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LA ERA DEL ROCK

El arte musical por sobre todas las artes, es la expresión del alma de una nación. - RALPH VAUGHAM WILLIAMS, compositor inglés

Publicado por CABEZA - Fábrica de Ideas Carlos Benitez Z. Tte. Vera 1615 esq. Av. San Martín - 1°P Tel.: 601134 Asunción - Paraguay e-mail: [email protected] Copyright ©2009

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Sumario

Prólogo...................................................................................................................... 4 Introducción.............................................................................................................. 6 Un Comienzo Inesperado.......................................................................................... 8 El Reloj Comienza a Girar......................................................................................... 25 Los Verdaderos Orígenes del Rock......................................................................... 33 El Rock & Roll Vino para Quedarse.......................................................................... 47 La Guitarra Eléctrica................................................................................................. 74 Teen Idols.............................................................................................................. 124 Crorocknología años 50........................................................................................ 134 El Rock & Roll Cruza el Océano............................................................................. 135 Una Década de Cambios....................................................................................... 147 ¿El Rock es Domesticado?..................................................................................... 156 El Alma de Un Pueblo............................................................................................ 167 Antes de la Invasión: Surf-Rock, Pop y Folk.......................................................... 197 La Invasión Británica.............................................................................................. 237 La Moda del Rock y del Pop Inglés........................................................................ 294 América Despierta................................................................................................. 319 Rock Around The World........................................................................................ 363 Haz el Amor y la Guerra......................................................................................... 473 El Blues Revival...................................................................................................... 527 El Nacimiento del Country Rock............................................................................ 575 El Rock se Endurece.............................................................................................. 613 ¡Festivales!............................................................................................................. 650 Crorocknología años 60........................................................................................ 670 Indice de Artistas................................................................................................... 672 Indice General de la obra....................................................................................... 675 3

LA ERA DEL ROCK

Prólogo

¿Otro libro más de rock? Escribir un libro sobre música no sólo es difícil, es una tarea, hasta si se quiere, incompleta, porque la música no es para ser leída, sino para ser escuchada, bailada, disfrutada, etc. Pero aquí no se trata de filosofar, sino de compartir con todos los que aman la música rock un poco de todo lo que de una u otra forma contribuyó al nacimiento y desarrollo de ésta.

Abajo: Un típico salón de baile o “ballroom” de los años 50’s.

Como verán no es tarea fácil, me disculparán si me olvido de algunos detalles. Nos espera un largo y sinuoso camino (como cantaba Paul McCartney) a través de 50 años de historias, anécdotas, personajes y sobre todo música, mucha música, que lamentablemente no podremos escuchar aquí, pero tendremos abundante referencias como para imaginarlas, disfrutarlas y ubicarlas

en algún rincón perdido de una buena y completa disquería o porqué no, en esa inmensa masa de información que es internet. No pretendo escribir “un libro más sobre el rock”, ni ser muy técnico, pues lamentablemente soy un músico frustrado; pero si, corregir errores (nombres, fechas, lugares) de otros libros que han caído en mis manos durante mi búsqueda de información y brindar un texto ameno que no saque a relucir mis gustos personales, como algunos escritores que hacen eco de apreciaciones y juicios injustos que reflejan una ignorancia hacia el gran público, que bien o mal son los que hacen de las estrellas de la música lo que son y los que dan sus buenos dólares a compañías disqueras, compositores, músicos y un largo etcétera. No pretendo hacer una apología del fanático, pero como tal, es necesario tener el punto de vista de los que compramos lo que nos gusta, eso no me da derecho desde luego de juzgar a nadie, cada uno hacemos lo que tenemos que hacer para vivir y si es posible vivir bien. Pero por favor... ¡un poco de consideración! Así que, volviendo a lo que nos ocupa, disfrutemos de la buena música y “dad al César...”

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“El rock es una porquería que no va durar más de seis meses” FRANK SINATRA (1954)

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Introducción

¿De qué estamos hablando? El rock no es un mero género musical, sino un crisol donde se mezclan las más variadas expresiones de la música y del “versero” popular, primero de los USA y luego de todo el mundo. El rock no es parte de una “invasión capitalista e imperialista”, nos pertenece a todos, por gusto o por derecho propio. Si, el rock debe mucho a otras expresiones, por eso no podemos itir que sea exclusivamente Estadounidense, en sus orígenes tiene mucho de la música rítmica africana y en la actualidad, está amalgamado con expresiones culturales de todos los rincones del mundo, de ahí sus más insospechadas ramificaciones y estilos. Así tenemos Rock Latino, Rock isleño, Rock Africano, etc. y sus ramificaciones, Rock Duro, Rock Sinfónico, Soul, Rockabilly, Folk-Rock, Punk-Rock, Soft-Rock, Southern, Funk, Heavy Metal, New Wave, Electropop, Dance, House, Rap, Hip-Hop, etc, etc. El rock nos pertenece a todos. Por estas páginas desfilarán los pioneros de los años ‘50, los creadores de los ‘60, los supergrupos de los ‘70, los renacidos de la tormenta punk de los ‘80 (que muchos llaman decadente) y los recreadores de los ‘90. Espero que en cada página puedan viajar en el tiempo y entrar, no como en un museo, sino como protagonistas de cada época para lograr comprender las distintas expre6

siones de los músicos del momento. No podemos decir que la música de antes era un bodrio insoportable, ni declarar con ganas “todo tiempo pasado fue mejor”, pero podemos involucrarnos con la imaginación, en la mente de esos campesinos sin futuro que buscaban una salida, aunque sea por diversión, de sus problemas económicos y raciales de los años 50, de la lucha afroamericana por sus derechos sociales, de los hippies que querían un mundo mejor y más humano, de sus protestas contra guerras descaradas e inútiles, de los infortunios que pasaron los jóvenes de barrios pobres londinenses, de la lucha por la libre expresión y el apartheid, de salir de la mediocridad, de la búsqueda de nuevos sonidos y nuevas luchas por un mundo más igualitario, y de intentar que nos importe “algo” en esta aldea en la que vivimos. Porque el rock es así, es contestatario, es rebelde, pero aún así, toma bandera por una buena causa. Es la música de los desamparados, de los desechados, de los luchadores y también de todo lo contrario. Es una música concreta y al mismo tiempo inclasificable, es contestatario y es comercial, es joven pero gusta a los viejos, es inmensa y llena de efectos pero también es sencilla... como decían los Rollings: “IS ONLY ROCK AND ROLL BUT I LIKED”.

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CAPITULO 1

Un Comienzo Inesperado

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l origen del Rock es una de las materias más conflictivas de la historia popular, porque cada cual la conoce de manera distinta. Un libro que se precie debe tener su propia historia o sería una mera copia de los tantos existentes. Nuestra historia pues tiene un comienzo inesperado porque arrancamos desde mucho antes... El “Hijo Rock’n’Roll” tiene un “padre Blues” pero se han olvidado que tiene un “abuelo” al que le debe mucho, que tiene varios nombres, ”Black Spiritual”, “Gospel”, etc. y un “tío” Jazz. Es hora de que le demos a sus creadores la reivindicación que se merecen. Tradicionalmente se considera que el Rock’n’Roll es una mezcla entre la música negra, el Blues, y la música blanca, el Country. En lo que a su origen se refiere, hay un concenso universal. Pero como decíamos en la introducción, el Rock’n’Roll bebe de fuentes de lo más diversas para enriquecerse. Aún el Jazz y más directamente el Rhythm and Blues, juegan un papel importante en los orígenes. Este tan variado grupo de “padres” hace que el Rock’n’Roll sea tan difícil de clasificar para los musicólogos. Pero que le da una riquísima variedad melódica, temática y rítmica, al gusto de todos.

DE AFRICA A NORTEAMERICA Una “mezcla rara” entre ritmos africanos de los esclavos traídos a América, 8

los cantos ritmicos de los trabajadores negros de los ferrocarriles y minas (los Hollers), y los himnos cristianos cantados en las iglesias protestantes de los blancos norteamericanos, es quizás el verdadero origen del Blues más tradicional del delta del Mississippi. Aunque lo más probable es que el Blues y los Spirituals tengan el mismo origen, pero en diferentes caminos. Los Spirituals era la música de Dios y el Blues... cuando no, la música del diablo. Una cosa es cierta, el origen de la música popular Norteamericana incluyendo la más recalcitrante y racista música blanca sureña, tiene un origen africano. Así como lo oyen, el country blanco tiene un legado no pequeño, en sus ritmos e instrumentos de la música de la negra Africa. El continente negro es musicalmente tan variado como cualquier otra parte del mundo, y cuando muchos de sus habitantes fueron secuestrados por mercaderes europeos y traídos como esclavos al nuevo mundo, supieron mantener sus tradiciones, especialmente aquellas que forman y dan temple al alma y al espíritu, es decir, la religión y la música. Hacinados como animales en los barcos, lo único que pudieron llevar consigo era eso, y tras 200 años de cautiverio, lejos de su patria, era lo único que sobreviviría, aunque sea mezclada y matizada con las tradiciones de sus antiguos amos blancos. Luego de 1868, al finalizar la guerra de Secesión norteamericana, y la libertad

Un comienzo inesperado

de todos los esclavos fue decretada, la condición de los negros no mejoró demasiado. Toda la economía del Sur estaba basada practicamente en el sistema esclavista, que con la nueva ley, y los gastos de la guerra, se vino abajo, sumiendolo en la ruina. Surgió así un nuevo estilo de esclavitud, las deudas y la extrema pobreza en que se hundió el sur algodonero de los Estados Unidos, obligó a los antiguos esclavos a ponerse nuevamente a las ordenes de los más pudientes para poder sobrevivir, renovando el racismo extremo del que eran objeto con un toque de rencor por la pérdida del orgullo sureño. El negocio de la música comenzó con la comercialización de los primeros tocadiscos-fonógrafos, desde los primeros años del Siglo XX, la música creada por los negros era considerada inferior, salvaje, depravada, etc. no digna de ser grabada. Pero el Jazz, considerada la música clásica de los USA, sí que era comercial, gracias a sus intérpretes blancos como George Gershwing autor de conocidas y populares melodías, esto

a pesar de sus creadores negros, como Scott Joplin o W.C. Handy creador de los famosos Memphis Blues (1912) y St. Louis Blues (1914). El Jazz tiene sus origenes en Nueva Orleans con la dispar mezcla de los Spirituals, los Blues y las Marchas Militares, dando surgimiento al dixie y el ragtime que pronto se popularizó gracias a la grabación de músicos blancos y de la expansión de la industria discográfica. Pero el jazz tiene ese “algo especial” que hizo que los negros sean “aguantados” en la alta sociedad blanca del norte del país. Así, el jazz emigró hacia New York, Chicago y otras grandes ciudades del noreste, donde los negros tenían más oportunidades de sobrevivir dignamente y porque las grandes compañías disqueras como Columbia, y la sede de las asociaciones musicales como ASCAP o BMI, se encontraban allí. Cuando el comercio de la nueva música popular comenzó a generar sus millones, las disqueras empezaron a surgir como hongos. Algunas en el sur como Okeh Records, Brunswick y Swan se ocupaban exclusivamente de la música negra,

Arriba: “La voz de su amo”, esta clásica imagen del perro que oye a travez del fonógrafo, pasó a ser símbolo de la casa RCA Victor.

A la izquierda: materiales promocionales y anuncios de lanzamientos discográficos de artistas negros de principios de siglo. 9

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Bessie Smith, durante los años 20 llegó a ser reconocida como “la emperatriz del Blues” por su carisma, su calidad como cantante y su preciosa voz.

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etiquetada racistamente como “race music” o “negro music”, que incluía a las populares tonadas jazz de dixie, ragtime y del no tan popular blues. Es decir, todo estilo musical creado por los negros.

lísticamente a medida que los niños que crecían escuchando esta música se iban perfeccionando en el uso de la guitarra y en la composición de las letras. Pero el comercio no se puede detener, y así surgen grandes orquestas que interpretaban a su modo esta “primitiva” EL BLUES SE HACE POPULAR y tan poco comercial “música de negros”. El Blues se trata de tradición y de ex- Pero a pesar de la mentira y el desprecio, presión personal. Mucho del Blues es el gran público de algún modo reconoce una simple progresión de acordes que a sus verdaderos intérpretes y creadores, abren una improvisación sin final, en lo por lo que surgen de esa manera las primeras estrellas de la “race music”: Besmusical y en lo lírico. El Blues evolucionó a partir de los sie Smith conocida como la “Emperatriz cánticos africanos, los spirituals y las del Blues”, otros como Son House, Blind canciones de trabajo de los esclavos ne- Jefferson, Papa Charlie Jackson, Lightnin’ Hopkins, Walter “Furry” gros. A finales de 1800, Lewis, y más tarde Billie “La gente me pregunta dónde estos esclavos del sur surgió el blues, y todo lo que puedo Holliday, etc. dieron al de los Estados Unidos decir es que, cuando yo era un blues memorables inpasaban las canciones de forma oral y eran muchacho, siempre estábamos can- terpretaciones y cantando en los campos. En realidad ciones que abrieron las conbinadas con el fono cantábamos, ya sabes, gritábapuertas a las futuras gelklore europeo de los mos (holling), pero inventábamos Montes Apalaches. nuestras canciones sobre cosas que neraciones de blos negros que acuñarían Nuevos híbridos surnos estaban sucediendo en aquel definitivamente una exgieron en cada región, momento, y creo que es ahí donde presión popular que sus pero todo el Blues que empezó el blues.” creadores definen simse grabó a comienzos SON HOUSE (1965) plemente como “sentide 1900 era distinguimiento”. La mayoría de ble por el uso de guitarras acústicas y pianos. En una temprana ellos no aprenderían a leer o escribir jaépoca como 1910 cuando el mundo más y expresaron su arte en lugares non bailaba al son de los fox-trot europeos sanctos, donde la música se mezclaba y de un jazz pianístico americano, surgió intensamente con el sexo, el whisky y el Blues sureño. Esta palabra: “blues” o las armas. Se escuchaba en fiestas cam“tristeza” en inglés era la palabra que re- pesinas, circos itinerantes, espectáculos sumía los desengaños, luchas e injustas de variedades, en los trenes y garitos de situaciones de los negros norteamerica- cuarta, en las calles de ciudades pequenos, era básicamente la música de los ñas y grandes, y por supuesto, también pobres, trabajadores y campesinos del en los discos. La evolución del Blues es patente por Sur Profundo del Delta del Mississippi, entre sus creadores figuran extraños su influencia sobre el Jazz (y no sólo en personajes sentados a la puerta de sus cuanto a la improvisación), también sobre desvencijadas casas de madera con una géneros considerados “blancos” como el guitarra y característicos golpes con los bluegrass, el country & western y el folk pies para marcar el ritmo, que poco a clásico. Por su variedad de estilos se elepoco fue evolucionando técnica y esti- va de categoría a “género musical”.

Un comienzo inesperado

UN ABANICO DE ESTILOS Delta Blues: Viene de la región cercana a los bancos del Río Mississippi, referidos románticamente como “la tierra donde nació el blues”, es una región agrícola muy extensa que abarca los estados de Arkansas, Tennessee y Louisiana. El Blues del Delta está dominado por las guitarras slide y apasionadas interpretaciones vocales, con un sentimiento profundo expresado a través de la música, más cercana a sus raíces africanas y con temas propios de las plantaciones y los duros trabajos que recuerdan a los tiempos de la esclavitud. El típico sonido “slide” se lograba con un “bottleneck” (cuello de botella), cilindro metálico o de vidrio aplicado en el dedo meñique o anular, que se arrastraba sobre las cuerdas de la guitarra. Entre sus héroes están: Charlie Patton, Son House, Big Bill Broonzy, John Lee Hooker, Muddy Waters, Howlin Wolf, Elmore James y otros.

BILLIE HOLIDAY

de saxofón tenor. Las letras eran generalmente alegres y de celebración. El Jump Blues fue el puente entre el estilo guitarristico original y las Big Bands de los años 40.

Piedmont Blues: Se describe como la combinación de estilos de músicos de Georgia, Las Carolinas, y Virginia así como otros de Florida, Maryland, y Delaware. El estilo de la guitarra Piedmont es altamente sincopada y emplea un complejo método de punteo (“picking”) de las cuerdas con un bajo regular, tocado con el dedo pulgar. El estilo Piedmont es una extensión de las primeras bandas de cuerdas, que integraban el ragtime y las canciones country.

Chicago Blues: El “clásico estilo de Chicago” se desarrolló a fines de los 40 y principios de los 50, tomando el Delta Blues, amplificándolo y electrificándolo. Tomando el viejo concepto de una banda de cuerdas y poniéndolo en el contexto de una pequeña banda consistente en batería, bajo, piano y en algunos casos, saxofones. Este se convirtió en el “combo” estándar del blues. La forma era flexible a fin de acomodar a cantantes, guitarristas, pianistas y armónicistas como “frontman”.

Jump Blues: es el estilo más cercano al jazz en cuanto al tempo. Se hizo prominente a mediados de los años 40 y es uno de los precursores directos del rock and roll. El Jump Blues usualmente presentaba un vocalista y una orquesta mediana de vientos (saxos y trompetas). El estilo se caracteriza por tener mucho ritmo, intensos ataques vocales y solos

Texas Blues: Es caracterizado por ser más relajado que los otros estilos. Sus primeras manifestaciones datan de los años 20, con guitarras acústicas que eran más una extensión de la voz que un mero acompañamiento. Con el fin de la II Guerra Mundial, evolucionó hacia una electrificación de las guitarras y un ritmo tirado hacia el jazz, además de una

Billie “Lady Day” Holiday nació en Baltimore en 1915. Vivió una niñez muy dura, su padre músico abandonó a su familia y su madre muy joven no pudo con la carga, fue abusada a los 11 años y creció siendo muy pobre. En 1929 se muda a Nueva York donde cae en la prostitución. De acuerdo a la leyenda, a los 15 años en 1930, comienza a cantar para ganarse la vida en bares y restaurantes. Cuatro años después, logra grabar su primer material con Benny Goodman. En 1935 consigue su primer contrato de grabación. Su voz no era precisamente espectacular y su rango vocal era mas bien limitado, pero ella tenía la inimitable habilidad de insuflar vida a una canción, haciendo de cada una de ellas una verdadera historia. Su carrera como cantante de jazz y blues le auguraba un gran futuro, pero su vida estuvo marcada por la tragedia personal. Su creciente adicción a la heroína (que la llevó a pasar una larga temporada en prisión), la bebida y los hombres de mala reputación que se aprovecharon de su dinero y popularidad, provocaron su decadencia. Murió sola en su cama en 1959 tras ser nuevamente arrestada por poseción de drogas.

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sección de metales. Sus clásicos exponentes son Blind Lemon Jefferson, Texas Alexander y Leadbelly que han creado escuela. Lightnin’ Hopkins ha popularizado el acompañamiento boogie de la guitarra. El Blues ha superado una larga etapa de menosprecio y olvido, haciendose universal y sus intérpretes originales han sido elevados a la categoría de genios, contar con la presencia de uno de ellos

es todo un lujo. Aunque a medida que pasa el tiempo la mayoría ya ha pasado a mejor vida, pero seguirán haciéndose escuchar gracias a los discos y a sus fanáticos recuperadores como fueron en su momento los artistas de rock ingleses (Rolling Stones, John Mayall, Eric Clapton, Ten Years After y los propios Beatles) que sacaron del anonimato a los casi olvidados por sus propios compatriotas.

BLOS QUE MARCARON A FUEGO AL ROCK

Muddy Waters McKinley Morganfield, Muddy Waters, fue el rey del blues de Chicago, una gran influencia en su propia comunidad y, años después, de dos generaciones de músicos blancos que han reconocido su eminencia. Nacido en una plantación de algodón de Mississippi en 1915, Waters quería ser predicador, músico o jugador de béisbol, afortunadamente se decidió por la música y aprendió a tocar la guitarra y la armónica a partir de los trabajos de Son House y Robert Johnson. Su ambición lo llevó a Chicago en 1943, acompañado de Sonny Boy Williamson y Big Bill Broonzy, quienes le abrieron camino para ingresar a los clubes del Southside. Allí compra su primera guitarra eléctrica y forma una banda con Jimmie Rogers (armónica) y Blue Smitty (guitarra) y el pianista Sunnyland Smith. En 1946 empieza a grabar para el cazatalentos Lester Melrose, pero no saldrían a la luz hasta 1972. Después es contratado por los hermanos Chess como músico de sesión. En 1948 realiza sus primeras grabaciones comerciales con el sello Chess que incluían “I Can’t Be Satisfied” y “Feel Like Goin’ Home”, utilizando la guitarra slide, típica del Delta Blues. En los años

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Un comienzo inesperado

siguientes comienza su ascención y entrada en las listas de éxitos: “Rollin’ and Tumblin” (1949), “Rollin’ Stone” (1950), “Louisiana Blues” (1950), “Long Distance Call” (1951), son algunos ejemplos. Poco después agrega nuevos integrantes a su grupo, el armonicista Little Walter, el pianista Otis Spann y el guitarrista Jimmie Rodgers con los que graba su famoso “I’m Your hoochie Coochie Man” (1954) estableciendo la quintaescencia de los grupos de blues de Chicago. Los éxitos siguen con “I Just Want Make Love To You” (1954), “Mannish Boy” (1955), “I’be Got To My Mojo Working” (1957) y “Close To You” (1958), todos clásicos indiscutibles. En 1958 realiza su primer viaje a las islas británicas donde deja impresionados a Cyril Davies y Alexis Korner, principales precursores del blues británico. Su aparición en 1960 en el Newport Jazz Festival presagió el blues boom de los sesentas, luego de una temporada en Gran Bretaña, rápidamente atrae discípulos entre los rockeros ingleses, él encarna la autenticidad del blues y el alma del rock que se estaba diluyendo. Es invitado a tocar en universidades y salas de concierto, pasando una década de giras por Europa y los Estados Unidos. En 1969 graba “Fathers And Sons” con Paul Butterfield y Mike Bloomfield, y “London Sesions” en 1971 con Steve Windwood, Rory Gallagher y Mitch Mitchell, consiguiendo nuevos fans gracias también a sus jóvenes adherentes. En 1976 graba “Hard Again” con la producción de Johnny Winters y participa en la emotiva despedida de The Band en el concierto filmado “The Last Waltz”. Luego, Johnny Winter se lo lleva para grabar en su sello Blue Sky y le edita “Hard Again” (1977), “I’m Ready” (1978) y “Muddy Mississippi Waters Live” (1979), consiguiendo tres Grammys consecutivos. Durante los primeros años de la década de los 80 se

Muddy Waters es el creador de emblemáticos temas como “Rolling Stone”, “Hoochie Coochie Man”, “Mannish Boy”, “I’m a Man” cargados de un ritmo salvaje lleno de sexo, su música fue el punto de partida para numerosos grupos que han seguido sus pasos. Él cambió el curso del blues como un alud a la trayectoria de un torrente, con un estilo instrumental donde predominaba el “slide” y un “feeling” que atrapa al oyente aunque no tenga ni un gramo de sangre negra en sus venas.

mantuvo activo viajando y grabando con otras grandes figuras, pero su salud comenzó a decaer. Muddy Waters se retira a Chicago donde muere en 1983 de un ataque al corazón.

Howlin’ Wolf Wolf no fue un guitarrista genial ni tampoco dominaba la armónica como otros bluesman, lo que lo distinguía era su voz, la más cruda, chirriante e impresionante del Chicago Blues, sin olvidar sus respetables 1,90 m. de estatura y sus más de 120 kilos de peso. Chester Arthur Burnett, conocido luego como Howlin’ Wolf, nació en West Point, Mississippi en 1910, comenzó a trabajar en la plantación de su padre y todo indicaba que sería un campesino toda su vida. Pero la música lo atrajo más. Aprendió a tocar la guitarra con Charley Patton y armónica con su cuñado Sonny Boy Williamson. En 1941 ingresa al ejército y sale después para regresar al trabajo con su padre. A finales de los años cuarenta, forma The House Rockers, una banda con James Cotton, Matt Murphy, Ike 13

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y “Spoonful” ayudaron a fijar la personalidad de Wolf para siempre. En la década de los sesentas, Wolf, como muchos blos de su generación, son tildados de anticuados y pasados de moda en su propio país, pero resurgirán de la mano de las nuevas generaciones de músicos ingleses. En 1961 graba “Down In The Bottom”, “You’ll Be Mine”, y con su “Little Red Rooster”, los Rolling Stones logran un gran éxito en Gran Bretaña en 1964, quienes sin negar su inspiración, presentan a Wolf y le abren las puertas a una serie de actuaciones y apariciones televisivas en el Viejo Mundo. Howlin’ sigue cosechando nuevos éxitos con “Goin’ Down Slow”, I Ain’t Superstitious”, “Built For Comfort” y “Killing Floor”. En 1967 y 1968 aparece en shows televisivos acompañado de grandes figuras del rock quienes lo encumbran como una de sus máximas influencias. Ese año de 1968 es uno de los participantes en la “Super Super Blues Band” junto a Bo Diddley, Little Walter y Muddy Waters. En 1971

El sello Chess Records fundado en 1947 por Leonard y Phil Chess, dueños de un club de Chicago, contratará a casi todos los artistas que vienen del sur buscando un mejor futuro, así lanzará al estrellato a grandes figuras como Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Little Walter, Sonny Boy Williamson, John Lee Hooker, Bo Diddley, etc. 14

Turner y Willie Johnson; ésa fue la época en que empezaron a llamarle el “lobo aullador”. Hacia 1949 se hace Disc Jockey de una emisora en Memphis, donde Ike Turner lo descubre y le consigue un contrato con Sun Records, su primer disco lo hace con Sam Phillips. Poco después, Howlin’ Wolf, como muchos de sus paisanos, se va a Chicago en busca de mejores oportunidades y firma un nuevo contrato con el sello Chess en 1952, donde comienza una nueva etapa junto a figuras como Otis Spann, Willie Johnson y sobre todo el bajista Willie Dixon, quien escribió para Wolf muchos de sus éxitosas canciones. Su primer éxito lo consigue en 1957 con “Smokestack Lightning”, dejando bien marcado su estilo particular. Tres años después, “Wang Dang Doole”, “Back Door Man”

Un comienzo inesperado

regresa a Inglaterra y graba “The London Sessions” en el sello de los Stones y dos álbumes más hasta que su salud recae seriamente luego de un grave accidente y dos ataques cardiacos en 1973, llevándolo subsecuentemente a la muerte en 1976. Howlin’ Wolf, llenaba con su grandísima prescencia el escenario y los discos. Su rasgada y profunda voz, evocaba inmediatamente las viejas tradiciones del blues, manteniendose firme ante las presiones de las compañías disqueras que pretendían diluir su estilo para hacerlo “más vendible”.

John Lee Hooker Leyenda viva del Blues, John Lee Hooker, al contrario de otros blos, nunca hizo concesiones al cambiante gusto popular, su música permanece única e incondicional. Desde que grabó “Boogie Chillen” para el sello Modern en 1948,

Hooker tuvo tres períodos de éxito separados por cuarenta años. Nacido en una granja de Clarksdale, Mississippi, en 1917, “The Boogie Man” aprendió a tocar la guitarra con su padrastro, el guitarrista y cantante William Moore, y desde los 13 años se destacó como cantante de spirituals negros. Durante varios años la música era solo un hobby para él, ya que trabajaba en una fábrica de Memphis y luego de Cincinnati, donde vivió con su familia hasta que se mudó a Detroit en 1947 para trabajar en la floreciente industria automotriz de la zona. Fué allí donde nace la oportunidad de lanzarse como bluesman. Después de que su primer material fuera un hit, comenzó una prolífica y exitosa carrera, grabando más de 70 singles en más de 20 sellos distintos durante los años 50. Su voz grave y su estilo cuasi primitivo y acompasado, siempre acompañado del golpe rítmico de sus pies, crea un sonido inconfundible. En 1955, Hooker firma con el sello Vee Jay de Chicago. “Dimples”, grabado en 1956, tuvo un éxito moderado, pero llegó a cruzar el Atlántico, obteniendo otro hit en Gran Bretaña a comienzos de los años 60. En esta nueva década adopta la guitarra acústica, siendo un verdadero precursor de la moda “desenchufada”. “Boom Boom” de 1962, alcanza el puesto 60 en los charts de pop norteamericanos y entra en los Top 30 de Gran Bretaña. John Lee Hooker hace su primera gira europea ese año. Luego graba algunos álbumes para Bluesway y Chess, asi como “Hooker n’ Heat” (1970) en el sello Liberty, con los Canned Heat, quienes eran a la sazón, grandes seguidores de esta leyenda. Sus grabaciones comenzaron a disminuir durante los años setentas y muy esporádicamente en los ochentas. En esa época es invitado a participar en las películas “The Blues Brothers” y “El Color Púrpura”.

Willie Dixon, bajista y compositor, estuvo al lado de Howlin’ Wolf durante años y compuso para él varios de sus clásicos, además de descubrir varios de los grandes talentos del blues de Chicago.

“El Blues es la raíz. Todo lo demás son sus frutos” – Willie Dixon

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En 1989 graba el premiado “The Healer”, para el cual, el productor Roy Rogers, trajo como acompañantes a figuras de la talla de Santana, Bonnie Raitt, Robert Cray, Canned Heat, George Thorogood y Los Lobos. En 1990, Hooker graba con Miles Davis el álbum del filme “The Hot Spot” de Dennis Hooper. Luego graba “Mr. Lucky” en 1991, esta vez acompañado de Keith Richards, Carlos Santana, Van Morrison y Robert

“Nunca podrás confundir a John Lee Hooker con nadie más. Su sonido es tan oscuro y pantanoso como ninguno” — Keith Richards

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Cray; y “Boom Boom” en 1992, manteniendo su éxito cuando el tema que da título al álbum se convierte en un hit en Gran Bretaña aún más grande que el alcanzado durante los sesenta. John Lee Hooker es uno de los grandes blos que más ha influenciado a generaciones de rockeros blancos, mayormente ingleses, quienes han tratado de absorver la estética del blues sureño.

Un comienzo inesperado

Elmore James Es el gran iniciador del Blues de Chicago, nacido en una plantación de Canton, Mississippi. Se aficionó a la música desde muy joven, y con la influencia de Robert Johnson, se empeñó en aprender y dominar la técnica del slide, de la cual es hasta hoy, referencia indiscutible. A los 14 años ya trabajaba como músico itinerante bajo los seudónimos de “Cleanhead” o “Joe Willie James”. A mediados de los años 30 emigra hacia Chicago y funda el grupo “The Broomdusters”, una de las primeras y mejores bandas de la ciudad, compitiendo con las de Muddy Waters y la de Howlin’ Wolf. Luego de pasar por la Segunda Guerra Mundial, regresa a Memphis y toca en clubes junto a Eddie Taylor y su primo Homesick James, siendo habitual invitado en fiestas y programas radiales. Al fin en 1951 logra gra-

bar su primer éxito, “Dust My Broom”, tema que llegó al número 1 en las listas de Rhythm and Blues. Graba también un LP que no se editaría hasta que resindiera contrato con otra casa discográfica. Elmore vuelve a Chicago a grabar con Chess luego de reunir a los Broomdusters. Realiza entonces varios discos que son ya clásicos del blues. Sus constantes problemas cardíacos le hicieron decidirse por dejar la música y volver a Mississippi para dedicarse a reparar radios y a veces hacer de disck jockey en una emisora local. Pero su amor al blues fue más fuerte y regresa a Chess para grabar el clásico “The Sky Is Crying”; reunió una vez más a su viejo grupo y comenzó una serie de conciertos en Nueva York, Chicago, Nueva Orleans y Mississippi, hasta que en agosto de 1963 su corazón le falló por última vez.

Su técnica, sus composiciones y su feeling, son el legado más importante que ha dejado Elmore James a generaciones de bluesman y rockeros.

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Robert johnson

T-BONE WALKER Revolucionó la guitarra de blues al electrificarla en 1940. Su estilo ha influenciado a practicamente todos los guitarristas que vinieron después. BB King dijo: “El fue el primer guitarrista eléctrico que yo había escuchado en disco. El hizo que yo vaya y consiguiese una guitarra eléctrica. Era el mejor sonido que yo jamás escuché”. Walker nació en Linden, Texas en 1910. Comenzó a tocar a partir de los 13 años y llegó a tocar con el legendario “Blind” Lemon Jefferson. Sus canciones más famosas incluyen: “Stormy Monday Blues” , “Tell Me What’s the Reason”, “She’s My Old-Time Used to Be” y “Cold, Cold Feeling”.

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Es considerado el gran compositor del Blues Rural de los orígenes, perseguido por la miseria y por la desgracia de ser negro en una zona extremadamente racista, supo sin embargo destacarse y salir del anonimato. Nace en una plantación rural del Mississippi en 1911. Son House y Charley Patton son sus primeras influencias blas, desde adolescente es reconocido como un gran guitarrista y armonicista, aprendió a tocar simultáneamente acordes y arpegios en la guitarra con todos los dedos de la mano derecha, algo que nadie había hecho hasta entonces, además de dominar el uso del “bottleneck”. Tal era su fama, que siempre le han tachado de haber hecho un pacto con el diablo. Se casó muy joven y se muda a Hazlehurts, pero vuelve a Robinsonville en Mississippi luego de que su mujer muere en el parto. Se refugia entonces en la música y logra realizar sus primeras grabaciones, consiguiendo el éxito con “Terraplane Blues”, que vendió unas 4.000 copias (un verdadero hit para los primeros años 30). Realiza también varias giras por todo el Delta además de Chicago y Detroit. Su final llegó misteriosamente en 1938 cuando bebió un whisky envenenado una noche que se encontraba tocando con Sonny Boy Williamson y Honeyboy Edwards. No se sabe si fue una amante dolida o un esposo celoso el que puso el veneno, pero aunque éste no le mató, durante la convalescencia una neumonía acabó con su vida. Su legado musical sin embargo llega hasta nuestros días, con clásicos como “Crossroad”, “Love In Vain”, “Sweet Home Chicago” o “Stop Breaking Down”, que fueron versioneados por gente como Eric Clapton, Steve Miller o Led Zeppelin.

Un comienzo inesperado

Lightnin’ Hopkins Su apodo de “relámpago” no fue casualidad, sino fue debido a su célebre velocidad en la guitarra. Nacido en 1912 y formado en el Texas Blues, combinó genialmente el tradicional estilo acústico con el boogie woogie y el swing, dándole un ritmo muy particular. Como muchos artistas rurales, pasó desapercibido por muchos años. Hacia finales de los años cuarenta llegó a obtener cierta notoriedad en su Texas natal, llegando a ser habitual invitado en clubes nocturnos, pero con la llegada del rock and roll y el blues eléctrico fue cayendo en el olvido. Pero a comienzos de los sesenta, el especialista Sam Charters que conocía la leyenda de Hopkins, se propuso rescatarlo del pasado. Siguiendo las pistas de los barrios negros de Houston, logró finalmente dar con el artista y le convenció de regresar y grabar con él su primer LP como regreso. Charters pudo comprobar que el talento de Hopkins seguía intacto y su apodo de “Lightning” no era un simple capricho. A sus 52 años su regreso fue triunfal y llegó a grabar nueve discos más, además de participar como otros blos de su generación de un sinnúmero de giras de conciertos y festivales por Europa y los USA hasta una edad muy avanzada. Murió en 1985 cubierto de la gloria bien merecida de los grandes creadores.

B.B. King Nacido en una plantación algodonera de Itta Bena, Mississippi en 1925 como Riley King, B.B. King es simplemente el Rey del Blues, conocido mundialmente por su exquisito estilo, él mismo dijo una vez: “Mi mayor ambición es ser uno de los mejores blos que jamás existió”. B.B. King sigue trabajando duro aún,

dando casi 250 conciertos al año alrededor del mundo, junto a su amada Gibson negra “Lucille”. Su niñéz y adolescencia lo pasa en Indianola, Mississippi, donde comenzó a cantar con su madre, que murió cuando cumple los 7 años. Pasó a vivir con sus abuelos y a los 14 años consigue su primera guitarra, tocando en grupos de gospel y poco después en solitario, haciendo pequeñas giras por los pueblos de alrrededor. En 1946 se traslada a Memphis, el centro cultural y comercial más importante del sur del país, un punto de encuentro para todos los que se irían al norte. En 1949 inicia su carrera profesional influenciado por su primo Bukka White, 19

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En cierta ocación, cuando le preguntaron cómo podría definir a un bluesman, B.B. King respondió: “Todo lo que me rodea forma parte de mi música. Yo no hago otra cosa que cantar a las cosas que rodean a mi pueblo. Soy un pueblo entero”.

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con quien toca durante una temporada; comenzó a tocar la guitarra eléctrica gracias a los trabajos de T-Bone Walker, Lowell Fulson y Django Reinhardt, pero pronto desarrolla un estilo propio. Comenzó a presentarse en una estación radial de Memphis como “The Beale Street Blues Boy”, nombre que subsecuentemente fue reduciéndose hasta quedarse simplemente en BB. Se cuenta que en una ocasión, BB estaba tocando en un concurrido club, de repente se arma una gran pelea por causa de una hermosa chica llamada Lucille, con la confusión se produce el incendio del local, King logra salir, pero regresa para recuperar su queria guitarra que había dejado en la huída, desde entonces llama Lucille a la guitarra que utiliza en sus actuaciones.

En 1950 firma con RPM un sello de California, con quien se quedó por 12 años. En ese tiempo, la rudeza de sus primeros discos como “She’s Dynamite” abrió camino a dramas concisos como “When My Heart Beats like A Hammer” y “Sweet Sixteen”. Por esa época introduce en su banda, la sección de metales como las trompetas y saxos que le darán su sonido característico. Para 1953 se traslada a Houston y lidera la banda de Bill Harvey con quienes inician unas serie de giras con más de 300 actuaciones al año. Sus esfuerzos le valen miles de dólares, autos, etc. además de crear un sello discográfico propio el Blues Boy Kingdom. Temas clásicos de la época son “Sweet Little Angel”, “Three O’Clock Blues” y “Ten Long Years”. A mediados de los sesenta, su voz tensa y angustiada, y sus solos punzantes e intensos, su estilo fluido y apasionado, llamaron la atención de los jóvenes blancos y es así como pasó a compartir escenario con los Mothers of Invention y los Rolling Stones. Durante la década consigue varios éxitos en las listas como “Rock Me Baby”, “The Thrill Is Gone” y el emblemático “Why I Sing The Blues” de 1969. Todo un embajador del Blues, King participó en acciones de gobierno tocando a beneficio en tours por Africa y Rusia y se codeó con los sucesivos presidentes de los Estados Unidos. Su frondosa lista de álbumes durante sus años de trabajo incluyen colaboraciones con Bobby Bland (“Together For the First Time” Live 1974) y con The Crusaders (“Take It Home” 1979). Durante los setenta hace una serie de presentaciones de las más memorables, incluido el “Live At the County Jail” que arranca con uno de sus clásicos “Every Day I Have The Blues”. En 1987 se le galardona con un Grammy Honorífico en reconocimiento a

Un comienzo inesperado

su intenso trabajo. A pesar de su fama y excelencia, BB King sigue siendo ese modesto muchacho de Mississippi que comparte con el mundo su magnífico arte.

Albert Collins Nació en 1932 en Leona, Texas. Su primer acercamiento a la música lo hizo a través del piano y a los 18 años se pasó a la guitarra, influenciado por grandes como Johnny “Guitar” Watson, Jimmy McGriffit, John Lee Hooker, T-Bone Walker y su primo Loghtning’ Hopkins. A mediados de los años 50 ya estaba teniendo un éxito interesante en clubes, pero se limitaba al ámbito local; allí forma su propio grupo compuesto por nueve llamados The Rythm Rockers, para 1958 logra lanzar su primer single, “The Freeze”, al que seguirán “Snow Cone”, “Icy Blues” y “Don’t Lose Your Cool” de estilo instrumental. Su popularidad siguió creciendo, pero recién salió de su localidad al cambiar de discográfica y con los lanzamientos de “De Frost” y “Albert’s Alley”. El empujón definitivo vendría con “Frosty”, de 1962,

logrando unas ventas de más de un millón de copias. A pesar del éxito, seguía trabajando en diversos empleos, utilizando los fines de semana para actuar. En 1968, Bob Hite de los Canned Heat viajó hasya Houston para convencerle de ir a California. Una vez allí consigue un contrato discográfico y edita tres álbumes, además de abrir conciertos para bandas como Allman Brothers y los propios Canned Heat. Durante los setenta sigue editando singles y haciendo giras. En 1978 edita “Ice Pickin’” y durante los 80 recorría Norteamérica conduciendo el bus de la banda. Editó otros LP’s de consideración: “Live In Japan”, “Don’t Loose Your Cool” y Frozen Alive”. Su gran éxito llegaría en 1985 con “Showdown” que grabó con Robert Cray y Johnny Clyde Copeland. En 1991 saca “Iceman” y una recopilación en 1993 llamada “Collins Mix”, lamentablemente ese año fallece a los 61 años por cáncer hepático, mientras al fin disfrutaba de un éxito que no había vivido en sus años de juventud.

“Estoy interesado en que la gente conozca a un tipo. Se llama Albert Collins, es guitarrista tejano y es bueno, muy bueno, uno de los mejores del mundo” — Jimi Hendrix

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Albert King es uno de los pocos que toca la eléctrica sin púas, toca directamente las cuerdas con los dedos, lo que le da a su sonido ese característico toque que recuerda al blues acústico y rural. Su influencia puede apreciarse perfectamente en el toque de Mark Knopfler de los Dire Straits, que también utiliza esta técnica y que es el “secreto” del sonido del grupo.

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Albert King Albert Nelson, el gigante con voz de terciopelo, nació en Indianola, Mississippi en 1923, pero se mudó más tarde con toda su familia a Forrest City, Arkansas, muy cerca de Memphis. Desde niño aprendió a tocar la guitarra practicamente por su cuenta con la dificultad de que era zurdo, pues nunca cambió el órden de las cuerdas, las bajas están hacia abajo y las agudas arriba. De adolescente consiguió algunos empleos en Memphis y por la noche tocaba en algunos clubes, primero como baterista en el conjunto de Jimmy Reed y luego como guitarrista de acompañamiento. El uso de la zurda hacía que su toque sea más lento y sus riffs más cortos, pero esa aparente desventaja

se convertiría gracias a su melodiosa y suave voz en su estilo característico, que influenciaría a gente como Otis Rush, Eric Clapton, Jimmi Hendrix y Stevie Ray Vaugham. En 1950 se hace guitarrista del grupo The Groove Boys, con quienes aparece en varios clubes y programas radiales. En 1953 se muda a Indianápolis donde conoce a Willie Dixon, el cual le pone en o con el sello Stax donde graba sus primeros cinco singles, incluyendo “Be On Your Merry Way” y “Black Luck Blues”. Sin mucho éxito, regresa con los Groove Boys con quienes permanece hasta 1956. Se muda entonces a St. Louis donde firma con otro sello, graba algunos temas, pero el suceso le llegaría recién en 1961 cuando su tema “Don’t Throw Your Love on Me So Strong” entra en las listas de R&B. Volverá a las listas en 1963 con “The Big Blues”. En 1966 lanza “Laundromat Blues”, “Cross Cut Saw” y su tema emblemático “Born Under A Bad Sign” en 1967, este disco sería el más importante de la escena bla de finales de los sesenta. En 1968 de la mano de “Live Wire/Blues Pwer” gana una amplia audiencia rockera. Al año siguiente lanza “Years Gone By” y en 1970 hace un homenaje a Elvis con “Blues For El-

Un comienzo inesperado

vis, King Does The King’s Things”, donde reinterpreta con su estilo los éxitos del Rey. Después de una gira por Europa y los EE. UU. vuelve a los estudios para grabar “Lovejoy”, durante los años 70s hace de todo, incluyendo soul, funky y demás, pero vuelve a sus raíces blas muy pronto. Siguió presentándose hasta que en 1992 su exitosa carrera se trunca por un ataque al corazón.

Freddie King Uno de los tres “Kings del Blues” ha inspirado a los más grandes guitarristas del rock, dueño de un estilo saturado y fuerte, abrió el camino al desarrollo del blues inglés en los años sesenta. Nacido en Gilmer, Texas en 1934, Freddie comenzó a tocar desde niño, siguiendo la vena de Lightning’ Hopkins, hasta que se muda con su familia a Chicago a la edad de 16 años. Allí cae bajo el hechizo de Muddy Waters y Robert Lockwood, forma entonces su primera banda, tocando y desarrollando en los clubes de Chicago su más puro estilo eléctrico. A partir de 1960 se acerca más a un estilo propio, más duro y cargado, solos rápidos y próximos al rock. De esa

época son “Hide Away”, “The Stumble”, “Have You Ever Loved a Woman?”, ‘That’s What You Think’ , ‘You’ ve got to Love Her with a Feeling’ , ‘I’ m Tore Down’, etc. que fueron grandes éxitos. Con la llegada de los años setenta logra una unión más cercana con el público rockero, pero la muerte le sorprende prematuramente en 1976. Freddie King es citado invariablemente como una influencia importante por varios guitarristas respetados de blues y de rock.

“Freddie me ha enseñado exactamente todo lo que necesitaba saber” — Eric Clapton

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LA ERA DEL ROCK

Buddy Guy Nacido en 1936 en Louisiana, llevando el blues en las venas, influenciado por B.B. King y Magic Sam, busca sin embargo su propio estilo. Emigra a Chicago donde el blues eléctrico sería su máxima inspiración. En clubes del South Side conoce a Willie Dixon quien le ayuda a firmar con el sello Chess en 1958. Allí pasa a formar parte de la pléyade de estrellas del sello y tiene la oportunidad de trabajar con Muddy Waters y Howlin’ Wolf, quienes se convierten en sus guías. Pero Buddy tenía un espíritu demasiado innovador, por lo que empezó a experimentar con distorsiones, acoplamientos, etc. con su Fender Stratocaster, pero a la compañía no le gustó nada estas nuevas ideas; a pesar de que algunos años después un desconocido Jimmi Hendrix haría lo mismo y le daría la

fama que Buddy no logró en su momento. Durante los años sesenta se aproxima bastante al rock y actúa con grupos como los Rolling Stones en Europa. Pasa luego por una época difícil en cuanto a lo comercial, pero su asociación con el armonicista Junior Wells relanza su carrera. Vuelve a experimentar con los sonidos funky, que introduce en su música, dandole un toque más moderno a sus blues. En 1984 lanza un disco exclusivamente acústico titulado “Going Back”, donde demuestra su maestría no sólo por su calidad interpretativa sino también por su espíritu de constante innovación. En los noventa, su asociación con un consagrado Eric Clapton y actuaciones memorables en el Albert Hall de Londres, contribuyen a un resurgir de su fama, gracias también al apoyo de famosos iradores suyos como Jeff Beck, Mark Knopfler o Bonnie Raitt.

“Antes de fallecer, Muddy Waters me dijo: no dejes que muera la música”

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CAPITULO 2

El reloj comienza a girar probar suerte con esta nueva música... y verdaderamente le pegó a la primera!. Pero antes de hablar sobre los pioneros del rock and roll, veamos qué pasaba en esa primera década.

DECADA DE CAMBIOS Acababa de terminar la Segunda Guerra Mundial, atrás quedaron los tiempos de austeridad y de grandes males económicos que trajo el “crack” de la bolsa de Nueva York y la Gran Depresión eco-

L

a avalancha comenzó hacia 1954 y desde ahí no ha parado de arrasar con todo. En sus inicios el Rock era prácticamente un blues acelerado o sazonado con boogie woogie. Pero como la música negra era despreciada por los blancos, tuvo que llegar un blanco para sacarla a la luz, este era Bill Halley, un cantante ambulante de Country, que decidió

Conceptos hoy aceptados como “moda joven” o “música joven” eran desconocidos, recién hacia mediados de los cincuenta y gracias al bienestar económico y la revolución en las costumbres, los jóvenes pasaron a tener sus propias modas y productos dirigidos.

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nómica durante los años 30. Un nuevo orden mundial se alzaba; de un lado las grandes potencias occidentales vencedoras de la II Guerra Mundial, encabezados por los Estados Unidos, Inglaterra y Francia; y del otro lado del “telón de acero” la Unión Soviética y sus aliados (a la fuerza) comunistas. Comenzaba así la “Guerra Fría” que dividiría al mundo en dos y que acabaría recién en los años 90 con la caída del comunismo.

Esta típica imagen de los años 50’s sacada de un catálogo de autos (Oldsmobile mod. Rocket 88, de 1953), refleja todas las bondades del “American way of life”, grandes autos, gran casa, última moda, etc.

Pero en los USA todo era diferente, la prosperidad económica era una realidad, el “ideal norteamericano” era una familia bien constituída (numerosa si es posible), una hermosa casa, un gran auto, un buen trabajo, un buen barrio y una serie de artilugios eléctricos que, exagerando un poco, hacían de los quehaceres hogareños toda una aventura de ciencia fición; este era el paraíso de la llamada W.A.S.P. (White Anglosaxon and Protestant) una hermosa realidad; para los blancos claro. Esto era más patente en los estados del sur donde el racismo y el desprecio contra los negros y otras mi-

norías era aún muy fuerte. Toda una nueva gama de oportunidades comerciales se abría por todas partes, ropas, autos, electrodomésticos, viajes, y por supuesto, la música.

