas, puntos, etc.) que, colocados sobre las palabras a distancias variables, indicaban el movimiento de la melodía. De todos modos, la gran modificación de la escritura musical se produjo en el siglo XI, cuando el monje benedictino Guido de Arezzo introdujo el sistema de notación pautada y el uso de las notas que, aún hoy, siguen empleándose.

UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Posible evolución de la clave de sol. En un principio, la música se transmitía de manera oral, pero llegó un momento en el que vio la necesidad de crear un sistema de notación para poder recordarla y transmitirla. Aunque al principio estos sistemas de notación eran bastante primitivos y solo marcaban la dirección de la voz, si el sonido era o no ascendente, este sistema se fue complicando. Uno de los principales problemas era nombrar a los sonidos que se cantaban, y poder representarlos por escrito, de manera que la clave fue uno de los primeros signos musicales en aparecer. En los siglos XI y XII, ya se usaban claves, que se ponían al inicio de los tetragramas, ya que solo tenían cuatro líneas, y asignaban líneas a las notas.

En el canto gregoriano había en un principio dos claves, la de do y la de fa, que se podían situar en distintas líneas, en la segunda, tercera y cuarta del tetragrama. Se utilizaron también para marcar las tesituras en las que cantaban las diferentes voces cuando se empezó a usar un sistema musical polifónico. La más antigua clave de do tenía forma de pequeña C, mientras que la clave de fa tenía forma de F, pero formada con tres pequeños cuadrados negros. Posteriormente se les unió la clave de sol.

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La grafía de las claves fue modificándose, a lo largo de toda la Edad Media y Renacimiento, pero sobre todo es a partir del año 1600, con el inicio del Barroco cuando cambia, y se comienza a usar la misma simbología que usamos para representar las claves actuales, como se puede apreciar en las partituras de la época que han sobrevivido hasta ahora.

LA CLAVE DE SOL

Clave de sol:

Nombre de los espacios en clave de sol. El símbolo usado para representar esta clave se basa en un espiral parecido a una G, unida a una especie de S. La clave de sol en la notación musical moderna se coloca en la segunda línea del pentagrama empezando por la de abajo, y esa colocación se guía por el inicio de la espiral que la forma. Durante el Barroco se la conocía como clave italiana. También se la denominaba “clave de violín” (puesto que las partituras para este instrumento se escriben en esta

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar clave) o “clave de G” (utilizando la notación musical anglosajona). En inglés se denomina treble clef (‘clave para agudos’) y a veces “clave sa”.

Nombre de las líneas en clave de sol. Esta clave se encarga de situar al sol4 (sol3 en notación franco-belga, sol5 el resto de las notas que estén escritas sobre la partitura se nombran a partir de esa. Es la clave que da la posibilidad de representar sonidos agudos, de manera que es la que usan los instrumentos con tesituras más altas. Sobre todo la usan el oboe, la flauta, el violín, algunos instrumentos de percusión, y la mano derecha del piano(a diferencia de la mano izquierda, que lee usualmente en clave de fa). En la música vocal, tanto la voz soprano como la contralto están escritas en esta clave si bien, en sus orígenes, esto no era así ya que cada una tenía una clave propia. La clave de sol es la más usada en la actualidad. Durante el siglo XVII y el siglo XVIII, era costumbre escribir la música para violín o flauta, sobre todo la publicada en Francia, en una clave de sol en la primera línea, ya que daba la posibilidad de representar en el pentagrama sonidos un poco más agudos.

Clave de fa

Clave de fa en cuarta. La clave de fa se ha representado con dos símbolos distintos, aunque uno de ellos en la actualidad está en duda. Ambos símbolos provenían de una versión estilizada de la letra F, que en la notación musical anglosajona simboliza a la nota fa. Esta clave sitúa a la nota fa3 (fa2 según la notación francobelga, fa4 según la notación de Riemann y F3 en notación científica americana) sobre el pentagrama, y tiene dos posiciones distintas sobre el mismo, o bien sobre la tercera línea, o bien sobre la cuarta línea. Su situación sobre una o

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar sobre otra línea lo marcan dos pequeños puntos, uno encima del otro, que se colocan a la derecha de la clave y delimitando la línea a la que se refiere. La clave de fa que se sitúa en la cuarta línea del pentagrama, se denomina clave de fa en cuarta y hace más tiempo se denominaba también clave de bajo, ya que para la música vocal la partitura de los bajos estaba escrita en esta clave. Es la clave en uso que permite escribir sobre el pentagrama sonidos más graves. En la actualidad, la usan sobre todo los bajos de la cuerda frotada, como el violonchelo y el contrabajo, y los instrumentos más graves de la familia del viento metal, como por ejemplo la tuba o el trombón y las de madera, como el fagot y en algunos casos, el contrafagot. También usada en percusión (redoblante, timbales, platillos, bombo, caja, etc). También se usa para la mano izquierda del piano, que da sonidos más graves que la mano derecha, que se escribe en clave de sol.

Clave de fa en tercera La clave de fa que se sitúa en la tercera línea del pentagrama se denomina clave de fa en tercera. Se utilizaba como clave de transición para instrumentos de tesituras graves. Una denominación más antigua era clave de barítono, ya que en la música vocal, las partituras escritas para estos cantantes se escribían en esta clave. Se usa muy poco, o casi nada. Clave de fa en quinta En alguna ocasión se ha usado la clave de fa situada en la quinta línea del pentagrama, como el caso del compositor Heinrich Schütz, pero en la actualidad no se utiliza. Daría el mismo nombre a las notas que la clave de sol en segunda línea, pero la tesitura sería dos octavas más grave. Es la clave que proporciona la tesitura más grave de todas las posibles combinaciones de claves en el pentagrama.

Clave de do

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Clave de do en tercera. El símbolo que representa a la clave de do, está formada por dos C al revés, una encima de la otra. Esto es porque en la notación anglosajona, la C representa a la notado, y además se encarga de asignar a las líneas del pentagrama la nota do4 (do3 en notación franco-belga, do5 en notación de Riemann y C4 en notación científica americana), también denominado Do central. Esta clave tiene cuatro posiciones posibles, en la primera línea, en la segunda, en la tercera o en la cuarta, aunque las más utilizadas son las que se sitúan sobre la tercera o cuarta línea. Como generalidad, se usa para representar sonidos medios. Clave de do en tercera La clave de do que se sitúa sobre la tercera línea del pentagrama, se denomina clave de do en tercera o clave de contralto, debido a que la música para contraltos se solía representar en esta clave. Se usa para la música para violas, a veces para trombones y para música vocal antigua. [editar]Clave de do en cuarta

Clave dedo en cuarta. La clave de do situada sobre la cuarta línea del pentagrama, se denomina clave de do en cuarta o clave de tenor. Esto se debe a que la música para tenor solía representarse en esta clave. Se usa para el fagot, como clave de transición para algunas notas agudas del violonchelo y para representar notas agudas del trombón. En ocasiones se puede ver todavía en partituras de música vocal antigua y también se usa para la trompeta y la marimba

Clave de do en primera La clave de do que se representa en la primera línea del pentagrama, siempre empezando a contar por abajo, se llama clave de do en primera o clave de soprano. En la actualidad no se utiliza, pero en otros tiempos se usaba sobre todo para representar la parte de soprano en las partituras vocales. Ahora se

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar puede encontrar en textos antiguos, para algún fragmento cantado por sopranos.

Clave de do en segunda La clave de do situada en la segunda línea del pentagrama, se denomina clave de do en segunda, o también clave de mezzosoprano, debido a que se usaba esta clave para representar la música de las cantantes mezzosoprano. Apenas se usa, excepto para algunos fragmentos para evitar añadir muchas líneas adicionales en la música para mezzosoprano.

Clave para percusión Clave neutral: Utilizado para instrumentos de percusión. Cada línea puede representar un instrumento de percusión dentro de un conjunto, como en una batería. Dos estilos diferentes de clave neutral aparecen en la imagen. También puede ser representada con una sola línea para cada instrumento de percusión.

La clave de percusión, a diferencia del resto de claves, no tiene el mismo significado que la de sol, la de fa ni la de do. Ésta, no coloca los sonidos entre las líneas y espacios, como hacían las otras, sino que es una convención para mostrar que lo que está escrito a continuación de ella en el pentagrama está dedicado a la percusión que no tiene ninguna afinación en concreto. A cada instrumento se le asigna una línea o un espacio distinto. Para partituras de instrumentos de percusión que sí emiten distintas notas, que tienen afinación, como por ejemplo los timbales, o los xilófonos, tienen partituras propias separadas de la de percusión, con las claves ya explicadas, como el resto de instrumentos existen varios sonidos y claves.

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Clave para guitarra (TAB)

Ejemplo de tablatura para guitarra.

