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LAS TENDENCIAS PICTORICAS, (LOS ISMOS) Y REPRESENTANTES NOTABLES Fue un movimiento pictórico francés de escasa duración caracterizado por un empleo provocativo del color. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar.

Perteneciente a". Alude a movimientos dentro de la historia universal del arte, sean estos literarios, plásticos o musicales. El término ismos es utilizado, principalmente, para denominar a cualquiera de las tendencias o escuelas artísticas contemporáneas, cada una de las cuales proclama sus propias características que las diferencian de los otros estilos. Por ejemplo, vemos que el impresionismo se sumerge en el color – luz, en lo instantáneo del momento – mientras que el cubismo trabaja en la esquematización geométrica de los objetos, y el expresionismo, prescindiendo por igual de luz exterior y de estructura geométrica, se entrega a la pasión de recrear el mundo desde la subjetividad motora. Como vemos, los "ismos" se producen desde el momento en que uno de los factores del complejo artístico se rebela contra la armonía del conjunto y asume la dirección intencional – expresiva de la obra, con la consiguiente debilitación o desaparición de sus otros aspectos.

im presionismo

EL ARTE CONTEMPORANEO EN EUROPA El arte Contemporáneo Europeo aglutina la creación de 33 artistas del Viejo Continente, fundamentalmente de Italia y España. Dicha muestra presenta una clara diversidad de lenguajes, desde figuración contemporánea, pasando por surrealismo, lenguajes personales y abstracción a arte conceptual, expresionismo y Dimensionalismo. España e Italia, Italia y España dos países con un gran pasado y un presente esperanzador en artes plásticas. Dos países que aportan mucho dentro del panorama del arte contemporáneo de hoy.

Las aportaciones de los 33 Franca Antonello indaga en lo geométrico, buscando el centro equidistante plástico y espiritual, porque va directamente a la esencia de las cosas. Su creación está dominada por el color, elaborada, compleja, sutil, bien estructurada, conectando con la fuerza que gobierna el mundo pero no se ve. Es minuciosa, configurando todos los elementos que intervienen en la dinámica creadora, siendo partes de un todo, dentro de una cierta dinamicidad y contraste. Pino Aversa experimenta en la simbología y la alegoría, dentro de un planteamiento pictórico y escultórico lúdico, sutil, insinuante, sin renunciar a la belleza, permitiéndose conexiones con la estética glamurosa, pero, a la vez, dentro de un posicionamiento encuadrado en la ironía leve, pero de expansión calculada, en línea con la voluntad de alcanzar objetivos multidireccionales en cuanto a significados. Carlo Benati se interesa por la formulación del concepto, encuadrándolo, buscando el juego de estéticas, dentro de una contemporaneidad de objetivos. Su obra es marcadamente emblemática, elaborada, situada en línea con la evidencia del concepto. Se instala en un planteamiento formal geométrico para ser coherente con la búsqueda del contraste, empleando la tensión como elemento dinamizador de una composición estructurada. Giampiero Bertolini se interesa por el movimiento, el gesto, la fuerza intrínseca de la activación de los elementos. Gesto, ondas, sincronización expansiva, concentrando su predisposición al cambio constante, potenciando la vibración, es decir conectando con la energía. Su creación se implica con temáticas que captan el momento del cambio, el instante de la vibración. Francisca Blázquez, creadora del Dimensionalismo en 1998, viaja a través de las diferentes dimensiones cósmicas, astrales, angélicas, dimensión del agua y del amor. Su obra se caracteriza por exhibir sorprendentes geometrías en el cosmos; asimismo, por presentar planteamientos cristalográficos, formas que parecen piedras preciosas y geometrías de avanzada estructura, elaboradas en intensos colores, realizadas en acrílico sobre tela. Su pintura está repartida en colecciones y museos importantes de América, Asia y Europa, fundamentalmente. Marisa Bonazzi, conceptual, su obra enlaza con el subconsciente, con la fuerza

interior de la simetría, siendo irónica, reflejando un planteamiento atrevido en el que integra elementos, dentro de ambientes muy complejos, en los que lo importante es la formulación del cambio y la transformación como objeto fundamental. La creadora italiana se interesa por la recreación de elementos de diferentes épocas, involucrándolos en un discurso plástico contemporáneo. Alda Bòscaro se interesa por la figura, dentro de un concepto poético, sutil, evidente, pero, a la vez, sugerente. Su creación pictórica se fundamenta en el dibujo y el color, con introducción de contrastes de tonos, buscando nivelar la composición, siendo armónica, pero, a la vez sutil y expresiva. Alegóricamente teje la tela con el cromatismo, para darle mayor calidez, conectando con la impronta de lo intenso entrañable. Enrico Brunella pinta paisajes de la mente, soledades, movimientos álmicos, concepciones del espíritu, dentro de una austeridad de planteamientos. Destaca la contención del paisaje, potenciando estructuraciones cromáticas inmersas en la composición, fundadas en la emblematicidad de la alegoría. Es una obra poética, instalada en el espíritu, conformando un mundo de mundos, casi sin que tengan que intervenir iconografías y elementos que introduzcan barroquismo a la pintura.

EL ARTE CONTEPORANEO EN AMERICA

A través de la integración de arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas, los actuales pueblos latinoamericanos, desde los tiempos prehispánicos, se preocuparon por hacer un arte ambiental que consiguiese comunicar un efecto monumental. Entre los ejemplos más espectaculares se hallan las universidades de México y Caracas y la ciudad de Brasilia (la nueva capital de Brasil), un primer símbolo del espíritu fidedigno del arte y arquitectura contemporáneas en Latinoamérica. México emerge como centro del mundo artístico latinoamericano en la primera mitad del siglo XX. Entre sus múltiples expresiones artísticas merecen una mención especial los muralistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, en una línea figurativa y didáctica que difunde una aseveración cultural nacionalista y unas manifestaciones políticas revolucionarias. Numerosos artistas se sintieron atraídos por Nueva York o París, como los venezolanos Marisol Escobar y Jesús Rafael Soto, destacado ejemplo del arte cinético. ARTE CONTEMPORANEO EN BOLIVIA En el siglo XX, y dentro del eclecticismo, se destaca la obra de Arturo Posnasky quien edificó su residencia privada en estilo neotiahuanaco (1909), hoy sede del Museo Nacional de Arqueología. También se construyeron residencias como el Club Libanés, la Casa Machicado, y las oficinas de la Bolivian Railway con ventanas y balcones elaboradas en hierro forjado.

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