LA MUSICA “JOVEN” El ambiente musical hacia finales de los años 40 era dominado por el Jazz, que había tomado un rumbo más comercial y de amplio público, el de las Grandes Bandas o Big Bands lideradas por directores-músicos como Glenn Miller, Benny Goodman, Harry James, Count Basie o el gran Duke Ellington. Con estas orquestas surgieron las primeras “Superstars” del showbussines musical, así tenemos a Frank Sinatra que empezó cantando con la orquesta de Tommy Dorsey, también Ella Fitzgerald, Bing Crosby y otros, que luego dejarían a las bandas pasar a un segundo plano, para hacerse solistas, ídolos de miles de jovencitas, jovencitos y de los no tanto. También el Jazz ayudó a que ritmos latino-caribeños arrasaran en los primeros años 50; especialmente los ritmos importados de Cuba, la salsa, el mambo, la rumba, la conga y derivados como el Cha cha chá, daban el toque exótico a los grandes salones de baile, así, músicos como Pérez Prado, Benny Moré, Tito Puente, Celia Cruz, y otros llegarían a ser estrellas de la música latina primero en su patria y luego en los Estados Unidos, abriendo el camino a cientos de músicos que llegarían años después. Para un público más amplio surgen los cantantes románticos, los “crooners”, como el propio Frank Sinatra, que más tarde junto a Dean Martin, Sammy Davis Jr. y Peter Lawford conformarían el célebre “Rat Pack”, que hacía las delicias de todos, con sus canciones, chistes y otras cosillas. Otros cantantes de estilo dulzón, que los críticos tildaban de “exper-

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tos en rimar moon con baloon”, como Doris Day, la novia de America; Frankie Laine; Dinah Shore; Rosemary Clooney, que endulzaba canciones de Blues para el gran público; Fred Astaire con sus famosos pasos de baile; y los cantantes de estilo romántico-latino (italiano) muy populares como Mario Lanza, Perry Como, Tony Bennet y el gran Dean Martin, conformaban toda una línea especializada de productos discográficos y fílmicos de gran éxito. En otro aspecto, la post-guerra era ensombrecida por un nuevo fantasma, pero muy real, la Bomba Atómica y

poco después la de Hidrógeno, mucho más poderosa. La guerra fría comenzaba desde que se supo que los rusos ya tenían la bomba y los chinos no tardarían en fabricársela. Una serie de acontecimientos como la independencia de la Indochina sa (Vietnam, Laos y Camboya), la Carrera Espacial contra los rusos, la guerra de Corea, el movimieno mundial comunista con la conquista de la cercana Cuba, serían la espada de Damócles sobre los Norteamericanos. En 1950, Joseph McCarthy, senador de Wisconsin, denunciaba la presencia de comunistas en el Departamento de Estado, bajo el slogan “better dead than Doris Day, la novia de América

Mario Lanza daba el toque lírico a la música popular

Dámaso Pérez Prado, el verdadero rey del Mambo. 27

LA ERA DEL ROCK

red” (mejor muerto que comunista) comenzó una verdadera caza de brujas, llevando el pánico a todos los escalones de la sociedad norteamericana, incluso artistas de cine fueron perseguidos por supuestas conexiones con el partido comunista, el propio Charles Chaplin tuvo que exiliarse en su patria natal Inglaterra. Finalmente esta locura cesó en 1954 cuando otros senadores desaprobaron la ley del “McCarthysmo”, pero las secuelas siguieron. El Senador McCarty en pleno juicio a los “rojos”.

Luego de la Gran Depresión muchos blancos quedaron en la miseria, se agrupaban en barrios formando verdaderos gettos, eran llamados despectivamente como la “white trash”

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El auge del fenómeno OVNI también venía de esta época, miles de publicaciones, de películas y de series inundaron el mercado de lo “oculto”. El Norteamericano medio se refugiaba de todos estos temores en lo que se dió en llamar “consumismo”, pero como ya mencionamos esta orgía de “modelos del año”, autazos, heladeras, licuadoras, lavadoras, etc. no era para todos, ni satisfacía a todos. Iportantes minorías como los negros, los chicanos o los puertorriqueños, eran excluidas de este enriquecimiento y recibían un trato desigual y muchas veces humillante, en practicamente todos los niveles de la actividad social.

Esta época es también la del baby boom, la paz y prosperidad económica daba luz verde para los casamientos y nacimientos de hijos que se creía disfrutarían eternamente de confortables casas, abundante comida, buenas escuelas, gasolina barata y energía ilimitada. Los baby boomers serían los adolescentes de los años 60, los “ciudadanos de la nación Woodstock”.

La marginación no era meramente racial, existía también una escala social conocida como la white trash (basura blanca) conformada por aquellos blancos que no pudieron recuperarse del golpazo económico de la Gran Depresión de los 30 y que se apiñaban en comunidades que rayaban en la indigencia, pero sin olvidar sus orígenes, estaban bien diferenciados de los getos negros del sur del país, aunque muchas veces el o entre razas era inevitable. Los más afortunados podían emigrar a zonas del norte o del este más prósperas. Serán pues los hijos de esta white trash, los que comenzaron a hacer “rodar la roca” bebiendo del blues y del country que les rodeaba.

Fruto de ese consumismo feroz es el nacimiento de una nueva rama social: LOS JOVENES, antes de eso los jóvenes se conformaban con seguir los pasos de sus padres, en la manera de vestir, relacionarse, y por ende, en el tipo de música que escuchaban. Pero todo eso cambiaría con la llegada de la comercialización de productos exclusivos para “jóvenes”, desde la música, la ropa, alimentos hasta películas y todo tipo de mercaderías. Nacen así las Fuentes de Soda, especie de restaurantes exclusivos para jóvenes donde éstos se reunían, bebían coca cola o malteadas, comían sus hamburguesas y podían escuchar los éxitos del momento en la infaltable Wurlitzer.

La televisión daba ya sus pasos más firmemente y comenzaba a tener el poder que no se imaginaban llegaría a tener. Las primeras series como “I love Lucy”, serie cómica de gran popularidad, que retrataba la vida de una típica familia americana y de Lucy (Lucy Bell), una hacendosa pero un poco torpe ama de casa, estrenando así las series “familiares” que darían millones a sus productores y a sus actores, fama casi al nivel de las estrellas de Hollywood. También estaban las series de western que le dieron tanta popularidad a gente como Tom Mix y “Tony”, Hopalong Cassidy, Roy Rogers con su caballo “gatillo”, Gene Autry y el propio John Wayne que se haría aún más famoso en el cine; y a no olvidarse del “Lone Ranger”, el Llanero Solitario y su fiel compañero “Toro”. Justamente Roy

Rogers y Gene Autry incursionaron también en la música y se hicieron célebres intérpretes de canciones vaqueras cuya popularidad incluso cruzó el atlántico. En 1952 comienza a transmitirse uno de los primeros shows televisivos para jóvenes, desde Philadelphia el show de TV American Bandstand, primeramente conducido por Bob Horn que a partir de 1956 cedió su puesto al “adolescente más viejo de América” Dick Clark quien dirigió el show en la cadena nacional ABC hasta 1987!!. Este popularísimo programa juvenil era la plataforma para personalidades de la música, concursos de baile, descubrimiento de nuevos talentos y además, a través de la audiencia, ranqueaban los nuevos dicos que salían al mercado. Otros programas de variedades iban surgiendo, así aparecen el Show de Tommy y Jimmy Dorsey, The Ed Sullivan Show, etc.; allí se invitaban a los artistas más notorios del momento, aunque al principio fueron reacios a traer a sus programas a los rockeros, pronto tuvieron que ceder al gusto de los televidentes, en su mayoría jóvenes.

“American Bandstand” con Dick Clark, el primer show de TV exclusivo para jóvenes. Habían concursos de baile, presentación de artistas y se ranqueaban los éxitos del momento.

Roy Rogers y Gene Autry hicieron famosas las canciones vaqueras. 29

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REBELDES SIN CAUSA A pesar de la aparente despreocupación, muchos comenzaron a ver al mundo de otra forma, a ocuparse de los problemas sociales, de su país y de los otros países, de la Guerra Fría, de la Bomba y de la hipocresía de la clase dominante. Todas estas situaciones de alienación de la juventud, era rica materia prima para la industria del Cine y toda su maquinaria propagandística de la American Way of life, donde se perpetuaban los valores de la W.A.S.P. y pretendía invalidar las nuevas actitudes, tildando de “crazy mixedup kid” (chico confundido) o “rebel without a cause” (rebelde sin causa) a los jóvenes que abrían sus ojos.

Arriba: Marlon Brando en “The Wild One”, con su típica pose, vestido de cuero y vaqueros, todo un símbolo, rodeado de sus compinches que se hacían llamar “the beetles”. En una escena alguien le pregunta a Brando: ¿contra qué te rebelas? y el responde: ¿qué tienes tú?.

“Sueña como si fueras a vivir por siempre, vive como si fueras a morir hoy” - James Dean 30

Tres filmes reflejaron la extrema actualidad del problema: The Wild One (El salvaje, 1953), estelarizada por Marlon Brando, contaba la historia de un grupo de motociclistas que venian a invadir un tranquilo poblado, representando el choque entre la sociedad organizada y el potencial salvaje de una juventud sin rumbo; Rebel without a cause (Rebelde sin causa, 1955), cuenta la historia de un joven estudiante, Jimmy Stark (James Dean), un chico particularmente difícil, confuso y desorientado que se ve frecuentemente envuelto en peleas y conflictos, a consecuencia de los cuales su familia, se ve obligada a mudarse permanentemente de una ciudad a otra. Llegado a una nueva localidad, encontrará nuevos sentimientos hasta entonces desconocidos (el amor por Judy-Natalie Wood); y la amistad de ‘Platón’ Crawford (Sal Mineo), no tarda en sostener un nuevo enfrentamiento con el stablishment, aunque, en esta ocasión, las consecuencias serán mucho más terribles. Esta película lanzó definitivamente sin quererlo a Dean a la altura de un mito y ejemplo de la juventud; y finalmente Blackboard Jungle

(Semilla de maldad, 1955) que expone de modo más didáctico, toda la carga de la hostilidad en el relacionamiento de la juventud marginalizada. Richard Dadier (Glenn Ford), es un creyente de las causas perdidas, después de salir de la marina toma un trabajo como profesor en la escuela North Manual High, situada en la peor parte de la ciudad, el profesor está decidido a trabajar duro para conseguir el respeto y hacer de sus alumnos hombres de provecho. Tensión racial y sexual, violencia, bandas, apatía, son el día a día del lugar, temas de actualidad en las escuelas aún hoy en día. Dadier firme en sus ideales paga un alto precio rivalizando con adolescentes inadaptados liderados por Vic Morrow, interpretado magistralmente por Sydney Poitier. La célebre escena donde los estudiantes rompen toda la colección de discos de jazz de su maestro a quedado impregnada en la retina de miles de jóvenes, que lejos de captar el pretendido mensaje que originalmente querían dar los productores, tomaron modelos ideológicos propios de la lucha contra lo establecido. La música utilizada como referencia al conflicto en esta película entre el profesor (el establishment) y los alumnos, tomó un rumbo totalmente diferente del que esperaban. El tema que anunciaba la película y que fue bailado en los pasillos y asientos del cine, “Rock around the clock” interpretado por Bill Haley, se convertía en un éxito imparable y el modelo a seguir por muchos músicos blancos y disqueras avispadas. Esta fue la primera vez que se usó este tipo de música en una película y fue el primer hit de la historia del rock’n’roll, un verdadero himno de guerra de los adolescentes de la época. Los filmes mencionados empezaron a dar “el tiro por la culata” al establishment; la clase juvenil, ya firmemente establecida, al fin tenía sus íconos, modas e

El clásico libro de Jack Kerouac “On the Road” se convirtió en la “Biblia” del movimiento beatnik y de los bohemios de finales de los 50 y principios de los 60.

himnos para su causa, además de libros como “On the road” de Jack Kerouac, una novela pre-beat, protagonizada por un antihéroe, que abiertamente envidiaba el estilo de vida de los negros y exaltaba la libertad y la experiencia. Como los jóvenes podían tener licencia de conducir a los 15 años, miles de jóvenes se lanzaron en sus autos a recorrer los lugares “prohibidos” frecuentados por los negros y los cientos de autocinemas, que contribuyeron a definir la verdadera cultura joven. 31

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Marilyn Monroe, todo un símbolo de una época dorada.

Nat “King” Cole dejó el jazz por las tiernas baladas románticas y Harry Belafonte trajo el Calipso de Jamaica logrando un éxito mundial. 32

El cine que había llegado al fin de una era dorada de los años 30 y 40, tomaba nuevo impulso con temas más acordes a la realidad cotidiana y a los miedos colectivos. Así surgen infinidad de películas de ciencia ficción y terror como “La guerra de los mundos”, “El planeta prohibido” o “La máquina del tiempo” filmes que reflejaban el temor a lo desconocido y a la vieja lucha del bien contra el mal ahora protagonizada por los Estados Unidos contra el odiado Comunismo. Los nuevos astros del cine dieron sin proponérselo quizás, un paso más, convirtiéndose en modelos a seguir, en íconos de una industria, en ídolos de millones en todo el mundo, y no solo de los jóvenes; así por ejemplo figuraban Marylin Monroe, Elizabeth Taylor, Audery Hepburn, Ava Garner, Grace Kelly, John Wayne, Burt Lancaster, Gregory Peck, Cary Grant, Rock Hudson y tantos otros que genraba la Fábrica de Sueños. En Europa comenzaba un boom cinematográfico, con películas más atrevidas e intelectuales, lanzaban al estrellato actores y actrices como Sofia Loren, Marcelo Mastroiani o Gina Lollobrigida. En cuanto al panorama musical antes del estallido rock, sonaban melosas y románticas tonadas como “Mona Lisa” de Nat King Cole, “Be my love” de Mario Lanza, “Too Young” también de Cole, tema que llevó a muchos enamorados tempranamente al altar. La música de películas como las del film South Pacific sonaban con fuerza y abrieron un nuevo estilo y mercado, además teníamos al lírico Eddie Fisher con “Oh my papa” de 1954 y los éxitos de Doris Day como “Stardust”, Patti Page con su “Dogie in the window” y grupos corales como Four Aces con “Three coins in a fountain”, The Crew-Cuts con Sh-Boom y las Chordettes

con “Mr. Sandman” también de 1954. Un nuevo ritmo que venía de Jamaica tomaría el relevo de los ritmos latinos en los salones de baile, se trataba del Calypso, cuyo principal héroe fue Harry Belafonte, sus éxitos “Banana Boat”, “Matilda“ o “Coconut Woman”, de exótico ritmo llegaría al gran público comercial.

CAPITULO 3

Los verdaderos orígenes del Rock Negro Spiritual o Gospel Music En el año 1951 un redactor llamado Morris Levy patenta el término “Rock & Roll”; dos meses después la patente es derogada por considerarse la frase de dominio público. Muchos libros y documentales dan por sentado que el término “Rock & Roll”, “mecerse y girar” era la palabra que utilizaban los negros para referirse al sexo, pero lo cierto es que fué originalmente un término náutico utilizado por los marineros durante cientos de años. Se refiere a los movimientos “rock” (movimiento hacia adelante y hacia atrás) y “roll” (movimiento de un lado a otro) de una embarcación. La frase entró en la música “gospel” (evangélica) negra hace mucho tiempo atrás, pero con un significado totalmente diferente y fué utilizado como tal por primera vez en una grabación gospel negra de 1912, llamada “The Camp Meeting Jubilee” con el sello disquero Little Wonder Records. Los artistas eran mencionados sólo como un “Cuarteto Masculino”. “Keep on rockin’ an’ roll me in yo’ arms, Rock an’ roll me in yo’ arms, Rock an’ roll me in yo’ arms, In the arms of Moses” Antes del 1947, las únicas personas que hablaban mucho de “rocking” eran los cantantes negros de gospel. Ellos

estaban “meciendo” (rocking) sus almas en el seno de Abraham y cantando “Rock me Jesus” (Estreméceme Jesús) y “Rock me in the cradle of Thy love” (Méceme en la cuna de Tu amor), “Rock me Lord”, “Rock Daniel”, etc. La música secular negra bailable para ese entonces era el boogie woogie y no el rock. Luego, en 1947, Ray Brown hizo un blues llamado “Good Rockin’ Tonight” (Buen “Movimiento” esta Noche) que era una parodia del gospel, sólo que en vez de rockeando al Señor, él presentaba a cristianos conocidos haciendo otro tipo de “rocking” (movimiento). Luego Wynonie Harris, tomó el chiste de Brown, acerca de estos cristianos “rockeando”, y le cambió el ritmo a uno más acelerado

Típico coro sureño de finales de los 40 en una reunión cristiana en el sur de los Estados Unidos. El canto solista “respondido” por el coro y la cadencia rítmica, pocas veces se reconoce como una fuerte influencia en los primeros años del Rock and Roll.

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de 4/4 que era el mismo utilizado en los gospel desde hacía años; el disco salió al mercado a principios de 1948 y años después se convertiría en uno de los primeros éxitos de Elvis Presley.

Un cuaderno de canto o Cancionero editado en Suecia, es un ejemplo de que este estilo musical es apreciado más allá de sus fronteras originales.

Una edición filatélica dedicada a cuatro grandes figuras de la música Gospel. A pesar de la segregación racial, estas “estrellas” han trascendido y son apreciadas en todos los Estados Unidos como representantes de un auténtico movimiento musical típicamente norteamericano.

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No fué Harris sin embargo el primero en cantar blues con un ritmo gospel, dado que otros, tales como Big Joe Turner lo estuvo haciendo durante años. Y Brown tampoco fué el primero en utilizar el término “rocking” para sexo, dado que se había estado haciendo al menos desde los años 1920. Sólo que fué el disco de Harris el que comenzó con la “moda” de rocking en el blues y Rhythm & Blues a finales de los 1940. Luego del disco de Harris, hubo una oleada masiva de canciones de tipo rocking blues, y cada cantante negro tenía un disco de rocking blues en el mercado para 1949 o 1950. Fué esta, una moda que barrió y cambió el R&B para siempre. “Rockear” era lo que estaba “in”, boogie woogie estaba fuera de moda, y entre 1948 y 1951 la mayoría de los artistas de R&B competían y se retaban en rockeos unos contra otros. Esta nueva música tenía un ritmo verdaderamente poderoso.

¿OLVIDO DELIBERADO? Esa historia de que el Rock and Roll tenía su origen en la mezcla del Blues y del Country hacia 1955 en los míticos estudios SUN de Sam Phillips, es cierta para el Rockabilly, pero como ya hemos visto el R&R como tal ya estaba grabado y se había pasado por la radio desde por lo menos 1947. El hecho de que no se hable en los libros del Rhythm & Blues como el verdadero origen, se debe a diversos factores: La escasa radiodifusión del R&B a nivel nacional, ya que era vetada por las emisoras radiales blancas, recién hacia 1952 algunos “disc jockeys” se atrevían a pasar estos discos pero no antes de medianoche. El saxofón, instrumento típico del R&B no era compatible con los guitarristas de Rock & Roll, además, el advenimiento del nuevo formato de los discos y tocadiscos de 45 RPM, reemplazarían rápidamente a los pesados y delicados discos de 78 RPM. Como los discos de R&B estaban grabados en 78, sencillamente eran desechados y tildados de anticuados. Otro factor importante para el olvido indiscriminado del R&B fueron las grandes disqueras, hambrientas de nuevas estrellas populares, se ocupaban en promocionar más a sus nuevas adquisiciones que a sus artistas de R&B considerados por los jóvenes como viejos cantantes de blues que no merecían ser escuchados. De esta forma muchos renombrados héroes del R&B nunca serían conocidos ni apreciados por las nuevas generaciones, que deseaban ídolos nuevos. Quizás los únicos que lograron “salvarse” de este desastre hayan sido Fats Domino quien ya grababa R&B desde hacía años con su particular estilo al piano y Ike Turner quien volvió hacia comienzos de los años 60, a pesar de haber grabado varios éxitos de R&B mucho antes. Esto era cierto

también para la música campestre (Country, Blue Grass, Hillbilly, etc.) que había pasado a ser desechada como música antigua y pasada de moda, recién con el advenimiento del Folk y de recuperadores como Pete Seeger, Woody Guthrie, Joan Baez y el mismo Bob Dylan, a comienzos de los 60’s, serían reivindicados los orígenes de la música popular blanca norteamericana.

JUMP BLUES El Jump Blues es otro de los precursores del rock and roll, es un tipo de blues acelerado e influenciado por el sonido de las Big Bands. Está caracterizado por el sonido jazzy de saxofones, una mezcla de blues clásico con letras humorísticas y contemporáneas y ritmos heredados del boogie woogie. Apareció por primera vez a finales de la década del 30, y alcanzó enorme popularidad en los 40 y comienzos de los 50 a través de artistas como Louis Jordan, Big Joe Turner y Wynonie Harris, quienes fueron los primeros artistas negros en alcanzar un éxito comercial

significante, fuera de los confines del mercado segregado del “race” music. Contrariamente a otros tipos de blues, la guitarra perdió su relevancia en favor de los saxos y metales y la sección rítmica. Antes de llamarse “Jump Blues”, esta forma musical era conocida como “Blues and Rhythm”, y luego “Rhythm and Blues”. El Jump Blues es una manifestación temprana del clásico rock and roll de los 50 que prácticamente lo remplazó. Volvió con fuerza en los 80 gracias al trabajo de artistas como Joe Jackson y Brian Setzer Orchestra, y continúa hasta hoy con “MoPac and The Blue Suburbans” y “Mitch Woods y Sus Rocket 88s”.

Hacia finales de la década del 40, Peter Goldmark, que trabajaba para la CBS, comenzó a desarrollar el proyecto del Long Playing o disco de larga duración. Luchando con una serie de preconceptos y dificultades técnicas, redujo la velocidad de los discos de 78 RPM a 33 RPM y achicó los surcos, creando el microsurco, usando un material más resistente, ligero y maleable llamado VINYL. Nació así la idea de Alta Fidelidad en la reproducción fonográfica y ya a comienzos de los 50’s los LP eran comercializados por la CBS y por la RCA. Inicialmente aplicados a la música erudita, pronto llegó a las altamente comerciales músicas de películas y al jazz. Los estilos populares aún utilizaban el viejo formato de 78 RPM.

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PADRES NO RECONOCIDOS

Jimmy Reed creador de grandes temas de R&B como “Honest I Do”, “Baby what you want me to do”, etc. Se encaramó varias veces a las listas de éxito de R&B y de Pop desde sus comienzos en 1953 hasta su última producción de 1973. Fue un héroe para el movimiento mod inglés, en especial de The Who.

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Con el repentino surgir en 1955 de la audiencia Internacional que el rock and roll recibió, quedó grabada en la mente de la mayoría de las personas que el rock and roll definitivamente había nacido en ese año. Estos, nunca tuvieron conocimiento de los rockers originales que existieron entre 1947-1953 como el gran (en tamaño y talento) “Big” Joe Turner. Cuando se le preguntaba sobre esto el decía: “¿El Rock and Roll?... yo creo que es tan viejo como el Rhythm and Blues. Son de la misma familia. Yo mismo toco Rock and Roll desde 1936”. Y todavía siguen insistiendo que es un invento de los blancos. Joe Turner figura entre otros tantos “olvidados”, nacido en 1911, era un cantante de grandísimo talento, que relegado por las nuevas generaciones, se dedicó más al jazz, donde al principio no fue bien recibido por el público, sin embargo, Joe fue reclamado por genios como Dizzy Gillespie o Coleman Hawkins, demostrando al “delicado” público jazzístico que se puede tener Rhytm and Blues y Rock en las venas y adentrarse en los secretos del jazz, con una voz espléndida.

Otro de estos pioneros era Jimmy Reed, blo de pura cepa, pero con marcada influencia “rocker”, con su guitarra eléctrica y su armónica logró definir un original estilo que sería abiertamente adoptado más tarde por The Who, The Animals y otros grupos ingleses de los 60’s. “Big Mama” Thornton (Willie Mae Thornton, 1926-1984) Es la típica vocalista de blues, dueña de una voz apasionada y rugiente y con un fuerte sentido de la independencia; tocaba además la armónica y la batería de forma totalmente autodidacta. No tuvo demasiado éxito hasta que en 1952 interpretó el original “Hound Dog” (con la letra original sin edulcorar, que fué más tarde éxito de Elvis) cuando su carrera comenzó a elevarse, pero le duró muy poco. Arthur “Big Boy” Crudup, nacido en 1905 en Mississippi, prolífico y popular artista, es considerado un eslabón entre el blues sureño y el del norte del país. Su forma de tocar la guitarra fue una parte importante del cambio de la guitarra acústica a la eléctrica, además de componer muchas piezas básicas de blues. Tres de sus canciones fueron pilares para el

Bobby Bland o B.B. King, porque como trabajaba en la disquera Kent/Modern como cazatalentos, los descubrió para la posteridad. Pero Ike era un innovador, que le hizo evolucionar del R&B a las más insólitas mezclas rockeras que lograba desde los estudios Bolic Sound. Veinte años antes de que descubriera a Tina en un bar y alcanzase por fin la fama merecida, el ya estaba involucrado en lo que se daría en llamar Rock and Roll. Tras su divorcio, Ike se ha dedicado al R&B, sobrellevando dignamente el injusto papel de “malo de la película”.

lanzamiento de Elvis al estrellato, “That’s Allright Mama” fué la primera canción que grabó Elvis en 1954. A pesar de todo Crudup murió en la total pobreza debido a que, por la segregación racial, nunca pudo registrar su autoría. Little Walter, cuyo virtuosismo con la armónica le valió el apodo de “Mississippi Saxophone”, fue imitado por muchos rockeros y blos de todo el mundo. Quizás los discos de Ike Turner fueron pocos y mal distribuidos, quizás cometió el error de no firmar sus composiciones o quizás fue la mala fama que le dió ser pareja de una superestrella como Tina Turner y de los maltratos que cometió. Lo cierto es que Ike Turner fué injustamente olvidado o relegado en los anales de la historia del Rock & Roll, poco o nada se menciona sobre este pionero del Rhythm and Blues y por ende del Rock. Ike nació en Clarksdale, Mississippi un 5 de diciembre de 1931. Desde joven se perfiló como un gran guitarrista, pianista, cantante, compositor, arreglista y compositor. Fué de capital importancia no sólo para su esposa Tina, sino de gran ayuda para grandes como Howlin’ Wolf,

¿Cuál fue la primera canción de Rock & Roll? es la pregunta que resuena miles de veces. Algunos consideran que el verdadero Rock & Roll empieza recién hacia 1955, otros incluso van más atrás con una canción grabada por Fats Domino en 1949; pero otros, yo incluido, creo que la primera canción que puede llamarse de Rock & Roll es Rocket 88 compuesta e interpretada por Ike Turner y su grupo The Kings of Rhythm, pero editada bajo el nombre del cantante y saxofonista Jackie Breston en la temprana fecha de 1951. Por aquel tiempo, para que una canción compuesta por algún músico negro tenga un éxito y alcance mayor, se le hacía grabar a un músico blanco o aparecía en los créditos algun artista blanco. Un casi desconocido cantante de country, Bill Haley grabó también tiempo después “Rocket 88” con su grupo The Saddlemen.

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EL DOO-WOP «Hubo una época en la historia en que las estaciones de radio no emitían las 24 horas del día, y la mayoría eran AM. En muchos casos, las estaciones de “música” emitían sus programas por la noche, las estaciones de R&B tocaban jazz tarde por la noche y gospel en la mañana. Regularmente encontrabas buena música que era un pop pre-rock and roll de artistas como Jo Stafford, Patti Page, The Four Aces, Vic Damone, etc. Pero la música ya sea blanca o negra no era rock and roll y estaba más dirigida a los adultos o a los universitarios. Eran los comienzos de la década del 50, y los adultos prestaban poca atención al masivo número de adolescentes y pre-adolescentes que eran “vistos pero no escuchados”. Yo estaba buscando algo más, algo en lo que podía creer. Una noche en 1954, moviendo el dial de mi pequeña radio, escuché un sonido que venía de otro planeta. En la oscuridad de la noche y con la única luz que salía de la pantalla del aparato, escuché algo que hizo que me recorriera un frío en la espalda. Un grupo vocal estaba cantando una introducción que no era para nada “pop”, era de una hipnótica sinceridad. Luego comenzó la voz principal, unas palabras mágicas que me dejaron helado: “Earth Angel, earth angel, will you be mine...” Una balada torturada que venía quien sabe de qué galaxia y sonaba en mi radio. Cuando terminó y pasó un comercial, me quedé pensando en que tal vez fue todo producto de mi imaginación. Me quedé despierto y nuevamente la volvieron a pasar, dijeron que eran “The Penguins” cantando “Earth Angel”, ¿The Penguins?, ¿Earth Angel?, ¿qué tipo de sonido mágico es este?» –Wayne Stierle, periodista 38

Estas emocionadas palabras emitidas por un conmocionado adolescente de la época nos da una idea del poder y el encanto que tenía el Doo Wop, que entre los diversos géneros musicales genuinamente negros, fue el primero en ser aceptado sin restricciones por el público blanco. Este género musical tuvo fuertes influencias de los grupos vocales de las comunidades religiosas negras de los Estados Unidos. Al principio, los grupos de doo-woop se limitaron a las calles de los guetos de Nueva York y Filadelfia, reflejando el ambiente del que habían salido. Frecuentemente se veían pequeñas agrupaciones de cantantes negros muchas veces sin mucho porvenir económico que se reunían en las esquinas de las calles o en las entradas del metro (por lo que se solían denominar “street corner groups”), alrededor de un fuego para divertirse cantando canciones de la iglesia o tonadas inventadas, a veces solían realizar verdaderas competencias entre las esquinas; sin pensar que poco a poco y con la ayuda de ingeniosos productores de discos, el Doo-Wop se convertiría en un género muy exitoso. El Doo Wop se caracteriza por una voz principal acompañada por coros acapella, creando una melodiosa armonía vocal. Al principio no usaban instrumentos de acompañamiento, pero con el tiempo incluirían alguna instrumentación, generalmente una guitarra, para cubrir las super sofisticadas vocalizaciones, verdaderas acrobacias armónicas que diferenciaban cada tema. Justamente el término “doo wop” es una palabra onomatopéyica comunmente utilizada como “efecto” de fondo en las canciones. El término en realidad comenzó a usarse recién en la década de los 70 por un DJ de Nueva York llamado Gus Gossert, anteriormente se usaba simplemente Rhythm & Blues o Rock and Roll.

A principios de los 50 grupos como The Orioles, The Crows, The Ravens, The Cardinals, etc., incluían usualmente en el lado B de sus discos “números bailables” movidos, los cuales eran llamados “rocks”, por lo que se considera que el Doo-Wop es una variante del rock cercana a la corriente principal pop de esa década. Fueron justamente The Orioles quienes ayudaron a desarrollar el sonido doo-wop con sus hits “It’s Too Soon to Know” (1948) y “Crying in the Chapel” (1953), fueron los primeros hit negros en entrar en las listas de éxitos blancas. Al año siguiente se da el boom de este nuevo estilo musical, inaugurado por The 39

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El número de grupos en actividad en los Estados Unidos a mediados de los 50 llegó a cerca de cinco mil, entre los más destacados figuraban: The Flamingos (foto), grupo my popular por su ritmo contagiante y sus acrobacias en escena, además de sus delicadas interpretaciones de clásicos como “I’ll Be Home”, “I Only Have Eyes For You” o “Lovers Never Say Goodbye”. The Marcels con “Blue Moon”, The Moonglows con “Sincerely”, The Cadillacs con “Gloria”, etc.

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Penguins con su “Earth Angel” (1954), y los productores Leiber & Stoller y George Goldner dándose cuenta del potencial comercial lanzaron a grupos como The Coasters, The Isley Brothers, o The Flamingos. Por mucho tiempo los entusiastas del R&B arguían que “Gee” (1953) por los Crows y “Sh-Boom” (1954) de los Chords fueron las primeras grabaciones de rock and roll, cronológicamente hablando por supuesto. Pero la versión original de “Sh-Boom” se vió opacada a pesar de sus esfuerzos por la antiséptica versión de los canadienses Crew Cuts, que siendo blancos pudieron acceder a un mayor público.

The Mills Brothers En los orígenes del Doo-Wop figuran dos grupos legendarios, uno de ellos, Los Mills Brothers ya practicaban un estilo vocal muy similar al Doo-Wop desde la década del 30. Anunciados como “Four Boys and a Guitar,” fueron expertos en la imitación de instrumentos musicales como la trompeta, trombon, tuba y contrabajo. Acompañados sólo por una guitarra, ellos simulaban perfectamente una orquesta completa. The Mills Brothers (Herbert, Harry, Donald y John Jr.) comenzaron cantando en el vaudeville y en shows itinerantes, cuando sus interpretaciones fueron di-

fundidas en un show radial de Cincinnati por diez meses, viajaron a New York y para fines de 1931 fueron un éxito instantáneo. Frecuentemente grabaron discos a través de la década e hicieron apariciones en muchos films además de grabar con Bing Crosby y Duke Ellington. La muerte de John Jr. en 1935 fue una trágica pérdida pero John Padre tomó su lugar. De todas formas hacia 1942 con su hit “Paper Doll,” el viejo sonido tuvo que dar lugar a un estilo más popular.

The Ink Spots La original formación de los Ink Spots, que se llamaban King, Jack and the Jesters fue formada en Indianapolis, Indiana a finales de los años 20 con Jerry Daniels, Orville Jones, Charles Fuqua e Ivory Matson. Después de su viaje a New York a principios de los 30 cambiaron definitivamente su nombre. Empezaron a grabar con Decca Records en 1935. En 1939 el grupo realizó “If I Didn’t Care” con el que lograron su primer millón en ventas. Otros éxitos fueron “My Prayer,” “We Three,” “Maybe,” “Whispering Grass,” “To Each His Own,” y “I Don’t Want To Set The World On Fire.” El último éxito de los Ink Spots fue en 1948 con “To Each His Own”. Los Ink Spots fueron uno de los grupos negros más exitosos de los

años 40 e inspiraron a otros jóvenes grupos que tomaron su sonido llevándolo en la dirección del Rhythm and Blues para crear el Doo Wop. Los Ink Spots fueron itidos en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989 como grupo pionero.

The Orioles El impacto que causaron los discos de los Orioles en el público negro es comparable al éxito que tuvo Bill Halley en el público blanco. Y es difícil hacerse una idea de cuán revolucionarios sonaban en ese lejano 1948. Sonny Til and The Orioles, originarios de Baltimore, estaba formado por Earlington “Sonny Til” Tilghman, Johnny Reed, Alexander Sharp, George Nelson y Tommy Gaither. Comenzaron su carrera discográfica en el verano de 1948 con “It’s Too Soon To Know”. El nombre del grupo se derivaba del nombre del ave representativa del estado. Alcanzaron gran popularidad entre el público negro y Til se volvió un ídolo para las jovencitas de Harlem. Gozaron de varios éxitos con el sello Jubilee de Nueva York, hasta la salida de Til en 1954, continuaron hasta 1956 pero ya no recuperaron su anterior suceso.

The Platters Comenzaron en 1953 en Los Angeles y traspasaron sus fronteras llegando a públicos de todo el mundo, imitados hasta el cansancio y traducidos en diversos idiomas. Los Plateros, como se los conocía en Hispanoamérica, fueron el primer grupo negro que alcanzaron un número 1 en las listas pop. Su estilo seguía la tradición de los Mills Brothers y los Ink Spots. The Platters consiguen un contrato con el sello Federal Records, en donde graban una primera versión de su más

The Orioles, el primer grupo de Rhytm & Blues vocal, liderados por el incomparable Sonny Til, creadores del genial “Crying in The Chapel”.

recordado tema, “Only You”, que no resultó del todo bien, pero aún así conseguían buenas presentaciones en vivo; eventualmente en 1954 firman con una de las cinco “grandes” empresas discográficas de esa época, Mercury Records, y allí realizan una nueva versión de “Only You” con la ayuda de las habilidades pianísticas de su manager Buck Ram y con la adición de una vocalista femenina que éste reclutó del grupo Shirley Gunter and the Queens, Zola Taylor de apenas 15 años... Esta vez tenía que funcionar. Cuando parecía que nuevamente fallaría, un DJ de Seattle comenzó a pasar el tema hasta crear una gran demanda hasta convertirlo en un hit nacional. Esto animó a la discográfica para lanzar otro éxito, Ram sugiere “The Great Pretender”, aún cuando el tema no estaba terminado, volvió a su hotel y escribió la canción en 30 minutos. Tony Williams, el vocalista principal del grupo se rehusó a cantar “The Great Preten41

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The Drifters

The Coasters fueron otro de los grupos vocales más importantes de fines de los 50 y comienzos de los 60, con inolvidables temas como “Yakety Yak”, “Poison Ivy”, “Searchin’” y “Charlie Brown”, además de lograr un tardío éxito con “Love Poison No. 9” en 1971.

The Drifters con Ben E. King con quien llegarían a los primeros puestos en 1959. En 1960 King se lanzó como solista con su recordado “Stand by me”. 42

der” por que parecía una canción “hillbilly” (campesina), pero después de mucha insistencia de Ram, accede y el single se convierte en otro explosivo suceso. Un compositor inglés ofreció varias canciones al grupo, de las cuales seleccionaron “My Prayer” como la mejor, que era originalmente una canción sa llamada “Avant de Mourir”. Mercury no quiso grabarla hasta que salió la versión de los Four Aces. En el minuto que la escucharon corrieron a grabarla con los Platters... My Prayer se convirtió en un número uno en 1956. Mientras tanto, Mercury se hallaba trabajando secretamente en cómo entrar en los programas de TV de una forma novedosa, y así producen tres cortos fílmicos con los Platters, dando así nacimiento a los “music videos”. La fama de Los Platters siguió creciendo a lo largo de los años 50 y 60, gracias a la maestría del cantante líder Tony Williams, el bajo de Herb Reed y el toque femenino de Zola Taylor. Entre otros grandes éxitos discográficos figuran “Smoke Get’s in Your Eyes”, “Twilight Time”, “I’m Sorry”, “You’ll Never Know” y “(You’ve Got) The Magic Touch”. La salida de Williams y Taylor a comienzos de los 60 motivó el ocaso del grupo, aunque siguió funcionando algunos años más con varios cambios en la formación y cosechando una legión de imitadores.

Muchísimos grupos tomaron el nombre de Drifters a lo largo de décadas, pero los originales Drifters se formaron en Nueva York en 1953 y estaba integrado por Clyde Mhatter, Gerhardt Thrasher, Andrew Thrasher y Bill Pinkney. Tuvieron varios éxitos en las listas de R&B hasta que Mhatter se va en 1955, el primero de muchos cambios en su formación. Para 1958 la banda estaba desencantada de su manager George Treadwell, quien se desquitó despidiendo a todos los integrantes y renombrando al grupo The Five Crowns como Drifters. Con Ben E. King como vocalista principal y un repertorio compuesto enteramente por la dupla Leiber y Stoller, el grupo alcanza un número 2 en las listas con “There Goes My Baby” en 1959. King se aleja para una carrera bastante exitosa en solitario en 1960, con temas clásicos como “Stand By Me” o “Spanish Harlem”. Pero los éxitos siguieron para el grupo en los siguientes seis años, incluyendo el número uno “Save the Last Dance for Me”, el clásico “Under the Broadwalk” (“Bajo la Rambla”) y el emblemático “On Broadway”.

Siguientes materiales recopilados entraron en los charts ingleses en 1972, y una nueva alineación era agrupada por Johnny Moore (quien había sido miembro ocasional del grupo desde 1955) como vocalista principal. Cosechó un discreto éxito durante varios años en Gran Bretaña con “remakes” de viejos sucesos. Los Drifters siguen actuando hasta hoy, pero no ya con la misma formación, incluso hay dos Drifters reconocidos como los originales y a través de sus años de carrera han pasado más de 50 cantantes.

Frankie Lymon & The Teenagers La historia de Frankie Lymon (una de las verdaderas tragedias de la industria) llenaría facilmente un libro, su carrera empezó cuando sólo tenía 13 años y su fama se convirtió en un monstruo en la década de los 50 que terminaría por tragárselo. Frankie nació en Nueva York en 1942 y asistió a la Edward W. Stitt Junior High School, donde formó su primer grupo The Premiers en 1954. Además de Frankie Lymon (soprano), estaban Herman Santiago (primer tenor), Joe Negroni (barítono), Sherman Garnes (bajo) y Jimmy Merchant (segundo tenor). Fueron el grupo vocal más joven del país, prototipo de muchos otros similares, incluyendo a los Jackson Five y los Osmonds que vinieron años después. En 1955, Richard Barrett, líder del grupo The Valentines, además de cazatalentos del sello Gee record, los escuchó cantar y se los llevó a George Goldner, dueño de la compañía. Al principio Barrett le dijo a Goldner que el grupo era latino (por Herman Santiago, que por entonces lideraba el grupo) y como el jefe tenía una buena tajada en ese mercado, accedió a hacerles una audición. La cara

Frankie Lymon and The Teenagers (quienes sin duda inspiraron a crear años más tarde a los Jackson Five y su contraprtida blanca Los Osmonds), fueron un grupo clave en el afianzamiento del Rock and Roll.

de Goldner cambió cuando vió entrar a un puñado de niños a su estudio, cuando el esperaba ver a un grupo instrumental. Barrett, esperanzado en su buen ojo lo convenció tras una breve discusión. Los muchachos se presentaron con un poema cantado llamado “Why Do Birds Sing So Gay?” y tras unas deliberaciones se cambió el nombre de la canción a “Why Do Fools Falling Love?” al tiempo que Lymon tomaba el lugar de Santiago como voz principal, y cambiaban su nombre a The Teenagers.

Frankie Lymon siendo solista cosechó menos éxito que estando en grupo y su fama decayó rápidamente a partir de 1960.

La canción se grabó y alcanzó los Top Ten de R&B, permaneciendo en las listas por muchas semanas, alcanzando en Gran Bretaña el número 1. El secreto estaba en la pegajosa canción y la brillante performance de Frankie. “Why Do Fools Falling Love?” fue una de las canciones más populares de la primera época del rock and roll. El siguiente Top 20 fue “I Want You To Be My Girl”, y entre 1956 y 1957 logran varios éxitos más, de los que se destacan “I’m Not A Juvenile Delinquent” y “Baby Baby”. Gracias a sus coreografías y su calidad musical, el grupo es invitado a participar en las películas “Rock, Rock, Rock” y “Mister Rock and Roll” donde demostraron su gran potencial a un público más amplio. 43

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El grupo intentó un nuevo retorno en 1980 con algunos cambios pero aún con dos originales, Santiago y Merchant. Diana Ross hizo un cover de “Why Do Fools Fall In Love?” en 1981 y una vez más llega a los Top Ten. En 1986 la lucha por los royaltíes se hizo dura, por que tres mujeres clamaban ser la viuda de Frankie Lymon, una de las cuales era Zola Taylor, ex vocalista de los Platters. Frankie Lymon and the Teenagers fue uno de los grupos que ayudó al rock and roll a conseguir despegar durante los años 50, y fue incluido en el Rockand-Roll Hall of Fame en 1993. En 1998 se realiza la película biográfica “Why Do Fools Fall In Love?” sobre la dramática vida de Frankie Lymon, dando una buena idea de los problemas que tuvo que sobrellevar siendo tan joven.

Doo Wop Blanco o “Neo Doo-Wop”

Little Antony and The Imperials, fue otro grupo de adolescentes que tuvo gran suceso con inolvidables interpretaciones de “Tears On My Pillow”, “Shimmy Shimmy Ko-Ko-Bop”, etc.

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En 1957, Goldner comienza a promocionar a Frankie como solista y graba varias canciones propias, incluyendo el Top 20 “Goody, Goody”, eventualmente cambia de sello y firma con Roulette Records. Mientras tanto, The Teenagers probaron con varios reemplazos, uno de ellos fue Billy Labrano, pero ninguno les dió el suceso que habían conseguido antes. Para ese entonces, Frankie Lymon estaba cayendo en un serio problema con las drogas y en 1961 fue forzado a entrar en rehabilitación. Luego intentó un regreso, cantando, bailando y tocando la batería, pero nunca fue capaz de salir de su adicción y fue apresado en 1964. Finalmente fue encontrado muerto en su baño por causa de una sobredosis el 28 de febrero de 1968 cuando tenía sólo 25 años de edad.

El éxito del Doo Wop generó que hacia 1956, naciera el “White Doo Wop”, formado escencialmente por hijos de imigrantes, en su mayoría italo-americanos, quienes comenzaron a cantar Doo Wop mezclado con el estilo de los grupos vocales blancos. Entre los más importantes de ellos figuran Dion & The Belmonts, con su clásico “A teenager in love”; Danny and the Juniors, con “At The Hop” y “Rock and Roll is Here to stay”; The Diamonds con su gran éxito “Little Darling”; The Skyliners, quienes representaron a la rama más sofisticada del Doo-wop con su “Since I Don’t Have You” y The Elegants con el super exitoso “Little Star” una excelente canción basada en una melodía de Mozart (quién lo diría). Fuera de los Estados Unidos, el Doo Wop no contó con grandes simpatías, a pesar del esfuerzo de determinados artistas locales, tal vez por su raíz escencial-

mente negra y típicamente norteamericana. En Liverpool, por ejemplo, al início de los años sesenta, existían algunos pocos grupos de Doo-Wop, como The Chants. En el mundo hispano parlante se destacan Los 5 latinos, grupo célebre en toda latinoamérica y España, se inició prácticamente con éxitos de los Platters traducidos al español como “Solo Tú” y alcanzaron fama internacional gracias a la incomparable voz de Estela Raval.

Dion and The Belmonts ¿Cuántos artistas pueden darse el lujo de usar sólo su nombre en las marquesinas? Dion sí pudo, y lo hace aún. En su natal Bronx (New York), Dion DiMucci formó su primer grupo llamado The Timberlanes, que llegó incluso a grabar un solitario y fallido single. En 1957 vuelve a probar suerte con un grupo de amigos: Fred Milano, Carlo Mastrangelo y Angelo D’Aleo, quienes se llamarían The Belmonts (por la calle donde solían reunirse). Así formados consigen un trato con el sello Mohawk y graban “I Wonder Why”, un clásico que comienza con el magistral y a la vez inentendible silabeo del bajo Mastrangelo: “nenerendenererendederendendererere raaaaa... i love you like I do...” o algo parecido. El cuarteto fue el grupo blanco más popular de su época, con singles como “No One Knows”, “Where Or When” y “A Teenager in Love”, este último su más recordado éxito. Lastimosamente en 1960, Dion sale de los Belmonts para proseguir una exitosa carrera en solitario. Sus singles “Runaround Sue” y “The Wanderer” (1961) logran el puesto número dos en Estados Unidos y entran en los Top

20 de Gran Bretaña. Dion consigue otros éxitos en su país pero cuando el doo-wop fue pasando de moda y un creciente problema con las drogas le obligaron a salirse del negocio por un tiempo. En 1967 vuelve a reunirse con los Belmonts y graban el disco “Together Again”. En 1969 Dion consigue un puesto número 5 con su canción “Abraham, Martin and John”, revelando al mundo su faceta de compositor y cantante folk. Continuó con ese estilo durante los 70 y vuelve a grabar con los Belmonts un album en vivo en 1972. Después se vuelve profundamente religioso y graba varios discos en sellos cristianos así como algunos discos seculares. En 1989 saca “Yo Frankie” bien recibido por la crítica y en 1990 es introducido al Rock and Roll Hall of Fame.

Dion (al medio) con los Belmonts, gracias a un ritmo contagiante y a la calidad de sus armonías, añadieron nuevo sabor al DooWop y abrieron el camino para otros grupos blancos.

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Danny and The Juniors

The Skyliners de Pittsburgh, Pennsylvania, surgieron a fines de los 50 con “Since I Don’t Have You” uno de los grandes clásicos del rock n’ roll, pero sólo alcanzó el número 12 de los charts. The Skyliners formados por Jimmy Beaumont, Janet Vogel, Wally Lester, Joe VerScharen, y Jackie Taylor; eran el lado “sofisticado” del Doo Wop con sus cuidadas armonías y calidad interpretativa.