La música para guitarra o bajo, en muchas ocasiones no viene escrita en los pentagramas tradicionales, sino que viene escrita en tablaturas. Son como los pentagramas, pero suele tener seis o cuatro líneas, representando cada línea una cuerda. A diferencia de los pentagramas, no se representa la nota, sino la posición de los dedos sobre los trastes. Para indicar que es una tablatura y no un pentagrama, se indica con las letras TAB en sentido vertical al comienzo de la obra.

Clave de transposiciones de octava

Rango de la guitarra, donde se ve la clave de sol con el 8. Ejemplo de la notación 8va.

En ocasiones, las claves no representan el sonido real que interpreta un instrumento. Por ejemplo, el contrabajo, tiene sus partituras en clave de fa en cuarta, pero en realidad, los sonidos que emite no son los que están representados, sino que son una octava más grave. La guitarra, la flauta de pico alto, o en música vocal los tenores, 11

UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar están afinados una octava más grave de lo que indica la clave en la que están escritas sus partituras, en este caso,la clave de sol. En otros casos, ocurre al contrario, y el instrumento está afinado una octava más agudo de lo que indica su clave, como por ejemplo, la flauta píccolo, que tiene sus partituras escritas en clave de sol. A esto se le llama transposición de octava. Para señalar que el instrumento está emitiendo los sonidos con una octava de diferencia de lo escrito en la partitura, se añade un 8 pequeño a la parte inferior de la clave, en el caso de que sea una octava más grave, y un 8 en la parte superior de la misma en el caso de que sea una octava más agudo. También existe la posibilidad de añadir un 15, lo que significaría que habría dos octavas de diferencia, pero esto apenas se usa. En la mayoría de los casos, los editores no se suelen molestar en añadir el 8 a las claves de las partituras de estos instrumentos, ya que consideran que la diferencia de octavas está sobreentendida. Hay otros casos en los que se amplía la tesitura de una clave, añadiéndole en algún fragmento de la obra la notación de octava, 8va en el caso de que sea más aguda, y 8vb en el caso de que sea más grave, para evitar tener que cambiar de clave o añadir muchas líneas adicionales.

A pesar de existir tantas posibilidades distintas de claves y posiciones en el pentagrama, solamente se usan normalmente siete de estas posibilidades. Los criterios para usar una clave u otra son principalmente dos, que la tesitura del instrumento que lo va a interpretar se adecue al rango de notas que impone la clave, y que sea lo más claro y simple posible, para facilitar la lectura de la partitura al músico.

No se usa la clave de sol colocada en la tercera, cuarta o quinta línea, porque estaría dando las mismas notas que la clave de do en primera, la clave de do en segunda y la clave de doen tercera respectivamente. Son totalmente equivalentes, en cuanto al nombre de las notas y en cuanto a la tesitura. No tiene mucho sentido usar distintas claves para nombrar exactamente lo mismo. Si además tenemos en cuenta que las claves de do en primera y segunda línea son muy poco utilizadas, es muy innecesario usar más claves.

No se usa la clave de fa en la primera o en la segunda línea, porque tienen equivalencia de nombre y tesitura con la clave de do en tercera y la clave 12

UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar de do en cuarta respectivamente, así que no es útil porque estas claves de do son bastante utilizadas.

De entre las claves de do posibles, la que no se usa es la que está colocada en la quinta línea del pentagrama. Esto es porque tiene equivalencia de nombre y tesitura con la clave de faen tercera. Si esta clave ya se usa poco, es innecesario crear más elementos para la notación.

Claves en la partitura

Partitura del Cuarteto de cuerda n.º 2, op. 33, de Haydn.

Las claves se sitúan obligatoriamente al principio de la obra, al principio del pentagrama, y se tiene que colocar antes que la

armadura y que

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar el tempo del compás. También es necesario ponerlas en el primer compás de cada pentagrama, siempre delante de la armadura que también se debe colocar en el primer compás de todos los pentagramas, a lo largo de toda la obra, aunque algunos editores no lo hacen. Si es necesario cambiar la clave en medio de una partitura porque cambia la tesitura, es decir, se va a interpretar un fragmento más agudo o más grave que es complicado de representar debido a que se tendrían que añadir muchas líneas adicionales, se puede hacer sin problema, en cualquier compás, aunque no sea el primero del pentagrama, y en cualquier parte del mismo, no sólo al principio.

Sonata n.º 23 para piano, Apionata, de Beethoven.

En los instrumentos de gran registro, por ejemplo, las piezas para piano se escriben con dos pentagramas simultáneos, el de arriba, que se toca con la mano derecha y el de abajo con la izquierda, en algunas piezas ambos pentagramas pueden estar en clave desol o ambos en clave de fa. En algunas piezas de piano esta regla se cambian cruzando las manos o tambien se toca en un solo compas como es la transcripción de la polka Trisch Trasch de Cziffra que el comienzo esta escrito en solo un pentagrama. Las claves en estos sistemas de pentagramas (un sistema es un grupo de pentagramas que se leen simultáneamente, y que vienen agrupados mediante unas llaves o corchetes) funcionan exactamente igual que si solo hubiera uno, cumpliéndose las normas generales ya descritas también para estas partituras. Aunque en el caso del piano, es muy raro que cambie la clave a lo largo de una obra. Cuando se escribe música para más de un instrumento (dúos, tríos, cuartetos, quintetos, orquestas de cámara, orquestas sinfónicas...), se suelen compilar todos los pentagramas

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar de todos los instrumentos en una sola partitura, de manera vertical, y de las tesituras más agudas a las más graves. En las partituras orquestales se conservan los principios generales de colocación de las claves, no cambia absolutamente en nada, cada pentagrama de cada instrumento es independiente y está en su clave correspondiente. Estas partituras se usan como guías sobre todo para el director de orquesta. Las partituras específicas para cada instrumento sedenominan particellas (italiano: partícula )?.

Claves en la música vocal

Música vocal representada en dos pentagramas.

Para las partituras de música vocal, normalmente se suelen representar en una misma partitura todas las voces, cada una en su pentagrama correspondiente, al igual que se hace en las particellas.Las voces que normalmente se representan en la música vocal polifónica son cuatro: soprano, contralto, tenor y bajo. Hasta hace un siglo, las claves que se usaban para cada voz eran distintas a las que se usan de manera general en la actualidad. La voz de soprano era representada en clave de do en primera, de ahí que se le denomine también clave de soprano. La voz de contralto, era representada en clave de do en tercera, de ahí que también se le llame clave de contralto. La voz de tenor, era representada en clave de do en cuarta, y por eso se le llama también clave de tenor. Y por último, la voz

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar del bajo estaba escrita en clave de fa en cuarta. Por eso se le llama también clave de bajo. En la actualidad, estas claves se han dejado de usar generalmente para la mayoría de estas voces, excepto para algunos fragmentos. Para las voces de soprano y contralto se usa la clave de sol, para tenor se suele usar la clave de sol, aunque como su tesitura es una octava más grave, se suele añadir un pequeño 8

en la parte inferior de la clave. El bajo mantiene su antigua representación en la clave de fa en cuarta. En algunos casos, se puede representar estas partituras de música vocal en dos pentagramas en vez de en cuatro. En el pentagrama superior, en clave de sol, se representan las voces de soprano y contralto, y en el pentagrama inferior, en clave de fa en cuarta se representan las voces de tenor y de bajo.

REPASO:

Como ya se mencionó anteriormente, el primer símbolo a representar en el pentagrama será un signo llamado clave. Estas son las llaves de sol, fa y do. Estas nos sirven para identificar determinadas notas, y sobre esto poder localizar las demás.

Nuestra clave de sol, nos indicará como nota principal al sol índice 5. De manera que hacia arriba de esta nota encontraremos los sonidos

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar más agudos y viceversa. La clave de fa tendrá como nota básica al fa 4, y de manera similar la clave de do tendrá como nota principal al do 5. La clave de sol es la más adecuada para la representación de sonidos más agudos; de manera que las piezas musicales que habrán de interpretarse con instrumentos de registro agudo, son escritas con esta clave. Mientras que la clave de fa por encontrase un índice más abajo que la anterior, se presta más para la representación de sonidos graves. Se suele hacer uso de las claves de fa y sol de manera conjunta. Anotando dos pentagramas, uno sobre otro, el inferior con la clave de fa representada, y el superior con la clave de sol. Entonces podremos notar que en medio de estos dos pentagramas podemos representar una línea adicional. La cual corresponderá directamente al do índice cinco, conocido como do central. La música escrita para instrumentos de amplio registro como el piano o el órgano se escribe con dos claves. Clave de do Clave de do en tercera. El símbolo que representa a la clave de do, está formada por dos C al revés, una encima de la otra. Esto es porque en la notación anglosajona, la C representa a la nota do, y además se encarga de asignar a las líneas del pentagrama la nota do4 (do3 en notación franco-belga, do5 en notación de Riemann y C4 en notación científica americana), también denominado Do central. Esta clave tiene cuatro posiciones posibles, en la primera línea, en la segunda, en la tercera o en la cuarta,

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar aunque las más utilizadas son las que se sitúan sobre la tercera o cuarta línea. Como generalidad, se usa para representar sonidos medios. Clave de do en tercera La clave de do que se sitúa sobre la tercera línea del pentagrama, se denomina clave de do en tercera o clave de contralto, debido a que la música para contraltos se solía representar en esta clave. Se usa para la música para violas, a veces para trombones y para música vocal antigua. Clave de do en cuarta Clave de do en cuarta.La clave de do situada sobre la cuarta línea del pentagrama, se denomina clave de do en cuarta o clave de tenor. Esto se debe a que la música para tenor solía representarse en esta clave. Se usa para el fagot, como clave de transición para algunas notas agudas del violonchelo y para representar notas agudas del trombón. En ocasiones se puede ver todavía en partituras de música vocal antigua. Clave de do en primera (no usada) La clave de do que se representa en la primera línea del pentagrama, siempre empezando a contar por abajo, se llama clave de do en primera o clave de soprano. En la actualidad no se utiliza, pero en otros tiempos se usaba sobre todo para representar la parte de soprano en las partituras vocales. Ahora se puede encontrar en textos antiguos, para algún fragmento cantado por sopranos.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Clave de do en segunda La clave de do situada en la segunda línea del pentagrama, se denomina clave de do en segunda, o también clave de mezzosoprano, debido a que se usaba esta clave para representar la música de las cantantes mezzosoprano. Apenas se usa, excepto para algunos fragmentos para evitar añadir muchas líneas adicionales en la música para mezzosoprano.

Bibliografía Teoría de la música (vol. 1), Madrid: Sociedad Didáctico Musical, 1976. ISBN 4640-01566-6. Teoría de la música (vol. 2), Madrid: Sociedad Didáctico Musical, 1976. ISBN 84-400-1567-4. Teoría de la Música. Sociedad Didáctico musical. Primera parte. Madrid. 1979. Diccionario de la música clásica (vol. 1). Barcelona: Plaza y Janés, 1991. ISBN 84-01-61536-4. GRABNER, Herrmann. Teoría General de la Música. Madrid: Akal. pp. 334. ISBN 84-460-1091-7. HERRERA, Enric. Teoría y Armonía Moderna. Vol I. Aula De Música. Barcelona. 1990.

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TEMA II Abreviaturas, Agógica, Dinámica y acentuaciones

INTRODUCCIÓN La música cuenta con tres elementos esenciales que son: el ritmo, la melodía, la armonía. La expresión (los matices) está unida a estos tres elementos, por cuanto da vida a la música y la forma como se definen estos elementos varía de una cultura a otra. EL RITMO:

Es la distribución de las duraciones sonoras en el tiempo y en el espacio.

El ritmo es todo lo que fluye: en la naturaleza, en nuestro cuerpo, en nuestra vida cotidiana.

Es la pauta de repetición a intervalos regulares y en determinadas ocasiones irregulares de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.

Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, que en la música se lo divide por medio de las combinaciones de notas o sonidos y silencios de distinta duración.

“La música y la danza fueron las formas de expresión artística más antiguas de la humanidad. Lo evidencia su expresión en todas las culturas humanas, actuales y precedentes. Además, la audición es el primer sentido corporal que desarrollamos, y lo hacemos en el vientre materno, antes de nacer. Aún así, no hay testimonios directos de la actividad musical en tiempos prehistóricos, aunque sí restos de herramientas e instrumentos que pudieron tener una aplicación musical: pequeñas flautas de hueso o cañas, arcos que sonaban aún más si se mordía la cuerda y con la boca como caja de resonancia, así como muchos objetos para

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar producir sonidos percutidos (raspadores, vainas, troncos huecos, etc.). El desarrollo de la música es simultáneo a dos factores que diferencian al Homo Sapiens de sus antecesores: el descenso de la glotis, que permitió el nacimiento del lenguaje y el canto y un importante desarrollo del cerebro que le permitió adquirir muchas posibilidades, transformando los objetos con las manos. Características La mayoría de las músicas de este continente coinciden en algunos rasgos a pesar de la diversidad de estilos y colores étnicos. Poseen muchos instrumentos que se ejecutan por separado, acompañando el canto y en pequeños grupos. Se destaca una tendencia a la simultaneidad de expresiones musicales: desde distintas voces (polifonía) a distintos ritmos (polirritmia), debido a la costumbre de tocar en varios subgrupos pequeños. La percusión suele acompañar todas las melodías, e incluso instrumentos melódicos como las flautas y las cuerdas suelen tocar un acompañamiento percusivo. La evolución melódica está sujeta a la improvisación de motivos cortos y repetitivos. La lengua condiciona el ritmo de la música. Abundan las escalas pentatónicas (cinco sonidos separados por un tono o por un tono y medio). La música también suele estar asociada a la danza. Finalmente, el juego de voces en ocasiones se estructura en dos partes, con sendos grupos de instrumentistas o cantantes alternados como pregunta y respuesta. Ritos y Emociones La música trazó su propia trayectoria y evolución. Su Historia recorre infinitas melodías y bailes. Las emociones que desata la música en ritos, celebraciones y actos trascendentales de la vida comienzan a crearse su propia significación. La clasificación más primitiva destaca la música para alegrarse o para entristecerse, para recordar y celebrar, para ofrendar a los dioses, o para acunar al recién nacido.”1

E tal manera, lo que se sabe, es que la base de la música se encuentra en el ritmo, de ahí su importancia, pues es este el elemento que brinda los cimientos a la música para que todo se conserve en equilibrio y orden; da sentido al tempo y que es complementado con los aportes de los otros elemento sonoros. LA

MELODÍA: Es la sucesión coherente de sonidos y silencios que se desenvuelven en una secuencia lineal y que tiene una identidad y significado propio dentro de un entorno sonoro particular. La melodía parte de una base conceptualmente 1

http://apreciacionmusical2emba.blogspot.com/2010/05/musica-primitiva.html

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar horizontal, con eventos sucesivos en el tiempo, en los que influyen los cambios de altura y duraciones. La palabra tiene su origen en el latín “melodía” que a su vez proviene del griego “moloidia” que significa canto, formada por dos vocablos, así: melos = canción o música y del griego oidia que significa canto. La melodía tiene un significado emocional, en la que las alturas de los sonidos, los ritmos, las cadencias, la velocidad y otros elementos técnicos influyen en el espíritu del canto.

LA ARMONÍA Es la superposición de sonidos que se producen simultáneamente. La armonía representa la verticalidad de la música, mientras la melodía, representa la horizontalidad de la música. Armonía, es ciencia y arte a la vez. Ciencia porque enseña a combinar los sonidos de acuerdo a reglas inmutables que nos permiten construir los acordes y es arte, porque dependiendo de cómo se realicen los encadenamientos de dichos acordes, de la habilidad y buen gusto por la conducción de las voces, resultará un trabajo de excepcional belleza musical para el oído.

La Agógica y la Dinámica juegan un papel muy importante porque dan color a la música. Con ellas se pueden percibir las gradaciones que se dan a los sonidos o a las frases musicales y con ello se enriquece el hecho musical. Los matices pueden ser de dos clases: Dinámicos que tienen que ver con la intensidad y agónicos relacionados con las duraciones o el tempo de los sonidos. Veámoslo en el siguiente cuadro:

EELEMENTOS DE LA MÚSICA

Ritmo Melodía

CUALIDADES DEL SONIDO

Duración Altura Altura

Armonía Duración Intensidad Matices Duración

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar ABREVIATURAS: Se entiende por abreviatura lo que simplifica. En música, las abreviaturas simplifican la escritura musical haciéndola más fácil, permitiendo un ahorro de tiempo en su realización gráfica. Tipos de abreviaturas: Repetición Llamada o párrafo Da capo Coda Repetición de compases o fragmentos de compás Repetición de notas Col 8ª Tremolo Batimiento Repetición de acordes Glissando Portamento Pedal Compases en silencio Tacet REPETICIÓN: Cuando un fragmento debe ser interpretado dos veces, se indica por medio de las barras de repetición. El trozo musical a repetir, queda delimitado por estas barras.

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Las casillas, tan útiles, nos permiten suprimir uno o varios compases de los que preceden a la barra de repetición. Vale decir que al repetir se suprimen los compases que abarca la Casilla1ª.

Llamada o párrafo: Cuando el trozo que se debe repetir es de dimensiones considerables se emplean los signos:

o

Da capo (DC): Palabra italiana que indica una repetición desde el principio. U abreviatura es: D.C.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Coda: Fragmento final de una obra (con carácter de resumen o no) y suele aparecer en obras que contienen signos de repetición.

Repetición de compases o fragmentos de compás: El signo

./.

colocado en medio de un compás, indica un compás idéntico al anterior.

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Repetición de notas: Cuando una o dos barras oblicuas están colocadas encima o debajo de una nota o atravesando su plica, indican que hay que repetir dicha nota en corcheas o semicorcheas.