Danny and the Juniors perdieron la chance de grabar “The Twist” (original de Hank Ballard) pues Dick Clark prefirió dárselo a un desconocido Chubby Checker. Su éxito comenzó a declinar y consiguieron poco durante los 60, a pesar de esfuerzos como “Twistin’ USA”, “Pony Express” y “Back To The Hop”. En 1983 Danny Rapp se suicida, pero Terry y Maffei siguieron actuando en shows nostálgicos. 46

Otro de los grupos vocales más importantes e impulsores del rock and roll fueron este cuarteto de muchachos de Filadelfia formados originalmente como The Juvenairs en la secundaria hacia 1955. Estaba integrado por Danny Rapp (voz líder), Joe Terry (bajo), Dave White (primer tenor) y Frank Maffei (segundo tenor). Su canción “Do the Bop” impresionó al productor Johnny Mandara y al conductor de TV Artie Singer, quien renombró a la canción “At The Hop” por sugerencia del conductor Dick Clark, ya que el término

“Bop” estaba totalmente fuera de moda. Danny and The Juniors graban el tema en el pequeño sello Singular de Singer, pero no tuvo el éxito esperado hasta que el grupo se presenta en el programa “American Bandstand” conducido por Dick Clark. Cuando realizan el tema con el sello ABaramount en 1958, la canción se dispara y llega al puesto máximo en las listas norteamericanas y al puesto 3 en Gran Bretaña, convirtiéndose en la canción más conocida de la época. Luego la profética “Rock and Roll is Here To Stay”, un clon pegajoso de su número 1, logra entrar a los Top 20. Pero el éxito del Doo-Wop comenzó a decaer y no pudieron conseguir mayores éxitos.

CAPITULO 4

El Rock & Roll vino para quedarse

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ado que la nueva música ya había llegado, había que ponerle un nuevo nombre; Rhythm & Blues era un término demasiado amplio, porque era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Todo lo demás era considerado R&B, independientemente de su verdadero estilo musical. Podía haber sido una balada, un estilo de “jump blues”, cantantes melodiosos como los “Ink Spots”, blues gritados (hollers), o cualquier otra cosa, lo que fuera, siempre que fuera de negros, era clasificado como R&B. Esta música, sin embargo, era nueva y revolucionaria y por lo tanto necesitaba un nuevo nombre. El que acuñó el término Rock and Roll para la posteridad fue un disjockey de la estación radial WJW en Cleveland, Ohio, que pasaba estrictamente discos de Rhythm and Blues acompañado de sus famosos golpes en la mesa marcando el ritmo (beat) llamado Alan Freed. Debido al éxito que estaba teniendo su programa “The Moondogs Rock and Roll Party” también entre el público blanco, impulsó uno de los primeros festivales de música Rock, llamado “Moondogs Coronation Ball” donde incluía artistas negros del sello Chess como Paul Williams con sus Hucklebuckers, Vareta Dillard, The Dominoes y Tiny Grimes con los Rockin’ Highlanders, prometiendo la transmisión en directo desde el local. Su primera edi-

ción de marzo de 1952 fue un éxito inesperado donde se congregaron más de 20.000 personas entre negros y blancos fanáticos del programa radial, que querían ver a sus cantantes en directo, pero finalmente, a causa de una pelea no llegó a su final siendo desalojada la sala por la policía. En varias partes de E.U., los músicos les iban añadiendo sus respectivos “sabores” regionales al estilo. En las ciudades del norte, los italianos y puerto riqueños tocaban rock and roll a su estilo. En la Costa Oeste, los Chicanos la tocaban en español y con sones mariachis. En el sur, los cantantes de country le añadían el rock and roll a sus estilos hillbilly, y ahí 47

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nació el rockabilly, del cual Elvis si era el máximo exponente. Los Cajuns en Louisiana le añadieron rock and roll a su música y así nació el Zydeco. Al otro lado del charco, en Inglaterra, los británicos añadieron rock and roll a su música, y nació el Skiffle.

generaciones anteriores. Se convirtieron en íconos, en ídolos de millones, en referentes para la juventud cansada de imitar a sus mayores, quizás este movimiento fugaz en su momento, (pues apenas duró cuatro años) sentó las bases de una nueva ola que no ha parado hasta hoy día.

El año de 1955 se considera el del nacimiento del Rock and Roll como lo conocemos hoy, aunque hemos visto que se remonta a por lo menos finales de los 40. Lo cierto es que a partir de ese año simbólico han surgido las primeras estrellas de éxito mundial. En este capítulo daremos un paseo por las más grandes figuras del incipiente Rock and Roll, cada una de estas figuras han participado de un movimiento musical y social diametralmente opuesto a todo lo establecido por las

La “rebelión juvenil” no ha sido como algunos dicen “maligna” o “destructiva”, sino mas bien renovadora, pues nos enseñó a pensar por nosotros mismos, a decidir nuestro futuro, a tener conciencia social. El mundo construido por los adultos, lleno de temores e injusticias, lleno de guerras inútiles y odio racial, al fin era enfrentado. Esa juventud utilizó a su música como un escape, como un “himno”, algo que siempre será rechazada por todos aquellos que odian y temen el cambio.

Bill Halley & The Comets

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illiam John Clifton Haley jr. nació en Highland Park, Detroit, Michigan en 1925; es el primer gran héroe del rock and roll, con su aspecto de americano medio, su constante rizo en la frente y la leyenda de haber aportado el tema más vendido de rock and roll de la historia: “Rock around the clock”. Bill siempre estuvo rodeado de música: su padre, trabajador textil, tocaba la mandolina y el banjo, y su madre era profesora de piano. Cuando tenía 7 años, se muda con su familia a Delaware y pronto se interesa por la guitarra, haciéndose una con cartones. Debuta profesionalmente a los trece años como cantante y guitarrista en un grupo de Country and Western. A los quince años formó su propia banda de adolescentes y a los dieciocho grabó su primer disco: “Candy kisses” haciéndose conocido como “Yodelling Bill Haley”. Un poco desilucionado de la vida de músico itinerante y al no tener que hacer el servicio militar (por ser ciego de un ojo), se casa en 1946 con

Doroty Crowe. Pero, como buen músico, siguió deambulando varios años por diversos grupos hasta que en 1949 forma otra banda “The Four Aces of Western Swing” con los que gana un premio de 16.000 dólares, pero se separaron al año siguiente. En 1951 comenzó su leyenda cuando el productor Dave Miller le propone grabar el tema “Rocket 88” con su nueva banda: The Saddlemen; dos años más tarde cambiaría el nombre de la banda a The Comets (haciendo referencia al cometa Halley), con este nuevo nombre graban “Rock the t” en 1953, fue su primer

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hit en los Estados Unidos, vendiendo unas 75.000 copias. Ambas canciones eran éxitos de Rhythm and Blues, pero lo fundamental fue el empleo de la palabra “rock” y la mezcla que hacía con su estilo country, en éstos y otros temas futuros. Los primeros Comets fueron: John Grande, Rudy Pompilli, Al Reed, Billy Williamson, Don Raymond y Francis Beecher. Bill deja definitivamente su imagen de cowboy y se dedica a componer temas siguiendo el estilo que le estaba dando resultados, graba así “Crazy man, crazy” con el sello Decca, y llegará al puesto número 12 de las listas. El 12 de abril de 1954, graba un viejo tema de foxtrot, “(We’re Gonna) Rock around the clock”, compuesta por Jimmy Myers y Max Freedman, que también había sido grabada en 1952 por Sunny Dae & His Knights. Al principio no tuvo mayores repercusiones (N° 23 en las listas) y tuvo ventas moderadas; Bill no se detiene y graba entonces un éxito R&B de Joe Turner, “Shake, rattle and roll”, que en versión de Haley logra llegar al nº 7 en las listas nacionales. Pero su estrella comenzaría a brillar cuando “Rock 50

around the Clock” fuera utilizado como tema para la película “Blackboard Jungle” (Semilla de maldad, 1955). Cuando sonaba la canción durante los créditos finales de la película, se desató la locura, fue la canción más importante de este tiempo y una de las claves de la historia del rock con ventas de casi 25 millones de copias en el mundo durante las dos décadas siguientes. Convertido en una figura, Haley no tardó en pasar al cine, en películas como “Rock around the clock” y “Don’t knock the rock”, mientras sus temas eran una constante sensación entre 1955 y 1957: “See you later Alligator”, “Razzle Dazzle”, “Rlp It Up”, “The saints rock’n’roll”, “R-OC-K”, “Hot Dog Buddy Buddy”, “Rockin’ through the Rye”, “Teenager’s Mother” y “Rudy’s Rock”, este último era un excitante tema instrumental con la principal participación del sensacional saxofonista Rudi Pompilli. Pero a pesar de todo el éxito comercial, Haley que era un tipo gordito, medio calvo y hombre de familia, estaba perdiendo fuerza ante el sex-appeal de Elvis y los Teen Idols como Fabian, Tab Hun-

ter o Pat Boone; tampoco tenía la energía desbordante de Little Richard y no era precisamente el modelo de ídolo para los adolescentes. Uno de sus mejores singles, “Skinny Minnie” apenas fue notado, pero aún le esperaban cosas buenas al otro lado del “gran charco”. La visita de Haley a Inglaterra en 1957 fue la primera manifestación multitudinaria que se recuerda en la historia del rock. En Inglaterra, Haley era todo un ídolo aún cuando en su patria ya era un personaje de la nostalgia. “Rock around the clock” entró cinco veces en listas inglesas entre 1955 y 1957, siendo reeditado en 1968 y en 1974, alcanzando el nº 12. Haley, entertainer como era, se unió a la avalancha del Twist a comienzos de los 60 con “Skookian A Go-Go”, logrando moderadas ventas pero gracias a esto logró un nuevo mercado en México, graba en el sello Orfeon temas instrumentales tradicionales adaptados al twist (“En un pueblito español”, “La cucaracha”, “La

paloma”, “Tampico Twist”, etc.) y hasta alguno cantado ¡en castellano! como “Negra Consentida” y “La cucaracha”. A lo largo de los años 60 Haley vivió del recuerdo, aunque su leyenda no era olvidada, sufriendo una fuerte depresión se hundió en el alcoholismo y pasaba por periodos de paranoia, causado por un tumor cerebral, encerrado en su casa donde incluso llegó a pintar las ventanas de negro para aislarse completamente del exterior. Los diversos revivals del rock and roll le mantuvieron sin embargo como una de las figuras indiscutibles, y él, con sus siempre remozados Comets, siguió actuando largos años, ya sin el excelente saxofonista Rudy Pompili, saliendo de su retiro temporalmente para regresar después a el. En 1969, en Nueva York, el público le tributó una ovación de más de ocho minutos. Su muerte el 9 de febrero de 1981 que lo encontró encerrado en su garage, significó el fin de una era.

Cuando su época pasó en los USA, Bill Haley extendió su fama hacia Europa y Latinoamérica. En México tuvo una especial atención de miles de jóvenes que luego se volcaron en masa hacia el nuevo ritmo, siendo así Bill Haley, el pionero del rock and roll en castellano.

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Chuck Berry “Si trataras de llamar al rock and roll con otro nombre, bien podrías llamarlo Chuck Berry” – John Lennon

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i Elvis es el Rey, Chuck Berry debe ser considerado como el Padre. Berry es el más importante e influyente compositor de la Era del rock & roll. Diseñó un estilo propio que no sólo dio reputación al rock y le erigió a él en su figura mas vital, sino que también creó la auténtica raíz rebelde del rock and roll con sus textos llenos de incitantes provocaciones. Entre 1955 y 1959, el centenar canciones que grabó y editó, se convirtieron en grandes éxitos que la década de los 60 revitalizaría constantemente de la mano de Beatles, Rolling y otros. Sus canciones (que cantarán todos sin distinción) se convertirán en himnos. El, mejor que nadie, supo captar la rebeldía juvenil, l a s frustraciones escolares y el peculiar universo de la adolescencia en el “boom del rock and roll”. Sus canciones fueron un testimonio de aquella época, pero han mantenido su vigor en las décadas siguientes. Charles Edward Anderson Berry nació en St. Louis, Missouri en 1926, aunque su fecha y lugar de nacimiento son todavía controversiales (algunos

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dicen 1925 y otros 1931). Pertenecía a una familia mejor acomodada que muchos de sus “hermanos”. En esta ciudad cantando en coros pudo ahorrar para comprarse su primera guitarra y manuales para aprender a tocarla; luego de una temporada en el reformatorio por robo de auto, decidió asentarse y buscó trabajo, primero en la General Motors y luego como peluquero profesional y se casó a los 21 años; no sin dejar de tocar en el Cosmopolitan Club de St. Louis y otros clubes de la zona, junto al pianista Johnnie Johnson y el batería Ebby Harding, a quienes conoció en 1952. Su estilo magistral pronto destacó entre sus compañeros y de Johnnie Johnson Trio pasó a llamarse The Chuck Berry Combo. En 1955, Berry se traslada a Chicago y allí conoce a su ídolo Muddy Waters, quien impresionado por la forma de tocar de Chuck se lo presentó a Leonard Chess de Chess Records. Junto a su inseparable pianista Johnnie Johnson graba su primer single, del lado A el blues “Wee Wee Hours” y como lado B un tema country llamado “Ida Red” que por insistencia del productor lo rebautiza con el nombre de un popular producto de peluquería: “Maybellene”. Por medio de un “truco” de moda en ese tiempo, la canción fue firmada por Russ Fratto y el DJ Alan Freed como coautores, de esta forma la canción tendría difusión y éxito asegurado. Le llevó 30 años de luchas para que finalmente las canciones de Berry le sean reconocidas exclusivamente. Gracias a la difusión que le da Freed, “Maybellene”

alcanza el número 1 en las listas de R&B y el 5 en las listas generales. Luego del éxito en Cleveland, Alan Freed se mudó a New York a trabajar en la estación WINS, Freed continuó promoviendo festivales en vivo (muchos en el Paramount Theater) y tours por todo el país. En uno u otro momento, casi todos los más grandes artistas de Rock & Roll y de Rhythm & Blues han participado de sus Tours. Fue en uno de los shows en el Paramount en 1956, que Chuck Berry inventó su famoso “duck walk” en vivo en el escenario y siguió cosechando éxitos con “Thirty Days”, “No Money Down” y los incisivos “Too Much Monkey Bussiness” y “Brown-Eyed Handsome Man” (dando a entender que “ojos marrones” más bien se refería a “piel morena”). Su nombre alcanzó gran popularidad durante los próximos cinco años, gracias a giras y una cadena de singles. Desde finales de 1957 hasta la primavera de 1958 logró tres grandes éxitos sucesivos: “Rock and Roll Music”, “Sweet Little Sixteen” y “Johnny B. Good” con el magistral riff introductorio que formó escuela;

pero incluso hits menores como “Roll Over Beethoven”, “Carol” y “Almost Grown” terminaron siendo clásicos del rock gracias a su toque magistral. Aunque era más viejo que sus fans, supo captar las frustraciones adolescentes como en “School Day” y sus romances como en “Little Queenie”. Sus canciones fueron las primeras en poner a la guitarra como “EL” instrumento líder, e introdujo, en su modo de tocar, la escencia de la guitarra eléctrica de rock. Su música era el punto de convergencia de la técnica de T-Bone Walker, el canto de los “shouters” y el ritmo del boogie-woogie.

Chuck Berry el primer gran artista pop, y su amigo el DJ Alan Freed, quien ha sido uno de los impulsores de su carrera, durante la película “Go Johnny Go”.

El éxito le trajo fama y fortuna, lo que empezó a llamar la atención de las autoridades legales. En 1957 compra un inmenso terreno donde pensaba construir un gran parque al estilo Dysney World, y también participa en varias películas musicales: “Rock Rock Rock, “Mr. Rock and Roll”, “Go Johnny Go” y “Jazz on a Summer’s Day”. Cuando estaba de gira por los estados del sur del país en 1959, fué apresado y acusado por proxenetismo, por estar acompañado de una de sus fans adolescentes (para colmo blan53

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Chuck, ídolo confeso de grandes de la guitarra como Keith Richard, John Lennon, Eric Clapton o Bruce Springsteen, apesar de la edad, sigue dando multitudinarios conciertos, donde se congregan miles de fans y sus ilustres “discípulos”.

ca) siendo encarcelado durante 3 años. La cárcel no pudo sin embargo secar su gran creatividad, en ese tiempo compuso más clásicos como “Promised Land”, “You Never Can Tell” y el acertado “No Particular Place to Go”.

Records y se lanza “My Ding A Ling”, un tema grabado en vivo en Gran Bretaña que lograría aquello que ningún otro de sus discos anteriores: vender 1 millón de copias y llegar al puesto número 1 en los charts británicos.

Cuando al fin salió libre, el panorama musical había cambiado notablemente. Los Beach Boys tuvieron su primer Top 10 con el tema de Berry “Sweet Little Sixtee” pero con la letra cambiada, “Surfin U.S.A.” y acreditado a Brian Wilson (Berry fue después agregado como cocompositor). Afortunadamente, hacia 1964, músicos ingleses como los Beatles y los Rolling Stones, clamaban por todas partes que hacían un rock como el de Chuck Berry y reinterpretan varios de sus temas. Este reconocimiento saca a Chuck del olvido, el rock revival inglés le da una nueva oportunidad y hace su primera gira por Gran Bretaña y Francia.

Tras pasar varios años parcialmente retirado del ambiente musical, exceptuando algunos conciertos ocasionales, Berry fue otra vez encarcelado por 120 días bajo el cargo de evasión de impuestos. En 1987 celebra su 60 cumpleaños con la producción del concierto/documental “Hail! Hail! Rock and Roll” acompañado de grandes figuras como Etta James, Keith Richards, Eric Clapton, Julian Lennon, Robert Cray y Ronnie Wood. En 1990 es víctima de una nueva persecusión y acusado de poseción de marihuana y acoso sexual. Sin embargo en 1993 es invitado a tocar en la inauguración de la presidencia de Bill Clinton (¿por fin hizo las paces con el gobierno?).

Pero el tiempo en la cárcel y su divorcio le cambiaron profundamente y crearon en él un duro resentimiento contra los blancos teniéndo hacia el sow business una actitud meramente mercantilista. En la segunda mitad de la década de los 60 pasaría por su peor época creativa y el paso de Chess a Mercury Records. En 1972 vuelve a Chess 54

Composiciones como “Johnny B. Goode” (que fue incluida en el disco dorado del explorador espacial Voyager), “Rock and Roll Music” o “Roll Over Beethoven”, confirman su contribución a la música moderna: Chuck Berry inventó la canción pop como la conocemos hoy día.

Little Richard

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ittle Richard es, junto con Chuck Berry, el gran artífice del rock and roll de los duros años del rompimiento generacional y uno de los héroes del proceso rockero de la segunda mitad de la década de los 50. Sus canciones, su poderio visual, su fuerza, son parte del marco en el cual el rock and roll germinó y evolucionó. Llamado a menudo «The King», negro, retador, loco, considerado tanto un payaso como un genio, supo resumir en una sola, larga e indescifrable palabra, la síntesis de lo que estaba sucediendo en el mundo de la música. Esa palabra es la que abre su hit más notable, “Tutti Frutti”: “Awopbopaloobopalopbamboom”.

sigue ganar un concurso de nuevos artistas en Atlanta. Tiene dieciséis años cuando le ficha el sello Candem, con el que grabará sólo ocho canciones, que sin llegar a ser éxitos, le proveen de su primera fama. Su siguiente editora, en 1953, es Peacock, con la que grabará la base de lo que luego será su estilo. En 1955, con el rock and roll convertido ya en un alud de música, Little Richard pasa al sello Specialty, tras comprar éste su contrato a Peacock por 600 dólares. En su primera tanda de grabaciones surge “Tutti Frutti”, un tema escandaloso y casi pornográfico, debe de ser arreglado en el mismo

“Lucille fue la primera canción que me dio vuelta la cabeza, me hizo pensar: el rock esta aquí. De golpe, mi mundo fue del blanco y negro al tecnicolor” – Keith Richards

Richard Wayne Penniman nace en Macon, Georgia, el 5 de diciembre de 1932. Su numerosa familia era profundamente religiosa, perteneciente a los Adventistas del Séptimo Dia. Ello hizo que Richard debutara en el coro de su iglesia, en el que acabó siendo solista. Todavia adolescente, se empleó en el Medicine Show de un charlatán llamado Doctor Hudson. Los Medicine Shows eran carretas en las que se ofrecía un espectáculo itinerante de pueblo en pueblo mientras un médico, casi siempre falso, intentaba vender a la concurrencia medicinas milagrosas. Con esta experiencia semiprofesional, Richard trabajó después en un club de Georgia, y también en diversos empleos, entre ellos como vendedor en una estación de gasolina. En 1951 con55

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lo convenció de que Dios le llamaba por otros caminos, asi que juró dedicarse a la predicación si se salvaba. Tras aterrizar el avión, Little Richard no olvidó su idea, pero desde luego no lo hizo enseguida. Cuando el hecho se repitió, su decisión religiosa se aseguró, y en 1958 pasó dos años de estudio teológico. En este tiempo alternó la predicación con la grabación de algunos temas Gospel sin relieve alguno.

“A-uab-ba-baluba-auab-bam-bum” es una de las frases más famosas del rock’n’roll” – Terry Pratchett

estudio por una experta en letras de canciones llamada Dorothy La Bostrie. Editado rápidamente en single, Tutti frutti será uno de los grandes hits del año y el lanzamiento de Little Richard entre los grandes del rock and roll. La fecha de la histórica grabación fue el 14 de septiembre de 1955. Little Richard, obsceno, loco, expansivo y brillante, inicia en 1956 sus dos grandes años de reinado. Ese mismo año participa en los films “Don’t knock the rock” y “The girl can’t help it”, y triunfa con otros tres temas ya clásicos, “Long tall Sally”, “The girl can’t help it” y “Rip it up”. En 1957 aparecen “Lucille”, “Jenny Jenny”, “Miss Ann”, “Send me some lovin” y “Keep a-knockin”, y en 1958 “Good golly Miss Molly”. Para entonces Little Richard ya había alcanzado todos los éxitos imaginables, y éste había abandonado la música, aunque a lo largo de 1958 continuaron saliendo temas que había dejado grabados, “Oh my soul”, “True fine mama” y “Baby talks”, y ya en 1959, “Kansas city”. El hecho fundamental que obligó a Little a retirarse de la música tuvo dos partes concretas en su gira australiana de fines de 1957. Problemas en el avión amenazaron con derribarlo, esto

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Little Richard volvería a la música en 1960, pero el cambio de orientación y el fin del rebelde rock and roll, que por entonces ya era una realidad, le mantuvieron apartado, hasta que en 1964 los Beatles invadieron el mundo, y canciones históricas como las suyas o las de Chuck Berry, volvieron a popularizarse. En 1964 Little Richard reemprendió su carrera, proclamándose «The king of rock and roll», y si bien nunca volvería a obtener la audiencia de 1956 y 1957, su nombre y su fama se mantendrían en alto constantemente. Su album “Explosive” muestra que su capacidad y garra no han mermado. Cuando en 1972 se produce el “revival” del rock and roll, Little lanza su nuevo LP llamado “King of rock’n’roll”. Por este tiempo, “Tutti Frutti” llevaba ya vendidos más de treinta millones de copias. Durante el resto de los años 70 y hasta hoy, Little ha sido una de las leyendas del rock and roll. Su figura escandalosa, con su bigotito y sus explosivas declaraciones, no han dejado de salpicar el paso del tiempo. Su gran carisma le valió una invitación para cantar en la inauguración de las Olimpiadas de Sydney en 2002. Si bien la edad no perdona y las alternativas de la música van almacenando la historia en el pasado, Little Richard y su obra son ya tan inmortales como el rock and roll.

Fats Domino

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ste carismático pianista e intérprete de sus propias composiciones de R&B, muy influenciado por el boogie woogie, pero con un estilo personalísimo, nació en Nueva Orleans en 1928, tuvo su debut en 1949 con “The Fat Man”. Esta canción tuvo un éxito arrollador, el primero de una larga lista, que llegó al millón de copias vendidas y sentó las bases de lo que sería el R&B en los años siguietes. El gran éxito se debe, además de su talento, a la ayuda del trompetista y director de orquesta Dave Bartholomew, de Imperial Records, quien sería su acompañante, manager y coautor de sus temas durante muchos años.

Ya en la parte final de los 60 pasó a Reprise/Warner. Aunque lejos de las listas de éxitos y de la fama de los años 50, Fats Domino sigue siendo una descollante leyenda viva de gran importancia musical. Hasta hace unos años, era habitual ver algún concierto suyo en Las Vegas, aunque la mayor parte del tiempo la pasa en Nueva Orleans, junto a su esposa Josephine y sus 8 hijos. En el 86 se le acogió en el Rock’n’roll Hall of Fame. Fast será siempre recordado por sus famosas composiciones como “Blueberry Hill”, “I’m Walkin”, “Blue Monday”, etc., sus 25 discos de oro y más de 65 millones de discos vendidos.

Fats Domino, fué pionero en la transformación del R&B al Rock and Roll y uno de los primeros artistas negros en llegar a las listas de éxito nacionales.

A comienzos de los 50’s Domino era regularmente incluído en las listas de éxito de R&B, “Goin’ Home” de 1951 y “Goin’ to the river” de 1953 llegaron al millón de copias vendidas. Su particular estilo al piano era ideal para el Rock and Roll, convirtiéndose rápidamente en uno de sus primeros líderes. Su primer éxito a nivel nacional le llegó en 1955 con “Ain’t that a Shame” liderando la lista de éxitos de R&B por 11 semanas. En los siguientes ocho años ingresó a las listas unas 60 veces más. Su fenomenal suceso le valió apariciones en varias películas como “Shake Rattle and Roll” (1956), “The Girl Can’t Help It” (1957), “Jamboree” (1957) y de agotadoras giras por todos los E.U. A partir de 1963, año en que Imperial Records dejó de existir como editora independiente, Fats edita a través del sello ABC de Nashville, siendo su más destacado tema la versión del Lady Madonna de los Beatles en 1968. 57

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Bo Diddley

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ació en Mississippi como Elias Bates (otros autores lo llaman Elías McDaniels) un 30 de diciembre de 1928. Su infancia sumida en a pobreza es sin embargo influenciada por la rica cultura musical africana y bla del Sur Profundo.

Diddley solo tenía algunos pocos hits en los 50 y comienzos de los 60, pero fue uno del puñado de creadores que produjo grandes e influyentes canciones en las primeras épocas del rock and roll. El ritmo de Bo Diddley: “bomp, ba-bomp-bomp, bomp-bomp” es uno de los ritmos básicos del rock, que se puede comprobar en el trabajo de Buddy Holly, Rolling Stones y varios grupos ingleses de los años 60. 58

Antes de agarrarse del blues y el R&B, Diddley estudió violín clásico, pero lo dejó cuando siendo adolescente escucha a John Lee Hooker. Buscando mejores horizontes viaja a Chicago, tocando blues en bares y clubes del south side de la ciudad, alternado con la práctica del boxeo para conseguir dinero extra. Aunque logra ser un guitarrista respetado, no puede distinguirse de los fundadores del género. A comienzos de los 50, comenzó tocando con su compañero de años Jerome Green quien tocaba las maracas, y el armonicista y cantante Billy Boy Arnold. Intenta suerte con un estilo provocador e insultante hacia los blancos, tratando de singularizarse, pero es a partir de 1955 que recibiendo influencias del Rock and Roll lo mezcla con un ritmo inspirado en los tambores africanos que él llama “el latido de la jungla”. Bo hizo un trato con la disquera Chess y graba su primer single, “Bo Diddley / I’m a Man” (1955). Un verdadero “monstruo” de dos lados que sorprendió por su originalidad. El lado A estaba empapado de una onda futurística por el trémolo de su guitarra unido a rimas casi infantiles y el ritmo lascerante rodeado de un devastador riff de blues. Pero el resultado no era exactamente blues, ni siquiera

estrictamente R&B, era algo totalmente nuevo, una nueva forma de tocar rock & roll que influenciaría a generaciones futuras. Gracias a este primer gran éxito, lo invitan a aparecer en programas de TV y en algunas películas; “Mr. Jungle Rhythm” empieza una serie de giras triunfales, donde demuestra que es capaz de cantar baladas country como los blancos y del más puro rock and roll con sus exóticas guitarras que él mismo diseña. Los discos de Diddley nunca vendie-

ron tanto como los de su rival en Chess, Chuck Berry, pero en unos seis años, produjo un catálogo de clásicos como “You Don’t Love Me,” “Diddley Daddy,” “Pretty Thing,” “Diddy Wah Diddy,” “Who Do You Love?,” “Mona,” “Road Runner,” y “You Can’t Judge a Book by Its Cover”. No siendo suficientes, su único single que entró en los Top 20 fue muy atípico, un absurdo intercambio de palabras entre él y Jerome Green, “Say Man”, fue el resultado de una grabación que hicieron mientras tonteaban en el estudio. Como artista en vivo, Diddley era excitante, usando sus típicas guitarras cuadradas y con amplificadores distorsionados para producir nuevos sonidos, anticipando las innovaciones en los 60 de los guitarristas como Jimi Hendrix. El hipnótico ritmo atacado por la letra, hace remontar la mente a sus raíces africanas, y al mismo tiempo se avisora el futuro rap. El sonido vibrante y áspero de su guitarra eran su marca registrada y ayudó mucho a la expansión del poder y rango del instrumento. Pero aún más importante, el “sonido” de Bo era divertido e irresistiblemente “salvaje”, le dió al rock and roll su lado más humorístico y exótico.

tima y le volvieron a dar el tratamiento Diddley (incluyendo las maracas), el resultado fue su primer gran éxito en las islas británicas. La “Invasión Británica” en los sesenta ayudó a que el público reconociera el trabajo de Bo Diddley y su importancia, y desde esa época sus actuaciones vienen siendo muy populares. Pero tristemente, sus grabaciones empezaron a mermar, en términos comerciales y artísticos, desde que los Beatles y los Stones comenzaron a tener éxitos en los Estados Unidos. Después de 1963 no volvió a grabar ni escribir material nuevo a la par de sus anteriores clásicos. Si perdió a su musa inspiradora o símplemente se durmió en los laureles es difícil de decir, pero aún así sigue siendo parte vital de la conciencia colectiva y de la historia del rock and roll, ocasionalmente vuelve a tomar visibilidad pública como en el tour de 1979 con los Clash, apareciendo en películas y comerciales de TV.

En Gran Bretaña era reverenciado como un gigante a la altura de Chuck Berry y Muddy Waters. En particular, Los Rolling Stones usaron muchísimo material de Bo; sus ritmos y actitud en sus primeros tiempos, además de hacer dos covers oficiales “Mona” y “I’m Alright.” Otros grupos británicos de R&B como los Yardbirds, los Animals y los Pretty Things también usaron su estilo y grabaron temas de Diddley. Buddy Holly había usado la canción “Bo Diddley” y le cambió la letra en “Not Fade Away”; los Stones por su parte tomaron esa úl59

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Esquerita!

¿Quién copió a quién?, nunca lo sabremos, pero Little Richard reconoció varias veces que Esquerita fue su gran influencia; en su estilo de tocar el piano, en su actitud y en su pinta.

Esquerita nació como Eskew Reeder, Jr. en 1935 en Greenville, South Carolina en uno de los peores barrios de la ciudad. Era un pianista autodidacta y alcanzó a tener suficiente técnica como para tocar en una iglesia bautista a la temprana edad de 10 años. Cuando cumplió los 18 dejó la escuela y se unió a un grupo de gospel de Nueva York llamado The Heavenly Echoes, con quienes grabó el single “Didn’t It Rain” en 1953. Cuando el grupo se separó, Esquerita vuelve a Greenville y se establece como rockanrolero fijo en el club Owl bajo el nombre de “Professor Eskew Reeder”. Allí es descubierto por el guitarrista de Gene Vincent, Paul Peek. Luego de grabar varios demos en una estación de radio de Greenville, el propio Gene Vincent convence a Capitol Records para firmar con Reeder, el cual en este punto cambia de nombre a “Esquerita”.

Se forma una banda a su alrededor, incluyendo a Tony White en el bajo, Vincent Mosley en guitarra, Ricardo Young en batería, y como coro se utiliza a un grupo vocal llamado The Gardenias. Así graban nuevos demos y luego viajan a Nashville en 1958 para una sesión donde graban sus primeros discos: “Oh Baby”, “Rockin’ The t” y otros cinco más. En agradecimiento a Paul Peek, Esquerita escribe “The Rock Around” y se convierte en el primer éxito como solista del guitarrista, con el propio Esquerita tocando el piano de acompañamiento. En agosto de ese mismo año, se graba en Nashville otras 21 canciones. Doce de ellas son seleccionadas y se lanza el LP “Esquerita!” en mayo de 1959, su único gran clásico. En 1963 es invitado por Big Joe Turner a acompañarlo en una grabación y al año siguiente Berry Gordy del sello Motown lo invita a grabar unas sesiones que nunca salieron al público. En 1964 Esquerita graba un nuevo disco de “Grandes Éxitos” para su viejo “alumno” y amigo Little Richard, acompañados de un desconocido pero prometedor guitarrista llamado Jimi Hendrix. En 1965 graba “Sock It To Me Baby” en el sello Triumph, pero otra vez el material no saldría a la venta hasta 22 años después. Cambiando su nombre a “Malochi el Magnífico” firma con Brunswick en 1968, otra vez siguiendo de cerca a Little Richard. Sólo un single “As Time Goes By”/”Mama, Your Daddy’s Come Home” y un tema de Richard “Stingy Jenny” resultan bien. En los 70, Capitol relanza material inédito en Inglaterra y en Francia se lanza un disco doble con 28 canciones de las grabadas en Nashville. Después de esto no se tiene noticia de Esquerita, salvo que estuvo un tiempo en prisión y que hacía ocasionales apariciones en clubes de New York. Murió a causa del SIDA en 1986 en Harlem.

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Elvis Presley, “The King” Nada haría pensar que el pequeño hijo de una pobre familia del pobre estado de Mississippi llegaría a ser un Rey. Elvis Aron Presley nació en Tupelo, Mississippi el 8 de enero de 1935. Su hermano gemelo Jesse muere al nacer. De esta primera tragedia familiar surge un lazo muy fuerte entre Elvis y su madre.

De niño lleva una vida normal de blanco sureño, pero su padre, sin puesto estable, a menudo pasa por serias dificultades económicas y debe buscar trabajo frecuentemente. Mientras tanto Elvis es un chico solitario pero muy curioso, vagabundea por los barrios negros en compañía de amiguitos negros. Allí, Hacia 1955 una organización anti-rock and roll sureña afirmaba sobre los discos de Presley: “es una música de negros, animal y vulgar”, “La obscenidad y vulgaridad de esta música es manifiestamente un medio de rebajar al hombre blanco y a sus hijos al nivel del negro”.

“Elvis era el más grande. Siempre quisimos ser más grandes que él, porque era lo máximo. Escuchar a Elvis fue lo que me hizo dedicar a la música, eso fue todo. Ocurrían muchas cosas, pero esa fue la conversión” – John Lennon 61

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maravillado tiene sus primeros os con el blues rural, que sigue siendo en los años 40’s muy apreciada por la gente de color en los estados segregacionistas. Las radios blancas emiten las canciones bailables pueblerinas (Hillbilly), el Honky Tonk y las canciones vaqueras, muy de moda en aquel momento. Esta maraña de estilos influenciarían notablemente en el joven Elvis.

UN ADOLESCENTE DIFERENTE

Sam Phillips dueño de una pequeña disquera llamada SUN Records, era un productor de discos de música country (Hillbilly) y de R&B en Memphis, Tennessee. Su frase célebre “si pudiera encontrar a un blanco que cante como un negro ganaré un millón de dólares” no sólo se realizó sino que sobrepasó a todos sus sueños más delirantes.

Terminados sus estudios secundarios en Memphis, Elvis debe trabajar de camionero para ayudr a la frágil economía familiar. Es un adolescente solitario a pesar de sus éxitos femeninos, escucha blues y boogie, lleva el pelo engominado y largo para la época. Su excéntrica ropa, siguiendo la moda negra de camisas de color vivo y corbatas oscuras, sus zapatos bicolores y su mueca desdeñosa llaman la atención y le marginalizan.

“Recuerdo muy bien a Elvis antes de que fuera famoso. Solía aparecer por los bares de Beale Street en Memphis y te puedo asegurar que eran contados los blancos que se acercaban a escuchar Blues en esa época. Después de los shows se acercaba y nos acribillaba a preguntas... Era muy serio y educado, pero recuerdo que solía aparecer con camisas rosas de seda y todo el jopo engominado... Un par de años después, cuando escuché su primer single para SUN por la emisora WMPS, recuerdo que me dije: ¡Cantas como un negro, hijo te van a masacrar!” – B.B. King 62

Hay que decir que Presley tiene solo dos pasiones: la música y su madre. Esto le lleva a ir a grabar un sencillo para regalárselo a su madre en su cumpleaños. Para lo cual se dirige a los estudios SUN donde graba dos baladas “My hapiness” y “That’s when your heartaches begin”, su estilo llama la atención de la asistente de Sam Phillips, quien en ese momento no se encontraba en el estudioñ pero Elvis vuelve seis meses después para hacer otro single, esta vez Sam si se encontraba en el estudio y pudo ver como su famosa frase: “si puedo encontrar a un blanco que cante como negro, ganaré un millón de dólares” se hacía realidad. Pero no hizo ningún contrato hasta que, le presenta a Elvis a los excelentes músicos Scotty Moore (guitarrista), Bill Black (bajista) y D.J. Fontana (baterista), con quienes interpreta una acelerada versión de un blues de Big Boy Crudup “That’s

all right mama”. El 6 de julio de 1954, se graba el disco SUN Nº 209 con “That’s all right mama” en el lado A y un tema country “Blue Moon of Kentucky” como lado B. Toda la carrera de Presley está ahí, las dos músicas, la negra y la blanca se encuentran frente a frente en ese primer sencillo simbólico. Sam salió con la grabación como pan caliente y se lo llevó a un disc jockey amigo suyo llamado Duey Phillips, éste era un héroe local para cientos de adolescentes negros y blancos que no se perdían ninguna de las emisiones de su programa radial “Red, Hot and Blue” (“Blues al Rojo Vivo”) donde pasaba todos los discos de moda de R&B, Blues y sobre todo de éste nuevo y alocado ritmo de Rock and Roll. llegó a tocar el single unas 14 veces en su programa debido a las llamadas recibidas. El locutor consigue dar con Elvis y lo entrevista por primera vez, convirtiéndolo en una figura a nivel local de la noche a la mañana. El single alcanzó unas ventas iniciales de unas 20.000 copias y la gente se sorprendía al ver que el cantante no era de color.

EXPLOTA EL FENÓMENO ELVIS Este disco es particularmente importante porque rompía con la tendencia popularizada por Bill Haley que hacía un rock and roll bailable y “juguetón”, Elvis desarrollaría un ritmo más marcado por la influencia negra y los ritmos country, y un modo de presentarse más provocativo, que se dió en llamar ROCKABILLY. Los contoneos de cadera de Elvis, sus jadeos al micrófono y su ropa (camisa negra y corbata blanca, lo contrario al “buen gusto” de la época), su cabello engominado y largas patillas, sus chaquetas de lentejuelas al estilo de las estrellas negras, van a concentrar en él el odio del sistema sureño. Algunas ciudades prohiben sus conciertos y aparecen como hongos

asociaciones anti-rock&roll. Encubiertamente esas brigadas de moralidad filman sus conciertos para poder acusarle de obsenidad ante la justicia. Pero el ataque es demasiado falto de sutileza. Elvis tiene siempre de su lado a los amantes 63

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EL GRAN SALTO

Elvis firmando el contrato que lo convertiría en superestrella. A su lado Sam Phillips y el apoderado de la RCA.

Jerry Leiber y Mike Stoller, dos judíos locos por el Rhythm and Blues, fueron quienes mejor interpretaron el sentimiento de la música popular negra. Compositores de clásicos como “Searchin”, “Love Poison #9”, “Hound Dog”, “Jailhouse Rock”, “Loving you” y “Stand by me”.

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de la comedia que se divierten con sus ocurrencias en sus presentaciones radiales y en vivo. La juventud que esperaba desde hacia tiempo en la música lo que el cine ya tenía con Marlon Brando y James Dean, es decir, abanderados de la rebelión adolescente, se pone de inmediato de parte de Elvis, cuyos discos como “Just Because”, “Good Rocking Tonight”, “Baby Let’s Play House” y “Milkcow Blues Boogie” se venden uno tras otro como un torrente. En ésta época a Elvis se lo conoce como el “Hillbilly Cat ” (gato montañés) un término utilizado en la época para alguien “salvaje”. Los músicos Scotty, Bill y D.J. Fontana le acompañarían durante muchos años, en especial su gran guitarrista que actuaría y grabaría con Elvis hasta 1970.

Pero Elvis no habría pasado de ser un fenómeno local de no haber sido por Tom Parker, apodado “El Coronel”, un manager de dudosos escrúpulos, quien tenía en su cartera a varios cantantes de country. Precisamente Parker oyó hablar de Elvis cuando estaba promoviendo un concierto de Eddie Arnold y luego lo vió actuar en Texas a comienzos de 1955, enseguida vió el negocio y dejó todos sus otros representados para convencer a Elvis para que firme con él aquel funesto contrato que lo ataría por toda su vida y que llegó a sacarle casi el 50% de sus ingresos. En menos de dos semanas, el Coronel le consiguió a Elvis un contrato para una gira de estrellas country encabezadas por Hank Snow. Desde el principio el plan era lanzar a Elvis a nivel nacional, mientras Presley cantaba frente a multitudes en diversos locales del sur del país, el Coronel se empeñaba en vender su contrato con Sun Records a una compañía grande. Así, Decca, Columbia, MGM y Atlantic, mostraron su interés, pero Parker tenía a la RCA entre ceja y ceja. El 21 de noviembre de 1955 finalmente consiguió el precio que Sam Phillips había pedido, 35.000 dólares, era lo máximo que cualquier compañía había pagado por un cantante pop, el ejecutivo de la compañía que apoyó la compra, llegó a temer por su puesto. La clave del contrato era que la RCA consiguiera que Elvis apareciera en la televisión nacional, pero la RCA aún no sabía que hacer con su nueva y carísima estrella. Empezaron grabando “Heartbreak Hotel”, una sentida balada bla basada en una nota de suicidio, con Elvis acompañado por el grupo vocal The Jordanaires, quienes lo acompañarían muchos años. Intentaron reproducir el “sonido SUN”, pero no lo lograron.

Como el sencillo no logró el éxito esperado, la RCA hizo que Elvis grabara una canción que estaba teniendo mucho éxito, era “Blue Suede Shoes” de Carl Perkins, la nueva estrella de Sun Records. La RCA estaba temiendo haberse equivocado con Elvis. La acelerada versión de “Blue Suede Shoes” fué presentada a nivel nacional en su debut del programa de televisión de Jimmy y Tommy Dorsey el 28 de enero de 1956 y la canción se dispara al puesto Nº1, también interpretó románticamente “Heartbreak Hotel” arrancando los primeros gritos femeninos, pero la reacción del público en el estudio en su mayoría mayores, demostraba que aún no estaban preparados para el Rock and Roll. Al día siguiente la reacción no se hizo esperar, a los Dorsey le llovieron cartas de protesta contra este “pervertido, sin talento y corruptor de jóvenes”. Pero Elvis es amado por los miles de adolescentes que se identifican con él definitivamente. Elvis Presley volvió al programa de los hermanos Dorsey otras seis veces, aunque esta vez, las cámaras tuvieron que enfocar al chico desde la cintura

Elvis, Scotty Moore (guitarrista), Bill Black (bajista) y DJ Fontana (baterista), actuando en su debut televisivo durante el programa de Jimmy y Tommy Dorsey en enero de 1956. Esta primera aparición lanzó a Elvis al estrellato a escala nacional.

Elvis con su nuevo manager, el “Coronel” Tom Parker, en las oficinas de la RCA.

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ó con el Coronel y le ofreció a Elvis un irresistible contrato por 7 años con un sueldo de 15.000 dólares para empezar a filmar su primera película. Entretanto Elvis recorrió el estado de Texas, llegando a Las Vegas en abril. Era la primera vez que no logra eclipsar al público (en sumayoría de mediana edad) durante su actuación. Pero Elvis se enamora del glamour y la vida nocturna de Las Vegas y asiste a todos los shows que pudo. En una actuación de un tal Freddy Bell, ve un acto que le gusta y piensa que puede ser novedoso para animar sus presentaciones en vivo. Así que en su siguiente aparición televisiva en el show de Milton Bird el 5 de junio, presenta su famoso juego de piernas cantando “Hound Dog”, que arranca la risa de los mayores y la burla del presentador del programa, pero a los jóvenes les encanta. Nuevamente, su estilo burlesco, sus muecas y juego de piernas, hace que la prensa tenga algo de que escribir y a las autoridades algo de que quejarse. Otra vez Elvis es el centro de una controversia nacional.

para arriba para evitar escandalizar a los televidentes; pero en el set, el griterío que era infernal no deja escuchar a los músicos y animaban a Elvis a contonearse más todavía y sus piernas parecían de goma; ésto le valió el nuevo apodo de “Elvis the Pelvis”. La avalancha ya era indetenible. El próximo paso lógico era el cine. El productor independiente Hal Wallis se 66

Cuando tuvo que actuar en el exitoso programa de Steve Allen, lo hizo vestido de frac y con sombrero de copa, en una mucho más calmada versión del mismo tema. Al día siguiente se dirige a los estudios de la RCA en Nueva York para grabar la canción, allí una multitud de jóvenes lo esperaban con pancartas que le reprochaban el haber sido tan complaciente con los directivos de la TV. Esta sesión fué muy importante para Elvis, pues los de la RCA le permitieron producir sus temas hasta que él estuviera satisfecho. Graba entonces “Hound Dog” y un tema de R&B de Otis Blackburn “Don’t be Cruel”. 2 días después se presentó en Memphis donde proclama a sus paisanos: “esta gente de Nueva York no logrará cambiarme” y probó que no lo lograron.

El 12 de julio, Ed Sullivan, que había sido superado en audiencia por el show de Steve Allen, anunció que había contratado a Elvis por 3 apariciones por la insólita suma de 50.000 dólares. Sullivan, que había dicho que no traería a Elvis a su programa por ningún precio, tuvo que rendirse por la “histeria Presley” y el todopoderoso rating. El show de Ed Sullivan era el último reducto que faltaba conquistar al rock and roll, pero Ed creía en la variedad, siempre presentó en su programa todo tipo de música, desde ópera hasta gospel, e incluso R&B. Elvis estaba grabando su primera película cuando se presentó el 9 de setiembre de 1956 en los estudios de TV de la CBS en Hollywood. Irónicamente Ed Sullivan había tenido un grave accidente un mes antes, por lo que no pudo ser presentador ese día en el que sería el show más visto en la historia de la TV. Elvis fué presentado por el actor Charles Laughton, en una actuación mucho más tranquila que las anteriores. Al comienzo del programa se le entregó los 4 primeros discos de oro, por más de 1.000.000 de copias vendidas a Elvis; era la primera vez que un artista lograba esa marca en tan poco tiempo. Al día siguiente los periódicos publicaron la impresionante marca de 50.000.000 de espectadores que sintonizaron el show esa noche con la consiguiente alegría de Sullivan, era la primera vez que Elvis tuvo impacto en un público adulto. Entre esta presentación y la siguiente en el show de Ed Sullivan, Elvis termina su película y se presenta en la Gran Feria de Mississippi, Alabama y Tupelo, su pueblo natal, donde el alcalde le entrega la llave de la ciudad con forma de guitarra. A esta altura el dominio del público y el disfrute del mismo a nivel nacional, eran completos. Su nuevo single, “Love

Elvis y su famoso traje de lamé bañado en oro... una excentricidad de varios miles de dólares, pero que reflejaba el nivel al que había llegado y sus más de 10.000.000 de discos vendidos.

Me Tender”, tema de su película, fué tocada incansablemente por los “disc jockeys” de todo el país y nuevamente sería otro disco de oro. En la película, ambientada hacia finales de la Guerra de Secesión, Elvis hace el papel de uno de los hermanos Reno, un joven resentido que muere al final al tratar de salvar a su hermano a quien previamente quiso asesinar. El melodrama no impresiona demasiado pero sí el consiguiente single. En su siguiente largometraje “Loving You” (1957), Elvis tiene un papel más estelar e interpreta siete canciones en este filme semi-biográfico, donde también aparecen sus padres. Pero la película que rompió todos los récords fue “Jailhouse Rock” (1957) filmada con la Metro Goldwing Mayer, y con la excelente dirección de Richard Thorpe. Elvis hace el papel de un joven rebelde que asesina accidentalmente a un hombre en una pelea, en la cárcel se descubre como cantante y su com67

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pañero de celda y amigo le traiciona en una pelea. Tras salir de prisión y gracias a una operación vuelve a cantar y finalmente su vida se encauza gracias al apoyo de su novia y amigos. Las célebres, imaginativas e inolvidables coreografías con contexto carcelario son parte de la imaginería popular aunque fueron mucho tiempo prohibidas en lugares como la franquista España. 68

De la mano del hábil Coronel, Elvis logra la impresionante cifra de 14 números 1 en las listas norteamericanas antes del fin del año 1960, incluyendo clásicos como “Heartbreak Hotel”, “I Want You, I Need You, I Love You”, “Jailhouse Rock”, “Don’t Be Cruel”, “(Let me be your) Teddy Bear”, “Love Me”, “All Shook Up” y “Love Me Tender”. Su álbum debut ya tenía 362.000 pedidos aún antes de salir a la calle, obviamente llegó también al número 1 y se mantuvo allí por 10 semanas. En esa época se compra la mansión de 23 habitaciones en Memphis que llamó Graceland; sería su refugio de las presiones de la fama y punto de peregrinación para millones de fans después de su muerte. Elvis siguió lanzando éxitos e hizo una película más “King Creole” (“El Barrio contra mi”) antes de ser llamado a entrar al servicio militar en 1958.