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Cuando una serie de notas se ven afectadas por una deterrminada indicación, se utiliza la palabra “sempre”, “simile” o “segue”, con lo que se evita tener que escribir reiteradamente tales indicaciones.

Col 8ª: Con esta indicación se precisa que hay que tocar las notas o pasaje en cuestión con octavas; generalmente la 8ª aguda de lo escrito. Si se encuentran en la parte inferior, con la 8ª grave de lo escrito.

Tremolo: Repetición lo más rápida posible de una nota. Se indica con tres barras (no se deben confundir con fusas)

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Batimiento: Repetición alterada y regular de dos notas o grupo de notas. Cada uno de los elementos del batimiento se escribe con el valor total, puesto que los dos forman un todo. El valor del batimiento se expresa mediante barras colocadas entre sos notas o entre sus plicas (sin tocarlas).

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Repetición de acordes o diseños melódicos: Se escriben únicamente las plicas correspondientes al diseño o acordes que se tiene que repetir.

En movimientos por grados conjuntos diatónicos o cromáticos se suelen utilizar solo las plicas, sobreentendiendose la altura (si el diseño es de cierta extensión convendrá señalar puntos de referencia, y en los diseños cromáticos acompañándolo de la palabra cromático o crom.

Glissando: Efecto sonoro consistente en pasar rápidamente de un sonido a otro haciendo escuchar todos los sonidos intermedios posibles (no solo los tonos y semitonos) según la característica del instrumento.

En el piano u órgano, el glissando se hace resbalando sobre las teclas blancas o negras. Su signo gráfico es una línea ondulada acompañada de la palabra “gliss”, entre la nota de partida y la nota final.

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Portamento: Deslizamiento rápido e inmediatamente antes de la segunda nota.

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Pedal: En el piano la indicación de pedal fuerte (prolongación de sonido) se indica con la abreviatura “Ped” escrita debajo del pentagrama inferior y su efecto es duradero hasta la aparición de un * (asterisco).

Compases en silencio: También conocido como: compases de espera. Cuando se suceden varios compases en silencio, se indica por una barra transversal colocada entre dos líneas divisorias sobre la que se coloca una cifra indicadora del Nº de compases en silencio. En el transcurso de los compases en silencio, no deben producirse cambios de compas, armadura o tempo.

Tacet: Término empleado cuando un interprete debe permanecer mucho tiempo en silencio (esto ahorra escribir con detalle los compases de espera.

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Nota: Ejemplos tomados de: Teoría de la música 1º Dionicio de Pedro. pps. 35 44.

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AGÓGICA: Término introducido por el musicólogo Hugo Reiman para indicar la doctrina del movimiento en la ejecución musical. Derva de la palabra griega “agoge” que significa “tempo”, conducción o dirección. Significa la suma de pequeñas alteraciones o modificaciones en la interpretación musical que impiden caer en la mecanización o monotonía de una obra; en el fondo se considera a la agógica como la expresión, tan importante a la hora de la interpretación.

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35


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El metrónomo es un aparato utilizado para indicar tempo o compás de las composiciones musicales. Produce regularmente una señal, visual y/o acústica, que permite a un músico mantener un tempo constante. Antes de este invento los compositores utilizaban como velocidad de referencia el pulso medio humano ( unas 80 pulsaciones por minuto ).

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar El origen del metrónomo data del año 1812, cuando fue inventado por el holandés Dietrich Nikolaus Winkel. A pesar de haber sido el inventor original, no lo registró, por lo que otro compatriota suyo, Johann Mälzael, copió muchas de las ideas y logró adjudicarse la patente del metrónomo portátil en el año 1816. El compositor alemán Ludwig Van Beethoven, fue el primero en establecer en sus composiciones musicales marcaciones de los tiempos usando un metrónomo. Antiguamente los metrónomos consistían en un péndulo con una polea, la que se podía regular para marcar un tiempo más lento Si un compositor desea que el movimiento (la velocidad) del tiempo sea de una negra por segundo, escribirá al principio de la obra = 60, indicando el número de negras que deben sonar en un minuto. La mayoría de los músicos estudiantes en la actualidad usan un metrónomo para la práctica, con el fin de respetar un tiempo estándar. También cabe destacar que muchas piezas musicales tienen una indicación del tiempo a seguir en la parte superior del manuscrito. Antiguamente para establecer los tiempos en una composición se usaban palabras en italiano que indican el tempo como "allegro", "vivace",andante","presto", pero hoy se estila anotar la duración en términos exactos. o más rápido. En la actualidad, la mayoría de los metrónomos son eléctricos. Los más simples consisten en un dial o una serie de botones para el control del tiempo, produciendo un sólo tipo de sonido. Los metrónomos más sofisticados pueden producir dos o más tipos de sonidos para la marcación del tiempo. Por ejemplo un tipo de sonido es para el inicio de cada compás, mientras que otro tipo de sonido es para cada uno de los tiempos que lo componen. Un controlador ajusta la cantidad el tiempo que separa cada sonido, mientras que otro ajusta el ritmo del compás, y por lo tanto el número de sonidos relacionados con los tiempos que hay en éste. Imágenes tomadas de: http://laclasedemsica.blogspot.com/2007/03/dinmica-y-aggica.html

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DINÁMICA: En música, la dinámica se refiere a las graduaciones de la intensidad de la música. Existen al menos ocho indicaciones de dinámica (gradaciones de la intensidad de la música), empezando desde el sonido mas suave hasta el sonido mas fuerte. Dentro de la terminología musical, llama matiz dinámico o de intensidad a cada uno de los distintos grados o niveles de intensidad en que se realizan uno o varios sonidos, piezas de música completas o pasajes determinados de una obra musical. No obstante, la ejecución de los matices son totalmente subjetivos y, por tanto, dependen enteramente de la condición emocional del músico y del estilo o periodo histórico correspondiente a la obra, además de la forma de consideración personal ante esta dinámica. No hay ninguna forma racional de medir la dinámica del sonido. Para diferenciar el grado de intensidad sonora se usan los siguientes términos, los cuales son colocados bajo el pentagrama de forma abreviada (con letra cursiva y negrita), y precisamente bajo la nota donde empieza dicha dinámica. Abreviaciones Los matices: Matiz: grado de intensidad del sonido.

pp (pianissimo): Muy Suave.

p (piano): ‘suave’.

mp (mezzo piano): ‘poco suave’ (o sea ‘no tan suave’). Se usa más en obras orquestales.

mf (mezzo forte): ‘poco fuerte’.

f (forte): ‘fuerte’.

ff (fortissimo): ‘muy fuerte’.

Para indicar graduaciones más extremas de intensidad del sonido, se agregan más pes o más efes. Con bastante frecuencia en las partituras orquestales se encuentra la notación pppo fff

ppp (pianissimo piano, «tres pe», triple piano o pianississimo). ‘Suavísimo suave’, el sonido más suave posible.

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fff (fortissimo forte, «tres efe», triple forte o fortississimo).

Es inusual encontrar más de tres efes o de tres p. La Suite para piano de Norman Dello Joio termina con un crescendo hasta un ffff («cuatro efe»). En algunos pasajes de la Sinfonía Patética, el compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski indicó hasta pppppp («6 pe») y ffff («4 efe»). Se debe notar que las indicaciones de dinámica son relativas, no absolutas. Por ejemplo mp (mezzo piano) no indica un nivel exacto de intensidad de la música, sino que un cierto pasaje debe ser un poco más fuerte que p y un poco más suave que mf. Cambios súbitos La notación sf ('sforzando') o sfz ('sforzato') indican un acento repentino. En el caso de sf, significa un acento que llega a través de un diminuendo hasta forte; en el caso de sfz significa un acento que se prolonga con la duración de la nota, para luego cambiar a forte. Menos usual es fz (forzando). Un uso recordado de esta dinámica se encuentra casi al principio de la sinfonía de Joseph Haydn La sorpresa. En una nota larga, la notación fp (forte piano) o sfp (sforzando piano) indica un sforzando seguido inmediatamente de un piano (p). Este tipo de dinámica sólo es posible en un instrumento sin extinción (como el violín); no es posible por ejemplo en un piano, cuyo sonido tiene un gradiente de extinción que el ejecutante no puede variar. Rinforzando (literalmente ‘reforzando’) indica que se deben enfatizar varias notas o una frase corta. Cambios graduales Existen palabras que se usan para indicar cambios progresivos de intensidad del sonido. Los dos más comunes son 1. cresc.: crescendo (‘creciendo’, aumentando gradualmente la intensidad sonora). 2. dim.: diminuendo (‘disminuyendo’ gradualmente la intensidad sonora). 3. decresc.: decrescendo (‘decreciendo’), menos usado.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Generalmente estas palabras se utilizan para señalar cambios de dinámica que se extienden en el tiempo durante varios sistemas (conjuntos de pentagramas en una misma página). Cuando el cambio de dinámica se extiende en el tiempo durante varios sistemas (conjuntos de pentagramas en una misma página), se utilizan líneas intermitentes (parecidas repetir cresc o dim.