EL ROCK AND ROLL DOMESTICADO Probablemente, permitir que Elvis cumpla su servicio militar fue otra jugada del Coronel, ya que una nueva imagen de “patriota” y cumplidor de las leyes ayu-

daría a Elvis a cambiar un poco la opinión que tenían de él los “bienpensantes” de la sociedad. Su imagen de uniformado empezó a recorrer las páginas de la prensa y la televisión nacional e internacional. Pero estando de entrenamiento poco antes de partir para Alemania, Elvis sufre el peor de todos los golpes, la muerte de su madre quien venía sufriendo de fuertes depresiones y abuso de medicamentos. El trauma le marcó a Elvis por el resto de sus días y cambió bastante su actitud hacia la vida y su carrera. En todo caso, Elvis fue un soldado disciplinado que rehusó a los privilegios de la fama, pero no pudo con su genio y se trajo a su padre y amigos para que vivieran en una casa cercana al cuartel donde se encontraba apostado. Durante una pequeña fiesta que se realizaba en esa casa, conoce a la hija de 14 años de un suboficial, Priscila Beaulieu de quien se enamora y con quien se casaría años más tarde.

El gran amor de la vida de Elvis era su madre, a quien llamaba cariñosamente “babe”, su muerte fue un duro golpe del que jamás se recuperaría.

Dos años fuera de la vista del público podría significar el fin de la carrera artística de cualquiera, pero no de Elvis. Para evitar eso, el Coronel había grabado suficiente material con su protegido como para inundar el mercado de nuevas grabaciones, entre estos figuraban “Wear My Ring Around Your Neck”, “Hard Headed Woman”, “One Night”, “I Got Stung”, “A Fool Such As I” y “A Big Hunk O’ Love”, cuando Elvis reaparece en 1960, el público no lo había hechado de menos, pero el cambio sí era evidente. Elvis vuelve con un nuevo aspecto de respetabilidad por el servicio cumplido; se terminó el adolescente salvaje con mueca chistosa que cantaba unos blues lánguidos y moviendo la cadera. El Rock and Roll se está ahogando y es rápidamente engullida por el establishment y el negocio, pero lo peor es que la mala suerte parece ensañarse con los pioneros: en 1959 desaparecen Buddy Holly, 69

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Richie Valens y Big Booper en un accidente aéreo, Eddie Cochran fallece en un accidente de carretera en Inglaterra y el cantante Gene Vincent queda gravemente herido; Bill Haley no es más que una vieja atracción, escándalos privados afectan a Jerry Lee Lewis y a Chuck Berry; y Little Richard se retira. El Rock and Roll parece definitivamente domesticado. Sólo en Inglaterra queda aún un poco de esa rebeldía primigenia y la posta será tomada por nuevos músicos que beberán de los viejos discos de blues y de Rock and Roll de las primeras épocas, aquí las olvidadas estrellas de los U.S.A. seguían siendo ídolos de millones. Se lanzan nuevos discos aprovechando su condición “Elvis Is Back”y “G.I. Blues” son los más destacados. Su primera reaparición en TV lo hace en el programa de Frank Sinatra, con una actitud mucho más sumisa y “repetable” que en otras ocasiones. El repertorio de Elvis se aleja del rock and roll y se centra en las bandas sonoras de sus películas y melodías románticas italianas, sas, hawaiianas y hasta mexicanas, tales como “No More”, “It’s Now or Never”, “Surrender”, “Tonight Is So Right For Love ”, “We’ll Be Togheter”, “For the Million and the Last Time”, “Ask Me”, “Blue Hawaii”, “Hawaiian Sunset”, etc. Pero habían excepciones interesantes como “Crying in The Chapel”, “Mess of Blues”, “Little Sister”, “His Latest Flame” o “Devil in Desguise”. Elvis entonces abandona los conciertos públicos y aparece ocasionalmente en algunos shows televisivos. Se muda a Hollywood a continuar su contrato fílmico y se hunde en producciones repetitivas y de poco valor artístico, con alguna excepción como “Girls, Girls, Girls” (1962), Fun In Acapulco” (1963) o “Viva Las Vegas” de 1967. Ese mismo año for70

maliza su relación con Priscilla Balieau y se casa el 1 de mayo. Aunque sus discos están cada vez más orientados hacia las variedades y el country, se venden bastante bien. Mientras los Beatles y los Rolling Stones triunfan, Elvis envejece en Graceland.

EL REY NO HA MUERTO... ¡VIVA EL REY! Consciente de este lento hundimiento artístico, Elvis reacciona rescindiendo los últimos contratos en Hollywood y organiza su esperado regreso en un extraordinario show en vivo, televisado por la NBC el 13 de marzo de 1968. El plan para el show no tenía mayores pretensiones, Elvis se mostraría un poco, cantaría alguna que otra cancióncilla y saludaría al público. Pero él tenía otras ideas, lo que estaba pensando era exactamente lo que sus fans de todo el mundo estaban esperando desde su regreso del servicio militar. Aparece vestido de cuero negro, arrogante, en un ambiente de nostalgia y

En 1968, Elvis sale de su aislamiento y vuelve al ruedo, a pesar de que las épocas y la música han cambiado desde los primeros 60, da la talla y demuestra con creces que sigue siendo el Rey.

de expectación, el “King” vuelve a jugárselo el todo por el todo, en lugar de lo esperado, arranca con una serie de rocks al más puro estilo “Hillbilly Cat” de sus años dorados. Su espectáculo en las Vegas es un éxito enorme, Elvis demuestra nuevamente que es merecedor del título que posee y su música (como “Suspicious Mind” que llega al número 1 después de 7 años, “In the Ghetto” o “Burning Love”) vuelve a ocupar los primeros puestos en la lista de éxitos. Poco a poco vuelve a la carretera, a las giras, a los conciertos gigantes y elige

como punto de partida Las Vegas, Nevada, que irónicamente fué el único lugar que no pudo conquistar al comienzo de su carrera. Se filmaron dos películas durante estos conciertos en Las Vegas: “Elvis: That’s the way it is” y “Elvis in person at the International Hotel”. Comienza la etapa de sus famosos y ostentosos trajes de lentejuelas, capa, joyas y patas de elefante, con los que aparecerá en más de 130 ciudades con un total de 1.094 espectáculos, excelentemente documentada en la película “Elvis on Tour” de 1972. Hinchado y con el pelo más largo, cultiva un estilo de “América

“¡Elvis, ese es mi hombre!” – Janis Joplin

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Profunda” con sus patillas larguísimas y su estampa de vaquero; su éxito ya no sorprende, ya es considerado como un héroe nacional y atrae tanto a las amas de casa como a sus hijos adolescentes. Desde las Vegas, Elvis es nuevamente una máquina de ganar dinero. Ofrecía sus sudorosas actuaciones los siete días a la semana ante un público que lo veía mas bien como un lujo, como un entre-

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tenimiento más en la Ciudad del Juego. Estas nuevas presiones, sumados a su alejamiento de Graceland, de Priscilla y de su hija Lisa Marie, lo atormentan y se sumerje en el consumo de fármacos, el karate y los libros místicos. El divorcio de Priscilla, a causa de sus infidelidades y de su distanciamiento lo encerró aún más en sí mismo y su comportamiento errático y autodestructivo era más que

evidente. Elvis llegó a estudiar casi todos los fármacos que se vendían en los Estados Unidos y los efectos de sus combinaciones. En 1973, se televisa desde Hawai, el primer show transmitido vía satélite para todo el mundo, más de 1.000 millones de telespectadores lo ven ese día. Pero, el “Rey” llega a su etapa final. Divorciado de Priscilla, agobiado por el sobrepeso y problemas cardíacos, nerviosamente afectado por el abuso de medicamentos y calmantes, sólo parece importarle el karate, que lleva al escenario cuando en vez de sus antiguas contorsiones, realiza una serie de ejercicios marciales acompañando a la música. A los 42 años, física y moralmente golpeado, todavía da conciertos multitudinarios. El 16 de agosto de 1977 es encontrado inconsciente en su bañera por su novia Ginger Alden y es derivado de urgencia a un centro médico. El “King” muere en el Memphis Baptist Hospital víctima de un ataque al corazón, dos semanas después de la publicación del profético libro “Elvis: What Happened?”, escrito por uno de sus guardaes-

paldas que había sido despedido un año antes. La carrera de Elvis en términos de ventas y récords para un artista de rock sigue siendo impresionante: 700 canciones grabadas, 94 singles con ventas superiores al millón, 45 discos de oro, 600 millones de discos vendidos hasta su muerte, 32 películas y 100 cadillacs. Actualmente Graceland se ha transformado en un museo dedicado al ídolo, siendo visitado cada año por millones de personas. En Memphis hay un “Boulevard Elvis Presley” y el día de su muerte es día de luto. El Rey permanece como una de las influencias más grandes de la cultura popular del siglo veinte y como el primer y más grande ídolo del rock and roll.

Según una leyenda que ha cobrado fuerza con los años, dos horas despues de la muerte de Elvis, un hombre llamado John Burrows compró un billete de avión con destino a la Argentina, lo extraño del caso es que tenía un aspecto muy parecido a Elvis y el nombre era el pseudónimo muchas veces utilizado por él. Años después este Burrows, con el nombre artístico de Orion, empezó a cantar imitando a Elvis llevando un antifaz que cubría parte de su cara, entonces se empezó a especular que este hombre en verdad era Elvis, lo cual nunca se podra comprobar debido a que Orion murio en el año 1998. Algunos datos que contribuyen a esta leyenda son los hechos de que el segundo nombre de Elvis esté mal escrito en su tumba: “Aaron” en vez de “Aron”. Otro dato es el hecho de que la familia de Elvis nunca cobró el millonario seguro de vida, pues es delito cobrar el seguro si la muerte no es real. Elvis deseaba ser enterrado junto a su madre en el jardín de la meditación de su mansión de Graceland, pero su tumba no la pusieron como era su voluntad. 73

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La Guitarra Eléctrica su nacimiento Instrumento del rock por excelencia, nació como una evolución de las guitarras acústicas convencionales (o “españolas” como se decía entonces) y como requerimiento de los músicos de un instrumento que pueda competir con los metales de las orquestas de Jazz o los barullos de la gente en los bares de Blues.

Rickenbacker Electro Spanish, construida entre 1932 a 1935, una de las primeras guitarras electro-acústicas de caja hueca. Utilizaba los imanes como la de la Frying Pan, pero ya tenía un enchufe para el cable y dos controles para el tono y el volumen.

La Sartén (Frying Pan) fue una prueba del inventor Adolph Rickenbacker, este prototipo de 1931 fue la primera guitarra eléctrica. Estaba fabricada en una sola pieza de madera de arce, utilizaba cuerdas metálicas cuyo sonido era amplificado gracias a unos imanes rodeando una bobina magnética bajo las cuerdas, que a su vez tenía salida en dos pequeñas y rudimentarias terminales de rosca a la que se conectaba un cable. Aunque se fabricó en serie durante algún tiempo no fue un éxito comercial y rápidamente se la retiró del mercado.

National Tri-Plate (Dobro) de 1927, antes de la invención de la guitarra eléctrica, los músicos demandaban instrumentos que suenen más fuerte, una de las soluciones que ofrecieron la fábrica National y la Dobro, fueron las guitarras resonadoras. Estas amplificaban el sonido a travéz de unos platos de aluminio insertos dentro del cuerpo de la guitarra, que también eran de aluminio. Estos modelos fueron muy populares entre los cantantes de blues y de músca hawaiana. 74

Gibson ES150 - ES250, construidas entre 1937 a 1941, Fueron los primeros modelos eléctricos de la casa Gibson, famosa por sus guitarras acústicas de jazz. Además estos modelos de caja hueca tuvieron un éxito comercial mayor que los modelos de Rickenbacker o de National.

Gretsch Country de 1955. Esta compañía se hizo famosa por sus guitarras electroacústicas de tapa arqueada, de diseño muy marcado por los músicos country, aunque no desdeñadas por los de rock. Rickenbacker Electro G. Esta guitarra Steel hecha de bakelita, apareció a mediados de los años treinta y pronto adquirió gran popularidad. Sobrevivió con ligeras variaciones hasta los años 70. El modelo A-22 era una evolución de la Frying Pan, apareció en 1953 pero no tuvo mucho éxito.

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La Guitarra Eléctrica década del 50 En los años 50 nacen las primeras guitarras no huecas. El cuerpo macizo fue idea del guitarrista Les Paul, quien hacia los primeros años 40 construyó un prototipo apodado “el tronco”, la principal ventaja sobre las electroacústicas sería la amplificación del sonido de las cuerdas de una forma “limpia y pura”. Como la compañía Gibson

no se interesó por la idea de Les, entró en o con Leo Fender, quien si vió la posibilidad y así nació la Broadcaster. Debido al éxito de la guitarra de cuerpo macizo, la Gibson volvió a contratar a Les Paul, de quien no se desprenderían más y del que tomaron nombre las guitarras más apreciadas por los rockeros de todo el mundo.

Fender Broadcaster, lanzada al mercado hacia 1950, fue la primera guitarra eléctrica de amplia difusión comercial con cuerpo maciso de madera y mástil atornillado. Todo el diseño de Leo Fender se adaptaba perfectamente a la producción en masa. Su intención éra producir un instrumento eléctrico sencillo y eficaz, y ésa ha sido la base de su enorme y duradero éxito. La Broadcaster cambió más tarde su nombre por el que se hizo más famoso Telecaster.

Fender Stratocaster de 1957. Esta guitarra es quizás la más conocida y la más imitada de la historia. Se presentó en 1954, diseñada por Leo Fender y su colaborador Freddie Tavares. La Stratocaster es el epítome del diseño aerodinámico de los años 50, fue concebida para su producción en masa. Además de llevar tres pastillas, cuando la mayoría de las guitarras eléctricas llevaban solo dos, disponía de un puente flotante, con ajuste de las seis cuerdas en el puente y en algunos modelos disponía de palanca de vibrato. Sus contornos aerodinámicos y el enchufe de salida empotrado en el cuerpo facilitan su manejo. Los músicos quedaron asombrados y aún lo hacen. Todo un homenaje al genio de Fender.

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Gibson Les Paul“Gold Top” de 1952. Cuando la compañía Gibson se enteró de que Fender empezó a fabricar su guitarra de cuerpo macizo, inmediatamente se pusieron en o con Les Paul, el de la idea original, quien finalmente dió nombre al instrumento que sentó las bases en las que siguen inspirándose la mayoría de los fabricantes de guitarras eléctricas de cuerpo macizo.

Gibson Flying V de 1958. Hasta finales de los años 50, los diseños de Gibson habían sido muy tradicionales. Pero todo ello cambió con sus guitarras “modernistas”, como la Flying B, la Explorer y la Moderne. Pero este cambio tan radical para la época, se encontró con una reacción negativa de los distribuidores y músicos. La producción se canceló al cabo de 2 años, pero con los nuevos tiempos, esos raros ejemplares comenzaron a cotizarse, lo cual prueba que aquellas guitarras innovadoras se adelantaron a su tiempo.

Fender Precission Bass. Otra gran invención del genio Leo Fender fue el bajo eléctrico, el Precission Bass salió al mercado hacia 1952 por idénticos requermientos que la guitarra y por la incomodidad del tamaño del contrabajo.

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La Guitarra Eléctrica décadas del 60 y 70

Gibson Les Paul SG. Gibson rediseñó la gama Les Paul, introduciendo una nueva forma del cuerpo, más atrevida. Como al propio Les Paul no le agradó este cambio, hizo retirar su nombre del clavijero a partir de 1962, por lo que esta guitarra es conocida solamente como modelo SG, muy utilizada por Eric Clapton o Angus Young.

Fender Telecaster 1959-1965. Este modelo, evolución de la Broadcaster, ha experimentado muy pocas modificaciones durante sus 40 años de historia. Pocas son las guitarras que han sobrevivido la mitad de ese tiempo sin sufrir importantes cambios.

Rickenbacker 330 y 335 (con vibrato). La fábrica Rickenbacker siguió apostando a las guitarras de caja hueca, sus diseños sin embargo eran muy diferentes de sus competidores. Las Rickenbacker han variado muy poco en su aspecto y sonido, gran parte de su atractivo actual se debe justamente a la reminiscencia del pasado. Estos modelos tuvieron un gran éxito en Inglaterra durante los sesenta y fue adoptada enseguida por músicos como Los Beatles y The Who. 78

En los 60 los diseños se hicieron más audaces y la consecuente evolución técnica hizo que las guitarras eléctricas sonaran mejor y tuvieran más posibilidades sonoras. Debido a que la madera se ponía más cara, se construyeron guitarras de fibra de vidrio, plástico y aleaciones metálicas, todo con el fin de abaratar los costos, pero hasta la aparición del grafito en los 80, los músicos eran reacios a estos nuevos materiales. Los norteamericanos dejaron de ser los únicos constructores, pues ya aparecían fábricas

en distintas partes del mundo, en especial en Inglaterra (Burns, Vox), Alemania (Hofner, Klira), Italia (Eko, Gemelli) y Japón (Ibanez, Tokai, Yamaha, Jakson). Durante los años 70 el número de fabricantes, sólo en los USA aumentó rápidamente, la tremenda competencia obligó a las diferentes marcas a buscar identidad propia, la búsqueda de la originalidad sin embargo no ayudó a las ventas, por lo que más tarde la mayoría de los diseños apostaron a lo seguro y volvieron a los diseños más tradicionales.

Gibson ES335. Este ejemplar de 1961 lleva el acabado rojo de la época, la ES335 era un modelo que combinaba eficazmente la guitarra hueca con la maciza. Aunque parecía una guitarra de media caja hueca, en realidad estaba atravezada por un bloque macizo de madera. La 335 “semiacústca” producía un sonido profundo como las electroacústicas pero eliminaba el problema de acople que se producía al tocar con mucho volumen.

Grestch White Falcon. Un diseño original de 1954, estaba destinada a ser la estrella de la compañía Grestch, pero recién en 1974 su producción pudo comenzarse. Su acabado blanco y sus detalles dorados hacen de esta guitarra toda una joya de la industria.

Burns Bison. De sus comienzos humildes en 1959 bajo el nombre de Burns Weil, la compañía Jim Burns se comvirtió en la más importante de Gran Bretaña. Sus modelos fueron en los sesenta muy buscados por los guitarristas ingleses. Este modelo fue muy utilizado por el grupo instrumental The Shadows y en especial por su lider Hank Marvin.

Ovation Custom Legend de 1976. Para los artistas en gira durante los 60’s era un problema la amplificación de sus guitarras acústicas. El micrófono adelante o las pastillas captadoras estropeaban el sonido. A finales de los 60’s la compañía Ovation presentó la guitarra electro-acústica con tapa de madera y fondo de fibra de vidrio, que incorporaba bajo el puente una pastilla especial de seis vías, que reaccionaba al toque de las cuerdas o de la tapa, logrando un sonido mucho más similar a una acústica normal. 79

LA ERA DEL ROCK

La Guitarra Eléctrica desde los 80 y hasta hoy

Fender Stratocaster de 1980. La popularidad de las stratocaster de “época” dió la idea a la casa Fender de producir nuevamente los modelos clásicos, pero con modernas variaciones.

Jackson “Supestrato”. A la compañía Grover Jackson le corresponde la invención, hacia finales de los 80’s, de las llamadas “Superstratos”, que han desarrollado y actualizado el diseño de la vieja Fender Stratocaster. La superstrato incorpora más trastes (24) y una abertura en la caja más profunda lo que facilita un registro más amplio. El sencillo sistema de vibrato de la Fender ha sido sustituido por un moderno sistema más resistente a las desafinaciones, el “Floyd Rose” y a las pastillas se le ha agregado una doble tipo “hunbucker” cerca del puente, lo que le da un sonido más grueso y potente. 80

Jackson KE3 Kelly. Su diseño se aparta de las superstrato, por su forma y por el uso de dos pastillas dobles en lugar de las simples.

Ibanez GS A20. Esta guitarra de atractivo acabado negro tiene una forma de “supestrato” pero posee dos pastillas dobles y un Floyd Rose más sencillo.

Desde los años 80 el mundo de la guitarra eléctrica se ha inclinado hacia oriente, con el aumento de la calidad de los instrumentos japoneses y coreanos. Marcas como la Jackson, Ibanez o Yamaha son sinónimos de “buena guitarra”. El diseño de las modernas guitarras están más estudiados, más acordes con las necesidades del músico que con la estética y las excentricidades han quedado a un segundo plano. La utilización de nuevos mate-

riales alternativos a la madera, como el grafito, han dado un nuevo concepto al sonido y un coste más bajo. La búsqueda de sonidos nuevos, el virtuosismo y la rapidez de los nuevos guitarristas han influenciado en el mejoramiento de los captadores de sonido y de los nuevos sistemas de vibrato y de afinación. Aunque nuevas corrientes musicales se impongan y nuevos instrumentos surjan la guitarra eléctrica seguirá siendo la “reina del rock”.

KLEIN GUITAR. Esta nueva fábrica alemana ha lanzado al mercado una nueva serie de guitarras de audaz diseño y con clavijero en la base en lugar de en el mástil. Es un fiel representante de las nuevas tendencias.

Ibanez JEM 7V. Ibanez es una fábrica japonesa que desde los años 60’s se ha dedicado a hacer “buenas copias” de las guitarras occidentales, pero no hay duda de que este modelo más cómodo y práctico, tiene su propio lugar, además de las 2 pastillas “humbucker” y 1 simple lo que le da una mayor posibilidad sonora, hay que resaltar su excelente acabado y la bella decoración del mástil.

Ibanez DTX 120. Esta guitarra de diseño totalmente diferente a las “superstrato” de moda en los 80 y 90, ha sabido sin embargo encontrar su lugar en el gusto de los nuevos guitarristas de rock. 81

LA ERA DEL ROCK

Buddy Holly & The Crickets

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“Buddy Holly ha sido el único rockero blanco original. Todos los otros han saqueado a los negros, incluso Elvis”. – Mick Jagger

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harles Hardin Holley nació el 7 de octubre de 1936, en una pequeña ciudad de Texas, llamada Lubbock, fundada por los cuaqueros, en donde podías encontrar una iglesia en cada esquina pero ni un solo bar. Buddy, desde los 13 años, ya era un músico reconocido en su pueblo y en las cercanías, cantando canciones de country, canciones vaqueras y un poco de R&B convenientemente solapado, en fiestas y bailes estudiantiles. Actuaba a dúo con su primo Bob Montgomery como “Buddy and Bob - Western and Bop”. Hacia 1953 incluyen al bajista Larry Welborn con quien tenían su propio programa radial en una pequeña estación de Lubbock.

Pero el verdadero inicio de su rápidisima carrera tuvo lugar hacia 1955, cuando actuaron de teloneros de Bill Haley & The Comets, y al día siguiente, de Elvis Presley, de quien ya era fanático desde que lo vió actuar un año antes, meses después de actuar con Elvis, Buddy declaró: “Sin Elvis, ninguno de nosotros sería lo que es”. Pero su actuación con Bill Haley tuvo un rápido efecto en el agente Eddie Crandall que viajaba en el Tour, quien remitió un telegrama a sus estudios en Nashville: “Haz que Buddy Holly grabe cuatro canciones originales en acetato, no cambies su estilo en lo más mínimo. Envíamenlas lo antes posible”. El error en la

transcripción del apellido se convertiría en su nombre artístico definitivo. El disco fue rechazado por Columbia, pero tuvo buena recepción en Decca Records, que le ofreció un contrato por cinco años. En la primera sesión, realizada en Nashville, Tennessee, en mayo de 1956, interpretó las cuatro canciones que le habían pedido y en su siguiente visita grabó la primera versión de una canción propia, “That’ll be the day”. En noviembre volvió para una tercera sesión, pero Decca consideró que ya era suficiente y como los resultados no eran los esperados, cancelaron el contrato. El poco entusiasmo despertado por Holly, se debió quizás al nerviosismo y a la poco tiempo de adaptación a los músicos del estudio. Poco después Buddy reclutó a sus amigos Jerry Allison como baterista y a Joe Mauldin al contrabajo, sumándose luego el guitarrista Niki Sullivan, se había conformado THE CRICKETS. Después de su ruptura con Decca, Buddy y Jerry fueron a una entrevista con el productor independiente Norman Petty en su nuevo estudio en Clovis, Nuevo México. En febrero de 1957 Buddy Holly and The Crickets graban una nueva versión de “That’ll be the day”, con nuevos arreglos y otro ritmo en el lado A, y “Looking for someone to love” como lado B. Tampoco esta versión agradó a las grandes disqueras, tan faltas de sentido artístico. RCA, Columbia, Roulette y Atlantic, rechazaron su lanzamiento comercial. Pero la confianza de Holly y el instinto de Petty lograron que el sello Brunswick (irónicamente perteneciente a Decca) lo lanzara como un favor personal. A los 5 meses “That’ll be the day” alcanzó el primer puesto en las listas norteamericanas convirtiéndose en un éxito millonario.

kets siguieron grabando con Brunswick y Buddy Holly en solitario para Coral, otra subsidiaria de Decca. En realidad siempre tocaban juntos pero por razones de contrato el nombre del grupo no figuraba. Esto permitió diversificar los estilos, Buddy era más sentimental en sus grabaciones en solitario y mas vibrantes en las de The Crickets. Una serie de éxitos se iban concretando: “Maybe Baby”, “Think it Over”, “Oh Boy”, y sobre todo “Peggy Sue” bautizada en honor a la novia de Jerry Allison y que de inmediato se convirtió en una “heroína” del Rock and Roll, cuyo complemento compu-

Con Norman Petty como su representante, productor y arreglista, The Cric83

LA ERA DEL ROCK

Buddy Holly improvisa unos acordes con Jerry Lee Lewis al piano, Don Everly y un amigo, durante la gira de las estrellas de Rock and Roll de 1958 por Australia.

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so Buddy poco después como “Peggy Sue Got Married”. En éstas canciones se puede escuchar el típico “hipo” que Buddy impuso y que rápidamente fue imitado a ambos lados del Atlántico. También en esa época pudo aparecer en todos los shows televisivos importantes del país, incluyendo el exitoso show de Ed Sullivan. Entre 1957 y 1958, Buddy Holly y The Crickets pudieron colocar 7 temas entre los 40 principales y gozaban de una popularidad equiparable a la del

mismo Elvis Presley con giras organizadas por Alan Freed y otros productores por todo el país. Especialmente en Gran Bretaña, donde realizó una gira triunfal en marzo de 1958, era considerado tanto o más popular que el “King”. A su regreso de Europa, se casa con María Elena Santiago, una mujer práctica y con un poco de experiencia en el campo de la producción musical. Ella le hizo ver las jugadas desleales de Norman Petty, al querer aparecer en los créditos como co-autor y su contrato por separado con los Crickets. muy dolido, Buddy se separa para siempre de Petty y de su grupo. Una nueva etapa de experimentación musical comienza, graba el hermoso tema “Raining in my heart” con una orquesta de cuerdas. En enero de 1959, Buddy se une a una gira de superestrellas con The Big Booper, Richie Valens, Dion and The Belmonts y Eddie Cochran, entre otros, para una serie de 24 conciertos llamado “Winter Dance Party”. Como viajaban en un viejo autobús, al llegar a Clear Lake, Holly anima a sus amigos, Big Booper, Richie Valens y Eddie Cochran a rentar una avioneta que los lleve a la siguiente

ciudad cómoda y rápidamente, Como no había suficiente lugar, Cochran queda fuera. A la una de la mañana, poco después de despegar, la avioneta se estrella en un campo cubierto de nieve, perecen todos sus ocupantes, incluído el piloto. Después de su muerte la popularidad y reputación de Buddy siguió creciendo. El sencillo “Raining in my heart” y “It doesn’t matter anymore”, se mantuvo en el primer puesto por 6 semanas. El resto es historia del comercio, como el lanzamiento de sus discos recopilatorios, temas inéditos y una serie de canciones y conciertos recordatorios y en homenaje a las estrellas desaparecidas. Paul McCartney fomentó la celebración de la semana de Buddy Holly y adquirió los derechos de todas sus canciones, lo que le vale una creciente fuente de ingresos. Menos materialista fue Don McLean, quien inspirado por Holly compusa la larga canción “American Pie” en la que evoca el triste suceso como el “día en que murió la música”. Buddy Holly, fue la primera estrella trágica del Rock and Roll; su prematura muerte a los 22 años, dejó trunca una carrera de imprevisibles consecuencias,

pero que en los 4 años que duró, marcó a fuego a miles de jóvenes e influyó notablemente en músicos adolescentes de la talla de John Lennon y Paul McCartney que formarían los Beatles o de Bryan May de Queen. Su personal estilo de cantar y de tocar su famosa Fender Stratocaster negra, que sólo los cantantes de Blues negro utilizaban, marcó pautas y mostró el camino. Además de introducir un cambio radical en la imagen del rockero, con sus gafas y buenos modales, que contribuyeron a modificar la opinión generalizada sobre el Rock and Roll y sus cultores. Buddy Holly y The Crickets han aportado a la música mucho más que imagen, sus experimentaciones en el estudio con las técnicas de grabación son validas aún hoy, además de crear el prototipo de banda de rock autosuficiente, desde su configuración de dos guitarras, bajo y batería, hasta la responsabilidad de ocuparse de todos los aspectos de su música, como la composición, arreglos y producción.

Tapa del disco de Don McLean “American Pie”, tema que hace un homenaje a Buddy Holly y a los inocentes comienzos del Rock and Roll.

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LA ERA DEL ROCK

Alan Freed

El discjockey que acuñó el Rock & Roll

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uchos historiadores del Rock se olvidan de incluir en sus galerías de héroes de esta música al hombre que no sólo hizo popular el nombre “rock and roll”, sino jugó un papel fundamental en la carrera de muchos artistas. Alan Freed era ingeniero mecánico y trombonista clásico, apasionado de Wagner, que producía un programa nocturno de música erudita para una radio de Cleveland, Ohio. Un día de visita en una tienda de discos quedó sorprendido de cómo los jóvenes bailaban al son de una música que consideraba ajena a su cultura, el Rhythm and Blues. “Quedé pensando toda la noche en esos saxofones de Red Prysock y Big Al Sears, y el piano de Ivory Joe Hunter. Entonces convencí al director de la emisora que me dejara transmitir, pasada la media noche, una fiestita de rock and roll.”

“Esta música de rock and roll incita a la juventud como los tambores de la selva, preparando a los guerreros para el combate” – Rev. John Carrol 86

Fue en 1951 que Freed utilizó este nuevo nombre, utilizado hacía tiempo por los negros de los guetos, para reemplazar el término Rhythm and Blues, que era considerado demasiado racista. Para junio surgió el “Moon Dog Show”, que después se llamaría “The Moon Dogs Rock and Roll Party.” La canción del programa era “Blues for Moon Dog”, de Todd Rhodes, en medio de la cual se podía escuchar al propio discjockey marcando el ritmo sobre su mesa. La repercusión del programa, que podía escucharse en casi todo el país, fue enorme. El número de emisoras que pasaban este tipo de música se triplicó y se multiplicaron como hongos las produc-

toras independientes, que exploraban el nuevo mercado. Paralelamente a su suceso radiofónico, Alan Freed se volvió uno de los principales promotores de bailes de los Estados Unidos. Organizando estas fiestas por todo el país, él le daba a la juventud lo que ésta quería y al mismo tiempo, involuntariamente, incurría en la hostilidad de los adultos y las autoridades, pues eran frecuentes los disturbios y peleas, principalmente por la falta de espacio para toda la concurrencia. Ya en 1952 fue acusado de vender 18.000 entradas para un baile en el Cleveland Arena, que tenía capacidad para 10.000 personas. Por otra parte, aunque no tenía nada que ver con los derechos civiles, él no itía la segregación racial en sus bailes (según sus críticos, con la intención de facturar más), lo que creaba serios problemas, sobre todo en los estados del sur. En sus años de oro, de 1954 a 1959, cuando ya tenía programas en estaciones de Nueva York, Alan Freed fue el principal ideólogo pop de la juventud norteamericana y acumuló un poder increíble. En cierta ocasión, en 1958, durante un show en el Boston Arena, la policía quizo suspender el espectáculo, Alan apareció iluminado por los reflectores y habló a la platea: “hey muchachos, la policía no quiere que se diviertan”, esto bastó para desencadenar un gran tumulto y a Freed se le acusó de incitar a la violencia. Hasta el cine, que en un momento se había encargado de desacreditar y ridiculizar esta nueva “onda”, se rindió ante el poder

económico. Alan Freed pasó a producir en serie, filmes en los cuales el principal actor era el Rock and Roll, destinados más a promocionar artistas que a exhibir verdaderos libretos. Gracias a estos filmes, la música pudo llegar a todo el mundo; las salas se llenaban de jóvenes ávidos de ver a sus artistas preferidos y a bailar sus éxitos. Alan participó de un puñado de estos filmes, como “Don’t Knock the Rock” y “Rock Around The Clock”, ambos de 1956 con Bill Halley, “Mister Rock and Roll” y “Rock, Rock, Rock” de 1957. En la película “Don’t Knock the Rock” se contaba la historia de un famoso cantante de rock que volvía a su ciudad natal y se enfrenta al alcalde quien consideraba esa música como una amenaza para la juventud. El discurso moralista del alcalde se perdía casi siempre entre las risas y bullas de la platea. La vida de Freed fue breve y agitada como el propio Rock and Roll. Un grave accidente en 1953 casi lo mató, en esa ocasión los médicos no le daban más de 10 años de vida. Rey de la radio en Nueva York, Alan Freed hacía los programas desde su mansión de 17 habitaciones en Stanford , Connecticut, en medio de una maraña de cables y conexiones que la estación instaló allí. La caida de Alan Freed sucedió en 1959, con el escándalo de las “coimas”. La verdad es que todo el episodio fue una suerte de caza de brujas musical, muy al estilo de los años 50. Varios discjockeys fueron acusados por recibir dinero y facilidades para hacer pasar en sus programas preferencialmente discos de uno u otro cantante o de esta o aquella discográfica. El todopoderoso “padre del rock and roll” fue el principal chivo expiatorio y murió pobre y desempleado a los 43 años en 1965, irónicamente en el momento en el que el rock volvía a revivir con Dylan, los Beatles y los Stones. Detrás del escándalo de las coimas, ha-

bia oscuros intereses tan diversos como la guerra entre las dos grandes sociedades de derechos autorales, la ASCAP y la BMI; la preocupación moralizante de los partidos políticos para el año electoral de 1960 y de algunos empresarios preocupados por la supremacía que empezaban a tener los nuevos “mass media”. Pero sobre todo, el escándalo vino a reforzar los argumentos de aquellas ligas de moralidad, que acusaban al rock de corromper a la juventud americana y de lavarles el cerebro con la repetición constante de los discos, desparramando el sonido del demonio en sus inocentes almas. La primera frontera pues fue detener a los discjockeys, que en masa comenzaron a bajar la cabeza, a prometer portarse bien y a destruir públicamente sus discos de Rock and Roll.

Alan Freed durante la filmación de “Go Johnny Go” acompañado de Chuck Berry y de Sandy Stewart. 87

LA ERA DEL ROCK

Sam Phillips

El creador del sonido más fundamental

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Sam Phillips fue creador de un sonido inconfundible y nunca igualado, el “sonido SUN”. Aquí aparece tras los controles en compañia de un trio que daría mucho que hablar: Elvis Presley, Bill Black y Scotty Moore.

tra figura fundamental, no solo para la difusión, sino en el propio proceso de creación del rock and roll fue Sam Cornelius Phillips. Nacido en 1923 en Florence, Alabama, desfiló como discjockey por varias estaciones sureñas antes de asentarse en Memphis, Tennessee. En 1952, cuando trabajaba para la WREC de Memphis, Sam Phillips decidió iniciar una pequeña grabadora para registrar el trabajo de cantantes negros del sur que pasaban por la ciudad y vender las matrices a otras compañías independientes más grandes, como la Chess de Chicago o la RPM de Los Angeles. Entre otros, en su SUN Records, instalada en un viejo taller de refacciones, grabó Howlin’ Wolf y B.B. King. Sam hacía lo que incontables otros pequeños productores venían haiendo desde los años 30 con los cantantes de Blues, utilizando a veces hasta cuartos de hotel como estudios improvisados. Las relaciones entre los cantantes y los produc-

tores eran muy informales. Estos pequeños empresarios invitaban a los cantantes, les daban algunas botellas de cerveza y decían: “canta un poco para tu enamorada” o “cantame algo para la Navidad”. Ellos afinaban un poco la guitarra, decían OK y hacían la canción en ese instante. La informalidad interesaba también a los cantantes de Blues, que acostumbraban grabar bajo diferentes nombres y así escapar de las cláusulas de exclusividad para “facturar un poquito más”, como el gran John Lee hooker que era “John Lee Hooker” para la Chess y De Luxe, “Texas Slim” para King y “Johnny Williams” para Gotham y Staff. Después de la Segunda Guerra Mundial brotaron muchas pequeñas compañías disqueras en los Estados Unidos, que utilizaban garajes como estudios y el maletero de sus autos como distribuidoras. Otro de sus negocios era grabar discos de demostración para artistas noveles. Fue esta actividad secundaria, practicada también por Phillips, a través de su Memphis Recording Service, que llevó al descubrimiento de Elvis Presley. Sam Phillips grabaría a casi todas las primeras estrellas del naciente rock and roll, incluyendo a Elvis, Carl Perkins, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, Roy Orbison y a cientos de artistas Country. El sello SUN pasó a ser mitológico, en su pequeño estudio se dió forma a un sonido único, casi épico. Quizás fuera la acústica, los aplausos de Sam y su ayudante o algo de “magia” en los controles, pero lo cierto es que ni con las modernas tecnologías han podido imitar ese “sonido Sun”. Por todo esto el rock and roll le debe a Sam Phillips un lugar privilegiado en su historia.

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Johnny Cash

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ació en Kingsland, Arkansas en 1932, pertenece a la “Clase 55”, que creó el Rockabilly, pero es legendario por sus éxitos en el Country. Como emérito miembro del Country Music Hall of Fame y del Rock & Roll Hall of Fame, ganador del Grammy Legend Award, por su larga carrera y más de 150 hits en los charts, Johnny Cash es el gran Abuelo de Nashville. Este hijo de Arkansas, creció en una familia muy pobre (uno de sus hermanos murió de desnutrición infantil), fue al ejército y trabajó de vendedor antes de ser famoso. En 1955 con firmes esperanzas en una carrera como cantante gospel que lo sacaría de los problemas económicos, se dirige a los estudios de Sam Phillips con su guitarrista y bajista para conseguir un contrato de grabación. Al principio Sam no le gusta lo que oye, muy convencional para su gusto, hasta que Cash gasta su último cartucho y empieza “I hear a train coming, is rolling down the bend... I shot a man in Reno, just to watch him die...” eran las tonadas de “Folsom Prison Blues” una composición propia que había escrito en el ejército. Esta sombría y rara mezcla entre blues y country nunca antes escuchado, despierta el agudo sentido de Phillips para hallar estrellas y firma con Johhny Cash. Graba “Ballad of a teenage queen” (su primer nº1), “Folsom Prison Blues”, “I Walk the Line,” “Guess Things Happen That Way,” “Get Rhythm” y otros éxitos que rápidamente establecieron a Cash como estrella del Pop y del Country igualmente. Y a mediados de los 60 “Ring of

fire” y “A boy named Sue” fueron éxitos en los pop charts como los más vendidos ya con Columbia Records. Empieza una serie de giras exitosas y agotadoras en compañía de otras estrellas de SUN Records como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins y otros. Se aleja cada vez más de su esposa y de la fidelidad, las presiones del éxito y viejos problemas con su padre lo hacen caer en el alcohol y las drogas. En ese trajín conoce a la cantante y humorista June Carter de quien se enamoraría perdidamente. A mediados de los 60, su carrera y su primer matrimonio, empezó a decaer. Luego de su divorcio se vuelve a casar en 1968 con June Carter, quien fue de gran ayuda para salir de sus adicciones y volverse a la Biblia. Con su nueva esposa empieza a actuar nuevamente y hasta dirigir un show televisivo para la ABC;

Johnny Cash es una de las pocas personas en el mundo de la música en vender más de 50 millones de discos. Ha llegado a colocar, por lo menos dos simples en los charts de Country durante 38 años consecutivos y 25 hits entre 1958 y 1960.

“Puedo decir que estoy orgulloso de haber trabajado con Johnny Cash. La primera vez que lo vi entrar al estudio para grabar con nosotros, vi una figura casi bíblica, era como si Moisés entrara en ese momento, todo ese aire del oeste con sus aullidos de coyote y trenes atravezando las praderas, es un hombre inigualable.” –The Edge (U2) 89

LA ERA DEL ROCK

“He aprendido que no hay ninguna valla donde sentarse entre el cielo y el infierno. Hay un profundo y ancho abismo, y ese abismo, no es lugar para ningún hombre” –Johnny Cash

Johnny Cash recuperado de sus adicciones, dirigió el show de 1969 a 1971, allí, gracias a su amistad con ellos llegó a presentar a Bob Dylan, Stevie Wonder, Linda Ronstadt, Ray Charles, Neil Young, James Taylor, Neil Diamond, Joni Mitchell, Kenny Rogers, Roy Orbison, Hank Williams Jr., Dennis Hopper, Patti Page y otros, que raras veces volvieron a aparecer en TV desde entonces. “A boy named Sue” llegó al número 1 en los charts norteamericanos en 1969. Año en el que grabó a dúo con su compañero de sello (Columbia) Bob Dylan “Girl from the north country”, lo que le dió nuevamente destaque en el ambiente musical, ese año también gana 2 Grammys por su album en vivo “Johnny Cash Live at Folsom Prison” y llegó a vender más discos en los Estados Unidos que los Beatles. Durante los 70 y parte de los 80 tuvo una modesta carrera cinematográfica, apareció en varias series de TV y siguió grabando docenas de álbunes seculares y espirituales. En 1985, Cash se reunió con sus ex-compañeros de sello, Jerry Lee Lewis y Carl Perkins, para recrear el viejo “Million Dollar Quartet” (con Roy Orbison, reemplazando a Elvis) en una serie de giras nacionales llamada “Class of 55”, grabaron sus temas en el también viejo estudio de SUN y ganó un Grammy por este disco en 1987. Con más de sesenta años el “hombre de negro” como se le apoda, sigue siendo una luminaria. Sus hijas Rossane Cash y Carlene Carter, siguieron a su padre en el estrellato del Country-Rock. En 1992 es inroducido al Rock and Roll Hall of Fame, y en 1993 contribuyó con su voz al album Zooropa de U2. En 1994 graba American Recordings incluyendo a cantates como Tom Waits, Leonard Cohen, Nick Lowe y Glenn Danzig. El primer simple, “Delia’s Gone,” es respaldado por un video presentando a la

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extraordinaria Kate Moss, introduciendo a Cash a la generación de MTV. El álbum recibió un Grammy por Mejor Album de Folk Contemporáneo y recibió una oferta para aparecer en el más sagrado bastión de la música alternativa, el Lollapalooza. Su álbum de 1996, “Unchained”, incluye covers de canciones de Soundgarden y Beck, y tiene de grupo invitado a Tom Petty and the Heartbreakers. En otro aspecto menos comercial, a participado como co-escritor y productor de la película JESUS filmada totalmente en Israel, es una de las películas religiosas más solicitadas y traducida a más idiomas. Durante toda su carrera ha actuado en lugares que nunca ha ido otro cantante Country, miles de fans en Japón, Australia, Nueva Zelanda y a través de Europa han visto The Johnny Cash Show. Actuó en Vietnam y gracias al Departamento de Estado de su país hizo conciertos en muchos países de Europa del Este como Hungría, Polonia y Checoslovaquia.

Jerry Lee Lewis “The Killer”

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erry Lee Lewis nació en Ferriday, Louisiana, en 1935, es el rocker blanco por excelencia, pese a surgir inmediatamente después que Elvis Presley y con sus mismos orígenes y antecedentes. Hijo de una humilde familia en la que el padre trabajaba de carpintero, Jerry estudió en el Bible Institute de Waxahatchie, Texas, y tuvo su iniciación musical en la iglesia, aprendiendo a tocar el piano, la guitarra, el violín y el acordeón, demostrando un talento innato para la música. Su debut semi-profesional se produjo a los catorce años, cuando comenzó a actuar en una localidad cercana a su casa. Los fines de semana, su padre cargaba el piano en la camioneta y llevaba a su hijo para sus presentaciones. En la radio y en un club llamado Blue Cat consiguió afianzar su incipiente calidad. Aunque hacía buen country, su pasión era el blues y el R&B, que solía escuchar cuando se escapaba para ir a un club de negros en las afueras de su localidad, pero desde temprana edad sus padres le habían inculcado una profunda fe bautista, lo que provocaba una fuerte dicotomía y chocaba con sus gustos en lo que era considerada “la música del diablo”.

demasiado country and western, no impresionó a Sam Phillips. Elvis Presley era ya número 1 en Estados Unidos y lo que imperaba era el rock and roll. Jerry Lee Lewis, no perdió, sin embargo, su oportunidad. Su facilidad para adaptar cualquier estilo o canción a su propia concepción musical hizo que a los pocos dias volviera a Sun con la idea del rock and roll

Cantando y trabajando en cualquier ocupación, su oportunidad del éxito se presenta en 1955, cuando lee un anuncio de una editora de Memphis llamada Sun Records, que acababa de vender el contrato de Elvis Presley a RCA y tenía dinero para invertir en nuevas estrellas, buscaba sangre joven. Jerry se presentó en Memphis e hizo una prueba. Su estilo, 91

LA ERA DEL ROCK

el asunto no fue tomado tan en serio en su país, cuando estaba realizando su primera gira por Inglaterra en 1958, los periódicos británicos gritaban escandalizados que «se había casado con su prima de 13 años», además Jerry se había olvidado de un pequeño detalle, divorciarse de su segunda esposa. La reacción del público no se hizo esperar y boicotearon sus presentaciones. Tuvo que regresar, dejando su gira inconclusa y en Estados Unidos no pudo ya hacer nada. Sus discos dejaron de radiarse y su nombre quedó enterrado durante tres años.

Su particular estilo al piano y sus ocurrencias en escena, como el de incendiar el piano y seguir tocando, lanzar el taburete de una patada, o subirse arruiba del piano, le valió el apodo de “The Killer”. A pesar de su infortunada suerte, sigue siendo una leyenda viva, recordado como uno de los más salvajes y facinantes héroes del Rock and Roll.

asimilada por completo. Su primer disco fue “Crazy Arms”, en 1956. Su gran momento comenzó en 1957 con “Whole lotta shakin'goin'on”, que fue su primer disco de oro, y se consolidó ese mismo año con “Great Balls of Fire”, uno de los temas de la película “Jamboree”, la primera en la que intervino, y a la que siguió “High School Confidential” en 1958. Para entonces ya era conocido como “The Killer” y su éxito le valió la aparición en diversos shows televisivos. En ese mismo año, Jerry, en la cúspide de su fama, tropezó con los restos del odio general desarrollados contra el rock and roll. Las canciones “Down the Line”, “Breathless” y “High School Confidential” le colocaron en la cumbre, pero su vida privada le llevó a la autodestrucción. Jerry Lee Lewis contrajo matrimonio con una prima lejana suya, Myra, que tenía sólo catorce años. La prensa sensacionalista no dejó pasar la oportunidad. El rock and roll era aún considerado salvaje, de mal gusto, y acusado de contener fuertes connotaciones sexuales. Aunque 92

Jerry Lee Lewis desapareció del “boom” del rock and roll, pero no de la música, porque era uno de los grandes e inamovibles del género y de la historia. Durante los años 60 firmó con el sello Smash, rama country de la potente Mercury, y mantuvo su prestigio, aunque ya no llegara a las listas de éxitos. Con el revival del rock and roll a comienzos de los 70, gozó de una merecida fama en la que su obra básica volvió a reeditarse y su nombre fue reivindicado. Curiosamente, a lo largo de los 70, Jerry siguió haciendo country en Estados Unidos, mientras en todo el mundo aparecía como pionero del genuino rock and roll. En el 2005 recibe un Grammy honorífico por su carrera.

Carl Perkins

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n cualquier otra circunstancia histórica, y a pesar de existir un líder nato en el rock and roll como era Elvis Presley, Carl Perkins hubiera sido el segundo gran triunfador del movimiento. Sin embargo, Elvis era único y demasiado grande, y Carl Perkins, uno de los más genuinos autores de rock and roll, se enfrentó con ello y de forma paralela con la adversidad, que contribuyó a apartarle de la senda del éxito aunque no del reconocimiento histórico del que ha gozado. Carl Perkins nace en el seno de una familia muy pobre de Tennessee, una gota blanca en tierra de plantaciones cultivadas por los negros. Su raíz blanca se fusiona sólidamente con la cultura musical negra. A finales de la primera mitad de los 40 la familia Perkins consigue emigrar a la ciudad de Jackson, donde las cosas les irán mejor. En Jackson, Carl y sus dos hermanos comienzan a cantar y actuar en bares. En los años siguientes Carl conseguirá su primer equipo musical y perfilará sus dotes de cantante de country. Cuando en la primera mitad de los 50 el country and western sufre la expansión rítmica que unida al rhythm and blues dará paso al rock and roll, Carl es ya uno de los pioneros. En 1955 Perkins descubre a Elvis Presley, que acaba de editar sus primeros singles en Sun Records, y se pone en o con la editora, afirmando que

Carl Perkins fue creador de temas ya clásicos del Rock and Roll como “Blue Suede Shoes”, “Every trying to be my baby”, “Honey Don’t”, “Matchbox” o “Pink Pedal Pushers”, temas que fueron repertorio en las primeras grabaciones de los Beatles y de otros grupos ingleses de los 60. 93

LA ERA DEL ROCK

es mejor que Elvis y que además compone. Sam Phillips le dará una oportunidad, pero no para hacer rock ya que para eso tiene a Presley. Los primeros discos de Carl en Sun serán de country. Sólo cuando Elvis se marche a RCA a finales de 1955, Carl tendrá vía libre para hacer rock and roll al estilo Sun, es decir, genuino rockabilly. El 19 de diciembre de ese mismo año Carl Perkins edita “Blue Suede Shoes”. Esta canción es uno de los grandes clásicos del rock and roll. Carl Perkins supo captar lo que cualquiera puede considerar superfluo en el mundo de la gente joven. La canción tuvo una acogida sensacional, disparándose en las listas de éxitos. El 21 de marzo de 1956 Carl y sus hermanos viajan a Nueva York en coche para actuar en el Ed Sullivan Show y obtener, así, el respaldo y el lanzamiento definitivo, pero en la ciudad de Wilmington sufren un accidente. Carl, con el cuerpo destrozado, logró salvarse, pero su hermano mayor moría dos años más tarde a causa de las heridas. Durante su convalecencia, Elvis Presley grabó “Blue Suede Shoes” y le robó el éxito a la versión original de Perkins. Cuando éste se recobró física aunque no anímicamente, del accidente, era una sombra de sí mismo. En esta foto histórica aparecen Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Johnny Cash y Elvis Presley al piano, coincidieron una tarde en el estudio SUN y comenzaron una célebre “jam” cantando temas gospel y countrys. Todo se registró en una grabación que salió a la luz muchos años después como “The Million Dollar Quartet”, de gran valor para los coleccionistas y fanáticos.

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Sus grabaciones de mayor éxito no pasaron de un puesto mediocre en los rankings, como “Boppin’ the blues” en 1956; “Your true love”, en 1957; “Pink pedal pushers”, en 1958; y “Pointed toe shoes”, en 1959. Las dos primeras las grabó aún en Sun y las dos siguientes en Columbia. A comienzos de los 60 Carl Perkins se retiraba, fracasado. El pop se encargara de reivindicarle. Su estilo a la guitarra, pionero del rockabilly, seria imitado por muchos artistas y músicos, como George Harrison y Eric Clapton, quienes pusieron de manifiesto su importancia y trascendencia. Los Beatles, grabando varios de sus temas, acabaron por perfilar su leyenda. En 1965 Carl volvió a Inglaterra para actuar y retirarse de nuevo en 1966 debido a una herida en un pie producida mientras cazaba. Este mismo año Johnny Cash, otro de los héroes surgidos de Sun Records, le ofrecía el puesto de guitarra en su grupo, y Perkins lo aceptaba para

seguir vinculado a la música. Durante años siguió actuando oscuramente en la banda de Cash, interpretando alguna de sus canciones, hasta que a comienzos de la década de los 70 el revival del rock and roll le recuperaría individualmente, grabando en solitario aunque sin éxito, pero ya elevado a la categoría de gigante del rock and roll. Hacia los 80 graba algunos temas con Paul McCartney y aparece en conciertos junto a George Harrison y Ringo Starr. En 1987 se une en una exitosa gira llamada “Class of 55” con Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison. Muere por complicaciones cardiacas en 1998 a los 65 años.

A pesar del escaso éxito comercial, Carl Perkins siguió explotando su leyenda, actuando con sus viejos compañeros o apareciendo con otras estrellas del rock. 95

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The Everly Brothers

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l estilo de los Everly Brothers dentro del rock and roll había de ser uno de los puentes hacia el pop de los años 60. En la historia de la música hay pocos casos tan fundamentales como el de su carisma y estilo, de forma que muchos conjuntos pop de la década de los 60 les imitaron, y en sus comienzos, Simon and Garfunkel no fueron más que una mera copia de los Everly Brothers originales. Sus armonías vocales inspiraron las de los Beatles y su categoría y sus grandes éxitos han rebasado el tiempo en que fueron encuadrados para convertirse en un patrimonio de la historia del rock. Don (Donald Isaac, 1-2-37, Brownie, Kentucky) y Phil Everly (19-1 -39, Brownie, Kentucky) eran hijos de una

conocida pareja de cantantes country, Ike and Margaret Everly. A los 6 y 8 años de edad respectivamente, debutaron ya en escena junto a sus padres, participando en muchas de sus actuaciones hasta que su ingreso en la escuela superior y el retiro de sus progenitores acabó con estos inicios prometedores. En los años 50, Don y Phil Everly se trasladaron a Nashville, y en 1956 graban su primer single, “Keep a lovin'me”, para la CBS bajo auspicio de Chet Atkins. Sin embargo, su carrera comenzará de veras en 1957 cuando Wesley Rose, uno de los editores más importantes de Nashville, se convierte en su manager y les presenta a Felice y Boudleaux Bryant, un matrimonio de autores que hallará en los Everly la voz ideal para sus canciones juveniles. Don y Phil, que se había mudado a Tennessee con sus padres, firman por el sello Cadence, y aquel mismo año de 1957 aparecen los dos primeros singles suyos que se convierten en dos hits sensacionales, Bye bye love (que fue nº 2) y Wake up little Susie (que fue nº 1). Las canciones de los Bryant y las voces de los Everly Brothers pasarán a ser uno de los grandes sucesos del rock and roll hasta comienzos de los años 60. Las estupendas melodías, armonías y la amalgama de elementos rock, country, folk y pop hacían de la música de los Everly Brothers toda una deliciosa sensación sónica que arrasaba en las listas de todo el mundo. Grupos como los Beatles, Hollies, Peter & Gordon o Simon & Garfunkel se verían fuertemente influenciados por el estilo de los famosos hermanos.

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Hasta su entrada a la marina en 1960, el dúo mantendrá una fulgurante linea de éxitos: “Wake up, little susie”, otro tema compuesto por los esposos Bryant; “All I have to do is dream” (nº 1 en Inglaterra), escrito en solitario por Boudleaux, al igual que “Bird Dog” y “Problems” (nº 2 en USA) en 1958 y “Devoted to you”. Don Everly presentó el tema “(‘Til) I Kissed You” en 1959, maravillosa canción con un sonido límpido y cadencioso, como todo lo realizado por el dúo, que contaba con el apoyo instrumental del gran Chet Atkins y de otros importantes músicos como Ray Edenton, Floyd Cramer, Buddy Harmon, Lightnin’ Chance o Hank Garland y el trabajo de producción de Archie Bleyer. Luego vendrían “Cathy’s clown” (nº 1 en USA y en Inglaterra) compuesto por ellos, “Let it be me”, “When will I be loved“ y “Like strangers” a comienzos de 1960 que seguían engrosando el espléndido catálogo de canciones del dúo, auténticos ídolos de masas de la época. Mientras cumplen su servicio militar en la marina americana, firman con Warner Brothers, pero su carrera comenzará

a descender a pesar de ciertos éxitos y el agotamiento físico y mental de los hermanos, que se volvieron consumidores de estupefacientes, en especial su principal compositor Don Everly, que estuvo a punto de morir de sobredosis a comienzos de los años 60. Su segunda etapa de éxitos se abre con “Lucille/So sad” en 1960 y sigue con “Walk right back/ Ebony Eyes” (nº 1 en Inglaterra), “Temptation” (nº 1 en Inglaterra) y “Don’t blame me”, en 1961; “Crying in the rain”, “That’s old fashioned”, “How can meet her” y “No one can make my sunshine smile”, en 1962 y “The Price of Love” (nº 1 en Inglaterra en 1965). Su culto en las Islas Británicas se vio cristalizado con el álbum “Two Yanks in England” (1966), un Lp que contenía nada más y nada menos que ocho composiciones de los de los Hollies (grandes fans de los Everly), entre ellos “So Lonely”, “Sings that will never change”, “Have you ever loved somebody” o “Like every time before”. Muy buenos Lps posteriores como “Roots” (1968), un disco de countryrock o “Stories we could tell” (1972), disco producido por Paul Rothchild que contó con la colaboración de gente como Ry Cooder, Graham Nash, David Crosby o John Sebastian, no conseguieron el éxito merecido y los Everly Brothers, que acumulaban tensiones internas decidieron separarse de forma poco amigable en 1973. Don alcanzó a entrar en los charts nuevamente en 1983 con “She means nothing to me”, a dúo con Cliff Richard. Se unió a su hermano nuevamente para una gira mundial en 1984. Son parte del Rock and Roll Hall of Fame desde 1986.

No fueron meramente una copia elegante de los rockers salvajes, ni una simple creación de la industria, los Everly Brothers han sido creadores de un estilo que ha sido imitado hasta el cansancio y su gran éxito no se debió simplemente al caprichoso gusto de la juventud. Su influencia se hizo sentir en grupos como The Beatles, Beach Boys, The Byrds, The Mamas and the Papas y por supuesto Simon & Garfunkel.

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Eddie Cochran

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dward Ray Cochrane nació el 3 de octubre de 1938 en Oklahoma City, es en la historia del rock and roll la segunda víctima mortal que entró en la leyenda de los grandes que dieron forma a un modo de vida y a un sonido y que no pudieron llegar a recoger la gloria que les correspondía. Eddie vivió hasta los once años en Albert Lea, en Minnesota, a donde su familia se

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había trasladado poco después de nacer. Es el menor de cinco hijos y como otros ídolos del Rock, Eddie siente pronto la afición por la música, que sus padres deciden potenciar regalándole su primera guitarra cuando cumple diez años. Cuando Eddie contaba 13 años, su familia se instaló definitivamente en Bell Gardens, California. Por entonces Eddie, era ya un notable guitarrista, y en 1954, después de debutar en el grupo Connie Guybo Smith, actuó primero como músico de un cantante llamado Hank Cochran (pese al apellido no existía el menor parentesco entre ellos) y se integra en su banda de country & Western como guitarrista. El grupo toca por las fiestas y los bailes de la comarca y Hank se da pronto cuenta que tiene Eddie tiene una conexión especial con el público, lo que motiva que la banda sea bautizada como The Cochran Brothers. En 1955, Eddie conoce en una tienda de música al que será su compañero inseparable: Jerry Capehart. Jerry es un célebre compositor y letrista de canciones. Gracias a su conocimiento del mundillo musical, consigue que los Cochran Brothers graben dos temas (“Guilty conscience” y “MF. Fiddle”) en una pequeña compañía de Hollywood, la EKKO. Después de ver un concierto de Elvis en Dallas, los Cochran Brothers, acompañados por Capehart, un pianista y un batería, graban dos temas Rockabilly: “Tired & sleepy” y “Fool´s paradise” y tras él, Eddie grabó en solitario el single “Skinny Jim”, en 1955. Esto va a pro-

vocar la separación del grupo: Eddie se decide por el Rock and Roll y Hank por el Country, yéndose a Nashville. Capehart se convirtió en coautor de las canciones y en manager de Eddie. A finales de 1956 firmó por Liberty Records y a los pocos meses (abril de 1957) aparece su primer single, con “Twenty flight Rock” en el lado A y “Dark lonely street” en el B. Este sencillo, sin ser un exitazo, tiene una buena acogida, lo que hace que Eddie sea contratado para aparecer en la pelicula “The girl can’t help it”, junto a otros artistas como Little Richard, Fats Domino y Gene Vincent. El siguiente single (junio de 1957), con “Sittin’ in the balcony” y “Completely sweet”, es el que lanza definitivamente a Eddie Cochran. El disco se convierte en single de oro, pero también recibe alguna crítica dura que señala a Eddie como una copia de Elvis fabricada por la Liberty. En los meses que siguen, Eddie sale en televisión y no para de hacer conciertos. Es incluido en la gira del “Biggest show of stars for ’57”, junto a Buddy Holly (que se convierte en amigo íntimo), Chuck Berry y los Everly Brothers. Pero la fama es huidiza y Eddie ve cómo su popularidad empieza a descender. El gran éxito de Cochran se produjo finalmente en 1958 con el tema “Summertime blues”, uno de los temas clásicos de la historia del rock and roll, al que siguió a finales de año otro clásico “C’mon everybody”. Convertido en una figura estelar de la nueva música, los siguientes discos de Eddie demostraron su fuerza: “Weekend something else” y “Hallelujah I love her so”. Su renombre le llevó a participar en los shows de Alan Freed y en nuevas películas “Untamed youth” y “Go Johnny go”. En 1960 Cochran y Gene Vincent, más populares en Inglaterra que en Estados Unidos, se hallaban en gira por Gran Bretaña. El 16 de abril actuaban en el hipódromo de Bristol y el dia 17 el coche en el

que viajaban ambos se estrelló. Vincent se salvó milagrosamente, pero Cochran murió en el accidente. Al mes siguiente, su tema “Three steps to heaven” era número 1 en Inglaterra y el público ve su última película, “Bop girl”. Durante los años siguientes, dada su popularidad, se creó en Inglaterra el Eddie Cochran Memorial Society, mientras en Estados Unidos su memoria llegó casi a desaparecer. Durante los 60, su tema “Summertime Blues” volvió a ser un éxito interpretado por los Who, los Blue Cheer y otros artistas.

Eddie con su inseparable Grestch anaranjada; alcanzó la fama con el tema que sería su carta de presentación y un clásico absoluto del Rock and Roll: Summertimes Blues. Aquí aparece en la película “The Girl Can’t Help It.”

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Gene Vincent

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he Catman (El Hombre Gato); el gato salvaje de Norfolk. Gene Vincent fue, junto a Eddie Cochran, uno de los rockeros más salvajes del universo del Rock & Roll. Las chicas se derretían por el físico de Elvis, pero los Rockers idolatraban a Vincent y a Cochran. Gene Vincent fue pionero en usar el cuero negro como elemento distintivo de su imagen, lo que también le valió el apodo de Príncipe Negro. Otros, por su parte, se referían a él como un Hamlet de cuero negro, por su imagen de atormentado, algo que estaba muy de moda en el cine de aquella época con tipos como James Dean o Marlon Brando. Y tenía motivos para atormentarse, porque lo cierto es que a Gene Vincent la vida le fue dando muy duro hasta el final de su vida. Eugene Vincent Craddock (112-35, Norfolk, Virginia) era hijo de una humilde familia sin recursos. Alistado en la marina a los diecisiete años (en Norfolk se ubica una de las principales bases estadounidenses), participó en la contienda de Corea. Trabajando en la base en 1955 tuvo un grave accidente, por el cual estuvieron a punto de amputarle una pierna. Aunque no fue al final necesario hacerlo, la pierna se le quedó rígida para siempre. El accidente sería capitalizado después por la publicidad discográfica, diciendo que era una herida de guerra. 100

Entre finales de 1955, ya restablecido, y comienzos de 1956, Gene Vincent actúa con asiduidad en las estaciones de radio de Norfolk, cantando temas country, y en la WCMS es descubierto por un disc-jockey llamado Tex Davis apodado «The Sheriff». Por entonces la industria discográfica buscaba ya nuevos Presley , y cuando unas maquetas de Davis y Vincent son recibidas por la Capitol en Hollywood, Gene es rápidamente contratado. Esto sucedía en 1957, cuando Gene cantaba ya regularmente acompañado de su propio grupo, los Blue Caps con Cliff

Gallup (guitarra solista), Willie Williams (guitarra), Jack Neal (bajo) y Dickie Harrell (batería). El 4 de mayo de 1957 Gene y los Blue Caps graban Woman love / Be-bop-alula. Capitol edita el single con Woman love en el lado A, por considerarla más comercial, pero poco después un discjockey de Baltimore comenzó a tocar el lado B, y Be-bop-a-lula se convirtió en una de las más brillantes canciones de la historia del rock & roll. Su siguiente single, Blue jean bop, fue otro hit, y a este siguieron Little lover, Maybellene, Race with the devil, She she little Sheila, Lotta lovin’ y Yes I love you baby. Los Blue Caps estaban formados por Harrell (único superviviente de la banda anterior), Paul Peek, Tommy Facenda, Bobby Lee Jones y el brillante guitarra Johnny Meeks. Diversos problemas acabaron con el esplendor de Vincent, entre ellos el hecho de que su mal carácter le indispusiera con la prensa, radio y TV. Vetado por no avenirse al juego de la promoción, y con

Capitol no dispuesta a respaldarle, en 1959 Gene pasó al olvido. Su aspecto poco agraciado y la rigidez de su pierna, unido a su adicción al alcohol contribuyeron también a eclipsarle cuando el rock and roll se vistió de chicos guapos siguiendo la moda impuesta por Hollywood. Emigró a Inglaterra en 1959 y su aureola de rebelde se incrementó cuando se salvó milagrosamente en el accidente en que perdió la vida su amigo Eddie Cochran en 1960 en Londres. Apenas sí tuvo éxitos destacados en su etapa británica, pero fue una de las más populares figuras de la primera mitad de los 60. Su leyenda volvió a la luz pública al actuar con Jerry Lee Lewis, Little Richard y Bo Diddley en Toronto, Canadá, en los comienzos del revival del rock and roll de los años 70, pero los problemas minaban su salud y moría repentinamente de hemorragia inaterna en el Inter-Valley Community Hospital de Newhall, California, el 12 de octubre de 1971.

En Inglaterra Gene Vincent era más apreciado que el propio Elvis, ya que su figura rebelde nunca se apartó de él. Aquí aparece con los jovencísimos John Lennon y Paul McCartney que iraban su estilo rebelde y sus trajes de cuero negro, como decían en ese entonces “queremos ser cuatro Gene Vincents.”

Gene & Eddie, el tristemente célebre dúo del rock and roll que shockeó al Imperio en una de sus últimas presentaciones en Londres. 101

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Ritchie Valens

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Ritchie Valens abrió camino e influenció a talentosos jóvenes mexicanos y más adelante de otros países latinoamericanos para que incursionaran en éste género hasta entonces dominado por Estados Unidos e Inglaterra. 102

urante años Valens fué considerado como un músico acompañante de Buddy Holly el día fatal del accidente que mató la música. Pero gracias al estreno de la película LA BAMBA en 1987, protagonizada por Lou Diamond Phillips, ayudó a reconsiderar ese error y reconocer la influencia de Valens, cuyo aporte al rock and roll fue el vivo ejemplo de la explosión internacional del rock. Richard Steve Valenzuela nació en Los Angeles, California el 13 de mayo de 1941, hijo de un indio y una mexicana abrazó la música desde muy joven, como único escape a la pobreza en que vivía su familia. Cuando sus padres se divorciaron vivió con su madre, donde sus parientes le hicieron apreciar la música tradicional de México, que combinados con las canciones vaqueras de Roy Rogers o Gene Autry y el Rock and Roll que ya empezaba a sonar con fuerza, le impulsaron a querer dedicarse a la música. Con once años se fabrica una guitarra eléctrica, que utilizará hasta que compra una Fender Stratocaster. En el año 1957, entra en The Silhouettes, grupo de Blues y Rock and Roll, donde por su dedicación llegó a ser el líder. Esto llamó la atención de Bob Keene, dueño del sello Del-Fi, para quien Valens tocó y grabó el que sería su primer éxito, “Come on, Let’s Go”. A partir de aquí comenzó su meteórico pero efímero ascenso a la fama. En 9 meses llenó salas de concierto en los E.U. y Australia, apariciones en TV y en filmes de rock, como “Go Johnny Go” junto a Chuck Berry y Alan Freed. En diciembre de 1958, la canción Don-

na, que había dedicado a su compañera de secundaria, llegaba al número 2 de las listas de éxito superando a la cara B del mismo single donde estaba La Bamba, un clásico del folklore mexicano. Esta canción que llegó al número 22, sin duda por estar cantada en español, sería sin embargo su más recordado éxito. Luego de esto, se une a la gira “Winter Dance Party”. Buddy Holly y dos de los músicos de su grupo (Waylong Jennings y Tommy Allsup) además del cantante Big Booper, alquilan una avioneta para viajar más rápido. Poco después de despegar, la avioneta se estrella el 3 de febrero de 1959 en Clear Lake y fallecen todos sus ocupantes, Richie solo tenía 17 años. Su primer LP, “Ritchie Valens” se convierte en un éxito. Valens no llegó a saborear el éxito obtenido por su temprana desaparición, pero su obra es de capital importancia e influencia en el rock hispano de los años 60.

Connie Francis

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na de las voces más populares en el ámbito juvenil entre 1958 y comienzos de los 60 y quizá la única que supo mantenerse sin la ayuda del cine o sin haber destacado previamente en la pantalla, ya que la primera película en la que participó fue “Where the boys are” recién en 1961. Connie (Concetta Franconero, 1212-38, Newark, New Jersey) comenzó a interesarse por la música siendo niña, estudiando en la Newark Arts High School y en la Belleville High School. Graduada en teoría y orquestación en la primera, compuso sus primeras obras y canciones en la segunda. A los once años ya había debutado en público actuando en el programa de TV Startime, del cual formó parte posteriormente. Poco después de aparecer en el sello Startime, le fue solicitado cambiar su apellido de Franconero por algo más fácil de pronunciar para los estadounidenses. También se le pidió dejar de lado la ejecución del acordeón y dedicarse exclusivamente al canto. El primer sencillo de Connie fue “Freddy” (1955). Su éxito entonces fue escaso y sus siguientes nueve sencillos pasaron desapercibidos. Por esa razón iba a dejar la música para estudiar medicina. Sin embargo, su versión de “Who’s Sorry Now?”, un tema bastante popular en la década de 1920, le valió el estrellato mundial. El sencillo fue puesto en el mercado a principios de 1958. La grabación la hizo Francis en la que fue una de las sesiones finales para el sello MGM, pues la disquera estaba a punto de terminar su contrato con ella debido a su poco éxito hasta entonces.

Afirmaría después que la grabación la completó instada por su padre, quien insistió en que, pese a ser aquel un tema con algunas décadas de antigüedad, con ciertos arreglos nuevos podría agradar a la juventud de esa época. La canción llegó al primer lugar en las listas de po-

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pularidad musical en el Reino Unido y al cuarto en las de Estados Unidos. En el año 2000 dicho tema fue nombrado “Canción del Siglo”. En enero de 1958 debutó en show de Dick Clark, el ya legendario American Bandstand. Para ese entonces ya había vendido más de un millón de copias. “Who’s Sorry Now?” fue seguido por una toda una cadena de hits musicales en la siguiente década, los cuales convirtieron a Connie en una de las artistas más famosas de su época. Buena parte de su repertorio la conformaban baladas románticas tradicionales. Pero también tuvieron éxito sus interpretaciones rockeras: “Stupid Cupid”, “Lipstick in Your Collar” y “Vacation”. Entre otras notables interpretaciones destaca una dedicada al presidente John Fitzgerald Kennedy, llamada “In the Summer of His Years”. “Strangers in the Night” es otro de los temas inmortalizados en la voz de Connie, aunque la posteridad se la llevó la versión de Frank Sinatra. Las dos canciones: “Everybody’s Somebody’s Fool” y “My Heart Has a Mind of It’s Own” se

La voz de Connie Francis era demasiado buena para encasillarse en un solo estilo, por lo que le imprimió su sello a una gran cantidad de canciones folklóricas y populares latinas e italianas, hasta hoy sus versiones son de las más recordadas y apreciadas.

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colocaron en la posición N° 1 en 1960. En 1962 tendría otro N° 1 con “Don’t Break the Heart That Loves You”. Connie grabó en 9 idiomas durante su carrera incluyendo: inglés, italiano, francés, alemán, japonés y español, cabe destacar la interpretación que hace del legendario tema “Malagueña” y de las inolvidables “Solamente una vez” y “Granada” de Agustín Lara. Es preciso sin embargo señalar que también adaptó algunos de sus éxitos en el mercado estadounidense al español. Es el caso de “Donde hay chicos”. Su primer álbum fue precisamente en italiano, siguiéndole posteriormente diversas interpretaciones en el idioma italiano. “Wher the Boys Are” y “Stupid Cupid” son algunos de los éxitos de Neil Sedaka y Howard Greenfield que más versiones han tenido. El cambio de orientación musical y los gustos juveniles de los 60 la apartó de la cumbre de la popularidad, aunque su voz, única e inconfundible, permaneció años en el recuerdo del público. Ya en 1967 había colocado 35 hits dentro de los Top 40 y 3 números uno en su historial. Por ser Connie amante de la música Country grabó también algunos álbumes del género. Durante la guerra de Vietnam Connie cantó temas para las tropas americanas y concluyó su carrera de grabaciones en 1969. Sin embargo, en 1973 regresó con “The Answer”, una canción escrita para ella. La tragedia le alcanzaría cuando en 1974 sufrió una violación en un hotel luego de una presentación en Westbury, Nueva York. Luego tuvo que hacerse una cirugía nasal que limitó severamente sus aptitudes para cantar durante años. Connie sigue activa en la actualidad cantando y actuando por todo el mundo con el mismo atractivo que se le ha conocido, sus actuaciones siempre tienen localidades agotadas, prueba de que aun posee la misma voz y es la estrella que siempre ha sido.

Roy Orbison, the Big “O”

“Después de un pesado día, suelo sentarme a oscuras en mi cuarto y con un disco de Roy Orbison a todo volumen, su sonido tan “dark” es extraordinario, recuerdo que cuando entré al estudio en 1975, lo único que quería era cantar como él.” – Bruce Springsteen

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pesar de que en sus comienzos quizo ser otro Elvis, es archiconocido por sus éxitos melódicos. Roy Orbison, “the Big O”, ha sido el más grande intérprete de baladas rock, dotado de una voz inconfundible, descrita como una luz de neón azul en la noche de un desierto. Roy Kelton Orbison nació en Vernon, Texas, el 23 de abril de 1936 como segundo hijo de Nadine y Orbie Lee. fue uno de los pioneros del rock and roll, cuya carrera se extendió a lo largo de más de cuatro décadas. Hacia mediados de los sesenta, Orbison fue internacionalmente reconocido por sus baladas sobre amores perdidos, por sus melodías rítmicamente avanzadas, su rango vocal de tres octavas, sus características gafas oscuras y un ocasional uso del falsete en canciones como “Only The Lonely”, “Oh, Pretty Woman” y “Crying”. En 1988 fue situado póstumamente en la Songwriters Hall of Fame. Hacia 1956 con su grupo The Teen Kings graba “Ooby Dooby”, con Norman Petty, que le daría cierto éxito en el ámbito country y llamaría la atención de Sam Phillips, quien propuso a Orbison a grabar el tema nuevamente en los estudios SUN. Esta nueva grabación llegó al respetable número de 250.000 copias vendidas. Phillips deseaba que los Teen Kings continuasen grabando movidos rocks, pero Orbison lo que quería era cantar las baladas que él mismo componía. La falta de entendimiento hicieron que el grupo

se separase y que Orbison quisiera volver a sus estudios de geología. Pero afortunadamente en mayo de 1958, “Claudette”, una canción escrita por él, fué un rotundo éxito de Everly Brothers y “Down The line” también 105

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Los sonidos rockabilly y de blues de la época Sun no proporcionaron a Orbison demasiado éxito y su carrera pareció estancarse, aun a pesar de que los fans de la música rockabilly juzgan sus grabaciones de ese estilo como entre las mejores del género.

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escrita por Orbison, lo fué de Jerry Lee Lewis. Los beneficios que le dieron los derechos de autor le permitieron renegociar el contrato que tenía con SUN Records. Estos éxitos convencieron a Wesley Rose dueño de una importante disquera en Nashville, de que debería ofrecer un contrato a Roy como compositor. A pesar de que no logró como cantante el éxito que esperaba, Rose le ofreció asociarse con un sello de reciente creación llamado Monument. Orbison había escrito la canción “Only The Lonely” con la colaboración de Joe Melson, como ni Elvis ni los Everly Brothers se interesaron en ella, Roy decide grabarla en julio de 1960, logrando unas ventas millonarias y un nº 2 en las listas de éxitos. Durante los siguientes cuatro años, Orbison siguió cosechando éxitos con brillantes melodramas como “Running Scared”, “Crying”, “In Dreams”, “Blue Bayou”, “Blue Angel” y “Dream Boy”. Su estilo no se veía afectado a pesar de las nuevas corrientes musicales y de la Beatlemanía. Al contrario, en 1964 Orbison logró un número 1 en Inglaterra con “It’s Over” y el mayor éxito de su carrera: “Oh Pretty Woman”, también nú-

mero 1 en los E.U. y con más de 7 millones de copias vendidas. Realizó una gira con The Beach Boys en 1964, y con los Rolling Stones en Australia en 1965. Tuvo gran éxito en Inglaterra, consiguiendo tres números 1 y siendo votado varias veces como el mejor cantante masculino del año. Después de “Oh Pretty Woman”, Orbison se divorció de su esposa Claudette y cambió de sello discográfico, en un ventajoso contrato con la gigante MGM Records, que además le ofrecía protagonizar cinco películas. Pero, la realidad fué muy distinta, a partir de aquí su vida privada estuvo marcada por la fatalidad y su carrera comenzó a mermar. Sus discos fueron modestos éxitos, aunque en sus actuaciones en vivo el público lo recibía con entusiasmo. El mentado éxito fílmico se convirtió en catástrofe, con una olvidable producción donde sólo es rescatable su aparición en escena. La muerte de Claudette en un accidente en 1966 con quien se había vuelto a casar y la de dos de sus hijos en un incendio en 1968 terminaron por afectarlo profundamente. Su caracter de por sí apocado y sensible le obligó a encerrarse en un cuarto de hotel hasta su boda con Barbra Wellhonen en 1969. Aún recuperándose, volvió al escenario y se entregó totalmente a recordadas apariciones en vivo, que le ayudaron a superar su peor crisis. Canciones que tuvieron un éxito limitado en norteamérica, tales como “Penny Arcade” y “Working for the Man”, serían números 1 en las listas australianas, y “Too Soon to Know” fue número 3 en Inglaterra. Su popularidad se extendió a Alemania, y grabó su gran éxito “Mama” en alemán. Sus grabaciones fueron muy demandadas en el

mercado negro de las zonas separadas por el telón de acero. En Francia, fue reconocido como el maestro de la balada de amores perdidos en la línea de su cantante más popular, Édith Piaf. Una versión de “Blue Bayou” cantada en francés por Mireille Mathieu alcanzó lo más alto de las listas sas. Sus fans en los Países Bajos formaron su club de fans más importante en el mundo. Continuó actuando en Irlanda, a pesar del terrorismo constante. Una versión de la balada popular “Danny Boy” en su disco de 1972 Memphis está considerada como una de las mejores hechas de esta canción. Su música se resintió y no volvió a las listas hasta los años 80 donde se utilizaron sus canciones en algunas películas y su ingreso al Rock and Roll Hall of Fame en 1987 durante una emotiva ceremonia donde cantó junto a uno de sus más férreos iradores como es Bruce Springsteen. Las contínuas muestras de aprecio y apoyo reactivaron a Orbison quien se unió a Tom Petty, Bob Dylan y George Harrison para formar The Travelling Willburys, y volvió a los estudios para grabar su primer disco en años. Desgraciadamente sufrió un ataque al corazón que lo llevó a la muerte, sin poder ver su excelente creación a la venta: “Mistery Girl”, disco que está lleno de un sentimiento de felicidad y paz interior que parecía al fin haber alcanzado al haber dejado este mundo. En 1988, Roy se había unido a Bob Dylan, Tom Petty, George Harrison y Jeff Lynne para formar el supergrupo Traveling Willburys con el que grabaría el primero (de los dos) discos de la banda, el magnífico “Traveling Willburys, Vol. 1” (1988). A pesar de la muerte de Roy Orbison, el grupo grabó un último disco bajo seudónimos distintos, aunque conservando el apellido Wilbury. El segundo álbum, titulado Traveling Wilburys Vol. 3,

sería el último trabajo del grupo. Parte de los Traveling Willburys lo apoyarían a Orbison en su último trabajo, el estimable y póstumo “Mystery Girl” (1989), en donde recuperaba con acierto la nostalgia de su primera época con estupendas canciones como “You got it”, “In the real world”, “A love so beautiful” o “She’s a mystery to me”, esta última escrita por Bono y The Edge del grupo U2. Cuando Roy Orbison estaba totalmente recuperado y parecía que nos iba a hacer disfrutar de nuevo con su fantástica voz, la nefasta fortuna volvió a aparecer. Un ataque al corazón acabó con la vida de “The Big O” el 7 de diciembre de 1988, cuando contaba con 52 años.

The Traveling Wilburys Fue el supergrupo integrado por George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne, que se reunieron por casualidad para grabar una canción, “Handle with care”, que iba a ser lado B de un single de Harrison pero vieron que el resultado eran demasiado bueno para acabar así. Decidieron grabar un disco completo y así nació “Traveling Wilburys Vol.1” que ya forma parte de la historia del rock.

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Lloyd Price

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loyd Price (nació en Kenner, Louisiana en 1933) es una de las primeras estrellas de éxito del rhythm and blues de comienzos de los 50. Nacido en el seno de una familia dedicada a la música, estudió trompeta y formó su primer grupo para actuar en emisoras de radio junto a su hermano menor Leo. El músico Dave Bartholomew impresionado por Lloyd, le ofrece ir a grabar con el sello Specialty hacia 1952. Su primer disco, “Lawdy, Miss Clawdy”, le convirtió en 1953 en el solista nº 1 de R&B puesto que mantuvo por un largo periodo. Con el éxito de “Lawdy, Miss Clawdy” (tema en el cual interviene Fats Domino al piano) se consagró, pero su incorporación al servicio militar interrumpió su carrera, si bien fue destinado al Cuerpo de Servicios Especiales y cantó en Corea y Japón con una orquesta del ejército. Licenciado en 1956, volvió a su profesión, creó su propio sello KRC Records e hizo arreglos con ABC-Paramount, recuperando la fama inmediatamente con varios temas notables: “Just Because”, “Stagger Lee” (un viejo tema titulado “Stack-O-Leo”, que, readaptado por Lloyd, fue nº 1 en los rankings de R&B y Pop en 1958). Los singles “I’m gonna get married”, su clásico “Personality”, “Come into 108

my heart” y “Where were you (on our wedding day?)” llegaron al puesto más alto en 1959. “Lady luck”, “Question” y “Won’tcha come home”, hicieron lo propio en 1960. En esa época sale de ABaramount y funda otra editora, Double LL, que lanzó a otros artistas también, entre ellos a Wilson Pickett en 1963, Lloyd fue una de las personalidades mas influyentes dé la música de Nueva Orleans entre 1957 y 1961. Durante las siguientes décadas su fama y éxito comercial decayó bastante, pero se mantuvo en el negocio por medio de sus productoras y esporádicas presentaciones nostálgicas.

LaVern Baker

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na de las más populares cantantes de rhythm and blues de comienzos de los años 50. LaVern Baker (Dolores Williams, nacida el 11 de noviembre de 1929, en Chicago) debutó en varios clubes de Chicago hacia 1946, se presentaba frecuentemente como “Little Miss Sharecropper”, y grabó su primer material con ese nombre en 1949. Después cambió su nombre a “Bea Baker” cuando grabó para Okeh Records en 1951, y finalmente se dejó en LaVern Baker cuando cantó con Todd Rhodes y su banda en 1952. Sus primeros discos aparecieron entre 1952 y 1954, pero fueron, en muchos casos, los covers blancos de sus temas (como era costumbre por esa época) los que obtuvieron el éxito ma-

yoritario, como “Tweedle Dee”, que le fué “robado” por Rosemary Clooney. Entre 1956 y finales de la década, con el boom del rock and roll y el descubrimiento de la calidad de los intérpretes negros frente a las versiones blancas, LaVern Baker logró notables hits con “Jim Dandy”, “Woodoo woodoo”, “Jim Dandy got married”, “I cried a tear” y “I waited too long”. Considerada como una de las primeras iniciadoras del soul, su fama decreció a mediados de los 60, tras éxitos como “Saved”, “Tiny Tim” y “C C Rider”, más cercana al gospel que al rock. Sin embargo siempre será recordada por su portentosa voz y la fuerza de sus interpretaciones como la Reina del Rock and Roll. Falleció en 1997 en Francia.

La Vern Baker fue la primera diva del Rock and Roll, a pesar del racismo de los primeros años 50, pronto se supo valorar su original estilo y su carrera tomo nuevo impulso desde 1956.

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LA ERA DEL ROCK

Sam Cooke

Dueño de una personalísima voz, protagonizó un escándalo cuando dejó su envidiable puesto de voz principal en un famoso grupo de Gospel, para lanzarse a la aventura de una carrera solista. Sam es considerado el primer artista en cantar melodías populares con un estilo vocal Gospel, es decir, fue el primer “Soulman”.

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am Cook, nació en Clarksdale (Misisipi) en 1937, siendo uno de los ocho hijos de Annie Mae y el Reverendo Charles Cook, ministro evangélico. Está considerado uno de los pioneros de la música soul, siendo una de las grandes influencias del pop, el rhythm and blues y el neo soul. Para algunos es el «Rey del Soul» (título que comparte con Otis Redding), y con el paso del tiempo el hecho de que tuviera casi una treintena de hits entre 1957 y 1965, sin dudas lo hace acreedor de ese título. Fue el primer cantante negro en fundar su propia discográfica, siendo también un gran activista dentro del Movimiento por los Derechos Civiles. A su vez fue uno de los cantantes de su época con una mayor audiencia blanca. Fue uno de los primeros interpretes de rhythm & blues en conseguir un nº1 en el ranking general de Estados Unidos con “You send me” de 1957. La voz de Sam y sus canciones, junto a las de su hermano Charles, forma uno de los pilares del rhythm & blues, con una densa obra que será recogida por muchos de los intérpretes imgleses de los años 60 y los 70 (Animals, Rolling Stones, Herman’s Hermits, Rod Stewart, etc.). Sam, comenzó a cantar en la iglesia y formó su primer grupo de gospel, siendo adolescente. Pasó luego por otros grupos de gospel hasta llegar a los Soul Stirrers, un cuarteto con el que grabó entre 1950 y 1956. En este grupo Sam alcanzó algo más que personalidad y fama. El grupo se convirtió en uno de los líderes del género. La popularidad de los Soul Stirrers y la fuerza de Sam hizo que en 1956, “Bumps” Blackwell, uno de los productores clave del sello Specialty, le propusiera grabar en solitario canciones más comerciales. En 1957 Blackwell le produjo “You send me”, con adición de coros feme-

ninos, y el disco se disparó al tope. Era el inicio de una extensa carrera de hits, como “I’d love you for sentimental reasons”, “Lonely island”, “You were made for me”, etc. Contratado por RCA, Sam continuó a comienzos de los 60 su línea triunfal primero con el número 2 “Chain gang” y luego con unos doce singles Top 20 entre los que destacan “Wonderful world”, “Twistin’ the night away”, “Bring it on home to me”, “Send me some lovin”; “Another saturday night”, “Good news”, “Good times”, “Shake”, Little Red Rooster, etc., todos ellos convertidos en clásicos por las abundantes versiones que los han inmortalizado posteriormente. En “Little red rooster”, junto a Sam, grabaron Ray Charles al piano y Billy Preston al órgano, lo cual da una medida de su excepcional carisma. La carrera de Cooke quedó lamentablemente truncada la noche del 10 al 11 de diciembre de 1964 en un hotel de Los Angeles, cuando fue asesinado a raíz de una pelea nunca aclarada, desapareciendo con él uno de los más brillantes autores y cantantes de su tiempo.

En una ocasión cerca de Memphis se averió el coche en el que viajaban, la policía se acercó y pretendió obligar a Sam a empujar el coche: “Señores me llamo Sam Cooke, si ustedes no me conocen, sus esposas sí...nos hemos quedado sin gasolina, múltenme si quieren pero no voy a empujar el coche, yo no empujo coches, yo canto” 111

LA ERA DEL ROCK

Ray Charles, “The Genious”

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Muchos músicos tienen rasgos de genialidad, pero solo uno, el gran Ray Charles, representa ese término a tal grado que se convirtió en su sobrenombre. Charles materializó esa genialidad mezclado el gospel y el blues de una forma tan pura, que el estilo exuberante derivado de esa unión fue bautizado como soul.

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Nació el 23 de septiembre de 1932 en Albany, Georgia. A los dos años de edad se traslada a Greenville, Florida, con su madre y su hermano menor. Es allí donde aprende los rudimentos del piano escuchando a su vecino Wylie Pitman que tocaba el piano en un burdel. A raíz de una enfermedad ocular, queda ciego desde los siete años, como era una familia muy pobre tuvo que valerse por sí mismo desde temprano. Cursó estudios en la escuela de St. Augustine en Florida para invidentes; allí aprendió a reparar radios y autos, pero también a componer música usando el método de escritura Braille y a tocar una gran variedad de instrumentos entre los que destacaban el piano y el saxofón. Dejó la escuela a los 15 años, luego de la muerte de su madre. Se mudó a Jacksonville, Florida para ganarse la vida como músico. Tocó donde pudo como músico invitado o en solitario. Tomaba todo trabajo que se le ofreciera y sus actos estaban influenciados por el estilo de Nat “King” Cole y Charles Brown. Por esa época ya se hacía llamar Ray Charles, para distinguirse del boxeador Sugar Ray Robinson. Ray recuerda esos años en una entrevista itiendo su gran influencia: “Cuando empecé en esto, traté de imitar a Nat Cole porque realmente lo amaba... Pero una mañana cuando me desperté dije: ‘Gente cada vez que sueno más como Nat Cole, pero ni siquiera saben mi nombre’. Asustado como estaba, porque tenía trabajos que sonaban como él, dije: ‘Bien, tengo que cambiar porque

nadie sabe quien soy’. Mi madre me eseñó una cosa: ‘Se tu mismo, muchacho’. Y esa es la premisa que he seguido”. Después de 3 años de rondar por Florida se mudó al estado de Seattle. Allí formó el “McSon Trio”, llamado así por su guitarrista Gosady McGee y el “son” por Robinson. Al mismo tiempo se volvió adicto a la heroína y solo la pudo dejar 17 años después. En 1949, lanzaron su primer sencillo con el sello Downbeat Records, una composición del propio Ray, titulada “Confession Blues”, acreditada al Trio Maxim. El segundo sencillo fue “ Baby Let Me Hold Your Hand” grabado en Los Ángeles en 1950 con músicos que tocaban para Nat Cole. Esta vez el crédito fue para el Trío Ray Charles. Los temas se convirtieron en éxitos en las listas de “música racial”, luego llamada rhythm and blues. En los siguientes dos años, la compañía sacará al mercado varios discos del trío, obteniendo un moderado éxito que hará que, en 1953, la Atlantic Records se fije en el artista, y acuerden un contrato. En Atlantic puede desarrollar con éxito su genio musical y un estilo propio, ya que hasta entonces se mantenía imitando a sus ídolos como Nat King Cole, Art Tatum, etc. Rápidamente Atlantic le dio el control artístico de sus grabaciones, sobre todo después del éxito que obtuvo con “Things That I Used to Do” la canción más importante del rythm and blues de 1954. La confianza de la disquera fue seguida de una serie de éxitos como “I’ve Got a Woman,” “Hallelujah I Love Her So,” “Drown in My Own Tears” y “What’d I Say.” que lo llevaron a la cima de la popularidad al final de los años 50. Fue aquí cuando encontró su voz, además de su estilo marcado por el piano y los vientos de su orquesta. También allí crea un nuevo sonido, agregando órganos electrónicos y un coro de voces femeninas al que llamó las Raylettes.

“I’ve Got A Woman” y “Allellujah, I Love Her So”, entre otros, estaban fuertemente influenciados por el gospel, estilo musical que siempre le apasionó, pero que provocó amargas reacciones de un amplio sector religioso, que lo trató de sacrílego; de hecho en 1955, Ray Charles inventó el “soul” music con “I Got A Woman”, una adaptación secular de un viejo gospel. Tres años después edita su primer LP. En 1959, aparece su clásico “What’d I Say”, (otra adaptación del gospel) un tema que surgió mientras tocaban en un club para pasar el tiempo, pero la reacción del público animó a Ray a grabarlo, el tema entró en los Top 10 y se convirtió en uno de los singles más exitosos de R&B. Con el tiempo, varias de estas canciones serán interpretadas por artistas

La carrera de Ray Charles ha pasado por muchos altos y bajos, pero hay algo que nadie podrá lograr hacer pronto: Tener un éxito en cada década desde 1950.

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LA ERA DEL ROCK

“El Soul es una fuerza que puede iluminar una habitación. La fuerza viene de un sentido de intimidad, un sentido de saber donde has estado y lo que eso significa. El Soul es una forma de vida, pero siempre de la manera difícil.” – Ray Charles

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como Elvis Presley, Eddie Cochran o Jerry Lee Lewis. Al mismo tiempo Ray Charles grabó un disco de jazz con Milt Jackson del Modern Jazz Quartet en 1958 y se presentó en el festival de Jazz de Newport. Ya a finales de 1959, deja su antigua discográfica y es contratado por la compañía ABC/Paramount, con la condición de tener absoluto control de sus materiales, además de quedarse con los masters. En diciembre, cambia radicalmente su estilo y sorprende al mercado con una versión de “I’m Movin’ On”, un clásico Country de Hank Snow, que sube a los primeros puestos de las listas de éxitos. En palabras de Van Morrison: “Hay motivos de más para que lo llamaran “el genio”, basta con pensar cómo reinventó la música country de una manera que lo hizo propio. El es su propio género”. En 1962 lanzó su disco “Modern Sounds in Country and Western Music”, una obra en la que interpreta el ritmo country apoyado por una big band. Su versión de “I’Can’t Stop Loving You” llegó a ser número uno y vendió un millón de copias. Su manera de cantar y tocar el piano influyó en el desarrollo del soul y sirvió como nexo de unión entre los estilos modernos del blues y la primera tradición del country blues. Fue la gran influencia de cantantes y músicos de soul como Stevie Wonder, al que él mismo llamaba “Uncle Ray” y el gran productor, músico y arreglador Quincy Jones, quien lo había conocido a Ray siendo adolescente y llegó a tocar en su banda como trompetista. En 1965 Ray Charles fue arrestado por posesión de heroína. Esto le llevó a recluirse en un sanatorio de California en donde batalló durante un año con la adicción. Fue la única pausa en su larga carrera. Cuando por fin salió del proceso volvió a su agenda habitual de salir

de gira durante 10 meses y lanzar uno o dos álbumes cada dos años. También empezó su propio sello grabador, Tangerine, que publicaba los discos a través de ABC. A mediados de los setenta fundó otra disquera, Crossover, que publicaba los discos a través de Atlantic Records. En los años setenta cantó con Aretha Franklin para el disco “Aretha Live at Fillmore West” y su versión de “Living fot he City” original de Stevie Wonder se llevó un Grammy en 1975. En 1979, los representantes del estado de Georgia lo nombran ciudadano ilustre y eligen su canción “Georgia on My Mind” como canción oficial. Este homenaje fue realizado como compensación de un hecho que había ocurrido hacia 1961, en el que Ray Charles se había negado a tocar ante un público segregado, por lo que le fue prohibido tocar siquiera en su estado natal de Georgia. En 1980 apareció en la comedia musical “The Blues Brothers” y en 1986 se convirtió en uno de los primeros del salón de la fama del rock and roll, al año siguiente recibió un Grammy honorífico por su carrera musical. En total obtuvo 12 Grammys. A pesar de sus años, siguió actuando en público con la misma energía que entregó desde que era joven, quizás por eso la Pepsi lo eligió para uno de sus famosos comerciales en 1990, relanzando su imagen a una nueva generación de seguidores. Recientemente grabó un disco de dúos con cantantes como Norah Jones, B.B. King, Willie Nelson, Bonnie Raitt, Michael McDonald y James Taylor. Además, se acaba de terminar de filmar una película sobre su vida interpretada magistralmente por Jamie Fox. Ray Charles, el pianista con voz de blues que hizo evolucionar la música durante cincuenta años, falleció el 10 de junio de 2004 en su casa de Beverly Hills debido a un padecimiento en el hígado. Tenía 73 años.