a

puntos

suspensivos),

para

no

tener

que

Cuando el cambio de dinámica no pasa al renglón (o sistema) siguiente, se utilizan «llaves de dinámica» (en inglés hairpin: ‘horquilla para el cabello’) que indican claramente desde dónde y hasta dónde se debe comenzar a cambiar la intensidad del sonido. Se hacen con dos líneas casi horizontales conectadas por un extremo, que se alejan gradualmente. Si las líneas se abren hacia la derecha, equivalen a un crescendo

Si las

líneas se juntan hacia la derecha, equivalen a un diminuendo A lo largo de una partitura, es habitual que el compositor o el editor opten por combinar este tipo de indicaciones de dinámica, generalmente siguiendo una lógica de claridad visual. Desde mediados del siglo XX se mejoró la exactitud de las llaves insertando al principio (o sea, a la izquierda de la primera) la indicación de dinámica inicial; y a la derecha de la llave la indicación de dinámica final (a la que el compositor quería llegar luego del cambio gradual). En caso de que el compositor desea que el sonido disminuya hasta el silencio, debe escribir un número 0 al final de las llaves de diminuendo. Generalmente las llaves aparecen debajo del pentagrama, pero a veces también se pueden encontrar encima (especialmente en partituras de música vocal). Términos que indican cambios de dinámica

al niente: ‘hasta la nada’, hasta intensidad cero.

calando: ‘callando’, hasta intensidad cero.

crescendo: ‘creciendo’

diminuendo o decrescendo: ‘disminuyendo’ o ‘decreciendo’

perdendo or perdéndosi: ‘perdiendo’ o ‘perdiéndose’

morendo: ‘muriendo’

marcato: ‘marcado, enfatizado, acentuado’

sotto voce: ‘voz baja’, opuesto a marcato

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar También existen otros tipos de indicación de dinámica:

staccato: ‘separado’, picado. in rilievo: ‘en relieve’ (indica que un determinado instrumento se toca un poco más fuerte que los demás a fin de resaltar en relación con el conjunto.)

Valores MIDI para la dinámica En los instrumentos con protocolo MIDI, existen 128 variaciones (de 0 a 127) de intensidad (denominada velocity), mientras que un instrumentista humano utiliza en la práctica sólo 5 o 6 intensidades diferentes (desde pianissimo hasta fortissimo), aunque están sometidas a criterios subjetivos. En los programas de notación musical, suele haber valores MIDI de velocidad de tecla preconfigurados (como default u opción por defecto) asociados automáticamente a estas indicaciones. Algunos programas permiten a los s cambiar esos valores en la medida que lo necesiten. En MIDI, la dinámica es un elemento que se basa en valores matemáticos objetivos: Los valores más habituales son:

pp: 20

p: 40

mp: 60

mf: 80

f: 100

ff: 120

LAS ACENTUACIONES EN MÚSICA La acentuación, constituye uno de los elementos de la expresión musical. Así como se hace en el lenguaje dónde ciertas frases, palabras o sílabas deben ser dichas o escritas de una determinada manera para expresar diferentes sentidos; en la música determinadas notas en la frase musical deben acentuarse para lograr efectos particulares, según lo disponga la obra. Básicamente se trata de producir algunos sonidos más fuertes que otros.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Es donde recae el diferente peso del pulso de la obra musical. En notación musical, un acento es una marca que indica que una nota debe ser reproducida con mayor intensidad que otras (es decir, que audiblemente debe destacarse de notas no acentuadas). Por consecuencia, también puede decírsele acento a la nota acentuada en sí. El acento recae siempre en el primer tiempo del compás. Además, en el caso del compás cuaternario, el tercer tiempo debe ejecutarse moderadamente acentuado (semifuerte).1 El acento nos permitira poder dividir el trozo rítmico en compases. El acento musical es el aumento de la intensidad rítmica de un compás musical determinado. Generalmente, aunque no siempre, se produce a intervalos regulares en notación musical e interpretación. Esta acentuación se indica por medio de signos y términos, a saber:

Tipos de acentos Acentos métricos

Notas acentuadas. Es aquel inherente a la organización rítmica de la música. Cae sobre el primer tiempo de cada compás (y un acento semifuerte en el tercer tiempo del compás cuaternario). A su vez, dentro del compás hay subacentos que se ubican en el comienzo de cada tiempo. Acentos expresivos o dinámicos Son sonidos más fuertes que no coinciden necesariamente con el acento métrico y que el compositor ubica a conveniencia. Estos se escriben con distintos signos en la partitura arriba o abajo de la nota.

Signo de marcato sobre la nota.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Terminología Son palabras, en italiano, que indican al ejecutante la intención o el sentido que el compositor quiso impregnar en su obra. De la debida atención a estos términos se dará a la ejecución de la obra la expresión correspondiente. Señalaremos a continuación dichos términos, su significado y la forma como aparecen abreviados en las piezas musicales:

Término

Abreviación Significado

Piano forte

pf

Débil la primera nota, fuerte la siguiente

Forte piano fp

Fuerte la primera nota, débil la siguiente

Marcato

Marcado

Marc.

Rinforzando Rinf o Rfz

Reforzar el sonido

Pesante

Pes.

Pesado

Sforzando

Sfz

Fuerza repentina en el sonido

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TEMA III

Tesituras y registros vocales La tesitura es la amplitud tonal de un cantante. Se considera como tesitura el intervalo existente entre el sonido más grave y el más agudo, de acuerdo con el criterio usual de musicalidad. Hablamos de tesitura, por lo tanto, al considerar los sonidos que podemos controlar de acuerdo a nuestras características de timbre y volumen. 1 - Introducción La voz no es igual para todas las personas, así pues no puede participar con sus mismas cualidades. La voz es una de las expresiones humanas en donde más se pone de manifiesto las características del indivíduo, englobándose en ellas tanto las constitucionales, anatómicas como anímicas. Es en el canto, donde las características de la voz, como son el timbre, tono e intensidad se ponen de manifiesto y determinan las diferencias de cualidad, que esperamos hallar en la voz cantada. Debemos entender, que una voz no puede servir para interpretar toda la música existente, toda voz tiene y debe ser conocedora de sus limitaciones. La clasificación de la voz, sirve para que se obtenga de un modo óptimo sus posibilidades en la interpretación, evitando el esfuerzo muscular impropio, que terminaría dañando la laringe. 2 - Carácter agudo y grave de la voz. Su importancia Una voz con un caracter grave tiene una gran sonoridad y si el cantante quiere encuadrarla como aguda o así se la ha clasificado, aumentan las posibilidades de producir lesiones en las cuerdas vocales citando como ejemplos: núdulos, pequeños edemas, zonas de induración y otras lesiones dentro de este tipo de 45

UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar patología laríngea,que lesiona las cuerdas vocales Si contrariamente la voz es aguda y es clasificada o encasillada como grave, los efectos vocales deseados de una voz aguda, como son los sonidos redondeados o filados, son imposibles de conseguir, y además existe la posibilidad de lesionar también el órgano laríngeo. Una frase conocida del Dr. G. Canuyt, nos dice que en el canto, las voces enfermas

y

fatigadas,

son

las

voces

mal

clasificadas.

3 - Recuerdo histórico En el siglo primero ya se clasificó la voz, pero su clasificación se basaba por la calidad (dulce, áspera, sonora, clara etc) y por la cantidad (grande, mediana y pequeña),

según

escritos

de

Quintanillo

(orador

romano).

Fue en el renacimiento con el inicio del canto coral, cuando se incia una clasificación, tal como la entendemos actualmente,correspondiendo a tenor y bajo en el hombre y a un contralto y contratenor en la mujer. Pero fue a mediados del siglo XVIII, cuando se inicia de un modo más serio, las diversas clasificaciones, así pues, se escribe música para bajos, barítonos y tenores, respecto a las tesituras masculinas ;y contraltos, mezzos y sopranos, para las tesituras femeninas. La escuela sa en el siglo XIX nos describe la siguiente clasificación: para las voces de hombre, voz grave (contrabajo), voz media ( barítono), y voz aguda (tenor). Para las voces de mujer: voz grave (contralto), voz media (mezzosoprano), y voz aguda (soprano). La escuela italiana, efectua unas diferencias que se centran en tenores graves, agudos y ligeros; y respecto a los bajos en, bajos cantantes y profundos; y en cuanto a las sopranos en sopranos dramáticas, líricas y ligeras. Estas subclasificaciones, se pueden extender a los otros tipos de voces. Esta escuela, inicia la clasificación sobre el timbre y el denominado color de la voz. Dentro de este apartado histórico, señalamos la divergencia existente sobre el punto de vista de los diversos autores, ya que respecto a los límites de cada voz, confluyen muchos aspectos de dificil encasillamiento.