“No voy a vivir para siempre. Estoy conciente de ello. Pero también entiendo que no es una cuestión de qué tanto viva, sino de qué tan bien lo haga.” 115

LA ERA DEL ROCK

Brenda Lee, ¡pequeña dinamita! Western en los 50’s como “Jambalaya”, “One Step at a Time” y “Dynamite”. La carrera de éxitos de Brenda Lee no disminuyó en los 60. La canción que hizo romper sus lazos con el Country y lanzarla al Pop fue “Sweet Nothin’s”, un top ten en 1960. Este éxito fue seguido por otros dos Nº1 en ese año (antes de cumplir 16 años), “I’m Sorry” y “I Want To Be Wanted” (algunas emisoras la vetaron por parecerles indecoroso que una niña cante semejantes letras). Brenda Lee conoce a Elvis. La gran voz y personalidad de Brenda Lee contrasaba con su estatura, una “pequeña” muestra de que las mujeres también pueden hacer Rock and Roll.

Brenda Lee sigue su carrera de cantante Country y en círculos nostálgicos con gran éxito. 116

Brenda Lee nació como Brenda Mae Tarpley en Lithonia, Georgia en 1944. A los cinco años se consagró como niña prodigio en una radio de Conyers, Georgia y comenzó a cantar profesionalmente a los seis años, desde entonces lleva el sobrenombre de “Little Miss Dynamite”. Comenzó a ganar espacio haciendo una serie de apariciones durante tres años en el programa de TV Ozark Jubilee (llamado luego “Jubilee USA”) en 1955 y al año siguiente firma con Decca Records. Apareció también en muchos otros shows televisivos con artistas de la talla de Perry Como, Steve Allen y en el show “Oh Boy” en Gran Bretaña. A pesar de su corta edad, tuvo algunos éxitos en los charts de Country &

Siendo aun adolescente se casó con Ronnie Shacklett, su novio de la infancia y tuvo dos hijas en Nashville, Jolie y Julie. Ella continuó haciendo éxitos del Pop hasta 1967, y a partir de 1971 empezó a aparecer solamente como cantante Country, lo que coninúa haciendo hasta hoy. Brenda Lee una artista exitosa, de las primeras en cruzar la frontera del Country hacia el Pop, una pequeña mujer con una gran voz.

The Collins Kids

Los hermanos Collins, Larry y Lorrie, no dejaron pasar la oportunidad de subirse al carro del rockabilly para convertirse en uno de los actos más explosivos y originales de los años 50. Sus padres vendieron su granja y sus vacas en Oklahoma para trasladarse a California en 1953 y, alli, conseguir que sus talentosos hijos triunfasen en el mundo del showbusiness. Lawrencine “Lorrie” Collins (nacida en 1942, en Tahlequah, Oklahoma) y su hermano menor Lawrence “Larry” Collins (nacido en 1944, en Tulsa, Oklahoma) tuvieron sendos hits como “Hop, Skip and Jump”, “Beetle Bug Bop” y “Hoy Hoy”, que estaban dirigidos a un público adolescente, pero por su calidad trascendió las generaciones. Larry a la edad de 10 años ya tenía una sorprendente habilidad y velocidad en las cuerdas de su guitarra de dos mástiles al igual que su mentor, Joe Maphis. Lorrie por su parte es una de las primeras cantantes femeninas de rock and roll, con su hermano hicieron excelentes versiones de temas como “Shake, Rattle and Roll,” “High School Confidential” y “Chantilly Lace”, así como su tema “Hoy Hoy” y muchos otros clásicos del rockabilly. En poco más de un año de su debut, ya eran estrellas regulares en el programa

televisivo de Tex Ritter “Town Hall Party” y “Ranch Party” de 1958 y 1959. Las actuaciones de Lorrie causaron revuelo por su belleza juvenil que llamaba la atención, especialmente cuando cantaba temas como “Rock Boppin’ Baby”. Fue por los platós donde la estrella de la televisión y cantante Ricky Nelson vió a Lorrie por primera vez y se enamoró de ella. Fue su primera novia y apareció junto a él cantando a duo en algunos shows televisivos. Los hermanos se hicieron bastante famosos gracias al sex appeal y madurez de ella y a la gracia, deshinibición y habilidad salvaje para tocar la guitarra de dos mástiles de él. Aparecieron en los más importantes programas de Estados Unidos, como los shows de Ed Sullivan y Steve Allen, e hicieron giras con gente como Johnny Cash y Carl Perkins. En 1959, cuando Lorrie tenía 17 años, se casa (no con Ricky) con Stu Carnall, el manager de Johnny Cash que le dobla la edad. Ella continuó actuando y grabando con su hermano hasta que nació su primer hijo y se retira a los 19 años. Más tarde volvió a actuar junto a su hermano en “The Jackie Gleason Show” y “The Hollywood Palace” en 1967. Larry se dedicará a componer para otros artistas como Merle Haggard, Nancy Sinatra, Helen Reddy, Willie Nelson o Ann-Margret, con bastante éxito, siendo nominado a varios premios Grammy. Después de décadas de olvido el dúo se volvió a reunir para tocar en el festival de Hemsby de 1993. Para sorpresa de los hermanos, miles de rockers británicos les conocían y cantaban sus canciones. Eso les animó a volver a Europa de vez en cuando desde su retiro de Nevada.

Los Collins Kids lo tenían todo, juventud, talento y originalidad. Aunque al principio dirigieron su acto a un público más adolescente, acabaron conquistando a todos los públicos, ocupando un lugar en el Olimpo del Rockabilly.

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LA ERA DEL ROCK

Larry Williams

Larry Williams era un excelente pianista y muy creativo letrista, pero llevaba una vida llena de excesos. Cuentan que en una ocasión estando “volado” casi asesina de un balazo a su amigo Little Richard, éste al salvarse de la muerte decide dejar el rock y dedicarse a la predicación. Larry tomó su lugar como estrella en Specialty Records. 118

Lawrence E. Williams, nació en New Orleans en 1935; fue pianista de diversos cantantes de rhythm and blues a lo largo de los años 50, y en especial de Lloyd Price. Muchas de sus canciones fueron versioneadas por The Beatles, (Bad Boy, Slow Down, Dizzy Miss Lizzy). The Rolling Stones grabaron “She Said Yeah”. “Bony Moronie”, una de las canciones más influyentes en la historia del rock fue versioneada por John Lennon y muchos otros (Este tema se hizo famoso en castellano como Popotitos). Inicia su carrera como solista en 1956 y a pesar de su poca repercusión, varias de sus canciones serán consideradas con el tiempo temas clásicos del Rock and Roll: Bony Moronie, Short Fat Fanny y Dizzy Miss Lizzy, temas que recibieron el tratamiento de los Beatles. Los primeros discos de Williams fueron lanzados por la discográfica Specialty Records cuando su estrella principal, Little Richard, la abandonó para dedicarse a predicar. Señalado como el sucesor de Richard, los discos de Williams tienen la misma intensidad gracias a su piano crudo pero, gracias a sus letras extrañas, su voz y sus silbidos hacen que su trabajo sea original.

Williams había estado involucrado con actividades turbias desde su adolescencia y había sido un proxeneta antes de empezar a grabar su música. A finales de los 50 su carrera musical cayó en desgracia al ser arrestado por tráfico de estupefacientes y desaparecerá de las listas del rock en 1960. De todos modos, Williams regresó a mitad de los 60 con una banda que incluía a Johnny “Guitar” Watson. Este período deparó pocos éxitos, pero, imitando menos el sonido de Little Richard, produjo algunos de sus mejores y más originales trabajos. En los 70 intentó lanzarse como cantante de música disco pero tuvo poco éxito. En 1978 grabó un álbum “That’s Larry Williams”, con escaso éxito de crítica y público. En 1980 es encontrado asesinado en su casa de Los Angeles. Rumores apuntan a un ajuste de cuentas de alguien del hampa. Como anécdota bizarra existe un cantante de blues sureño de nombre Martin Albritton que reclama ser el “verdadero” Larry Williams, vivito y coleando. Suele salir de gira por el sur del país bajo el nombre del rockero y además jura que es él quien toca y canta en las grabaciones originales de “Bony Moronie” y “Dizzy Miss Lizzy”. En 1991 graba genuinamente un álbum llamado “Street Party” con la Mellow Fellows band.

Johnny Burnette Johnny Burnette, nació en Memphis, Tennessee el 25 de marzo de 1934; a principio de los cincuenta, Johnny a pesar de su afición al box, donde logró algunos éxitos, siempre se había interesado en la música, de hecho fue el primer cantante del grupo de Scoty Moore (quien sería el guitarrista de Elvis), eventualmente formó un trio musical con la participación de su hermano Dorsey al bajo y su amigo, Paul Burlison, en guitarra eléctrica. Fueron conocidos como el Johnny Burnette Trio. Los tres tocaban juntos medio tiempo y trabajaban full-time como electricistas en Memphis. Trabajaban en la misma compañía de electricidad que había contratado a un amigo de la escuela de ellos como camionero, llamado Elvis Presley. En 1956, después de tocar en algunas ferias, dejaron Memphis para ir a New York y concursar en el programa de Ted Mack, donde llegaron al puesto más alto del shows. En este punto, conocen a Henry Jerome, quien vino a ser su representante, éste les consiguió un contrato con Coral records, tras ser rechazados por SUN Records. Sus primeros hits con este sello fueron “Tear it up”, “The Train Kept-ARollin” y “Honey Hush” de 1956, que incluyen el uso de las primeras distorsiones en sus guitarras, obtuvieron sin embargo un moderado suceso. Un año después, el trio se separa. Los hermanos Burnette se mudan a California, donde escriben varios éxitos para Ricky Nelson. Finalmente Dorsey firmó con ERA records a finales

de 1959 y Johnny por su parte, firmó con Liberty records casi al mismo tiempo. Para verano de 1960, Johnny logró un éxito a nivel nacional con “Dreamin” y luego con “You’re sixteen, you’re beaiful and you’re mine” a fines de ese año, llega al millón de copias. En 1961, “Little boy sad” le dió otro éxito transatlántico entre los primeros 20. Su patriótica “God, country and my baby”, llegó a ser su más grande hit en los E.U. Lamentablemente Johnny muere ahogado en un accidente de pesca en Clear Lake, California en 1964, truncando una prometedora carrera. Su hijo, Rocky siguió utilizando y manteniendo vivo el apellido Burnette con canciones como “Tired of Toein’ The Line”, éxito de 1980 para la EMIAmerica records. En cuanto a Dorsey se convirtió en uno de los compositores de música country más respetados de Estados Unidos hasta su muerte en 1979.

Esta foto promocional de sus primeros años de éxito al frente del Johnny Burnette Trio, finalmente prefirió una carrera en solitario, que le valió algunos éxitos, pero un infortunado accidente cegó una prometedora carrera. 119

LA ERA DEL ROCK

Duane Eddy

Duane Eddy al frente de su primer grupo acompañante The Rebels en 1958.

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Duane Eddy nació el 26 de abril de 1938 en Corning, New York más tarde se mudó a Phoenix, Arizona, en 1950 con sus padres. El comenzó a tocar la guitarra desde los 5 años y para los 15 ya era un conocido guitarrista en las fiestas alrrededor de Phoenix. En 1957 conoce al discjockey Lee Hazlewood, quien llegó a ser su productor (a finales de los 60’s Lee Hazlewood también escribió canciones y produjo a estrellas como Dean Martin y Nancy Sinatra). Al Casey empezó a trabajar con Duane en su estilo desde enero del 1958 cuando Duane comienza a buscar contrato con alguna disquera. El entonces reune a Al Casey, Larry Knecktall (que tocaba el piano) y Steve Douglas (saxofonista) para ser su grupo de apoyo. El los llamó “The Rebels”. Su primera canción fue “Movin ‘n groovin”, que fue grabada en Phoenix y luego enviada a Harry Finfer, presidente de Jamie Records en Philadelphia. El resultado fue un contrato con el sello. Pero no fue sino hasta ese verano de 1958 que lograrian su primer éxito con “Rebel Ro”.

Para el año siguiente llega “Peter Gunn” y Lester Still, socio de Lee Hazlewood en ese tiempo, fue quien le puso el nombre “twangy” (gangosa) al sonido que Duane sacaba de su guitarra Grestch de caja hueca, pulsando las cuerdas más gruesas; luego fue Duane quien se puso “Mr. Twang”, o “Duane Eddy & his Twangy Guitar” (guitarra gangosa). Duane se quedó en Jamie Records hasta 1962, cuando logró un mejor trato con la RCA. Su versión instrumental de la tradicional Dixie, que grabó en 1961, es, hasta hoy, considerada la mejor versión de todas. “Dixie” es una especie de ‘himno nacional’ para los músicos de rock y country, pues el rockabilly se inició practicamente en la zona sureña de Mason Dixon. Eddy logró 21 éxitos en Inglaterra y 15 en los E.U. entre los primeros 40, incluyendo su “Because they’re young” también de 1961, que vendió un millón de copias a ambos lados del Atlántico, y “Dance with the guitar man” de 1962, donde su marca “twang” se unía por primera vez a un coro vocal. Eddy tuvo algunos éxitos más hasta 1963 y un retorno entre los primeros 10 de los charts ingleses en 1975. En 1987, Eddy grabó un último álbum con la contribución de Paul McCartney, George Harrison, Jeff Lynne y Ry Cooder, todos ellos influenciados en mayor o menor medida por su trabajo.

Buddy Knox

Buddy Knox nació en la pequeña localidad de Happy Texas en 1933 y empezó a tocar la guitarra estando en la secundaria. Fue a la universidad a estudiar psicología y ciencias empresariales, pero el estudio parecía que no era lo suyo, pasando más tiempo en las funciones de teatro y haciendo de payaso de rodeo. Aun así consiguiría el título de istración de empresas. Paralelamente a sus estudios, ya había formado un grupo de rockabilly junto a dos compañeros, The Rhythm Orchids, que tocaban en bares a cambio de cerveza y comida. Animados por el éxito que tenían entre la audiencia fueron al estudio de Norman Petty y grabaron, previo pago de 60 dólares y con la ayuda de sus amigos a los coros, un sencillo que cambiaría sus vidas: “Party Doll”. Ese acetato que grabaron en 1956 para que solo lo oyeran familiares y amigos fue oido también por cazatalentos, editores y discjockeys que, asombrados de la calidad de este original estilo de rockabilly, le dieron publicidad y lo reeditaron profesionalmente en Roulette Records de Nueva York. En pocos me-

ses había vendido un millón de singles y llegado al número uno de las listas (fue el primer rockabilly escrito por el propio cantante en llegar a lo alto de las listas). Dos nuevos singles elevaron el nivel de ventas del grupo por encima de los 4 millones en 1957. Buddy Knox se convirtió en una estrella instantáneamente, apareciendo en cine y televisión, y cosechando éxitos con canciones como “Rock Your Little Baby to Sleep” o la hawaiana “Hula Love”. A finales de 1958 ingresó al ejército y, aunque siguió colocando buenos temas en las listas hasta 1960, poco a poco pasó al olvido. Tras salir del ejército se dedicó a tocar en eternas giras que le mantenían en la ruta durante 11 meses al año durante toda la década de los 60. En los años 70 se fue a vivir a Canadá y tuvo que dedicarse a actuar en miserables garitos o a dar trofeos de carreras de motos, donde la mayoría del público no sabía ni quién era, esta patética situación se prolongó de forma dramática en los años siguientes a pesar de sus intentos por salir del anonimato y montar una especie de parque temático “Buddy Knox”. En 1999 Buddy murió finalmente de cancer de pulmón siendo un rocker atípico por su esmerada educación, amplia cultura y estilo propio.

Buddy Knox es uno de los pioneros del rock, músico aficionado y estrella casi por accidente, fue también como Buddy Holly un escritor original que no “robó” a los negros para lograr el éxito. 121

LA ERA DEL ROCK

The Big Bopper

J.P. Richardson alias The Big Booper tuvo una corta pero brillante carrera, truncada por la fatalidad, primero como discjockey y luego como cantante de sus propios temas, lo cual le supuso un lugar en la historia del rock.

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Jiles Perry Richardon, más conocido como The Big Bopper, nació en Sabine (Texas) en 1930. Su familia se trasladó a Port Arthur cuando él aun era muy pequeño. Cuando terminó la escuela Jiles decidió proseguir sus estudios en Lamar State College en Beumont, Texas, lo cual compaginó trabajando como discjockey en la radio local KTRM. Pronto empezó a ser bastante conocido gracias a su voz varonil y se ganó el apodo de The Big Bopper por su irreverencia y simpatía. En 1952 se casó y pronto tuvo a su hija Deborah. Con la llegada del rock and roll se convirtió en uno de los locutores más conocidos del país, fama que aumentó cuando, en mayo de 1957, estableció un record mundial de difusión continuada al emitir durante seis días seguidos 1.821 canciones de rock and roll. Jiles entonces se decidió a escribir sus propias canciones y a radiarlas, llegando su sensacional y divertido tema “Chantilly Lace” al número uno de las listas nacionales, convirtiendose en la tercera canción más oida de 1958 (aun hoy se la oye en muchas bandas sonoras de películas). Jiles recibió miles de ofertas para actuar y decidió tomarlas. Su último tour, el Baile De Invierno de 1959 fue programado para diferentes ciudades

del medio oeste de los Estados Unidos. Varias estrellas del rock viajaron en un gran omnibus con un pésimo sistema de calefacción. Debido a estas terribles circunstancias Jiles se enfermó de gripe. Cuando el tour pasó por Clear Lake, Iowa, Buddy Holly encargó un avión para volar con su banda al próximo punto después del show. Cuando el show terminó, Jiles se acercó al bajista de Buddy, Waylon Jennings, y le preguntó si este le permitía su asiento para poder acostarse y descansar algo, y de esa manera tener tiempo para el horario de la cita con el doctor. Waylon estuvo de acuerdo y le dio su asiento. El avión despegó del aeropuerto de Mason City alrededor de las 1:00 el 3 de febrero de 1959. La terrible tormenta de invierno hizo incontrolable el avión y éste se desplomó a 13 km del aeropuerto. El impacto no dejó sobrevivientes. Jiles, Ritchie Valens, Buddy Holly, y su piloto, Roger Peterson se mataron en el accidente. Jiles, de solo 28 años dejaba a una viuda embarazada de Jay Richarson, el cual nacería 84 días despues de la muerte de su padre. Póstumamente se editó la canción “Running bear” de la que era autor y en la que acompañaba a George Jones, la canción trepó al número 1 siendo su último legado al rock.

Dale Hawkins

Dale Hawkins (nacido como Delmar Allen Hawkins en 1936 en Goldmine, Louisiana) es uno de los pioneros olvidados del Rock, cantante, compositor y guitarrista se le suele llamar “el arquitecto del swamp rock boogie”. Su familia era muy pobre y él llegó a trabajar en los campos de algodón de Louisiana a finales de los años 40. Allí aprendió a tocar la guitarra y a cantar gospel cuando solo era un niño. Poco despues fue repartidor de periódicos para poder comprarse su primera guitarra, que consiguió a los 11 años. Poco a poco consiguió gran maestría y estilo personal con el instrumento llamando la atención de la emisora country de radio KWKH, donde sorprendió a todo el mundo por su estilo más cercano al rhythm & blues y al rockabilly antes que al country, conviertiendose finalmente en una amalgama de todos estos estilos, pero más campestre (solía incluir hasta cencerros en sus canciones), era tan dificil clasificarlo que se le dió un nombre aparte: “Swamp rock boogie” (rock del pantano). En 1956 el sello Norton se fijó en Dale y le grabaron el

single “Suzie Q” (es el nombre de un paso de baile pero Hawkins lo transforma en una chica). Este mítico tema (inmortalizado definitivamente trece años despues por Creedence Clearwater Revival) llegó a las listas nacionales estadounidenses sorprendiendo a todo el mundo tanto por el original ritmo como por el impresionante solo de un guitarrista de 15 años llamado James Burton (luego compañero de Elvis). Poco despues grabó la excelente “See you soon Baboon” que también alcanzó cierto éxito. El joven talento de 19 años grabó su primer album con estos dos temas y otros más, pero el éxito no le volvería a sonreir. Se ha dicho que los oyentes blancos pensaban que era negro y los oyentes negros pensaban que era blanco y a ninguno de ambos grupos agradaba tal cosa. A finales de los años 50 siguió grabando, no obstante, algunos temas sensacionales como “Teenage Dolly” o “Tornado” pero ya con poquísima atención de la crítica y el público. Durante los años 60 y 70 hubo de compaginar su carrera en solitario, orientada ahora más hacia la música country, con la de músico de sesión. Cuando llegó el revivalismo rockabilly de los años 80, era u n o de los músicos legendarios más en forma. Los años 90 fueron una segunda juventud para él, reconocido como uno de los más influyentes rockers del pasado (incluso llegó a regrabar “Suzie Q” junto a Burton) y uno de los mejores compositores rockabilly del presente. Despues se ha dedicado a la producción llegando a ser director artístico para la RCA.

Dale Hawins, primo de otro rocker, Ronnie Hawkins, fue el pionero del Swamp Rock y es autor de uno de los clásicos del rock and roll, “Susie Q”, que fue versioneada innúmeras veces por casi todos los super grupos de rock sureño de los 70, incluyendo a Creedence Clearwater, además de ser banda sonora de películas y comerciales de TV. 123

LA ERA DEL ROCK

Teen Idols Rock y el consumo en masa Paul Anka Nacido en, Ottawa, Canadá en 1941, es uno de los primeros ídolos adolescentes de la historia del rock y sin duda, uno de los pocos surgidos por su propia calidad y fuerza, sin la necesaria adulteración mercantilista que le ofreciera como producto de consumo. A los catorce años ya había escrito el tema Diana con el que se haría famoso, alcanzando el nº 1 en más de veinte paises y consiguiendo que su canción tuviera mas de 300 versiones en todo el mundo. Paul era hijo de los dueños de un restaurante. A los doce años formó su primer grupo en la Fisher Park High School, y su éxito fue tal que les llovieron ofertas para actuar en circuitos musicales estudiantiles y en obras musicales. Paul prefirió seguir solo y obtuvo el permiso paterno para trasladarse a Hollywood, donde residía un tío suyo. Consiguió grabar sin éxito algunos singles, hasta que Don Costa le llevó a ABC - Paramount, donde registró Diana, uno de los grandes temas de la historia y disco clave en 1957 en su género. Hasta 1962 la línea de sus canciones será una constante de éxitos: I love you baby, You are my destiny, Crazy love, Lonely boy, Put your head on my shoulder, It’s time to cry, Puppy love y muchos otros. Durante los años 60 y la primera mitad de los 70, Anka se dedicara a la composición preferentemente, aportando canciones extraordinarias como She’s a lady para Tom Jones y la excepcional My way, que primero grabó Frank Sinatra y después muchos otros, traducida al español como A mi manera, será otro de los más grandes temas de la historia de la música pop. Involucrado en el show-business como hombre de negocios, crea compañías musicales y de producción, convirtiéndose en la cabeza de un pequeño imperio comercial. Sus actuaciones en Las Vegas y en los circuitos de clubs estadounidenses mantienen viva, sin embargo, su fama como cantante. En 1974 volverá a las grabaciones y ob124

tendrá un nuevo éxito con You’re having my baby, manteniendo desde entonces una linea discográfica regular llena de calidad. Su papel como autor y cantante le aparta de los clásicos cantantes convencionales, ya que su constante evolución y adecuación musical, siempre acorde con los tiempos y con la progresión estilística, le han hecho figurar en un plano destacado.

Sin pretender menospreciar las influencias y el genuino talento de algunas de estas estrellas adolescentes, debemos ser justos al afirmar que la industria y los consumidores estaban pasando por un “cansancio” de los rebeldes rockers, por lo que se lanzó la carrera de jóvenes, apuestos y correctos para el gran mercado de adolescentes ávidos de nuevas estrellas con quien soñar, ya que

el rock and roll estaba pasando ya como “fuera de onda” y “demasiado salvaje”. ¿Lograría triunfar finalmente el stablishment sobre la rebelde marea juvenil?. En esta sección presentaremos a algunos de los más famosos ídolos adolescentes de finales de los 50 y principios de los 60, cuando ya se le daba por muerto al genuino Rock and Roll.

Pat Boone

música gospel y canciones inocentes con su esposa y sus cuatro hijas: Cherly Lynn, Linda Lee, Deborah Ann y Laura Gene. A la vez que actuaban en Disneylandia, grabaron el LP Pat Boone Family.

Más de dos docenas de hits avalan la carrera de Pat Boone (Charles Eugene Boone,1934, Jacksonville, Florida) entre 1955 y 1962, convirtiéndole en uno de los pocos grandes astros del cine y de la canción que, estando ya asentados en el albor del rock and roll, supieron mantenerse durante el boom y llegar en plena actividad hasta comienzos de los 60, rozando la frontera musical que establecieron los Beatles en 1964. Pat fue el cantante juvenil más popular anterior a Presley, rival de Elvis entre 1956 y 1958; y a la postre uno de los pocos que no se vio afectado por él, mostrándose precisamente como su oponente. Si Elvis fue el rebelde con trasfondo sexual, Pat ofreció siempre la imagen blanda y convencional del «buen chico», tanto en sus canciones como en sus películas. En sus inicios se dedicó a cantar versiones de los éxitos del rhythm and blues, grabando covers adulterados e inocentes, especiales para teenagers blancas y puras. Su primer hit fue Ain’t that a shame en 1955 (versión del tema de Fats Domino), al que siguieron Long tall Sally (de Little Richard) y otros muchos. Pat creció en Nashville, de ahí que sus raíces musicales estuvieran dentro de la esfera country y que se casara con Shirley Foley (hermana del cantante Red Foley). Contratado por Dot Records, inició en 1956 su extensa carrera de éxitos, con títulos como I’ll be home, I almost lost my mind y Friendly persuasion, en 1956; Don’t forbid me, Love letters In the sand, you ‘re mine y April love, en 1957; A wonderful time up there, It’s too soon to know, Sugar moon y If dreams came true, en 1958; I’ll tonight for a penny, ’twixt twelwe and twenty, en 1959; Walking the floor over you, en 1960; Johnny will y Moody river, en 1961; y Quando y Speedy Gonzales, en 1962. Cinamatográficamente destacan sus trabajos en Bemadine, April love, Mardi Gras, State fair y The main attraction. Durante los años 60 se dedicó principalmente a actuar en TV, viviendo de su gloria pasada, hasta que, en los 70, formó un grupo de

Pat Boone, pulcro, conservador, buen padre de familia, profundamente cristiano, licenciado en filología inglesa y por si fuera poco, antepasado directo del legendario Daniel Boone, era la antítesis de Elvis. Durante los 50’consiguió tantos discos de oro como Presley, convirtiéndolo en ídolo de quinceañeras y lo más efectivo, de sus madres. En los 70 formó un grupo de música cristiana junto a su esposa y sus cuatro hijas. 125

LA ERA DEL ROCK

Teen Idols

Ricky Nelson

Ricky Nelson (nacido como Eric Hilliard Nelson en Teaneck, New Jersey en 1940) es uno de los grandes cantantes y actores adolescentes de la segunda mitad de los años 50, con una brillante carrera discográfica y una no menos notable carrera cinematográfica en papeles dramáticos. Hijo de artistas, su padre Ozzie Nelson, líder de su propia banda, y su madre la cantante Harriet Hilliard, aprendió a tocar varios instrumentos y debutó a los ocho años junto a sus padres en la serie de TV “The Adventures of Ozzie & Harriet”. Destacado atleta en la Hollywood High School, su facilidad interpretativa le llevó pronto al cine y a grabar en solitario sus primeros discos. Entre sus películas más destacadas hay que citar “Rio Bravo” (con Angie Dickinson y John Wayne), y “The Wackiest Ship in the Army”. En 1957 consiguió su primer gran éxito discográfico con “A teenager's romance”/“l'm walkin'” (muchos de sus singles contaron con dos te126

mas importantes, una doble cara A). Su primer sencillo llegó hasta la posición número cuatro en las listas musicales. Pronto, cada programa de televisión terminaba con una presentación de “Ricky”. Hasta comienzos de los 60, grabó numerosos temas, entre ellos: “Be bop baby” y “Stood up”, en 1957; “Believe what you say”, “Poor little fool” (nº 1 en USA), “I got a feeling” y “Lonesome town”, en 1958; “Never be anyone else but you”/“It's late, Just a little too much” y “Sweeter than you”, en 1959; y “Young emotions”, en 1960. En 1961, Ricky cambió su nombre por el de Rick, en busca de una nueva imagen, ante la pérdida de fuerza del rock and roll, ese año fue nº 1 en USA con “Hello Mary Lou”/“Travelin' man”, que fue su último gran éxito. De 1957 a 1962, Ricky tuvo 30 canciones dentro del top 40 de Billboard, más que cualquier otro artista en ese tiempo con excepción de Elvis Presley. Dedicándose preferentemente al cine y a la TV (destacándose su actuación en la película “Rio Bravo” de 1959 junto a John Wayne), durante los años 60 editó varios LP's y abundantes recopilaciones de su etapa estelar. Casado con Kristen Harmon en 1963, gozó de

Teen Idols ocasionales vueltas al éxito con algunas grabaciones, como “She Belongs To Me” en 1969 y “Garden Party” en 1972. Durante su etapa de mayor éxito merece destacarse la contribución que el guitarrista James Burton hizo al frente de su banda, modelando el sonido que convirtió a Ricky Nelson en algo más que una estrella comercial para las teenagers. A finales de los 70 su esposa se había divorciado de él y se llevó a sus cuatro hijos. Su vida personal y artística decayó rápidamente. En 1985, se unió a una gira de nostalgica por Inglaterra, logrando despegar un poco su carrera. Trató de realizar la misma gira en el sur de los Estados Unidos, pero el último día del año 1985, muere trágicamente junto a otros 6 de su banda cuando se estrelló el avión que se dirigía a Dallas, Texas. La última canción que interpretó fue antes de su muerte fue “Rave On” de Buddy Holly.

Fabian Fabiano Bonaparte, es el clásico ejemplo del cantante fabricado por hábiles productores, en este caso de Peter De Angelis y Bob Marcucci, para explotar sus indudables encantos. Primero con la historia falsa de su descubrimiento casual, pasaron luego a bombardear los medios con la imagen de su nueva creación, pero no lograron lo que esperaban hasta la aparición de Fabian en el programa juvenil American Bandstand, dirigido por Dick Clark. Esta aparición disparó las ventas de su single “I’m a Man” gracias a las deslumbradas adolescentes. Los autores del tema, Doc Pomus y Mort Schuman, siguieron escribiendo productivos éxitos para “The Tiger” como lo llamaban sus fans, temas como “Turn Me Loose” que llegó a estar entre los Top 10, “Tiger” que vendió más de un millón de copias, “Hound Dog Man”, “Come On and Get Me” e “Hiynotized”. Mientras tanto él potenciaba su imagen en sosas películas hasta 1960, año en que acabó su carrera como cantante por una escandalosa presentación donde lo usaban de ejemplo

de victima explotada por malignos empresarios. Como broche de oro, Fabian confesó que debían hacer grandes esfuerzos en los estudios para potenciar su limitada voz. Pero pudo lucir su físico en algunas películas actuando al lado de Bing Crosby y John Wayne hasta 1966.

Frankie Avalon Francis Thomas Avallone nacido en 1940 en Philadelphia, a los 9 años despertó su interés por el mundo artístico musical, y Frankie Avalon empezó como trompetista. Poco a poco su sueño era convertirse en alguien de la talla de Louis Armstrong o Harry James. Tomó clases con un músico de la orquesta sinfónica de Filadelfia; y pronto su habilidad lo lleva a los shows de Pery y a presentaciones con Jackie Gleason, Ray Anthony y Paul Whitman. A los 13 años debutó ya profe127

LA ERA DEL ROCK

Teen Idols rolyn Jones. Durante los años 60 no editó discos y trabajó en TV en diversas series juveniles hasta 1971, en que intervino en la serie cómica “I love american style”. Perdida su apariencia juvenil ante las nuevas generaciones, mantuvo su popularidad, destacando su breve intervención en la pelicula musical “Grease” en 1978, y su interpretación del tema “Beauty school drop-out” con el que volvió a reverdecer viejos laureles.

sionalmente con un grupo en Atlantic City. Su incipiente fama le llevó a la TV, consiguiendo la popularidad en el “Teen Club” de Paul Whiteman. Fueron dos compositores y productores, Peter de Angelis y Bob Marcucci, los que descubrieron sus posibilidades vocales. En 1957 Frankie dejó su grupo, Rocko & His Saints, con el que actuaba en clubs junto a Fabian y otros jóvenes artistas de la zona de Philadelphia, para iniciar su propia carrera en solitario como cantante y actor. Su primer film fue “Jamboree” en 1957. Ese mismo año editó su primer gran éxito, que fue hit en 1958, “Dede Dinah”. Discográficamente se mantuvo hasta comienzos de los 60 con varios temas de marcado carácter juvenil como: “Just ask your heart” y “Venus” en 1959 que sería su más recordado éxito. Una vez alcanzada gran popularidad, Frankie comenzó una nueva etapa en su carrera dedicándose al cine. Apareció en “Fuego en el bosque”, junto a Alan Ladd y Keanne Crain, pero su verdadera oportunidad llegó cuando John Wayne le ofreció un papel en la película “El Álamo”, donde cantó “Salud por las Damas” y actuó como el joven acompañante de David Crockett (John Wayne). Tras esta película siguieron otras como “Viaje al fondo del mar”, y “Navegue un barco loco”, con Robert Wagner, Dolores Hart y Ca128

Teen Idols

Bobby Darin

Walden Robert Cassotto nació el 14 de mayo 1936. Fue uno de los cantantes más populares e ídolo de adolescentes de las décadas de 1950 y 1960. Fue conocido también por conquistar diferentes géneros musicales como el Folk, Country, Pop y Jazz. Trabajó también como actor en varias películas y llegó a estar nominado a un Oscar en 1964. Darin nació en una familia pobre de clase trabajadora del Bronx, Nueva York. Su padre provenía de una familia italiana, y desapareció unos pocos meses antes de que Bobby naciera. De pequeño tuvo una salud frágil, a los 8 años estaba aquejado de múltiples ataques de fiebre reumática. La enfermedad lo dejo con serios problemas de corazón. Bobby tenía un gran talento para la música. En su adolescencia aprendió a tocar varios instrumentos como el piano, la batería, la guitarra, la armónica y el xilófono. Fue un alumno destacado, con un coeficiente intelectual de genio, Bobby se graduó en el Bronx High School of Science y después asistió al Hunter College con una beca. Lo que Bobby quería realmente era tener una carrera artística. Dejó los estudios y comenzó

a trabajar en Clubes Nocturnos como cantante con un conjunto de música. También trabajo en el centro turístico Catskill Mountain como animador. En 1956 firmó un contrato con Decca Records, sin embargo Darin como muchos otros cantantes empezó cantando éxitos de otros artistas. Cuando dejó Decca Records firmó con Atlantic Records, donde escribió música para él y para otros artistas. Después de tres grabaciones mediocres, su carrera empezó a despegar en 1958 cuando lanzó su único single de rock “Splish Splash”. Este se convirtió en un éxito vendiendo más de un millón de copias. En 1959 Bobby Darin grabó “Dream Lover” una balada que vendió varios millones de copias. Su éxito prosigió con “Mack the Knife” el clásico de Kurt Weill “Three Penny Opera”, ésta es sin duda junto con “Beyond The Sea” las canciones más importantes y representativas de Bobby Darin. Este éxito fue directamente al Nº 1 y vendió varios millones de copias. Gracias a esta canción Bobby ganó un premio Grammy en la edición de 1960. Darin ganó también el premio a Mejor artista revelación. Bobby se dedicó también al cine; escribió temas para varias películas y actuaba en ellas. La película más importante de la que formo parte fue “Come September”, una comedia romántica co-protagonizada por Sandra Dee con quien se casaría en 1960 y al año si-

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Teen Idols guiente nacería su hijo Dodd Mitchell Darin; la pareja de superestrellas se divorciaría finalmente en 1967. En 1962 Bobby ganó un Globo de Oro por su papel en “Pressure Point”. En 1963 fue nominado a un Oscar por su papel de Soldado en Capitán Newman M.D. y encabezaba los carteles de los casinos más importantes de Las Vegas. Darin también se intereso en la política, trabajando en 1968 para la campaña presidencial de su amigo Robert Kennedy. El asesinato de Robert afectó profundamente a Bobby, por lo que publicó 2 álbumes protesta de música Folk. A principios de los 70 continuó actuando y grabando en estudios como Motown Records. En Enero de 1971 fue operado para corregir sus afecciones de corazón con los que había vivido desde pequeño. En 1972 Darin tenía su propio Show en la televisión norteamericana NBC (“The Bobby Darin Amusement Company”) que duró 2 años. También siguió actuando en Las Vegas donde le istraban oxigeno después de cada actuación. Su salud empeoró y el 20 de diciembre de 1973 Darin muere en la mesa

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de operaciones. Su cuerpo fue donado a la UCLA para la investigación. En 2004 Kevin Spacey progonizó y dirigió la película biográfica “Beyond The Sea”, presentando a Bobby Darín y su obra a nuevas generaciones.

Neil Sedaka James Frederick Rodgers, nació en Brooklyn, NY en 1939. Sedaka era un pianista prometedor con nueve años y a los doce fue itido en la prestigiosa Julliard School of Music. Con un amigo vecino suyo, Howie Greenfield, comienza a componer canciones y en 1955 funda The Tokens, grupo de doo-wop con los que obtiene un pequeño hit en Nueva York, I love my baby, para separarse después. Unos años más tarde, los Tokens tendrían el éxito mundial: The lion sleeps tonight. La escena musical Pop de mediados de los 50 embrujó a Sedaka, la diversión, la variedad, vitalidad y los enredos del negocio, la subida y caida del rock and roll, etc. Neil prosigue su colaboración con Greenfield, escribiendo canciones, que son grabadas por artistas de la época como los Clovers, Clyde Mhatter o Lavern Baker. En 1958 escriben Stupid Cupid, que Connie Francis, tras oirla, no duda en grabar y convertir en nº 1 en Gran Bretaña. Ese año de 1958 Neil y Howie son contratados por Don Kirshner dueño de uno del famoso Brill Building en Broadway. Este edificio era como una fábrica de compositores y escritores, donde cada compositor tenía una pequeña cabina con un piano y se dedicaban a componer por 125 dólares a la semana (con un plus si la canción llegaba a ser un éxito). Pero a Sedaka no le bastaba con la composición y quería grabar su material personalmente. Eso hizo, por ejemplo con The Diary, cuya versión de los Imperials, no agradaba a Neil, y grabó su propia versión con la que alcanzó el nº 14 de las listas USA. Pronto siguieron

Teen Idols

versión más lenta. Hoy en día todavía sigue activo y sale de vez en cuando de gira con una orquesta de cámara.

Bobby Rydell

más éxitos: En 1959 tuvo su primer millón de ventas con I Go Ape y Oh! Carol, dedicada a su compañera de estudios Carole Klein (quien pocos años después sería conocida como la cantautora Carol King), Calendar Girl (inspirada en Marilyn Monroe) y Happy Birthday Sweet Sixteen. Sólo hasta 1960 el dúo Sedaka/Greenfield tenían en su haber alrededor de 400 canciones compuestas. Por fin en 1962 consiguen su primer nº 1 en USA con el tema Breaking up is hard to do. A partir de aquí decaen los éxitos en las listas y Sedaka se dedica exclusivamente a componer para otros como Tom Jones, Andy Williams, Peggy Lee o David Cassidy. En 1972 viaja a Inglaterra donde siempre habia sido muy popular y trabaja junto al grupo 10CC en su LP. Graba en el sello de Elton John, Rocket Records el tema Laughter in the rain, con el que vuelve al nº 1 en 1974. Repite el mismo éxito al año siguiente con Bad Blood, con Elton John a los coros. Breaking up is hard to do, volvió por última vez al Top 10 en 1975, ésta vez con una

Bobby Rydell nació como Robert Louis Ridarelli, en 1942 en Philadelphia, Pennsylvania. Fue su padre quien lo animó a perseguir una carrera en el show business. A los 6 años, Rydell ya tocaba la batería e imitaba a sus ídolos de la TV como Louis Prima, Johnny Ray y el baterista Gene Krupa. A los 7 años, acompañado de su padre ya actuaba en varios clubes de Philadelphia. En 1950, Bobby Rydell entra en el show de aficionados de Paul Whiteman, donde consiguió ser parte habitual del programa durante 3 años. Allí fue donde

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LA ERA DEL ROCK

Teen Idols

cambió su nombre de Ridarelli al más “pronunciable” Rydell. A los 16 años ya participaba en varias bandas locales y en especial participó como baterista de Rocco and the Saints donde conoció a Frankie Avalon quien tocaba la trompeta. Con la banda consiguen firmar con la Cameo/Parkway Records en Philadelphia y es ahí donde graba su primer hit solista “Kissin’ Time”, grabado en el verano de 1959, lanzando su carrera musical y haciendo de él un Teen Idol a sus 17 años. Después de esto, comenzó a actuar de solista en el Copacabana Club de New York en 1961, donde consigue un éxito inmediato. Durante los 60, Rydell consiguió 19 hits en los Top 100 de la Billboard. Esto incluía su canción más popular de 1960 “Wild One” que llegó al número 2. Otras canciones que lo hicieron popular fueron “Volare”, “Swingin’ School,” “Kissin’ Time,” “Sway”, “I’ve Got Bonnie” y “Forget Him” (que trepó al número 4 en los Billboard). Su tope de popularidad la consiguió cuando Presley fue reclutado, Chuck Berry encarcelado, Jerry Lee Lewis enfrentando el escándalo y Little Richard retirado. 132

En 1963 consiguió un protagónico en la versión cinematográfica de “Bye Bye Birdie” junto a Ann Margret y Dick Van Dyke. Ese mismo año logra su último grán éxito con la canción “Forget Him” que se mantuvo varios meses en el Top 10. Durante ese tiempo, Rydell también apareció en muchos shows de TV, incluyendo al Red Skelton Show y the Danny Thomas Show. Rydell continuó actuando en nightclubs y en casinos de las Vegas durante los 70 y 80, sus materiales discográficos sin embargo estuvieron todo ese tiempo en la sombra debido a que Abcko Records no publicó nada de su material grabado en Cameo-Parkway hasta el 2005. Bobby sigue actuando hasta hoy en actuaciones en solitario y como parte de los “Golden Boys” con sus viejos compañeros Frankie Avalon y Fabian.

Bobby Vee Bobby Vee (nacido Robert Thomas Velline en 1943, Fargo, North Dakota) fue otro de los cantantes populares de fines de los 50 y comienzos de los 60 que llegó a meter 34 hits en los Hot 100, 10 de los cuales entraron entre los Top 20 de la Billboard. La carrera de Bobby comenzó curiosamente gracias a una tragedia, el “día que murió la música”, aquel tristemente célebre día en el que perdieron la vida tres grandes estrellas de rock en 1959. Velline tenía 15 años cuando formó su primera banda en North Dakota, se hacían llamar “Bobby Vee and the Shadows” y tuvieron su gran oportunidad al ser llamados como voluntarios a ocupar el lugar que dejaron Buddy Holly, Richie Valens y Big Booper quienes fallecieron en la trágica gira por esa zona del país. La actuación del grupo de adolescentes fue un gran

Teen Idols

suceso y eso desencadenó una serie de eventos que lo convirtieron en un cantante local muy popular. Su primer single solista fue “Suzie Baby” (1959), una canción original de Vee que seguía el estilo de “Peggy Sue” de Buddy Holly; llamó la atención de Liberty Records quien lo fichó a comienzos de 1960. Su siguiente single fue un cover del británico Adam Faith llamado “What Do You Want?” que no tuvo el éxito deseado. Sin desalentarse lanzó un nuevo single ese año, un revival de los Clovers, “Devil or Angel” que le abrió al fin el difícil mercado americano; su siguiente trabajo “Rubber Ball” fue el disco que lo lanzaría al estrellato internacional. Bobby Vee continuó con una serie de temas exitosos como “More Than I Can Say” (1961); “Run To Him” (1961); su gran éxito de 1961 “Take Good Care of My Baby” que alcanza el número 1 en USA y el número 3 en Gran Bretaña y “The Night Has a

Thousand Eyes” (1963). Cuando Vee graba su hit “Come Back When You Grow Up” en 1967, fue llamado a integrar el grupo The Strangers. Vee también siguió los pasos de otros artistas similares, apareciendo en varias películas musicales. Se casó y tuvo tres hijos y una hija. Pasados los 60 siguió actuando en diversos clubes y formando parte de espectáculos nostálgicos junto a Fabian, Chris Montez, Brian Hyland y The Chiffons. Actualmente sale de gira con su grupo The Vees que incluye a dos de sus hijos mayores, Jeff y Tommy Vee. Su hijo menor Robby Vee también siguió los pasos de su padre. La carrera de Bobby Vee fue galardonada con varios premios en su estado natal y también fue introducido al Rockabilly Hall of Fame.

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LA ERA DEL ROCK

Crocknología 1951

Realización de “Rocket 88” por ike Turner y su grupo, pero en los créditos figura un tal Jackie Breston. Es considerado el primer disco de rock and roll.

1952

Un casi desconocido músico llamado Bill Halley forma The Comets, con quienes son considerados la primera banda de rock and roll.



Alan Freed (conocido como “Moondog”) organiza el primer concierto de rock’n’roll, llamado “Moondog Coronation Ball”.



Desde Philadelphia se empieza a trasmitir el programa musical “Bandstand” conducido por Bob Horn.



Les Paul inventa la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido en la fábrica Gibson.

1953

Elvis Presley realiza su primera grabación privada en los estudios SUN de Sam Phillips.



Ocurre el boom de los grupos vocales de Doo-Woop, inaugurado por el éxito de los Penguins “Earth Angel” y el “Only You” de los Platters al año siguiente.



Las compañías discográficas cambian el disco de 78 RPM y se pasan al de 45 RPM. La compañía japonesa TTK (mas tarde Sony) saca a la venta la primera radio de transistores.

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Aparece la película “Blackboard Jungle” presentando a Bill Haley & The Comets y su “Rock Around The Clock”, la canción permanece 8 semanas en el número 1 de las listas.

Chuck Berry entra a su primera sesión de grabación.



“Heartbreak Hotel” le da a Elvis su primer número 1 y desata la “Elvismanía” y la fiebre del rock and roll.



Cada viernes a la noche se trasmite “American Bandstand” conducido por Dick Clark, allí se presentan en TV todos los grupos de rock y se organizan concursos de baile.

1957

“All Shook Up” le da a Elvis su primer número 1 en Inglaterra. Elvis es reclutado por el ejército después de finalizar su película “King Creole”. Se lanza la moda de los “Teen Idols”.

1958

Se publica la lista de los 100 más Hot del Billboard, basado en las ventas de discos, emisiones radiales y de jukebox.



Don Kirshner abre las oficinas para compositores en el Brill Building de New York que se convertiría en la fuerza más poderosa de la música pop.

1959

Buddy Holly, The Big Booper y Richie Valens mueren en un accidente aéreo en Clear Lake, Iowa. Tras este hecho y el alejamiento de varios pioneros, el rock and roll crudo y salvaje regresa a un sonido más melódico y romántico de los grupos vocales y las orquestas de cuerdas.



Nace una nueva corriente de mucho éxito, el Rock Instrumental, liderado al principio por Duane Eddy y por The Hurricanes.

1955

La RCA firma con Elvis Presley por una suma sin precedentes en la historia de la música.

1956

1954

años 50

CAPITULO 5

El Rock’n’Roll cruza el océano

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os años cincuenta, al contrario de lo que ocurría en los E.U., no eran precisamente la época dorada para los adolescentes ingleses. La Segunda Guerra Mundial hizo estragos en la economía inglesa y la austeridad de los años de la guerra se veía en todos los aspectos de la sociedad. En las islas británicas los músicos de blues y jazz eran tratados como leyendas vivientes, la música negra vino a ser muy popular gracias a jóvenes de clase media, al tiempo que en los USA era olvidada. De hecho, Londres fue el centro del “trad” (“traditional jazz”), expandiendo su influencia a cientos de músicos blancos entre los que destaca Alexis Korner. Liverpool por su parte fue el centro del “skiffle”, un estilo musical que surgió del blues tradicional más campechano, importado por Lonnie Donegan y su “Rock Island Line” (1955). En ese tiempo la vida musical era firmemente controlada por dos grandes cadenas: MECCA y TOP RANK, quienes eran dueños de los salones de baile más grandes del Reino Unido (donde se escuchaban todavía los éxitos de las Big Bands de la década anterior). Por otro lado, las dos únicas estaciones de radio y el canal de televisión más importante, eran controlados estrictamente por la British Broadcasting Company (BBC) de Londres, que era manejada por el Parlamento. Los otros canales de TV aunque eran independientes, eran duramente restringidos en su publicidad y programación. Nada se difundía sin el consentimiento de la BBC, es

decir, ninguna influencia decadente que manchara la durísima moral inglesa podía siquiera atisbar por las rendijas. Pero si existían las rendijas existían quienes podían atravezarlas, es así que apareció a mediados de los años 50, Radio Luxemburgo, donde se emitía el programa de Jack Jackson Show, que se atrevía no solo a desafiar a la poderosa BBC, sino a pasar los discos de Blues, Rhythm and Blues y de Rock and Roll que venían de los E.U. clandestinamente bajo el brazo de marineros ingleses. Este “mercado negro” de la música pegó de lleno en los adolescentes ávidos de nuevos horizontes y sensaciones. La mayoría de los rockeros norteamericanos que viajaban a Inglaterra se convertían en ídolos inmediatos, aún cuando ya no lo eran en su patria, comenzando con Bill Halley que arribó en 1957, precedido por el filme “Rock Around the Clock”. Otros como Gene Vincent o Eddie Cochran se convirtieron en modelos a seguir. Elvis fue el único que no llegó a actuar nunca en Inglaterra, pero sus filmes eran piezas de culto.

En 1953 es coronada Reina, Isabel II, con ella se inauguraba un nuevo periodo, donde la realeza se acercaría más a su pueblo, dejando ver un lado más humano; aspecto que hasta entonces era de lo más hermético. La prensa sensacionalista jugaría un papel importante en esta apertura, que se daría más adelante en todas las cortes europeas.

LA ERA PRE-BEATLES La música joven por excelencia en esa época sin embargo era el Skiffle, una extraña mezcla de sonidos del blues, jazz y del folklore inglés, que era obligación en todo músico joven que se preciara, el Skiffle obtenía sus melodías y letras de los viejos blos del sur de los E.U.

Todos aquellos rockeros que para 1958 ya eran historia en los USA, en Gran Bretaña eran recibidos como héroes, gracias a los discos y películas que empezaban a venir del otro lado del océano. 135

LA ERA DEL ROCK

LOS COFFEE BARS A la par del Skiffle, dos elementos más se unirían para fertilizar el campo del naciente British Pop. El Jukebox o Rockola, importado de los E.U. vino a encontrar su hogar en una idea tomada de Italia, los Coffee Bars. Unos avispados empresarios crean entonces un ambiente que finalmente los jóvenes podrían definir como “suyos”, muy diferentes a los grandes salones de baile y los pubs que frecuentaban los adultos. Los Coffee Bars eran pequeños “bolichitos” llenos de música y humeante capuccino. Se convirtieron en los “templos de la juventud” londinense primeramente y luego de todo el país. Para 1958 ya existían más de 3.000 de estos locales, que eran considerados por los adultos como “antros de perdición” o “decadencia importada”. El más famoso de estos Coffee Bars fue Two i’s, ubicado en el London Soho y donde llegaron a actuar casi todos los primeros ídolos del movimiento rockero inglés. Fue justamente aquí donde surgió la primera gran estrella de rock & roll auténticamente británica: Tommy Steele.

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como Leadbelly; además para su cultivo se necesitaba muy poco: una guitarra, una batería, una tabla de lavar y una “ratonera”que hacía de contrabajo, la misma consistía en una caja de madera a la cual se colocaba un palo de escoba que a su vez tensaba una cuerda; si uno quería ser más profesional, podías agregar un banjo, un piano o un contrabajo de verdad. Hubo una figura entre tantos que se destacó en este estilo musical y el cual llevó al Skiffle al gran público joven inglés necesitado de una música propia, su nombre:

Lonnie Donegan Anthony Donegan (nacido en Glasgow, Escocia en 1931) es la gran estrella de la música británica de los 50. Formado en el jazz y con raíces folk, aprende de su padre, que es violinista. A los diecisiete años toca en un grupo de Glasgow, y mientras cumple su servicio militar entre 1949 y 50 es batería en la Wolverines Jazz Band. Será más tarde miembro del Ken Colyer’s Group, hasta que en 1953 se une como cantante y banjo a la banda de Chris Barber, mostrando su versatili-

dad como músico. Cuando en 1955 se edita el álbum de Barber titulado New Orleans Joys, un tema interpretado por Lonnie salta al éxito: Rock island line. Al año siguiente y ya actuando en solitario, Lonnie Donegan inicia una carrera que hasta comienzos de los 60 le reportará más de treinta hits, de ellos tres nº 1 (Cumberland gap, Gamblin’ man y Putting on the style, en 1957; My old man’s a dustman, en 1960) y catorce top-10 en Inglaterra. Gran cultivador del skiffle, estilo que dominará la música popular inglesa en este tiempo, Lonnie Donegan se convierte en el primer ídolo de masas por la envergadura de sus hits, hasta que la aparición de los Beatles y el inicio del pop le relega a un segundo plano. Su fama, consolidada en series de TV y películas, pasará no obstante a formar parte de la gran historia de la música en Gran Bretaña.

El Skiffle era una mezcla de country norteamericano, blues, jazz, dixie y rhythm and blues. Aparte de la guitarra, banjo y demás instrumentos tradicionales, era común el uso de instrumentos caseros como la tabla de lavar, “la ratonera” o los botellones (jug jars), ésta era la música de los jóvenes ingleses antes de la era Beatle y todos las futuras estrellas británicas sin excepción han pasado por bandas de skiffle.

Tommy Steele Aunque ya habían en Inglaterra muchas estrellas de la música popular, Tommy Steele (su verdadero nombre es Thomas Hicks) es el primer héroe del Rock and Roll autóctono; que abriría el camino a los muchos por venir como Vince Taylor, Adam Faith, Cliff Richards, Tony Sheridan, etc. y sobre todo rompió la hegemonía de los ídolos importados de E.U. Tommy, nacido en un suburbio de Londres en 1936, se inició, como casi todos, en el skiffle, pero rápidamente evolucionó al rock. El salto lo logró gracias a la ayuda de Paul Lincoln y Ray Hunter, dueños de “2 i’s Cofee Bar”, donde se presentaban en vivo todas las estrellas juveniles del momento, era la Meca de los adolescentes londinenses en los años 50’s. Precisa-

mente en 1956, un joven publicista, John Kennedy, ve en Tommy al héroe local que haría frente a la avlancha de rockeros norteamericanos. El éxito le llegó con “Swinging the Blues”, su tema más recordado, también de 1956. Tommy Steele entonces ya era un ídolo consumado y para comienzos de los sesenta dejó la música para seguir de lleno la carrera de actor, que atrajo más su vocación que la música. Se convirtió en un referente de películas musicales y en el arquetipo de la pantomima inglesa. El sigue actuando y participando en musicales en una carrera que ya va por la tercera década.

Vince Taylor Vince Taylor nació como Brian Maurice Holden en Julio de 1939 en Londres. En 1946 los Holdens emigraron a los E.U., estableciéndose en New Jersey donde el padre de Brian empezó a trabajar en una mina de carbón. Hacia 1955, su hermana se casó con Joe Barbera, quien vino a ser uno de los grandes héroes de la industria de los dibujos animados. Cuando Joe se asoció a William Hanna, toda la familia se mudaría a California. Brian estando en Hollywood, estudió locución y hasta lecciones de vuelo. A los 18 años, impresionado por Bill Haley y Elvis Presley, Brian comienza a cantar donde le dejan, en fiestas, presentaciones estudiantiles y concursos para amateurs.

Vince Taylor fue también una gran influencia para los primeros rockeros ses, pues fué en París donde comenzó a explotar su imagen de “rebelde de cuero negro”.

Su cuñado Joe Barbera, que a la sazón hacía de manager, viajó a Londres por negocios y se llevó a Brian a chequear la escena musical londinense. Allí conoció a un tal Paul Taylor quien le dió la dirección de un coffee bar en la calle Old Campton donde Tommy Steele actuaba. Brian conoció así a muchos roc137

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keros amateurs que se reunían en ese lugar llamado “The Coffee 2 I’s”. Brian necesitaba mostrar de lo que era capaz y empezó a cantar con su propia banda. Conoció al baterista Tony Meehan (más tarde de los Shadows) y al bajista Tex Makins y nombró a la banda The PlayBoys. ‘Brian Holden’ no era un buen nombre para el escenario y su vestimenta era demasiado elegante. Joe y Brian deciden cambiar su nombre artístico a ‘Vince Taylor’ (Brian era irador del actor Robert Taylor). Vince Taylor and the Play-Boys había nacido. Después de algunos cambios, la agrupación final de The Play-Boys fue: Bobbie Clarke (batería), John Vance (bajo), Alain Le Claire (piano) y Tony Harvey (guitarra).

Vince Taylor charlando en camerinos con su gran influencia, Gene Vincent, que en ese momento era el gran referente del rock rebelde.

Su primera grabación fue para Parlophone-Odeon, donde grabaron en 1958, ‘I Like Love’ y ‘Right Behind You Baby’. Aunque unos meses después de grabar ‘Pledgin My Love’ y ‘Brand New Cadillac’, Parlophone decide romper el contrato. Vince se cambia a Palette Records donde graba ‘I’ll Be Your Hero’ y ‘Jet Black Machine’, realizado en agosto de 1960. El caracter inestable de Vince le hizo tener probremas con su banda.

Los Play-Boys, liderados por Bobbie Woodman,cambiaron su nombre a ‘Bobbie Woodman Noise’. Fueron contratados por el prestigioso club Olympia de Paris en julio del 1961. Aunque la separación ya estaba consumada, Vince que aún seguía siendo amigo del grupo pidió ir con ellos a París. En el ensayo, Vince viene vestido de cuero negro, una cadena y un gran medallón de Juana de Arco al cuello, que compró al aribar a París. La prueba impresionó a los organizadores y decidieron ponerlo a Vince para los dos shows. A partir de ahí las cosas fueron muy rápidas para Vince Taylor. Eddie Barclay fue contratado por Bruno Coquatrix acerca de la actuación de Vince (y su banda, que se volvió a llamar the Play-Boys) y firmó contrato con Vince por 6 años. Entre Septiembre del 61 y enero del 62, Barclay lanzó 5 EP’s y un LP. A partir de ahí la carrera de Vince fue cuesta abajo, se refugió en Suiza, desde donde reaparecía de ves en cuando, murió en 1961. A pesar de su corta carrera fue de mucha influencia en los primeros años del rock inglés y sobre todo del rock francés, con figuras como Johnny Halliday, Eddy Mitchell o Dick Rivers, que siguieron su ejemplo.

Billy Fury La historia de Billy Fury es un clásico ejemplo de la fábrica de estrellas en acción. Nacido como Ronald Wincherly en Liverpool, en 1941, es bendecido con la clásica estampa de chico guapo de calendario. Desde joven fue un ferviente seguidor del rockabilly, pensando que era suficientemente bueno escribiendo canciones como para vivir de ellas. En cierta ocasión cuando Larry Parnes 138

presentaba a su nuevo pupilo Marty Wilde en 1958, Ronald salta al ferry donde viajaba Wilde y le pidió a éste que cantara sus canciones. Tanto le gustó este atrevimiento que llamó a Parnes para que invitara a Ronald a cantar como telonero esa noche. Luego del debut del joven, Parnes lo invita a firmar contrato. Ronald cambia su nombre a Billy Fury, convirtiéndose en un respetado artista con un estilo opuesto al pop de Steele. Las raíces del rockabilly de Billy se nota en la influencia de Carl Perkins y su actuación en vivo alentaba el delirio de las jovencitas. En ese tiempo compuso cuatro de sus primeros éxitos, incluyendo “Colette”, que fue el primero de los once singles que llegaron al Top 10 antes de 1965. En 1960, Fury era un participante regular en varios shows televisivos como “Boy Meets Girl” y “Wham!” causando un pandemonium cada vez que aparecía. También tuvo éxito haciendo covers de baladas beats cuidadosamente elegidas como “Halfway to Para-

dise”, “A Thousand Stars” y “Jealousy”. Contrariamente a otros de los primeros rockeros, Billy Fury sobrevivió a la avalancha de grupos de la era beat (Merseybeats groups), agregando nueve éxitos en los Top 20 entre 1963 y 1965. También actuó en algunos filmes de los sesenta como “Play it Cool” y “I’ve gotta horse” además de su aparición en el filme “That’ll be the day” en 1973. Fury falleció de un ataque al corazón en 1983 a los 42 años. Su deliberada y provocativa muestra de sexualidad llevaba literalmente a las multitudes al frenesí, pero su trabajo en DECCA será recordado como un testamento a su real amor por la música, quedando quizás como uno de los mejores productores autóctonos de rock hasta nuestros días.

LA FABRICA DE ESTRELLAS Después del éxito logrado con Tommy Steele, John Kennedy que está contento con su única estrella, decide poner un socio en su compañía de promotores, se trata de un joven de grandes aspiraciones llamado Larry Parnes (conocido como “Mr. Parnes shillings and pence”), éste tiene la visión de hacer todo un staff de artistas, explotando la misma fórmula. Es así que tras Steele, aparecen personalidades como Billy Fury, Marty Wilde, Johnny Gentle, Dickie Pride y Vince Eager. 139

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Cliff Richard Muchas de las estrellas de Parnes tenían algo en común, todos tomaron a Presley como modelo, pero su estilo era adaptado y “rebajado” para el consumo británico. A pesar de la obsesión de Parnes por el “King”, hubo un adolescente llamado Harry Webb que tomaba en serio a Elvis como su base fundamental. Su guitarra colgada muy abajo, sus muecas “a lo Presley”, su cabello engominado y sus largas patillas eran demasiado para la TV. Jack Good aconsejó al joven cantante que moderara su actuación, se vistiera “adecuadamente” y cortara sus patillas, así Webb se convirtió en Cliff Richard. Su primer éxito le llegó con “Move it” en 1958 logrando entrar a los charts y finalmente también en el show televisivo “Oh Boy”, donde artistas locales como Marty Wilde convertían en éxito los covers de hits norteamericanos. A pesar del suceso logrado con “Move It”, que fue uno de los mejores temas de rock británico de los 50, Cliff rápidamente sucumbió a las presiones de adaptar sus actuaciones a la mediocridad reinante. Eventualmente 140

Cliff Richard en su mejor momento, junto a Marty Wilde, durante una emisión del show televisivo “Oh Boy” a finales de los años 50. A pesar de sus comienzos rockeros Cliff Richard rápidamente sucumbió a la ultra comercial corriente pop de comienzos de los 60 demostrada en películas como Summer Holiday de 1963.

fue reconocido como artista “para toda la familia”, filmes como “The Young Ones” (1962) y “Summer Holiday” (1963), junto a composiciones populares como “Living Doll” y tiernas baladas romanticonas como “The minute You’re Gone” o “The Day I Met Marie”, diluyeron al original adolescente de aspecto rebelde, convirtiéndolo en el chico bueno de “al lado” apuntando directamente al gusto de los padres pero perdiendo fuerza con el público adolescente. Hacia fines de los 60 y comienzos de los 70 Cliff se entregó

de lleno a canciones comerciales como “Congratulations” (1968), “Power to All our Friends” (1973) y su mejor hit en mucho tiempo “Miss You Nights” de 1976. El guitarrista Bruce Welch produjo su primer hit en los EE.UU. “Devil Woman”, junto a su recordado éxito “We Don’t Talk Anymore” de 1979. Cliff siguió grabando exitosos singles cantando con Olivia Newton John, Sara Brightman y Van Morrison, además de sucesos navideños como “Mistletoe and Wine” (1988) y “Saviour’s Day” de 1990. 141

LA ERA DEL ROCK

The Shadows En muchos de sus conciertos, Cliff Richard era acompañado por un grupo de músicos que se reunían para la ocasión, se hacían llamar los “Drifters”. Hacia 1958 la conformación se estabilizó con Hank Marvin y Bruce Welch en guitarras, Jet Harris en bajo y Tony Meehan en batería. El grupo ganó un contrato de grabación para realizar una serie de singles, que tenía mucho de las armonías vocales de los Everly Brothers. De hecho Jack Good llegó a decir que el dueto vocal de Hank y Bruce con los Drifters, eran el mejor grupo vocal del país. Entretanto, Atlantic Records en los EE.UU. tenían fichados al exitoso grupo doo-wop The Drifters, asi que presionó a los británicos para que dejaran de usar el mismo nombre, por lo que Jet Harris sugirió el nombre The Shadows, la primera agrupación de pop británico que jugará un papel fundamental en la historia del Rock and Roll.

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La primera canción que los llevaría a desarrollar su propio y original estilo era sin embargo su cuarta creación, el instrumental “Apache”, canción que llegó al número 1 de las listas británicas en 1960. En ese tiempo los Shadows eran ya conocidos como el grupo acompañante de Cliff Richard para quien habían grabado varios de sus éxitos, pero el suceso del single les animó a lanzarse por su propia cuenta. El inusual sonido limpio y claro de una nuevísima Fender Stratocaster roja era creado por el “anteojudo” Hank Marvin. Esta guitarra era la primera de su clase en todo el Reino Unido, la misma fue un pedido especial de Cliff Richard. Más éxitos siguieron en la misma línea musical, como “Man of Mistery” o “FBI”, además, sus apariciones en vivo con coreografiados pasos de baile fueron gran inspiración para toda una generación de rockeros ingleses. A pesar de todo, el carismático Harris deja la formación para hacer una exitosa asociación con Meehan y grabar su propio número 1 “Diamonds”. El baterista de los Wildcats de Marty Wilde, Brian Bennett y el guitarrista John Rostill tomaron los puestos vacíos en los Shadows. The Shadows siguen cosechando una serie de números 1 a lo largo de los sesenta con temas como “Kon Tiki”, “Wonderful Land”, “Dance On” y “Foot Tapper”. Hacia 1971 el grupo se separa, Hank Marvin y Brian Bennett se unen a John Farrar, formando el subvalorado grupo Marvin, Welch & Farrar. The Shadows volvió para representar a la Gran Bretaña en 1975 para el concurso musical Eurovision (versión europea de nuestra OTI) con “Let Me be the One” y para grabar una serie de melódicos covers instrumentales obteniendo sus propios éxitos como “Don’t Cry for Me Argentina” (1978) y “Cavatina” (1979). El sonido de The Shadows es incuestionablemente debido al trémolo sonido

de la Stratocaster de Marvin que además de su álbum en solitario “Into the Light” co-producido por Brian Bennett en 1992, deja en claro que el gusto por los Shadows aún permanece.

Johnny Kidd & The Pirates Esencialmente la única banda auténtica de rock and roll que la Gran Bretaña produjo antes de 1962 fue la liderada por Johnny Kidd (originalmente conocido como el Capitán Kidd) y compuesta por Alan Caddy y Tommy Docherty en guitarras, John Gordon en bajo y Ken McKay en batería. Llaman la atención por primera vez con su primer single compuesto por ellos, “Please Don’t Touch” en 1959. Acompañado por los “Piratas” y ataviado con cuero y parche en el ojo, Kidd vuelve a los charts en 1960 con el primer clásico del rock británico, “Shaking All Over” (escrito por el propio Kidd). El siguiente

suceso llega con “Restless” y otro con “A Shot Of Rhythm And Blues”. La cereza del pastel lo pone el guitarrista Mick Green cuando ingresa al grupo en 1962, dándole un nuevo impulso. Sin embargo, poco después, se alejan de su original estilo adoptando el sonido del Mersey, explotado por los Beatles, resultando en “I’ll Never Get Over You” y “Hungry For Love” de 1963. Siguiendo en esta línea y haciendo covers de R&B, ya no alcanzan nuevos hits, por lo que Kidd decide volver al sonido de sus inicios con una nueva alineación. Cuando ya estaban trabajando para su siguiente disco, la tragedia se cierne sobre el grupo, Johnny Kidd muere en un accidente automovilístico con su banda en 1966. El guitarrista Mick Green, influenció fuertemente a toda una nueva generación de músicos ingleses, reviviendo el nombre de los Pirates en 1977 con otros dos ex , Johnny Spencer en bajo y Frank Farley en batería, explotando la vena nostálgica en plena era Punk.

Johnny Kidd and the Pirates, se formaron en 1958 cuando la primera ola del rock and roll llegaba hasta la juventud inglesa, lograron numerosos hits, incluyendo el clásico “Shaking All Over” de 1960. Johnny Kidd, nacido Fred Heath, era un excelente cantante de R&B, formado en el skiffle y en los discos de Gene Vincent, logró crear una de las pocas respuestas británicas al rock venido de los USA en la era pre-Beatle.

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Adam Faith Rubio, buena onda, ídolo adolescente, Adam Faith fue uno de los artistas pop británicos más famosos de la era pre-Beatles. Nacido en Londres como Terence Nelhams, estaba en segundo lugar después de Cliff Richard en la escala de preferencias poco antes de los sesenta. Después de dejar el grupo de skiffle The Worried Men, llegó a grabar dos

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singles sin éxito hasta su llegada al programa de TV de la BBC “Drumbeat” en 1959. En una colaboración con el cantante Johnny Worth y el compositor John Barry produjo “What Do You Want” que le dió al sello Parlophone (donde trabajaba George Martin, productor de los Beatles) su primer número 1. Con un estilo similar a las últimas grabaciones de Buddy Holly, realizó “Poor Me” (que después fue título de su autobiografía), con una sección de cuerdas

arregladas por Barry, también llegó al tope. A diferencia de muchos cantantes ingleses de la época, Faith grababa material original. Sus primeros siete singles llegaron todos entre los Top 5, y los siguientes seis, lograron entrar entre los Top 20. A pesar del éxito logrado, Faith no se consideraba un gran cantante, por lo que dejó la música para entrar al mundo del cine a principios de los años sesenta. Faith se volvió después un exitoso manager y productor de otros cantantes como Leo Sayer y Roger Daltrey en los 70’s. Más tarde regresó a la TV con la serie “Budgie” y ya en los noventa con la serie “Love Hurts”.

Jagger, Charlie Watts, Keith Richard (casi todos los Rolling Stones), Eric Clapton, Jack Bruce, Ginger Baker (The Cream completo) y los jazzistas John McLaughlin y John Surman. No sería justo pasar a otro capítulo sin referirnos a una figura importantísima de la escena musical británica, Alexis Korner, quien es considerado el padre del Blues y del Rhythm and Blues inglés. Korner nació en París en 1928 de padres con ascendencia turca y griega, quienes se asentaron en Gran Bretaña a mediados de los años 30. Desde finales de los años 40 y a través de los 50’s Alexis tocó en diversas bandas de Jazz y Skiffle, incluidos el Chris Barber Band, antes de formar Blues Incorporated con

Korner tocando la guitarra en el Chris Barber Band, en plena época jazzista.

Alexis Korner Pero no todo era skiffle y rock and roll en la Gran Bretaña, existía además una elite de músicos que no se conformaban con las alegres canciones y los toques de moda; de ese inconformismo surge el más puro Blues con sabor inglés, cuyos gurús serían Alexis Korner y John Mayall en cuyas bandas se formarían futuras super estrellas como Brian Jones, Mick 145

LA ERA DEL ROCK

Uno de los grandes referentes del Blues y del Rock británico es sin duda Alexis Korner, que formó grupos donde desfilaron gran cantidad de músicos que se harían famosos años después. Estas páginas son un homenaje a un gran músico, olvidado en otras historias del rock, que “resucitó” en su momento un estilo que ya había pasado de moda en su propia patria y que fue el mayor impulsor del “blues boom” y por tanto de la vuelta del rock a sus raíces, primero en Inglaterra y luego en todo el mundo.

el harmonicista Cyril Davies en 1962. El grupo fue la primera banda de blues blanca del mundo y fue el punto de partida de muchos músicos británicos famosos. Korner deshizo Blues Inc en 1967 y por algunos años tocó con una variedad de bandas como Free At Last y New Church. En 1970 formó CCS, una gran banda de estudio que logró tres hits en el Reino Unido, incluyendo una versión de “Whole Lotta Love” de Led 146

Zeppelin. En 1972 Korner forma Snape un grupo de corta duración con ex de King Crimson. Alexis Korner continuó grabando esporádicamente con distintas bandas a lo largo de los años 70, encontrando una nueva carrera como productor radiofónico y grabando voces comerciales. Su último álbum fue “The Party Album” de 1982 en ocasión de su 50 aniversario. Falleció en enero de 1984.

CAPITULO 6

Una década de cambios

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na nueva década comenzaba, la escena musical estaba firmemente controlada por los hombres de negocios. Con el soldado Elvis, el Reverendo Little Richard y un Chuck Berry con antecedentes penales, las grandes disqueras desataron una colección de pulcras estrellas pop que se alinearon a la línea corporativa cantando inocentes canciones de las famosas “factorías de éxito” como el Tim Pan Alley y el Brill Building, se ganaron ese apodo por que allí, las disqueras reunían a sus más importantes y creativos compositores, cada uno tenía su cubículo con su piano y hojas para componer, de estas verdaderas fábricas, saldrían los más grandes éxitos populares de la música, en esa época no era común que un cantante compusiera sus propias canciones, generalmente las disqueras contrataban a los cantantes y les preparaban para interpretar algún tema compuesto por un profesional; entre estos compositores se encontraban gente como Carole King o Neil Sedaka que más tarde se lanzarían como cantautores. Así durante los primeros años de ésta década las figuras de Ricky Nelson, Bobby Darin, Bobby Vee, los Everly Brothers, Dion y Brian Hylan cantaban dulces melodías románticas y aguados “rocks”, para el deleite de las amas de casa y de sus hijas adolescentes.

Nuevamente el comercio se apoderó de la escena musical aprovechando este nuevo momento donde las generaciones de jóvenes consideraban al “viejo” rock and roll como pasado de moda. Los Teen Idols que ya habían surgido hacia 1957 ahora eran los nuevos reyes de la música; los consumidores eran bombardeados con discos, remeras, parches,

A principios de los 60, el rock estaba totalmente irreconocible; de sus rebeldes inicios se transformó en mercancía para todo público, con pulcros y bonitos jóvenes amoldados al “orden” impuesto por las disqueras. Arriba vemos a Dick Clark junto a Fabian en el popularísimo show televisivo “American Bandstand”.

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LA ERA DEL ROCK

pines, revistas especializadas para adolescentes, programas de TV y todo tipo de artilugios de colección. El rock como movimiento rebelde juvenil, practicamente había desaparecido. Los años sesenta en los USA se presentaban como una extensión de los holgados y prósperos 50’s, la generación “Kennedy boys” estaban más amansados y alineados al establishment, pero muy pronto la idea de los Estados Unidos como modelo de país para el resto del mundo cambiaría radicalmente.

EL MUNDO YA NO ES EL MISMO

El muro de Berlín, todo un símbolo nefasto de la intolerancia y la separación del mundo en dos bloques.

Nikita Kruschev, primer ministro soviético en una visita oficial a Cuba, junto a Fidel Castro (arriba) y John F. Kennedy (abajo), fueron protagonistas de una crisis que lleva al mundo al borde del conflicto nuclear en 1961. 148

La influencia de la URSS dominaba la Europa del Este, el mundo miraba impotente la construcción del muro de Berlín (el muro de la verguenza) que separaba al lado “ruso” del lado “aliado” y la invasión a Checoslovakia por el ejército soviético en defensa de sus intereses. En 1960 un avión espía U2 fue derribado cuando tomaba fotografías en suelo soviético, los USA ya no eran los “policías del mundo”, este fue el primer incidente grave de la recien comenzada “Guerra Fría” lo que puso en serio peligro las relaciones diplomáticas entre las dos superpotencias. El primer hombre en el espacio en 1961, Yuri Gagarin, así como años atrás el satélite Sputnik, eran rusos. Por si fuera poco, Fidel Castro recibe al premier soviético Nikita Kruschev y ordena el traslado de misiles rusos al suelo cubano, demasiado cerca de los USA, lo que causó el nerviosismo de John F. Kennedy y sus asesores; de echo en 1961 el presidente Kennedy ordena el asalto de tropas de marines y voluntarios cubanos contrarios a Castro a la isla de Cuba con el fin de desbaratar el gobierno comunista, otra vez los norteamericanos sufren un revés cuando las tropas castristas obtienen un sonado triunfo al rechazar la invasión en la célebre Bahía de Cochinos; esto casi lleva al mundo a la Tercera Guerra Mundial en

1962. El mundo entero parecía desperezarse de un largo sueño hacia una cruda realidad. En Africa las colonias europeas empezaban una serie de movimientos belicistas en busca de la independencia, uno tras otro los nuevos estados africanos se desharían de sus colonizadores para instaurar gobiernos despóticos que institucionalizarían el terror y el hambre en el continente negro. Un conflicto en especial marcaría a toda una generación de norteamericanos, el conflicto del sudeste asiático, conocida como la guerra de Vietnam; los USA envían asesores militares a la recientemente dividida nación ante la amenaza de la unificación por parte de los comunistas del norte. En 1963, es asesinado el querido presidente John F. Kennedy durante un desfile en Dallas, Texas; se hizo popular la frase “todos recuerdan dónde estaban y qué hacían cuando escucharon la noticia del atentado”, poco después asume la presidencia Lyndon B. Johnson que como primera medida de estado ordena el envío de 150.000 hombres más al odiado conflicto de Vietnam, que como dato resaltante, nunca fue una guerra declarada.

que dedicaron sus vidas a lograr que las leyes cambiaran y se asegurase un país donde sus hijos y hermanos de raza tuvieran los mismos derechos y oportunidades que cualquier otro ciudadano; como todo cambio radical, esto no se logró sin fuertes oposiciones y derramamiento de sangre. El movimiento por los derechos civiles en los USA desata una serie de protestas callejeras duramente reprimidas por la policía, especialmente en los racistas estados como Alabama y Mississippi. Este movimiento tenía por asi decirlo, tres ramas; la dirigida por el reverendo Martin Luther King, marcadamente pacifista, profundamente religioso y con estrategias de desobediencia civil; la corriente musulmana de Malcom X con sus “black muslims” y la más violenta Panteras Negras, un grupo paramilitar cuya consigna era lograr la supremacía del “black power” cueste lo que cueste.

Cassius Clay, “el más grande” fue todo un símbolo de la luchas raciales, especialmente cuando cambió su nombre a Mohamed Alí y rechazó la cartilla de reclutamiento.

CONFLICTOS RACIALES Hacia tiempo que en los Estados Unidos volaba la sombra del esclavismo y el odio racial, los negros eran relegados a ciudadanos de segunda, privados de los derechos tan elementales como el voto o la educación universitaria. Aún así, el mundo de la música era una especie de refugio para la gente de color, de hecho, grandes estrellas de la música rock eran precisamente negros, pero eso no les aseguraba mejores horizontes, si querían ser alguien debían emigrar al norte, un poco más tolerantes. Afortunadamente la llegada de esta nueva década vió surgir grandes hombres 149

LA ERA DEL ROCK

El movimiento anti-racista impulsado por estos hombres tuvo sus repercusiones como el caso del primer estudiante negro itido en la universidad de Mississippi, y la toma de conciencia por parte de jóvenes estudiantes y músicos blancos que los apoyaban; pero también la formación de grupos de ultra derecha como el Ku Klux Klan, que protestaban contra la creciente participación de los negros y promulgaba la supremacía blanca. Luther King y Malcom X fueron asesinados en 1968 y no pudieron ver el fruto de sus esfuerzos, los líderes de los Panteras Negras tuvieron que huir al Africa para no correr la misma suerte, pero esto no destruyó el movimiento por los derechos civiles de los negros, sino que contrario a lo que se podía esperar, le dió un nuevo impulso. El mundo de la música no estuvo ajeno a esta realidad que sacudía al país entero, las bellas baladas daban lugar a la canción de protesta y sobre todo al nacimiento del SOUL del que hablaremos más tarde. El mundo hacia 1963 ya no es para los jóvenes occidentales un modelo de triunfo, ya no tienen confianza en los modelos tradicionales del comportamiento social, ya no se puede ser condescendiente, hay que tomar partido por algo, luchar por algo, que todos esos conflictos signifiquen algo, quieren una nueva vida. Definitivamente el mundo ya no era el mismo.

EUROPA vs. EE.UU. En lo que a cine se refiere, la situación de declive era más clara, Hollywood se ha volcado de lleno en superproducciones mediocres y costosas, quizás por precaución, ya que aparentemente la influencia de la cultura norteamericana en el mundo se veía en decadencia. A pesar de algunas memorables producciones como Psicosis de Hitchcock o Lawrence de Arabia, el cine norteamericano ha perdido todo in150

terés. La nueva ola sa, el cine sueco, los westerns “spaguettis” y las picantes comedias del cine italiano, rapidamente van a terminar por dominar una forma de arte agotada estilísticamente por la autocensura durante esa triste herencia del período McCartysta. Godard, Truffaut, Malle, Bergman, Leone y Antonioni están de moda. Actores como Marcello Mastroianni, Sofia

Loren, Jean Paul Belmondo, Alain Delon, etc. son las nuevas estrellas del cine. Hollywood ya no tiene éxito mundial, Europa tomará el relevo por un tiempo con un cine más realista y de actualidad. En lo que concierne a las costumbres, también Europa está a la vanguardia; la moda va a ser dominada por los grandes modistas ses, nacen las primeras modelos de fama internacional

El conflicto que marcaría a toda una generación de jóvenes norteamericanos fue sin duda la guerra de Vietnam. A partir de 1963 la entrada de los USA en la guerra ya fue inevitable. Y la juventud por primera vez toma conciencia, se levanta y reclama sus derechos a elegir y ser escuchados; la quema de cartillas de enrolamiento y las protestas estudiantiles contrastaban con las alegres cancioncillas que el negocio de la música pretendía imponerles, hacía falta algo “más fuerte”...

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como Twiggy; Coco Chanel impone su fragancia y las mujeres dejan el viejo y austero estilo de antes de la Guerra Mundial por colores y diseños más llamativos, por primera vez las mujeres muestran sus formas y las resaltan con la aparición de la minifalda; el amor libre y la píldora anticonceptiva están de moda en Europa, mientras estos términos siguen siendo tabúes en América. Pero los USA no se quedarían con los brazos cruzados viendo como las modas europeas arrasaban con todo. Durante los sesenta la TV es prolífica en series que darán la vuelta al mundo y que hoy son piezas de culto; de esta época son Bonanza, Los Invasores, Batman, el Santo, Misión Imposible, el Super Agente 86, Hechizada, Mi Bella Genio, FBI, Perry Mason, El Fugitivo y un largo etcétera. A no olvidarse sin embargo de el El Agente de C.I.P.O.L. o Los Vengadores, legendarias series producidas por la BBC de Londres. El cine de Hollywood lanzaría una serie de películas de suspenso y aventuras más famosas de todos los tiempos, se trata del Agente 007, James Bond es el nuevo héroe mundial, más acorde con los tiempos que se viven. La publicidad es otro campo en el que los USA se destacan, en estos años practicamente se sientan las bases para todo lo que habrá de venir después en esta materia; las formas de comunicación cambiarían radicalmente, del simple ofrecimiento del producto, se buscará la creación de hábitos de consumo a través de ingeniosos y coloridos avisos, y sobre todo al uso de la televisión. Podemos inferir que a pesar de las agitaciones políticas y sociales, la vida en general se mostraba como una extensión de los holgados años cincuenta, aún parecía que las crisis sociales y económicas, la falta de combustible, el tercer mundismo, etc. estaban muy lejanos. 152

LA REVOLUCION DE LAS COSTUMBRES Los cambios que se produjeron tuvieron que ver con una revolución cultural que contribuyó a crear una nueva forma de sentir las cosas, fue una transformación sustancial de la sociedad que hizo cambiar sus comportamientos en un plazo corto de tiempo. Los marxistas radicales pretendieron que iba a producirse algo que no existió y en cambio dejaron de lado las condiciones de vida, las libertades personales y las relaciones familiares de los seres humanos. En todo el mundo se sintió a comienzos de los sesenta una especie de nueva capacidad de enfrentarse con la realidad derivada de la ruptura con el inmediato pasado. De tener una significación ideológica precisa la mal llamada “Revolución del 68” en París, tuvo un carácter libertario. El comienzo de los sesenta coincidió, por tanto, con unos años de esperanza casi ilimitada. La civilización juvenil del “rock” sin duda fue universal. Sin duda, un rasgo de la revolución de los años sesenta fue el estallido de la permisividad en las relaciones sexuales. El fenómeno aparece en muchas manifestaciones de mayor o menor importancia. Una de ellas fue la desaparición de la censura. Novelas clásicas como El amante de Lady Chatterley, de Lawrence o Lolita, de Nabokov eran susceptibles en 1959 de prohibición y sólo perdieron esta condición en los años inmediatamente siguientes; los textos de Henry Miller no llegaron a ser aprobados sino en los sesenta. En el fondo, todo este cambio de la percepción en lo que atañe a la vida sexual se entiende en un contexto más amplio de transformaciones en las relaciones de raza y sexo -también de familia-, que incluso llevó a hacer presente una primera aparición del multiculturalismo, un fenómeno que con

el paso del tiempo jugaría un papel cada día creciente. La permisividad en materia sexual tuvo una derivación en la pujanza de la pornografía a veces rodeada de una pretendida elegancia o sofisticación. En gran parte la difusión de la pornografía, en contradicción con la reivindicación de la mujer, se debió al mero hecho de la permisividad. La revolución en las costumbres fue mucho más decisiva y duradera. Antes que nada supuso una creciente influencia de las actitudes de la gente joven que llegó a tener su propia subcultura propia. Ya Alfred Sauvy había escrito en 1959 un libro titulado “La montée des jeunes”. Una constatación obvia de cualquier analista es que en los años sesenta había más gente joven y con más dinero que gastar porque el “baby boom” de los 50’s alcanzó su punto en 1960, esos niños habían cumplido 13 años. Además, esos jóvenes eran más acomodados que sus mayores. En 1957 un tal Eugene Gilbert publicó un libro dedicado tan sólo a la publicidad dirigida a la gente joven. Ese mismo año se estrenó “Look Back

Timothy Leary, escritor y psicólogo, impulsor del consumo del LSD con la finalidad de experimentar nuevas sensaciones y “abrir la mente”, además uno de los referentes de la cultura Hippie. 153

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El escritor Alen Gingsberg, a través de sus libros expuso toda una forma de vivir, nació así la generación “beat”, caracterizada por la vida “libre” de ataduras morales o éticas, libertad en el vestir, hablar, convivir y el disfrute de la poesía, la música y la experimentación.

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in anger” de Osborne en donde por vez primera se hablaba de los “young angry men” dispuestos a discrepar a fondo de la generación precedente. No se debe olvidar que la ampliación de la mayoría de edad y el derecho de voto a los 18 años se consiguieron en este momento. En los años sesenta la droga se instaló como una moda cultural duradera. En los años cincuenta la utilización de las drogas permanecía recluida en un sector mínimo de la sociedad. A su difusión en un segmento mucho más amplio contribuyó la defensa de la misma que en ocasiones se hizo pretendiendo conseguir a través de ella una capacidad para ampliar conocimiento o la captación de la realidad. El descubrimiento de nuevas drogas también ayudó en su generalización. El investigador R. Gordon Wasson y su fotógrafo, Allan Richardson, fueron los primeros extranjeros que se tenga constancia en ingerir hongos alucinógenos en México, de manos de la chamán María Sabina. En mayo de 1957 Was-

son escribió sobre el descubrimiento del hongo sagrado mexicano en la revista Life, en una artículo titulado “En busca del hongo mágico”, lo que contribuyó a su difusión y al conocimiento de una sustancia desconocida para los jóvenes norteamericanos. Tras la publicación del artículo, la localidad de María Sabina, comenzó a recibir numerosas visitas de personas deseosas de probar el hongo y sentir las experiencias alucinógenas descritas por Wasson. Una de estas personas fue el por entonces joven psicólogo Timothy Leary, quien publicó también un libro contando su experiencia, High Priest. Algo más tarde ocurrirá algo similar con las diversas publicaciones de Carlos Castaneda, en las que describía su aprendizaje con un chamán mexicano, Don Juan. Pronto, estos libros se convirtieron en un éxito de ventas, pese a las enormes lagunas, inexactitudes e incluso parece que falsedades, que contenía. Relacionado con un hongo fue también la expansión del uso del LSD, agente aluci-

Los sesenta fueron prolíficos en la experimentación, Andy Warhol inaugura junto a otros artistas el Pop Art, arte con objetos cotidianos. Funda en New York la “Factory” donde además de la pintura, se adentra en la fotografía, la serigrafía y hasta en la música, dirigiendo artísticamente al grupo The Velvet Underground.

nógeno de extraordinario poder que fue descubierto por el suizo Albert Hofmann en 1943. La dimetilamina del ácido lisérgico (sus siglas en inglés son LSD), fue pronto adoptada como signo de modernidad. En Estados Unidos, por ejemplo, Timothy Leary le atribuyó un resultado muy positivo como instrumento de liberación “espiritual” incluso en el terreno político. El debilitamiento de la autoridad llegó a tener también consecuencias como fue el progreso del delito; el más patético y famoso caso fue el asesinato tipo “sacrificio humano” de la actriz Sharon Tate por una secta mitad hippie mitad satánica, “La Familia”, dirigida por el tristemente célebre Charles Manson, quien había dirigido el horrible crimen después de haber escuchado “Helter Skelter” de los Beatles, del cual supuestamente había descifrado un mensaje oculto.

Quizás la única influencia norteamericana real que tomó nuevos bríos a principios de los sesenta, haya sido el Jazz, con Miles Davis a la cabeza. El Jazz se abre camino y crece, se deshace de sus ataduras del gastado Swing y del Bebop para adentrarse en la experimentación y la explotación de sus instrumentos. Se convierte en la música de vanguardia, de la “gente con clase” y contestataria. 155

LA ERA DEL ROCK

CAPITULO 7

¿El Rock es domesticado?

E

Burt Bacharach, compositor prolífico y de gran sensibilidad, junto al escritor Hal David a comienzos de los 60, mientras el rock se diluía, imponen un estilo orquestado muy particular, sofisticado y ornamentado. Muchísimos de sus temas se hicieron super populares y las versiones de sus éxitos llegaron a los salones de baile y clubes de todo el mundo. Entre sus más famosas comoposiciones figuran “This Girl In love with you”, “Say a little prayer for you“, “Walk on by”, “The look of love” , “I’m never fall in love again”, etc. Interpretados por las voces más impresionantes de la década, entre las que destacaban Dionne Warwick o Dusty Springfield. 156

l Rock en los USA parecía seguir el desenlace de los hechos a nivel mundial, por eso yo suelo dividir los conflictivos años sesenta en tres periodos más o menos marcados, de 1960 a 1964, la época de la música ultra comercial, con las baladas románticas y los “dance crazes”, el nacimiento del movimiento folk y de protesta con Bob Dylan y Joan Báez a la cabeza y el surf music al principio liderado por Jean and Dean y luego por los Beach Boys; el nacimiento del Soul como himno por los derechos civiles con los grupos y solistas negros como Aretha Franklin, Marvin Gaye, Ben E. King y los Temptations, etc, de sellos como Motown y Stax. El segundo período que va de 1965 a 1967, la era de la psicodelia, los hippies, la liberación sexual y el consumo de drogas alucinógenas como un modo de liberación del espíritu y la experimentación. Y el tercer período que va de 1968 a 1970, la muerte de un sueño, la vuelta a la “realidad”, el reinado del Rock Duro y los Super Grupos. Por supuesto estos períodos que menciono no son una división científica ni exacta, de echo los períodos se suelen mezclar entre sí y su influencia siguió más allá de los años sesenta. Por otro lado desde 1962 el rock que en Estados Unidos estaba declarado muerto, en Inglaterra surgía con toda su fuerza y es de la mano de Los Beatles, los Rolling Stones, The Animals y The Who que esa era se dió en llamar

la “invasión británica”, los jóvenes ingleses que no tenían esa aberración hacia la música negra y hacia los negros, no dudaban en itir su influencia, así Chuck Berry, Little Richard, Muddy Waters, Howlin’ Wolf y los más antiguos blos como Robert Johnson o Big Bill Broonzy eran sacados del olvido por los nuevos músicos británicos. Pero el rock and roll no sólo es exclusividad de los USA ni de Inglaterra, en Latinoamérica pegó fuerte e influenció a toda una nueva generación de músicos cansados de seguir la corriente, vieron en el rock el modo de expresarse y desatar sus frustraciones; en todas partes surgían grupos de Rock y Twist, como pioneros estaban los mexicanos Locos del Ritmo y los Teen Tops con Enrique Guzmán, en Chile estaba Peter Rock y Johnny Chilean, en Argentina Los Gatos Salvajes, los Beatniks y los Iracundos en uruguay Los Shakers, en Brasil Chelly Campello y Roberto Carlos, etc. etc. más adelante nos explayaremos mejor sobre el tema. En Europa los grupos españoles como Los Pekenikes, Los Bravos, Los Estudiantes y otros desafiaban a la dura moral franquista, en Francia estaban los Chats Sauvages con Dick Rivers, Johnny Hallyday y los Chausettes Noires con Eddy Mitchel a la cabeza, ellos llevarían el twist y el rock and roll al mundo franco parlante; en Italia Adriano Celentano fue el pionero de toda una avalancha de grupos y solistas con una mescolanza de folklore italiano y rock and roll. En fin, el

cielo es el límite como dicen. Por el momento ya nuestra introducción se hizo demasiado larga, pero era necesario este “pantallazo general” para comprender aunque sea un poquito esta complicada década y adentrarnos en detalles que no podríamos entender sin el contexto de los hechos a nivel mundial.

La Corriente Comercial A fines de los cincuenta y comienzos de los sesenta muchos de los rockeros habían muerto o estaban encarcelados o apartados de la vida pública. Los salvajes, lascivos e insolentes rockeros rápidamente fueron remplazados por una generación de refinados, bien vestidos y románticos “teen idols” quienes dominaron el pop hasta 1965. En 1958 Don Kirshner abrió unas oficinas para escritores de canciones y productores en el Brill Building de New York, que rápidamente se convirtió en la más poderosa fuerza de la música pop. Este evento era el simbólico retorno al viejo orden del cantante pop acompañado de una orquesta. Pero los compositores de Kirshner (Gerry Goffin, Carole King, Barry Mann, Cynthia Weil,

Neil Sedaka, Neil Diamond) y sus competidores (Jerry Leiber y Mike Stoller, Jeff Barry y Ellie Greenwich, Bert Berns y Jerry Ragovoy, Doc Pomus y Mort Shuman) eran de un calibre rarísimas veces visto en el mundo de la música popular. Durante los sesenta, EE. UU. e Inglaterra rivalizan en creatividad, dando a luz al show business moderno, mientras Elvis estaba sirviendo en Alemania Federal, la RCA se preocupó de mantener a “the King” siempre en los charts, gracias a grabaciones previas al enrolamiento. Cuando completó su servicio militar en marzo de 1960, mucha gente todavía esperaba para ver a su ídolo después de 2 años de ausencia, lo que para una estrella de rock en ese momento era fatal. Por suerte, para los amantes y cultores del buen Rock and Roll se concentraban en el embrión de la revolución cultural que venía, ya en 1957 Link Wray’s Rumble inventó el sonido “fuzztone” para la guitarra y Eddie Cochran utilizaba los sonidos sobresaturados en todos los instrumentos y en la voz, pero la industria aún no le prestaba atención ni tampoco las masas. Esta época era

Elvis mostrando sus barras de sargento poco antes de volver a su patria y con Frank Sinatra en su primera aparición televisiva luego de dos años de ausencia, lo que causó que muchos lo acusaran de vendido.

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LA ERA DEL ROCK

también de los “novelties”, de los “dance crazes”, los grupos vocales, el rock instrumental, la onda “exótica” y el soul. Cada uno de estos fenómenos contribuyó al resurgimiento del rock, así como el sentimiento de que sería para mejor y para siempre.

Los “Novelties” Estos éxitos de “una sola vez” eran novedosas e ingeniosas composiciones, generalmente de tinte cómico como “The Lion Sleeps Tonight” (1961) de los Tokens, donde empleaban arreglos vocales, coros, falsetes e incluso algún instrumento electrónico, imitando los sonidos de la selva. Otros temas como el pegajoso “Who Put The Bomp” de Barry Mann, utilizaba diversas “palabras” si se pueden llamar así, como “Bom, bo bomp, dipditiri tiri, ramalama ding dong, etc. heredado

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del Doo Wop, aplicado al rock suave; siguiendo esta línea estaba también “Mister Bassman” de Johnny Cymbal y especialmente “Blue Moon” un reprise de un éxito de los 50. Artistas consagrados como Pat Boone también se metieron a esta corriente, su “Speedy González” fue hit en 1961 y también el hit de Brian Hylan “Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini” (archi-conocido hacia estos pagos como “Bikini amarillo a lunares diminuto justo, justo”) fueron todos éxitos mundiales y clásicos de esta época. The Four Seasons con Frankie Valli, era un uno de los grupos italo-americano de gran éxito que dejó el Doo Wop para lanzarse a los “novelties” con temas cómicos como “Big Girls Don’t Cry”, “Walk Like A Man” y “Sherry” donde demostraban su estilo vocal y destacando la voz nasal y el falsete. Frankie Valli tuvo éxito como solista en los 70 en especial con el recordado hit “Can’t Take My Eyes Off You” y poco después interpretando el tema de la película “Grease”. En la década de los 50 y hasta comienzos de los 60, la ciudad de la cultura y moda mundial era Roma, retratada por el film “La Dolce Vita” de Fellini. La música italiana se impuso y se volvió popular en todo el mundo a partir de “Volare” de Domenico Modugno y muchos de los ídolos juveniles en los USA eran italo-americanos: Fabian, Frankie Avalon, Dion, Bobby Vee y Bobby Darin.