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4 – Clasificaciones Se divide la clasificación de la voz dentro de un punto de vista didáctico en: •

4A: Clasificacion Sexual

•

4B: Clasificacion pot tesitura

•

4C: Clasificación por timbre

4A - Clasificación sexual No es importante dicha clasificación, por obvia y posiblemente por simplista, de todos modos a grandes rasgos comentamos que la voz de mujer se halla condicionada por las características anátomo-fisiológicas propias y que la laringe de la mujer, presenta unas medidas que oscilan entre 3,6 cm de altura , 4,3 cm. de anchura y un diámetro anteroposterior de unos 2,6 cm.; y la longitud de las cuerdas vocales se situa entre los 1,5 y 2 cm. La mujer canta una octava más aguda que el hombre. Respecto al hombre, observamos una laringe de mayor tamaño, situándose esta entre los siguientes parámetros; una altura de unos 4,9 cm. y otros tantos de anchura y un diámetro antero-posterior de unos 3,5 cm. Las cuerdas vocales acusan una longitud de unos 2 hasta 2,5 cm. El hombre canta a una octava de diferencia por debajo de la mujer. Otro capítulo a mencionar dentro de esta clasificación, son las voces infantiles, que se corresponden a laringes de pequeñas dimensiones, y la voz infantil, se puede considerar, como voz de tránsito hasta que sobreviene la muda vocal. Otras voces a tener en cuenta, pero que solo las describimos como clasificación teórica, son las voces eunucoides o voz de castrado. Se obtienen por la falta del desarrollo de los carácteres secundarios sexuales, ya que se han extirpado las glándulas sexuales antes de la pubertad. La laringe se queda con un tamaño reducido.

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4B -Clasificación por tesitura Es una clasificación importante, no la única pero si interesante y que debe conocerse. Se define, como aquella, que clasifica la voz por su amplitud tonal. Es en la amplitud tonal adecuada, en la que el cantante se mueve a su comodidad sin apurar las notas extremas. Esta amplitud tonal, se situa entre dos octavas y evidentemente hay bastantes excepciones. Son pues, el conjunto de notas que puede emitir una determinada persona. Un sentido correcto de interpretar la tesitura, es el que situa el conjunto de sonidos, en los que la voz se adapta mejor, es pués, la parte de la gamma vocal, en que el cantante se siente cómodo, sin ningún tipo de fatiga. Tipos de voz según tesitura: Importante: Se exponen dicha clasificación como esquema orientativo, siendo susceptible de variación según

voces.

Tipos de voz

Mujer

Hombre

Voces agudas

Soprano

Tenor

Voces medias

Mezzo-soprano

Barítono

Voces graves

Contralto

Bajo

Voces intermedias Son voces que poseen propiedades de uno u otro grupo. Teniendo en cuenta la tesitura se pueden situar, las voces de mujer entre: Mujer Soprano

Do3, hasta DO5

Soprano ligera

desde el DO3 hasta el FA5

Mezzo-soprano lírica

desde el LA2 hasta el LA4

Contralto

desde el SOL2 hasta el SOL4

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Siguiendo con esta clasificación se situan las voces de hombre entre: Hombre Tenor

desde el Do2 hasta el Do4 (se valora el tenor lírico, spinto y el dramático)

Barítono desde el Sol1 hasta el La3 ( El lírico, puede llegar a Si,3 ) Bajo

desde MI1 hasta el MI3

Debemos señalar, como ya hemos expuesto anteriormente, que entre la voz de hombre y de mujer, una misma nota en el pentagrama, supone una diferencia de octava. En clave de sol, un La del segundo espacio, (La,2) para un tenor, es un

La

del

tercer

espacio,

(La,3)

para

una

voz

de

mujer.

Puede tambien señalarse que la frecuencia de cada nota se mide en hertz, pero puede presentar variaciones, según el tipo de instrumento en que se emita, o bien según el punto geográfico, (cambios de altitud, presión atmosférica etc). El La,3 del diapasón es la base de la afinación instrumental y se ha fijado en 440 ciclos por segundo. 4C - Clasificación por timbre El timbre se puede definir, como la cualidad que nos permite diferenciar dos sonidos, que acusen una misma intensidad y frecuencia. Los sonidos no son puros, es decir, no tienen un movimiento armónico simple (sería el diapasón). Los

sonidos

provienen

de

movimientos

vibratorios

complejos.

Se denomina armónico, cada sonido puro, correspondiendo el primer armónico, al sonido más grave del período. El timbre esta formado pués, por muchos armónicos, y depende del cuerpo sonoro que forma el sonido, el número de armónicos que tiene este sonido. En el caso de la voz humana, el timbre, en parte depende, del tipo de cuerdas vocales del individuo, de su modo de vibración, y de las cajas de resonancia (senos

paranasales,

cavidades

supralaríngeas,

cavidad

orofaríngea).

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Desde 1956, Husson, ha distinguido ( por estudios fisiológicos realizados en Paris. Universidad de la Sorbona), dos timbres en cada voz humana. Timbre vocálico y timbre extravocálico. El timbre vocálico se corresponde a circunstancias fisiológicas condicionables, incluyendo aquí todas la técnicas de aprendizaje ; y el timbre extravocálico depende en exclusividad de la constitucionalidad laríngea, y es el que caracteriza la voz de cada individuo. En el canto o arte lírico las cualidades del timbre son las siguientes: 1. Color 2. Volumen 3. Espesor 4. Mordiente 5. Vibrato

1.- Color

Básicamente, es la técnica empleada o bien es la conducta vocal, la que determina el color del canto, siendo este claro u oscuro. Dentro del color, tenemos la eufonía, siendo esta, el matiz que el cantante emplea en la emisión vocálica, así pues, un cantante puede presentar una eufonía clara u oscura. El color se puede analizar, si se estudia mediante los analizadores del espectro sonoro vocálico. En este estudio las coordenadas son la intensidad y la frecuencia, y según se desplazca la gráfica, obtenemos diversos timbres. 2.-Volumen Se encasillan las voces en pequeñas o en voluminosas. Las primeras no son válidas para grandes interpretaciones o salas de concierto. Quizá este punto tiene su importancia en la sensación de acercamiento o lejanía que se quiere ofrecer o transmitir a lo largo de una interpretación.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar El volumen de la voz, depende casi exclusivamente de la presión del flujo aéreo ascendente, que incide en la subglotis de la laringe del cantante. 3.-Espesor El origen del espesor de la voz, lo situamos en las características de las cavidades de resonancia y principalmente en la cavidad orofaríngea. Son las sensaciones de inflados, a mayor abertura de la cavida orofaríngea, mayor es el espesor de una voz. 4.- Mordiente Se situa el mordiente según el grado de elasticidad y tonicidad de la musculatura laríngea. El mordiente es tambien el grado de brillantez de la voz. Una buena tonicidad implica que en la emisión del canto, el cierre de las cuerdas vocales o del espacio glótico, se presenta firme. De todos modos la afectividad y otros factores durante el canto, condicionan el grado de brillantez o mordiente de la interpretación. 5.- Vibrato El vibrato es cuando el cantante apoya su voz, es decir,existe una modulación de frecuencia más baja, con su intensidad y frecuencia, que se superpone a la del cantante. No debe confundirse el vibrato con el "trémolo", que sería una cierta inestabilidad vocal. De modo esquemático, según el timbre podemos observar voces claras; pequeñas o voluminosas (grandes); débiles (delgadas) o espesas (gruesas); destimbradas (lisas) o timbradas (brillantes); y con mayor o menor vibrato. La clasificación por timbre afecta directamente al estilo de la voz, y a las posibilidades expresivas del cantante, además debe escucharse el gusto del público. Para finalizar, el timbre es sutil e indefinible , siendo el responsable que dos voces conserven su individualidad y sean inconfundibles, es en definitiva, la personalidad de cada voz.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar “La clasificación de la voz de un cantante depende de muchos factores tales como, volumen de los resonadores, tamaño de los pliegues vocales, constitución física, talla, color de la voz, extensión vocal, tesitura, altura de la voz hablada, caracteres endocrinos, sexuales, temperamentales, etc. Sin embargo, algunas de ellas tendrán más importancia que otras. La clasificación vocal utilizada en cantantes clásicos es la siguiente: Voces masculinas: Tenor (voz a aguda), Barítono (voz media) y bajo (voz grave) Voces femeninas: Soprano (voz aguda), Mezzosoprano (voz media) y contralto o alto (voz grave) Esta clasificación es la que clásicamente se utiliza en los coros mixtos, sin embargo, cuando se trata de cantantes solistas, es pertinente considerar sub clasificaciones vocales. A continuación se señalan las sub clasificaciones vocales para cada grupo principal. Soprano Soprano drámatica Soprano spinto Soprano lírica Soprano lírica de coloratura Soprano lírica ligera Soprano ligera Mezzosoprano Mezzosoprano lírica Mezzosoprano dramática Contralto Contralto Tenor Tenor dramático Tenor spinto Tenor lírico Tenor lírico ligero Tenor ligero Barítono Barítono lírico Barítono dramático Bajo Bajo cantante Bajo profundo Artículo de divulgación científica en el área vocal

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Fonoaudiólogo Marco Guzmán N. Especialista en Vocología, University of Iowa, y National center for voice and speech, USA. Académico Unidad de Voz de la Escuela de Fonoaudiología, Universidad de Chile. Vicepresidente

Fundación

Iberoamericana

de

voz

cantada

y

hablada

Marco Guzmán – www.vozprofesional.cl Clasificación según tesitura La tesitura, es el conjunto de tonos en los cuales

se canta con absoluta

comodidad y estética. La realización de la clasificación vocal según tesitura, constituye el procedimiento más antiguo y tradicional. Consiste en hacer cantar al cantante y anotar la nota más aguda y la más grave que puede alcanzar con comodidad. Normalmente la tesitura esperada en un cantante clásico con formación profesional es de al menos 2 octavas. Esto suele ser diferente en los cantantes de musica popular, donde el rango puede ser mayor o menor, dependiendo de la técnica vocal, forma en que utiliza los registros vocales (mecanismos vocales) y el estilo musical que ellos utilicen. Clasificación por el color de la voz. Este método consiste en clasificar la voz sólo escuchando la calidad de su color. Es indudable que este método, es más subjetivo que el anterior. Para determinar el color de una voz, es necesario tener un gran entrenamiento auditivo. Mientras más experiencia se tenga, disminuirá en parte el grado de subjetividad. El color es uno de los elementos que conforman el timbre de la voz. Acústicamente hablando, el color está determinado por los armónicos de la voz que estén más amplificados por los resonadores (ubicación de los formantes). Una voz clara tendrá los armónicos altos más amplificados, mientras que en una voz oscura hay mayor amplificación de los armónicos bajos. Esto es en términos generales.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Es frecuente que una persona poco entrenada, confunda una voz oscura con un tono medio hablado grave. Dicho de otra forma, cuando una voz posee un color oscuro, se suele percibir como una voz de frecuencia fundamental grave, cuando en realidad los formantes del tracto vocal están amplificando los armónicos más bajos. Lo misma confusión puede ocurrir entre las voces claras con las voces con frecuencia fundamental aguda. Si bien, el color es un elemento que aporta información a la clasificación general de las voces masculinas y femeninas, normalmente se utiliza para realizar la sub clasificación vocal dentro de una categoría mayor. Así por ejemplo, las sopranos líricas suelen tener un color de voz más claro comparativamente que el que posee una soprano dramática; o un bajo-barítono suele tener a su vez una voz más oscura que la de un barítono. Clasificación por elementos de la anatómica Existen algunos criterios anatómicos establecidos para clasificar la voz de un cantante, tales como, la longitud de las cuerdas vocales, longitud del tracto vocal y tamaño de la laringe. Estos elementos están determinados principalmente por tres factores: la edad, el sexo y la talla. En el caso de los hombres por ejemplo, los sujetos adultos, altos y delgados, con cuerdas vocales más largas y tracto vocal de mayorlongitud, tendrán voces más oscuras, tesitura más grave y por lo tanto es mas probable que tengan voz de bajo o barítono. Por otro lado, los sujetos pequeños, con cuerdas vocales más cortas y tracto vocal de menor longitud, tendrán voces más claras, tesitura más aguda y por lo tanto es mas probable que tengan voz de tenor. Esta información sólo tiene un valor referencial, en ningún caso es decisiva ni absoluta. Normalmente los rasgos relacionados con la anatomía, no son considerados en forma directa por un especialista al momento de clasificar una voz. Sin embargo, en forma secundaria o indirecta, estos elementos anatómicos determinaran cambios en la fisiología de la voz y por lo tanto en parámetros acústicos de la voz de los cantantes, tales como la tesitura, color de la voz, pasaje vocal, etc.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Clasificación por el tono medio hablado El tono medio hablado es el tono que se repite más veces cuando se habla o, dicho de otra forma, es el tono promedio en que habla un sujeto. Dicho tono se encuentra ubicado en condiciones normales, cerca del límite inferior de la tesitura. En la mayoría de las personas, tanto hombres como mujeres, el tono medio hablado tiene relación con la tesitura. De esta manera, un cantante tenor debería tener el tono medio hablado más agudo que un barítono y éste, a su vez, un tono medio más agudo que el de un bajo. Esta situación no ocurre siempre, por lo que debemos considerar a este método de clasificación, como un elemento que aporta valiosa información pero que por si sólo, no es determinante en la clasificación vocal de un cantante. Clasificación por el pasaje En términos muy generales, el pasaje de la voz es una técnica en la emisión vocal, que permite por medio de ciertos movimientos de los músculos del aparato fonatorio y/o

resonancial, lograr la emisión de los agudos en voz

cantada. El paso o pasaje de la voz, es un elemento muy importante de considerar cuando se desea clasificar la voz de un cantante, debido a que existe una relación casi absoluta entre las notas de paso y la clasificación vocal según tesitura. Es así como un tenor, tiene la zona de paso en notas más agudas que un barítono. Ocurre lo mismo en el caso de las mujeres. Como señale en un comienzo, el tema de la clasificación vocal y todos los parámetros relacionados son de suma importancia en la salud vocal de los cantantes, ya sean estos solistas o cantantes de coro, por lo tanto debiera ser un procedimiento realizado por una persona que tenga experiencia en voz cantada, tanto en lo práctico como en lo teórico. 2 Fonoaudiólogo Marco Guzmán N.

2

Tomado de: http://www.vozprofesional.cl/temasdeinteres/clasificacion_vocal.pdf

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TEMA IV LA MELODÍA: ESTRUCTURA Y FRASEO

Definición de: Inciso, célula o motivo, frase, semifrase, períodos, frases binarias, frases ternarias masculinas y femeninas y melodía. Definición: El inciso, célula generatriz o motivo, como se le quiera llamar, es la base de una melodía, que a su vez se fragmenta para su estudio, en: frases, semifrases y períodos. Estas fracciones melódicas son los materiales primordiales de la construcción musical. Son como el armazón de la música. Hablando rítmicamente, se puede decir, que la célula rítmica es un motivo que se apoya en un impulso y un reposo a modo de pié métrico. “Para el intérprete, deben ser considerados como microformas, a fin de que estos pequeños motivos puedan ser percibidos claramente ya que tienen gran importancia y alcance musicales.”3 (LLACER PLA. )

En el siguiente ejemplo: Inicio de la Sonata en La M, para piano, de Mozart:

3

LLACER PLA, Francisco. Guía analítica de formas musicales para estudiantes. Madrid. Real musical.

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Las semifrases son la unión de dos o tres incisos, células o motivos, según sean binarias o ternarias y pueden tener carácter afirmativo o negativo. El primer inciso, por lo general, se concibe como una propuesta, pregunta o llamada a uno o dos incisos que le siguen con carácter de respuesta. La semifrase es afirmativa, cuando la respuesta del inciso es semejante

y

negativa si es contrastante. Esto mismo puede aplicarse a frases y períodos. En el ejemplo propuesto, el período temático es de 8 compases, la semifrase primera de 2 compases , compuesta por dos incisos similares, producen una semifrase afirmativa, que puede tener un sentido claro de pregunta, como se puede observar en el fragmento siguiente:

La primera frase de 4 compases del ejemplo citado, del ejemplo, que puede tener el sentido de un minúsculo organismo musical cerrado, constituye una frase binaria negativa, por ser contrastantes las dos semifrases de que se compone y que a su vez son: la primera afirmativa y la segunda negativa.

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Como se ha indicado, con la unión de dos o tres elementos, se ordenan estructuras binarias o ternarias. Son binarias cuando se producen en orden de dos en dos estructuras y ternarias cuando lo son en orden de tres en tres.

Una semifrase ternaria será afirmativa si los tres incisos son similares y negativa si una o dos de las respuestas son contrastantes. Ternaria afirmativa: si contiene tres incisos semjantes: a, a´a´´ Ternaria negativa: si contiene un inciso de respuesta contrastante: a, a´, b / a,b, c /a, b, b´ Otro ejemplo: V Sinfonía de Beethoven

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La semifrase es el resultado de los incisos musicales

En este caso, es binaria afirmativa, pues los dos incisos son simétricos.

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Inciso

_____________ _____________ _____________ _____________

Semifrase

_____________ __

_____________ _____________ _____________

Frase

_____________ _____________ _____________ _____________

Período

Lo que se afirma sobre la semifrase vale igualmente para la frase y para el período.Este está constituido por 4, 6 y 8 compases. El período puede ser así mismo afirmativo o negativo. “Si la proporción de los incisos, , semifrases frases y períodos producen sensación de equilibrio, y reposo, no siempre se da la igualdad entre tales elementos, ni es necesaria, ni pretendida por el compositor. La asimetría de las frases pueden ser fuente de belleza.”4 (MUNETA MARTÍNEZ. 1997)

La estructura melódica y armónica se maneja sobre las leyes fundamentales del ritmo y del contraste. Una frase musical presenta un inicio y una terminación. Dichos inicios los encontramos de diferente manera, pudiendo ser: •

Téticos: Inicio a la cabeza del compás

•

Anacrúcicos: Inicio en fracción de tiempo antes del compás

•

A contratiempo: Inicio después del primer tiempo del compás

Los puntos culminantes de una frase pueden ser: •

Masculinos: Terminaciones en tiempo fuerte del compás

•

Femeninos: Terminaciones en tiempo débil del compás

Las cadencias, su ropaje armónico, las modulaciones evitan la monotonía y vacío en la música y por el contrario dan la sensación de variedad, riqueza y crea un interés musical en una obra musical. Ejercicio práctico en clase En las partituras anexas, señale: Incisos, semifrases, frases y períodos. 4 MUNETA MARTÍNEZ, Jesús María. Análisis musical y fundamentos de la composición (Formas musicales). Ediciones Instituto musical turolense. Teruel. 1997. p.8

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Formas de inicio y terminaciones. La melodía Para muchos oyentes, la melodía es el ingrediente más importante de una obra musical. Básicamente una melodía es una sucesión de sonidos de diferentes alturas (graves, agudos), organizados de tal manera que tengan un sentido musical para el oyente. La melodía es inseparable del ritmo, puede existir un ritmo sin melodía pero no a la inversa. Por lo que se puede decir que una melodía es una sucesión de sonidos de distinta altura y duración, animados por un ritmo. Como sabemos, la melodía está compuesta por unidades que se conocen con el nombre de frases o periodos, y a su vez, las frases están compuestas por unidades más pequeñas llamadas motivos, o células melódicas, que son las unidades más pequeñas con sentido musical,

que sirve de núcleo para la

formación de un tema o un desarrollo posterior. Una melodía puede producir en cada persona diferente sensación, así lo que para uno tiene un sentido musical, para otro es un grupo de sonidos sin sentido alguno. De ahí la afirmación de que la música actúa sobre la parte emocional del hombre según sus estados de ánimo. Diseño melódico: Si se unen las notas de una melodía con una línea continua, obtendríamos visualmente el contorno o perfil melódico de la misma. Es a ese perfil al que llamaremos diseño melódico. Los diseños melódicos pueden ser de varias clases: 1. Formado por notas repetidas. El resultado visual sería una línea recta horizontal, este diseño puede presentar alguna modificación. Primer tema del primer movimiento del Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta de Joaquín Rodrigo (1901-1999)

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(1901-1999)

2. Por línea melódica ondulante El diseño ondulado está formado por una nota base sobre la que oscilan de una forma más o menos regular, notas un poco más agudas y notas un poco más graves. Su perfil gráfico sería una línea curva. Tema del primer movimiento, "El amanecer" de la Suite Nº 1. de E. Grieg

3. Notas ascendentes Se refieren a diseños basados en el sucesivo ascenso o descenso de las notas que conforman la melodía, así una melodía puede presentar un diseño ascendente, cuando va desde la nota más grave hacia la más aguda, pudiendo ser representada con una línea ascendente hacia la derecha. Tema de la introducción de "Así hablaba Zaratustra" de Richard Strauss (18641949)

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar 4. Notas descendentes: Una melodía puede tener un diseño descendente cuando comienza con un sonido agudo y sucesivamente se va haciendo más grave, y cuya representación gráfica sería la contraria al diseño anterior, aunque lo más frecuente, es una mezcla de ambas cosas, es decir, un diseño simétrico, en el que el punto más agudo se sitúa hacia el centro de la melodía. Habanera de la ópera "Carmen" de Bizet

5. Diseño simétrico Tema principal del Poema Sinfónico "El Moldava" de B. Smetana

6. Por pasos: Al decir por pasos, se puede pensar en dos maneras: por grados conjuntos y por saltos. Grados conjuntos: Vale decir sonidos próximos en la escala musical y saltando a manera de arpegio. Himno a la Alegría de la 9ª Sinfonía “Coral” de Beethoven (1770 – 1827)

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Grados por saltos: Ejemplo auditivo: Primer movimiento de la “Pequeña serenata nocturna” de Mozart (1756 – 1791)

Dependiendo de todos estos aspectos, una melodía puede ser sencilla, fácil de recordar porque no utiliza muchas notas y están próximas en la escala, porque tiene una estructura basada en la repetición, es decir que tiene partes que se van repitiendo constantemente, etc. Otras en cambio son más complejas, porque usan un mayor número de notas musicales, las escalas en las que se basan son más complejas y con una estructura en la que no se repite nada y por lo tanto es más difícil de escuchar, retener y por lo tanto de cantar o tararear.

FORMAS DE INICIOS DE MELODÍAS EN LA MÚSICA TRADICIONAL

•

INTERVÁLICA Y DIRECCIÓN MELÓDICA

Los intervalos que produce el movimiento gradual de las melodías , revelan muy de cerca la naturaleza y las características de un determinado repertorio En la interválica se deben distinguir tres aspectos : 1. La interválica de inicio 2. La interválica en curso de frase 3. La dirección melódica •

LA INTERVÁLICA DE INICIO: Es especialmente reveladora del arranque de la melodía , vale decir el paso del silencio a la melodía que tiene el cantor en su cabeza.

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Intervalo

Tipo

Sentido ascendente o descendente

Unísono

Protético Epentético Melódico

Segunda

menor Mayor

Tercera

menor Mayor Ambigua

Cuarta Quinta

Justa Justa

Sexta

menor Mayor

Séptima

menor

Los unísono

protético

y epentético son una especie de relleno silábico

necesario para la isorritmia entre el texto y la música. En los casos de unísono protético, el canto debe arrancar del vacío, sin el apoyo tónico del texto y si el soporte rítmico del acento musical. Ejemplo 1: Del vuelo de tu saya. Tomado del Cancionero Leonés . Tomo I (II). Pág. 416

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar En los inicios de unísono epentético, ya sea en compás de subdivisión binaria o en subdivisión o ritmo ternario, hay al menos un apoyo en el acento melódico secundario, que sirve al cantor de soporte para cantar con más seguridad. Ejemplo1 : Traime la Marianita Tomado del Cancionero Leonés. Tomo I (I). pág. 218

Ejemplo 2: Marinero dale al barco, que me muero. Cancionero Leonés. Tomo I(I). pág. 219

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Los unísonos melódicos, forman parte del canto. Se extienden por lo general, a dos o tres notas. De igual manera se pueden encontrar ejemplo en que

cuatro o más notas unisonales forman un inicio melódico bien

caracterizado. Ejemplo 1: Jota múltiple. Cancionero Leonés. Tomo I (II) pág. 69

El unísono se le considera como una forma muy frecuente de arranque y en algunos casos toma verdadero carácter de recurso melódico. El intervalo de 2ª y más el de Mayor que el de menor, son muy frecuentes. De igual manera, la 4ª justa es más frecuente que la tercera, ya que este intervalo es más determinante de la modalidad y necesita mayor precisión que la cuarta (4) que es un intervalo ambivalente de fácil y natural entonación.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Ejemplos de 3ª AMBIGUA EN EL INICIO

El resto de los intervalos de inicio 5ª, 6ª y 7ª

claramente tonales, son

irrelevantes en el conjunto. En cuanto a la dirección del movimiento interválico del inicio, por lo general, las melodías toman una dirección ascendente; esto es considerada como una característica de los inicios, aunque se encontrarán casos en que esa dirección es a la inversa.

•

INTERVÁLICA EN CURSO DE FRASE Por lo general en las canciones o tonadas el discurso melódico discurre con

naturalidad desde el unísono hasta los intervalos de 4ª, sin embargo se podrán encontrar intervalos de 5ª, de 6ª menor y de 7ª menor, que es más frecuente que la Mayor.

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UNIVERSIDAD DE SALAMANCA Cursos Cero Materiales: Prof. Matilde Chaves de Tobar Hay que tener en cuanta si se encuentran 2ª aumentadas, intervalo tan característico del modo arábigo. •

DIRECCIÓN MELÓDICA

El movimiento natural de la melodía por intervalos cortos y conjuntos, proporciona a la melodía un perfil melódico suave, un movimiento sereno y un discurso tranquilo. Se deberán tener en cuenta las siguientes formas: 1. Una línea descendente con suaves ondulaciones Ejemplo : 1. Dos arcos suaves formados por el ascenso de la nota inicial, el descenso hasta la zona inferior a ella y y un nuevo ascenso gradual hasta el reposo final. 2. Los saltos bruscos y los efectismos y las agilidades virtuosísticas están en el polo opuesto a la naturaleza del movimiento melódico

de las canciones

tradicionales.

•

ÁMBITOS MELÓDICOS : Los ámbitos melódicos están en estrecha relación con los sistemas melódicos y la dirección melódica, elementos, todos ellos que contribuyen a dar fisonomía particular a un repertorio. Se debe tener claridad la extensión melódica, analizando la interválica . Canciones que llegan o no a la 7º o a la 8ª.

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