El twist y los “dance crazes” Con la decadencia del rock and roll, la juventud norteamericana buscó nuevas formas de diversión, una extensa cantidad de rótulos, generalmente ligados a nuevas danzas tomó el lugar en los salones de baile y también una vez más comenzaba la preocupación del establishment por esta naciente cultura alternativa. Estas danzas tenían relación directa con las canciones donde se les mencionaba, todas ellas se diferenciaban en sus pasos y movimientos específicos, y a comienzos de los sesenta, todo joven que quería impresionar debía saberse todos los pasos de los bailes más de moda. El programa American Bandstand, ayudó a que llegara a todos los hogares y era el lugar por excelencia donde se presentaban los nuevos bailes y donde los concursos de parejas estaban al orden del día. Entre las muchas danzas llamadas “dances crazes” (“bailes locos”) surgidas a comienzos de los sesenta figuraban el El Boogaloo, el Watusi, el Dog, el Madison, el Monkey, el Popeye, el Temptation Walk, el Surfer Stomp, el Shake, el Batman, el Hully Gully, el Bounce, el Dip y el Limbo. Algunos más populares que otros. El “Jerk” es el primer ejemplo de la explosión de los “dance crazes” a comienzos de los sesenta: el grupo The Larks lo lanzan con “The Jerk” y los Contours responden con “Can You Jerk Like Me”, los Miracles sacan “Come On Do The Jerk” mientras los Capitols lanzan “Cool Jerk” con el que superan a todos los anteriores. Como todas las “locuras” desde la era del Charleston, pasando por el Cha-cha-cha, el Hully Gully o el Hand Jive, el Jerk rápidamente pasó a ser una marca dentro de la historia del rock, recordado más por las canciones que ha inspirado. Otra danza muy popular fue el “Loco-Motion” interpretado por Little Eva, que llegó a ser un super hit en 1962,

era tan popular que fue revitalizado en los setenta por la banda de rock Grand Funk y luego en los ochenta por Kylie Minogue. Pero de entre todas las “dance crazes”, la que rompió con todos los esquemas fue el Twist, inventado originalmente por el compositor y cantante de R&B Hank Ballard, “The Twist” salió en 1959, pero en ese tiempo pasó sin pena ni gloria. La verdadera locura comenzó cuando un desconocido cantante que trabajaba en una pollería llamado Chubby (gordito) Checker presentó “The Twist” en el show te159

LA ERA DEL ROCK

¿Cómo nació la Discoteca? La música bailable se convirtió en un género por derecho propio gracias a un invento francés. Cuando las tropas alemanas ocupaban Francia durante la Segunda Guerra Mundial, los grandes salones de bailes de París fueron clausurados, por promover música judía y negra, entonces los clubes privados tocaban discos para sus clientes. “La Discotheque” abierta en 1941, para tocar jazz, se transformó en un salón de baile, pero no tenían una banda de jazz, sino sólo sus discos. Al finalizar la guerra, el fenómeno se extendió por todas partes, después de todo, era más barato hacer sonar un disco que contratar toda una banda, y los que bailaban podían escuchar música y estilos mucho más variados que con un solo grupo. En 1947 Paul Pacine abrió el “Whiskey a Go-Go” en París. Durante los 50, París vivió su propia “dolce vita” y las “discotheques” eran sus cuarteles generales. La idea se propagó a los USA en los 60. La primera disco “Peppermint Lounge” se abrió en New York en 1961, y en California “Whiskey-AGo-Go” se abrió en 1965 en el Sunset Blvd. de Hollywood. La música en vivo permaneció como atractivo del negocio en esas discotecas, pero la idea de pasar discos en un club ya estaba plantada. 160

levisivo de Ed Sullivan en 1961; a partir de ese año, esta nueva danza sin movimientos preestablecidos y claramente erótica, se extendería como reguero de pólvora a todos los países del mundo donde aparecían innumeros imitadores y donde el rock ni había penetrado antes ni con tanta fuerza. Chubby Checker (nacido en Philadelphia como Ernest Evans) fue descubierto por el conductor de TV Dick Clark, cuya sugerencia fue que grabara el tema previamente compuesto por Hank Ballard, “The Twist”, con un nuevo ritmo alocado que “torcería” al mundo. En el fondo, el Twist no era otra cosa que una estilización danzante del rock and roll, pero contra toda expectativa, fue un éxito sin precedentes, pues era bailado por todos, jóvenes y viejos, ricos y pobres, en garitos y en grandes salones de baile de todo el mundo. Después del éxito de Chubby le siguieron rápidamente Sam Cooke y su “Twistin’ the Night Away”, los Isley Brothers y su “Twist and Shout”, Joey Dee y su “Peppermint Twist”; desde Los Angeles surgía Chris Montez con su “Let’s Dance”, número 1 a ambos lados del Atlántico en 1962.

También en 1962 el tema ganador de un Grammy “Let’s Twist Again” introduciría a Checker y al Twist a la Gran Bretaña (el mismo tema volvió a los Top 10 en 1975), Checker tenía en ese momento la simprecedente suma de cinco albumes simultáneos en los Top 15 de los EE. UU. También colocó en los Top 20 unos 16 hits más basados en las “dances crazes”, como el Huclebuck, Pony, Mess Around, Fly el Limbo y el Popeye, a pesar de que la mayoría de esas canciones ya habían sido grabadas por otros artistas de R&B. Como muchos otros artistas norteamericanos, la Invasión Británica acabó con su prometedora carrera en los charts. “The Twist” volvió en 1988, con la participación de los raperos Fat Boys, y fue nuevamente un éxito transatlántico, llegando a situarse entre los Top 20; este suceso ayudó al resurgimiento de la carrera de Checker haciendo una serie de giras por todo el mundo revivalizando la fiebre del twist y los “dance crazes”. También figura en la colección de éxitos bailables “Jive Bunny & The Mastermixers” muy popular a finales de los 80. Probablemente, Checker no fue el más original de los artistas de R&B, pero ciertamente fue el más exitoso.

El Rock instrumental Originalmente el rock instrumental era tocado por grupos de R&B durante los comienzos de los 50, para amenizar las fiestas y encuentros, utilizando pianos y saxofones, pero hacia 1957 la música negra se volvió más vocal y elitista, por lo que se hizo una brecha entre lo que era el rock and roll y la música puramente negra del que se desarrolló el Soul, poco accesible para el gusto blanco. En los comienzos, las bandas eran muy locales, sin muchas pretenciones y simplemente acompañaban a un cantante. Muchos de los grupos instrumentales de la época continuaron presentando a un cantante en algunos números, pero el estilo rockabilly consiguió sobreponerse. De todos modos, los grupos sólo querían rockear, y tocaban para audiencias que sólo querían beber y bailar. Así que los cantantes poco a poco desaparecieron de su escena. Esta corriente prendió fuerte también en Inglaterra, donde los Shadows se desarrollaron a partir de ser un mero grupo acompañante de Cliff Richards hasta convertirse en un grupo con fama propia e infinidad de imitadores, gracias al esfuerzo de Hank Marvin. Los primeros éxitos del rock instrumental como tal fueron “Honky Tonk” de Bill Doggett a fines de 1956 y un año después Bill Justis logra un suceso con “Raunchy”, donde aún destacaban mucho el saxo, el piano y la batería. Pero a fines de 1958, la guitarra, instrumento predominante del rockabilly, se impon-

dría para el rock instrumental. Los temas eran usualmente simples y saltones, pero otros crearon intensas sacudidas como “Rumble” de Link Wray, “Crossfire” y “Red River Rock” (1959) de Johnny and The Hurricanes. Link Wray fue el más volátil y sofisticado guitarrista de este emergente periodo e inspiró a gente como Pete Townshend y Eric Clapton. El más exitoso era indudablemente Duane Eddy, que desarrolló el estilo de la “guitarra gangosa”. Eddy tenía cerca de 20 hits en los USA y era su mayor estrella internacional, especialmente en Inglaterra donde la escena musical era dominada por la música instrumental. Hacia 1959 el rock instrumental abandonaba los saxos y teclados para dar mayor énfasis a la guitarra. Así comienza una tendencia musical más y más de atmósfera, como Santo & Johnny y su “Sleep Walk” (1959), “Walk Don't Run” de los Ventures de 1960 y los británicos Shadows con “Apache” también de 1960. Incluso la batería era empleada como instrumento principal del rock instrumental, es el caso de “Teen

Johnny and the Hurricanes Comenzaron en 1957 en Ohio, dirigido por el saxofonista Johnny Paris (1940-2006), eran un grupo de amigos del colegio que hicieron algunas grabaciones como acompañantes de Mack Vickery, un cantante local de rockabilly. Los otros de la banda fueron Dave Yorko (guitarra), Butch Mattice (bajo) y Bill “Little Bo” Savich (batería). Bajo el sello Twirl Records logran gran suceso en 1959 con “Crossfire”. El siguiente simple, el instrumental “Red River Rock” lo hicieron en Warwick Records, logrando un Nº 5 en USA y un Nº 3 en Gran Bretaña con ventas de más de 1 millón de copias. Esto le abrió camino a varios éxitos instrumentales como “Reveille Rock”, “Beatnik Fly”, “Down Yonder” y “Rocking Goose” que llegó también al Nº 3 en Gran Bretaña, donde consiguieron una legión de seguidores incondicionales. Continuaron grabando hasta 1965.

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LA ERA DEL ROCK

The Tornados fue uno de los grupos británicos instrumentales más importantes de los 60, tuvieron gran éxito después de lanzar su sigle “Telstar” en 1962, con un original estilo que los diferenció de otros grupos.

La moda del “surf music” atrajo a cientos de jóvenes a formar grupos de rock and roll instrumental, Los Surfaris se hicieron famosos con su “Wipe Out” en 1963. 162

Beat” (1959) de Sandy Nelson y “Bongo Rock” (1959) de Preston Epp. 1959 bullía de hits instrumentales, así como cada ciudad tenía su banda local favorita. Las “dance crazes” que comenzaron en 1960 proveyeron muchísimo trabajo a las miles de esas bandas instrumentales. Hacia 1962 el rock instrumental empezó a competir con los discos de soul y los grupos de chicas (como las Supremes, Martha and The Vandellas, The Marvellettes, The Ronettes, etc.), pero todavía no estaba muerto. Ese año de 1962 el grupo británico The Tornados lanzan “Telstar” inaugurando un estilo instrumental que representaría perfectamente la era espacial que se iniciaba en esos años. Pero los sonidos logrados con efectos de reverberación, ecos, compresión, distorsión y grabaciones al revés, eran fruto del pro-

ductor inglés Joe Meek. El tema lo hizo como un tributo a la primera transmisión televisiva transatlántica vía satélite. “Telstar” se convirtió en un exitoso número 1 en Gran Bretaña y el nuevo estilo “espacial” contagió a muchísimos otros grupos instrumentales. En 1963 el “surf music” comenzó con Dick Dale y su “Let's Go Trippn'” y describía como “surfear” a su forma de tocar rock and roll, junto a Jan and Dean y los Beach Boys establecieron definitivamente el estilo. En California se desarrollaron varios grupos siguiendo el estilo surfista de Dick Dale, para 1963, “Pipeline” de los Chantays, el conocidísimo “Wipe Out” de los Surfaris (en la jerga del surf significa caerse de la tabla) y “Penetration” de los Pyramids, eran hits nacionales. Por toda los USA los grupos instrumentales se pasaban al surf rock. Pero esto sería

lo último para el rock instrumental, pues llegó la Invasión Británica y los gustos del público blanco cambiaron.

The Ventures La banda instrumental más importante fue indudablemente The Ventures, integrada por Howie Johnson, Don Wilson, Nokie Edwards y Bob Bogle. La banda originalmente se llamaba The Versatones, iniciada por Bogle en Seattle en 1959. Su música era suave, brillante y técnicamente precisa. Las guitarras Fender Stratocaster les daba ese sonido característico. Su primer demo de “Walk Don’t Run” fue enviada a varios sellos discográficos, pero como no recibieron respuesta, la madre de Wilson, lanzó la canción en su propio sello Blue Horizon. A través de una distribuidora de Liberty Records, “Walk Don’t Run” se convirtió en un gran éxito local y el grupo cambió su nombre a The Ventures en 1960. Para agosto de el mismo año, el single era número 2 en las listas de éxito. A este disco le siguió una versión rockera del clásico country “Ghost Riders in the Sky”, luego “Perfidia”, “Lullaby of the Leaves”, “Diamond Head” y “2000 Pound Bee”, todos éxitos hasta mediados de los sesenta. En 1961, Johnson fue remplazado por Mel Taylor después de que dejara el grupo por un accidente automovilístico. En 1965 realizan uno de los primeros discos de enseñanza musical de la historia, “Play Guitar with The Ventures”. En 1967 Edwards es remplazado por Jerry McGee, quien a su vez dejó el grupo en 1970, año en que Edwards retorna

a los Ventures. Para ese tiempo el tecladista Johnny Durrill expande el grupo a un quinteto y el grupo se desarrolló hacia un sonido más crespo, usando pedales wah wah en las guitarras así como la incursión en el calypso y el repertorio Latinoamericano. En 1969 hicieron el tema principal para la serie televisiva “Hawaii Five-0” que fue otro éxito mundial. Siguieron tocando a través de los 70 con varios cambios de formación, contando ya con cerca de 50 álbumes grabados e inspirando a guitarristas en todo el mundo. En 1981, con Bogle, Wilson, Edwards y Taylor, realizan el regional hit “Surfin' and Spyin” y se embarcaron en un exitoso tour por los USA y el Japón. Bogle, Wilson y McGee todavía están activos en un grupo. Mel Taylor falleció en agosto de 1996.

En 1964, Robert Moog crea un revolucionario aparato que utiliza la electricidad para crear intensos y nuevos sonidos. Poco a poco se va perfeccionando y entra de lleno en el mundo del rock. El “Mini Moog” y su característico sonido dejó su marca en la música rock a mediados de los años 60. 163

LA ERA DEL ROCK

Hablando de exótico, Herb Alpert & The Tijuana Brass daban el toque latino y de jazz a varios temas de rock. Eran el grupo por antonomasia de la música para adultos sofisticada.

La “onda exótica”

Theo Beckford, apodado “Snappo” fue pianista, cantante y productor y fue el primero en inaugurar el ska y su evolución en reggae con “Easy Shipping” en 1956. 164

Los sonidos exóticos permanecen en la psique de los norteamericanos aún hoy, sólo que ahora el énfasis está en los sonidos latinoamericanos. En 1957 Harry Belafonte lanza “Banana Boat”, inaugurando el “calypso”, proveniente de Jamaica, antecesor a otros ritmos como el ska (la primera manifestación musical realmente autóctona) y el reggae. El elemento que hace instantáneamente reconocible a la música de Jamaica es el “off-beat” o “golpe suspendido” que se realiza con un lánguido rasguido de la guitarra, esto da al reggae ese ritmo de hipnótica sensación. Ese “off-beat” puede ser rastreado hasta comienzos de los 50 y su consiguiente desarrollo coloquial de un estilo jamaiquino para el R&B norteamericano. El primer exponente de este nuevo método fue Theophilus Beckford, quien graba el primer disco de ska, “Easy Shipping” en 1956 y la palabra “reggae” fue acuñada hacia 1968

para identificar el desgarbado (“ragged”) sonido característico de esa danza. Por otra parte en 1959 los Drifters y su “There Goes My Baby” introduce el ritmo latino en la música pop, abriendo camino a muchos otros grupos de R&B a experimentar con este tipo de música, que pocos años después también entraría en el rock. En los sesenta hubo también grupos instrumentales que venían del jazz, que se internaron en la interpretación de canciones de twist y rock algunos con sonidos propios de otras latitudes, así grupos como Ray Coniff y su orquesta, Pérez Prado, Herb Alpbert y los Tijuana Brass, Bert Kaempfert o Al Hirt alcanzan a un público adulto cuyos gustos musicales eran muy distintos al de los jóvenes.

Rhythm & Blues blanco Muchos cantantes blancos, no querían ser meros “vehículos” para las composiciones del Brill Building. Ellos

también querían cantar otro tipo de canciones, por lo que incursionaron en el Rhythm and Blues, de modo que ya no sería patrimonio exclusivo de los músicos negros. Entre estos cantantes, se destacaba Dion, que después de dejar el grupo de DooWop los Belmonts, se lanzó a una carrera en solitario en 1960; “Runaround Sue” y “Wanderer” de 1961, con un abierto uso y abuso de los ritmos del R&B llegaron al número 2 en las listas de los USA. COmo representante de las mujeres, Lesley Gore alcanzó la fama gracias a “It’s My Party” de 1963, compuesta por Quincy Jones. Otro gran representante del R&B blanco fue Del Shannon, especialista “rompecorazones” alcanza el número 1 a ambos lados del Atlántico con “Runaway” en 1961, su clásico falsette aplicado a “wa-wa-wa-wa-wandered” donde se preguntaba porqué su chica se había fugado, arrancaba los gritos de las fans. Esa fue además una de los primeras canciones que utilizaban sonidos electrónicos producidos por el musitron, antecesor del sintetizador. Shannon repitió la fórmula

con otras canciones melancólicas como “Hats Off To Larry” (1961) y “Little Town Flirt” compuestas por él mismo. Su exitoso “Handy Man” fue reprizado con el mismo suceso durante los 70 por James Taylor, demostrando la calidad sin tiempo de otro tema clásico del rock and roll, además de “Runaway” versionado por Bonnie Raitt. A partir de 1965 su éxito comenzó a declinar para no levantarse más. Del Shannon es considerado la última de las genuinas estrellas de rock and roll. Se suicidó en 1990.

A pesar de haber gozado de varios éxitos entre 1961 y 1965, Del Shannon siempre será recordado por su “Runaway”, un tema obligado del repertorio del rock and roll. Para muchos, Shannon fue la última genuina estrella del rock clásico.

Las raíces del Soul Hacía mucho tiempo que la música compuesta por los negros dejó la odiosa etiqueta de “race music” o “negro music”, pero pronto los blancos hicieron lo mismo con el más genérico Rhythm & 165

LA ERA DEL ROCK

Blues, todo lo que no era rock and roll blanco era necesariamente R&B; esa “etiqueta” era también demasiado abarcativa, desde las baladas hasta los mismos rocks, siempre que sean negros los músicos o artistas, era R&B. Esta confusión hacía difícil para un neófito poder distinguir las diferentes corrientes musicales negras, para colmo, ahora también los blancos se metían a hacer R&B, con lo que se iba perdiendo la identidad, tal como había sucedido con el rock and roll y el Doo Wop. Por lo que se necesitaría una nueva forma de expresión que sea genuínamente negra, donde los blancos no hayan invadido. A fines de los años 50 comienza a surgir este nuevo estilo que uniría perfectamente las corrientes más contrarias y a la vez más “negras” de la música, cantantes de R&B y de gospel, se transformarían en cantantes de Soul, la música del alma de todo un pueblo,

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estos crearon una completamente nueva manera (sexy y provocativa) de expresar las canciones. “You Send Me” (1957) de Sam Cooke, “For Your Precious Love” (1958) de Curtis Mayfield y los Impressions, “Lonely Teardrops” (1958) de Jackie Wilson, y “What’d I Say” (1959) de Ray Charles, fueron canciones que lanzaron el nuevo género. En 1959 Barry Gordy Jr. funda Tamla-Motown en Detroit para realizar discos de orientación soul. En 1961 Stax, fundada tres años antes en Memphis, comienza a producir también discos de soul con un estilo distintivo más blo y melódico. Y en el mismo año, Kenny Gamble y Leon Huff fundan Philadelphia International para producir también discos de soul pero con arreglos orquestales, lo que adicionó otro ingrediente al canon de la música negra. El R&B por su parte era “contaminado” por el rock and roll en temas que fueron éxito como “Stay” (1960) de Maurice Williams & The Zodiacs (el número 1 más corto de la historia del rock and roll, pues apenas pasaba del minuto y medio) y “Quarter To Three” (1961) de Gary Bonds.

CAPITULO 8

El alma de un pueblo

E

l Soul, más que un estilo de música se puede describir como toda una revolución, un idioma, un modo de vida, un grito de libertad. Para cubrir toda lo que expresa el Soul sería necesario más de un libro completo. Cuando el rock and roll, que era la expresión propia de los negros norteamericanos, estaba siendo absorbida por el showbusiness y el comercialismo blanco, nuevamente de los afro-americanos nace una nueva forma de expresarse, surgido de las dos corrientes más antagónicas y a la vez propias de este pueblo oprimido, el gospel y el blues. El soul ha traspasado, como todo lo bueno, las fronteras de razas, creencias y épocas, pero es parte ineludible de los años 60, su época dorada. Todo esto ocurría en el momento preciso en el que los negros dejaban de callarse y de aceptar la vida que el “amo blanco” les obligaba a vivir. Eran días de motines callejeros, líderes negros y conciencia racial. La industria musical que siempre se había mantenido al margen de estos problemas sociales, dejan que los artistas expresen sus ideas y opiniones políticas. La música auténticamente negra se hace oir en todos lados, alcanzando un éxito notable y por primera vez es reconocida su calidad y valor propios, sin edulcorantes “blancos”. Los artistas negros se convierten en entertainers para todo público y trascienden las fronteras del país y de las culturas. Aretha Franklin, Marvin Gaye, Otis Redding, The Supremes, Sam Cooke, The Temptations, Tina Turner,

James Brown, Stevie Wonder son nombres inolvidables, creadores y líderes que enseñaron al mundo de dónde viene la verdadera música del alma.

Surge una nueva expresión Declarar la fecha o el año en que nació el soul sería muy aventurado, pues hay innúmeras opiniones sobre qué es y qué no es soul, pues se puede decir sin miedo a equivocarse que Ray Charles ya hacía soul antes de los años 60 y lo mismo podríamos decir de Sam Cooke o de los Drifters, pero se coincide que, con el primer disco lanzado por el productor Berry Gordy Jr. con su flamante disquera Motown, el Soul llega a su mayoría de edad estrenando la década. Berry Gordy andaba por los 30 años cuando su tienda de discos quedó en

“El Soul se trata de sentimientos y hagas lo que hagas no puedes olvidarlo. Es simple: el soul surgió del gospel y del blues” – Aretha Franklin

En 1960 Berry Gordy Jr. fundó el sello Tamla y luego compró una casa donde crearía el célebre sello Motown en Detroit, la “Hitville” sería más tarde parte indisoluble de la historia del Soul y de sus grandes creadores.

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LA ERA DEL ROCK

The Miracles con Smokey Robinson a la cabeza, fueron los autores de los primeros éxitos del sello Motown. Smokey fue en muchas maneras el “as bajo la manga” de Berry Gordy en sus inicios, escribiendo y produciendo éxitos para otros grupos de la compañía.

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bancarota, también probó con el boxeo y escribiendo canciones para la Chess Records (en la vida hay que hacer de todo...) Los 60 empezaron con Gordy trabajando en la línea de producción de coches en Detroit, pero lo que quería era fundar una disquera, logró un préstamo de 600 dólares y creó Tammie, que luego se volvió Tamla. El primer grupo que firmó con Gordy fue The Miracles, con quienes ya había trabajado antes. El primer éxito de la nueva disquera fue “Money”, escrita por el mismo Gordy. La grabación la hicieron en los estudios de la Chess/Checker. El éxito de la canción animó a Gordy a meterse de lleno y a llevar más allá las fronteras del mercado de la música negra. El había visto disqueras como Chess o Stax eran efectivas en un pequeño sector, pero descubrió una oportunidad para alcanzar al gran mercado blanco con una variedad de pequeños sellos todos bajo el ala protectora de la célebre MOTOWN. Los éxitos comenzaron a venir. Los Miracles dirigidos por Smokey Robinson

y su sedosa voz, volvieron al suceso con “Shop Around” y “You Really Got A Hold On Me”. El grupo femenino The Marvellettes le dió a Motown su primer número 1 con “Please Mr. Postman” en 1961. Luego aparecería un muchacho ciego de 12 años conocido como Little Stevie Wonder, al momento de conocerlo, Berry supo reconocer su increíble potencial. A parte de su talento musical, Stevie tenía una simpatía muy ventajosa. Stevie Wonder fue lanzado como el joven Ray Charles, y logró su primer hit con “Fingertips”, la primera canción de Motown que entró en los charts de R&B y los Top 100 al mismo tiempo. Berry Gordy quería ser visto como el que logró el éxito en una moderna compañía norteamericana con un atractivo universal y a la vez manteniendo una definida identidad negra. Su negocio incluía la casa de publicacio-

nes Jobette y varios sellos como Tamla, Motown, Gordy, VIP and Soul, con los cuales armó su imperio. Las compañías tenían su sede en tres casas reconvertidas en el Gran West Boulevard. En los estudios trabajaba regularmente Smokey Robinson escribiendo y produciendo a un nuevo grupo, los Temptations, la atmósfera general era de mucho trabajo pero al mismo tiempo informal. Gordy se aseguraba que sus discos tuvieran un espíritu tanto negro como blanco, y la producción tomaba cuenta de detalles como cuáles discos sonaban en las rockolas de los bares. Martha Reeves por su parte era secretaria de la corporación hacia 1961. Cuando se necesitó un apoyo vocal para los coros de una grabación que Marvin Gaye estaba realizando, Martha fue de voluntaria. Ella y unas amigas consiguieron trabajar regularmente en los estudios hasta que eventualmente realizaron su primer single como Martha and The Vandellas en 1963 con “Come and Get Those Memories”. Este fue seguido por “Heatwave“, “Dancing in the Street” y “Jimmy Mack”. Es el perfecto ejemplo del informal suceso de “entre casa” que lograba Motown. Marvin Gaye fue la mayor estrella de la casa. Su voz, trabajada por años como cantante gospel, estremecía con su casi religioso “Can I Get a Witness?”. Gaye junto a la carrera en solitario de Smokey

Robinson representaron la primera fase de Motown.

Mary Wells y su interpretación de “My Guy”, así como el grupo femenino The Marvellettes, son ya parte de la leyenda de Motown.

Se forma una gran familia En 1964, Berry Gordy anuncia que Smokey Robinson será el vicepresidente de la Motown Corporation, pero debido a su intenso trabajo con The Miracles y con los Temptations, así como componiendo temas para otros artistas como Mary Wells y su “My Guy”, Smokey no pudo tomar el puesto hasta 1972. La segunda oleada de Motown concide con la llegada de un excelente grupo de compositores, Eddie Holland, Lamont Dozier y Brian Holland, que escribieron canciones para The Supremes, los Four Tops y los Isley Brothers, logrando una increíble lista de éxitos: Where Did Our Love Go?, Baby Love, This Old Heart of Mine, Rech Out I’ll Be There, Bernardette, y muchos otros. Sus letras capturaron esa cualidad especial que hizo a Motown llamarse a sí misma “El sonido de la joven América”. Los Four Tops tuvo más éxitos con “Baby I Need Your Loving” y “The Same Old Song”, y las Supremes consiguieron 15 hits sucesivos en los Top Ten. A mediados de los 60, Motown se convirtió en una verdadera fábrica de éxitos con la consiguiente entrada de los

Marvin Gaye, pieza fundamental del sello Motown y del éxito internacional del soul. 169

LA ERA DEL ROCK

Las giras de los artistas de Motown, llamada Motor Town Revue, se desarrolló entre 1964 y 1965 por los USA y Gran Bretaña. Berry Gordy se dio cuenta de que las giras eran sumamente importantes para la expansión del negocio, y que el público estaba deseoso de ver a sus estrellas en vivo y en directo. Las giras se dieron sin embargo con problemas de todo tipo, imagínense lo que fue transportar a los músicos, maquilladores, estrellas y toda la gente necesaria metidos en un bus y cuatro automóviles.

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millones. En esa época era posible escribir a la compañía desde cualquier parte del mundo símplemente dirigiendo la carta a “Hitsville, USA”. El éxito de la música negra no se limita a Detroit, pronto empiezan a aparecer nuevos sellos discográficos y los que ya estaban, vuelcan sus esfuerzos a esta nueva corriente por todos los Estados Unidos. Bastará con nombrar algunas de las más importantes: En Chicago están Vee Jay (con estrellas como Dee Clark, John Lee Hooker, Staple Singers, Dells, Gene Chandler, Jerry Butler, Four Seasons, etc.) y la propia Chess, con artistas como Etta James, Fontanela Bass, Clarence “Frogman” Henry y otros. En Memphis estaba la segunda compañía “soulera” del país, Stax que se había formado de una tienda de discos, ahora tenía en su catálogo a estrellas de la talla de Otis Redding, Eddie Floyd, Rufus

Thomas, Albert King, y otros. Su éxito no le impidió caer en bancarrota en 1975. En New York ya se encontraba Atlantic, que contaba en su sección especializada mucho del mejor soul de la época, Chuck Willis, Ben E. King, Wilson Pickett, Aretha Franklin, Ray Charles, Roberta Flack, etc.

El Soul domina las listas La apertura social y los nuevos mercados entrados los años 60 hacen crecer a los sellos discográficos y a la industria musical negra, las listas de éxito dominadas por los “soulmen” es impresionante. El nuevo capitalismo negro es una realidad. En Europa se descubre el R&B y llega el fenómeno del Soul, naciendo un verdadero culto que se fortalece con grupos tan dispares como los propios Beatles y los Rolling Stones, además de la nueva modernidad o “mod” como se

hacían llamar los “nuevos ingleses” adictos al soul y a su forma de vestir, de lo cual hablaremos en otros capítulos. A finales de la década del 60 las listas de éxitos son dominadas por artistas negros: así tenemos viejos blos (B.B. King, John Lee Hooker), estrellas del soul (Aretha Franklin, Marvin Gaye), experimentadores (Sly Stone), entretainers glamorosos (Diana Ross, Fifth Dimension), soul bailable (Archie Bell, Bar-Kays), pop adolescente negro (Jackson 5) y gospel comercial (Staple Singers, Edwin Hawkins).

Los Four Tops llevan ya 40 años sin cambiar de formación, conservando la dignidad fuera de tener éxito o no. El tema “Indestructible” de la película “Alien Nation” es lo más reciente y recomendable.

Aretha Franklin llegó al Soul de manera natural, después de pasar por el Gospel.

Evolucion y decadencia Los años 70 se presentan como otra época dorada. La industria musical alcanza tamaños incalculables y la industria del espectáculo negro le sigue. Aparecen hombres y mujeres de negocios negros, que invierten en músicos, actores y modelos negros. La publicidad, el cine y la música negra se desarrolla intensamente creando una nueva burguesía negra y se lanzan productos para ella. La década anterior ha creado una conciencia de raza que se ve reflejada en el culto a la belleza, la moda y la inteligencia negras. Se buscan las raíces culturales y musicales en la lejana Africa. En lo musical se busca la sofisticación y la experimentación, tanto en lo vocal como en lo instrumental. Se mezcla con la psicodelia y las corrientes netamente bailables; surge el Funk y el muchas veces subvalorado Disco Music, dirigido netamente al entretenimiento, pero que se extendió como reguero de pólvora por todo el mundo. En los 80 la música negra se vuelve más comercial y adaptable pero igualmente es super exitosa, artistas como Michael Jackson o Whitney Houston baten todos los records de ventas y popularidad, creando un estilo nuevo que sería imitado por decenas de artistas en los siguientes años. En lo

referente al estilo, los años 80 marcan la degradación musical del soul, cada vez hay más productos elegibles, pero demasiado parecidos entre sí, los artistas parecen estar más preocupados en mostrarnos cuán ricos y finos son, que en dedicarse a la creación artística. Cuando en 1984 muere asesinado Marvin Gaye y Michael Jackson se convierte en el Rey del Pop, una era llegaba a su final. Después de este pantallazo general del soul, conoceremos a través de las siguientes páginas a los creadores y cultores más famosos, para procurar entender un poco más este verdadero fenómeno que, aunque salió de una época concreta, no tiene fronteras de tipo racial ni musical ni temporal y de cuya fuente el rock ha bebido indudablemente.

Otro héroe del Soul fue Wilson Pickett quien será recordado por temas como “In The Midnight Hour”, bajo el sello Stax, “Land of 1,000 Dances,” “Mustang Sally” o “Funky Broadway” grabadas en Muscle Schoals. Su calidad le reservó un lugar privilegiado entre los soulmen de los 60, pero no pudo mantenerse durante los 70 más que como una vieja gloria, a pesar de algunos discos excelentes como “Don’t Knock My Love” (1971) y “Mr. Magic Man” (1973). Murió de un infarto en 2007. Su estela de éxitos entre 1963 y 1973 dejó un profundo legado en el soul que perdura hasta hoy. 171

LA ERA DEL ROCK

HEROES DEL SOUL Jackie Wilson Gran maestro, muy imitado, favorito de favoritos, podía ser el mejor soulmen y también transformarse en el más meloso crooner, pues una de sus ambiciones era precisamente ser el Mario Lanza negro. Nada de esto parecía verse en el futuro de este ex-boxeador nacido en Detroit, hasta que se unió a la banda de los Thrillers como vocalista principal. Sin mucho éxito se va al grupo de Bill Ward & The Dominoes con quienes llega al Top 20 con “St. Therese Of The Roses” en 1956. Wilson se cansa de los grupos y se lanza como solista, y encuentra su estilo danzante y expresivo con el famoso “Reet Petite” (1957) que lle-

gó a los Top Ten en Inglaterra pero extrañamente solo tuvo moderado éxito en su propio país. Pero no se quedaría con ese mal sabor de boca, por lo que se lanzó nuevamente y rompió la racha llegando entre los Top 20 con “Lonely Teardrops”, este suceso le convirtió en el entertainer negro más popular de la nación, afirmado por los siguientes sucesos como “Alone At Last” y “My Empty Arms”. En 1963 sus canciones “Baby Workout”, “Higher and Higher”, “Get The Sweetest Feeling” y otras favoritas, lo mantuvieron en las listas de éxito hasta 1972. Muchas de esas canciones se “remozaron” y se volvieron éxitos de discoteca en las discos europeas. Después de años de silencio, quiere volver a la palestra, pero la delicada salud de Jackie se quiebra y durante una actuación en Nueva York en 1975, sufre una hemorragia cerebral que lo mantiene en coma por años, finalmente su organismo ya no aguanta y fallece en 1984, privando al mundo de uno de los más espectaculares y expresivos entertainers de todos los tiempos que ha dado el soul.

Smokey Robinson & The Miracles

Los pasos de baile de Jackie, su forma de vestir, su peinado, su forma de cantar, todo en él era “estilo”, las mujeres lo adoraban y los hombres lo imitaban hasta donde podían, pero sólo hubo un Jackie Wilson.

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William “Smokey” Robinson, Jr. (nacido en 1940) aparte de ser cantante, compositor, productor musical y ejecutivo, es reconocido como una de los primeras grandes estrellas del soul con Motown Records y socio de Berry Gordy. En grupo y en solitario, Robinson consiguió treinta y siete Top 40 entre 1960 y 1987 para Motown y fue vice presidente de la compañía desde 1961 hasta 1988. Nacido en un suburbio de Michigan, aun era pequeño cuando un tío suyo le apodó “Smokey Joe” por su afición a las películas de cowboys. En 1955 formó su

primer grupo llamado The Five Chimes y para 1957, el grupo cambia de nombre a The Matadors e incluyó a sus primos Emerson y Bobby Rogers. Con Robinson como vocalista lider, The Matadors comenzaron a ser frecuentes en varios clubes de Detroit. En 1958, Robinson conoce a Berry Gordy, quien co-escribió para el grupo el single “Get a Job”. El grupo vuelve a cambiar de nombre a The Miracles, que incluía a Ronnie White, Bobby Rogers, Peter Moore y Claudette Rogers que se había casado con Smokey Robinson. Comenzaron a grabar en End Records y Chess, pero poco después Robinson sugiere a Gordy que comience un sello propio, le hace caso y funda Tamla que poco después se llamaría Motown (por “Motor Town” que era Detroit). The Miracles fueron por supuesto los primeros artistas en firmar con el sello. El single “Shop Around” de 1960 fue el primer hit de la Motown, llegó hasta el puesto número 2 y fue el primer millón de discos vendidos para The Miracles. Robinson se convierte en la mano derecha de Gordy y ayuda en el lanzamiento de las carreras de las Supremes y de Mary Wells,

Smokey Robinson es una de las leyendas del Soul, no solo por su gran voz y talento para la composición y producción musical, sino también como uno de los primeros empresarios negros exitosos y un gran impulsor de otras super estrellas como las Supremes de Diana Ross o Los Temptations.

además de componer decenas de temas exitosos en el proceso. En 1963 siguen los éxitos para The Miracles, “You’ve Really Got a Hold on Me” y “Mickey’s Monkey” a la par, Smokey lanza a otro super grupo de la Motown, The Temptations, para quienes compuso y produjo una cadena de sofisticados hits. The Miracles por su parte se hace regular en los charts con clásicos como “The Tracks of My Tears” (1965), “Going to a Go-Go” (1965), “I Second That Emotion” (1967), y el número 1 internacional, “The Tears of a Clown” de 1970. Un año antes, Smokey se había retirado para concentrarse en los negocios, pero poco después emergería con una discreta carrera solista durante toda la década, otra vez culminaría con un número 1 gracias a “Being With You” en 1981. Luego de esto pasó los siguientes años luchando contra la adicción a las drogas, regresando triunfalmente con otro Top 10 en 1987 con “Just To See Her” y “One Heartbeat”. Hoy sigue deleitando a millones con su extraordinaria voz y su estilo inimitable, pasando a engrosar la lista de los grandes del soul clásico.

“Los Miracles eran lo mejor y todo el mundo lo sabía. Nada demasiado llamativo. Las Supremes tenían más hits, los Temptations los mejores bailes, pero Smokey y los Miracles eran pura música” – Bob Seger

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LA ERA DEL ROCK

Marvin Gaye en los sesenta era el niño mimado del exitoso sello Motown y de la mano de Smokey Robinson y otros brillantes compositores logra crear grandes e inolvidables éxitos del soul.

Marvin Gaye

En 1982 sale “Sexual Healing” que logra un redescubrimiento de la obra de Gaye por las nuevas generaciones, pero su carrera se vería interrumpida en 1984, cuando, tras una violenta discusión con su padre, muere de un disparo, acto turbio hasta hoy no aclarado del todo. 174

Marvin Pentz Gay nació en abril de 1938 en Wasington DC, iniciado en la música gospel por su padre, quien es pastor, lo incluye en los coros de la iglesia desde los cuatro años. Marvin se lanza profesionalmente como cantante en grupos como The Moonglows y como baterista de Bo Diddley y de los Miracles. En 1957 crea su propio grupo, The Marquees, que llama la atención del productor Berry Gordy. Finalmente firma con el sello Motown en 1961. Casado con una de las hermanas de Gordy, Marvin se convierte en niño mimado de la casa Motown, contando en todo momento con la ayuda de los mejores compositores del sello y todo el apoyo comercial posible. Gracias a esto, se convierte en una estrella rutilante, amado y adulado por el público. En 1962 graba “Can I Get A Witness? (reinterpretado por los Rolling Stones)

con lo que se impone al público del soul, y en 1967 su éxito “I Heard it Through The Gravepine” regrabado por los Creedence lo presentan al público rockero. Siempre insatisfecho, pero muy conciente de lo que pasaba en el mundo y de los cambios sociales, decidió que ya era tiempo de tener el control total sobre sus discos y reflejar en su música sus estados de ánimo y opiniones sobre la droga, la polución y el futuro del mundo. Marvin Gaye fue uno de los primeros artistas negros en componer y producir su propio material, logrando un lenguaje propio e independiente de las “leyes” del Soul. Su gran talento y agudas letras se vieron reflejadas en álbumes como “What’s Going On” (1971) y “Let’s Get it On” (1973) utilizando el formato de baladas para opinar sobre el racismo, la pobreza y la violencia. Después de un empalagoso “Diana and Marvin” (1973) a dúo con Diana Ross, su música se volvió hacia el lado romántico. Sus grabaciones se hicieron más esporádicas y su problema con las drogas aumentó. En los años 80, se mudó a Bélgica y desde allí enriqueció aun más su estilo con matices electrónicos llenos de sensualidad, consiguiendo una nueva serie de seguidores e imitadores. Precisamente hizo una triunfal vuelta a las listas con “Sexual Healing” en 1982. Su azarosa vida amorosa llena de turbias historias de matrimonios, divorcios y pleitos lo llevó a una existencia atormentada que llegó a su trágico final cuando en una acalorada discusión con su padre, éste le dispara, cegando así una fructífera carrera que volvía a ascender.

The Isley Brothers La historia de los Isley comienza con smoking, moñitos y armonías vocales y termina con pieles, cueros, botas vaqueras de colores, lentejuelas de todo tipo y efectos especiales. Han sabido como nadie adaptarse a los drásticos cambios que se sucedieron entre los 60 y los 70, consagrandose no sólo como grandes intérpretes y creadores de temas emblemáticos sino también como un grupo de sólida carrera plena de radicales innovaciones, manteniéndose siempre a su manera sin imitar la de los blancos. Los hermanos O’Kelley, Rudolph y Ronald Isley crecieron en Cincinatti, de padres músicos profesionales, se iniciaron como muchos soulmen en el gospel de la iglesia, mudándose a New York tras conseguir un contrato con la RCA. En 1959 logran su primer hit “Shout”, seguido después en 1962 por “Twist and Shout”, que los Beatles convirtieron en éxito universal. Después de una pausa musical, los Isley Brothers graban una tranquila versión de “Who’s That Lady” en 1964 (relanzada una década después). Después de formar su propio sello T-Neck, contratan a un joven guitarrista para acompañarlos, se trata nada menos que de Jimmi Hendrix. El trio consigue un contrato con Tamla-Motown encontrando nuevo éxito con “This Old Heart Of Mine” y “Behind a Painted Smile”. En 1969, el sello T-Neck es reactivado con una nueva formación de seis integrantes para los Isley Brothers, con sus hermanos Ernie y Marvin y el primo Chris Jasper, resultando en el sonido funky de “It’s Your Thing” y “I Turned You On”. Los Isley incorporaron también temas propios a su repertorio, influidos quizás por Hendrix, agregan al soul un sonido más rockero en “3+3” (1973) y su himno “Harvest For The World” (1975).

Hacia mediados de los setenta, la banda se volvió hacia el disco así como al hard funk y las baladas, pero no lograron alcanzar el éxito anterior en las listas del pop. “It’s a Disco Night” (1981) fue su último suceso notable. En 1984, Ernie, Marvin y Jasper se van para formar Isley Jasper Isley. Dos años después, el trío se acaba con la muerte de O’Kelly, aunque Rudolph y Ronald continuaron grabando.

Los Hermanos Isley fueron uno de los grupos de soul más duraderos y exitosos. Desde sus comienzos con el gospel y el R&B, evolucionaron hacia el soul, el funk, el disco dance, con un toque de rock. Indudablemente son los que mejor se han adaptado a los constantes cambios de la música.

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Aretha Franklin es con certeza la “Dama del Soul”, con su calidad interpretativa y su pasión por las causas justas consiguió llegar a los lugares más altos, reservados para las verdaderas estrellas que no pasan de moda.

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Aretha Franklin Dotada de una prodigiosa voz ha pasado a la historia como un símbolo del soul, conocida como “Lady Soul”. Como su padre era un conocido pastor bautista en su natal Memphis, se inicia en el mundo del gospel con maestras de la talla de

Mahalia Jackson y Clara Ward. La juvenil Aretha graba canciones gospel en los sellos JVB y Checker, hasta que Sam Cooke la convence para dedicarse a la música secular. Firma entonces contrato con Columbia Records, donde se pasea por los más diversos estilos, desde el blues hasta el jazz. Esa indefinición era quizás apoyada por su marido Ted White, quien manejaba su carrera en ese momento. Pero su carrera no despegó hasta que el productor Jerry Wexler la convence para firmar con Atlantic en 1966, donde al fin pudo explotar su proverbial estilo vocal. A propósito, Wexler dijo: “Aretha tuvo una carrera menor en Columbia antes de venir a Atlantic, y allá no le dejaban tocar mucho el piano, pero en su caso no estaba en juego su calidad. Era una pianista brillante. Aretha le aportó un toque de jazz a su piano gospel y todo era por instinto, sólo combinó las dos cosas como parte de su genialidad. Nadie podía copiarla, ella es única”. El éxito instantáneo vino con “I Never Loved A Man (The Way I Love You)”. Una serie de éxitos le siguieron, y los siguientes cinco años fueron testigos de una Aretha en la cumbre de su creativo poder. Canciones como “Respect” y “Chain of Fools” se convirtieron de la noche a la mañana en estándares del soul. Se impone como una estrella del movimiento antisegregacionista. Participa en mitines políticos y religiosos al lado de Martin Luther King y se hace apreciar por el público blanco gracias a la calidad de sus interpretaciones. A despecho de su frágil vida personal, Aretha graba uno de los más impresionantes álbumes de soul de ese período, “Lady Soul” (1968) seguido por “Aretha Live at The Fillmore West” (1970), confirman su impresionante performance en escena. Cuando el gusto del público se dirigió hacia el funk, la carrera de Aretha comenzó a decaer a finales de los setenta, hasta que un papel en el filme “The Blues Brothers” cambió

su suerte. Consigue firmar con Arista Records en 1980 y regresa con “United Together”. Los ochenta son salpicados con hits como “Freeway of Love” y “Who’s Zooming Who”, así como duetos con George Michael y Eurythmics.

Stevie Wonder A pesar de su desaparición en los últimos años de la “movida musical”, su personalidad luchadora y vigorosa le ha consagrado como un verdadero artista de increíble talento. Compositor, multiinstrumentista, productor y cazatalentos de primera, es el primero en tomar su carrera por las riendas, independizándose de la industria, liberando su creatividad y tomando la moda africana en el vestuario. Nació como Steveland Morris Judkins en 1950. A pesar de su ceguera, se animó con la armónica y el piano desde temprana edad. Descubierto por Smokey Robinson, firma su primer contrato con Motown en 1960. Dos años después logra el número 1 con “Fingertips” tomando el apropiado título de el “Genio de 12 años”. Su prodigioso talento le permite tocar no sólo la armónica y los teclados, sino también la guitarra y la batería. A pesar de todo, sus singles siguientes no tuvieron suficiente éxito, aún así realizó una gira por los USA y Gran Bretaña, seguida por apariciones en filmes juveniles como “Bikini Beach” y “Muscle Beach Party”. Adaptado al sonido soul de Motown, en 1966 vuelve a las listas con “Uptight” con un millón de discos vendidos, además de una docena de hits más durante los siguientes cinco años. Al cumplir los 21 años, decide que el apelativo del “joven Ray Charles” ya no vá más y renegocia su contrato con la disquera, asegurando una total libertad artística. Su excepcional imaginación y sus malabarismos vocales son enriquecidos con una larga lista de influencias musicales,

El niño prodigio de Motown, Stevie Wonder, podía tocar la armónica tan bien como lo hacía con el teclado, la guitarra o la batería. Logró su primer hit millonario cuando contaba apenas con 12 años de edad.

desde el funk, electrónica, jazz, gospel, samba, etc. Esto fructifica en tres notabilísimos álbumes de soul influenciados con los nuevos sonidos de sintetizador, de 1972 a 1974, lanza “Music of My Mind”, “Talking Book” (que incluye el super hit “Superstition”) y el psicodélico “Inner Visions”. A no olvidarse de los exitosos singles “You Are The Sunshine Of My Life”, “For Once In My Life”, “My Cherie Amour” y “Yester Me, YesterYou, Yester-Day”.

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Otis Redding

Otis Redding, el más auténtico soulmen, dominó la escena soul y supo conquistar al público blanco. Fue el único cantante de soul invitado al influyente festival de música folk, rock y psicodelia “Monterey Pop Festival” de 1967, donde el público hippie terminó ovacionándolo. 178

En 1976 lanza “Songs In The Key Of Life”, su mayor éxito comercial, el álbum alcanza el número 1 de las listas en los USA y contiene otros tantos exitosos singles como “I Wish” y el tributo a Duke Ellington “Sir Duke”. Su fama siguió acrecentándose en los 80 con singles como “Happy Birthday” de 1981, que fue utilizado como parte de la exitosa campaña para consagrar el día del cumpleaños de Martin Luther King como feriado nacional. También de 1981 es el álbum “Master Blaster” y “Evony and Ivory” grabado a dúo con Paul McCartney, logrando con éxito tender un puente entre el soul, el funky y el pop, adpatable a todos los gustos. El resto de los ochenta vio como la carrera de Wonder disminuía la velocidad, grabando canciones para filmes (entre ellas la bella balada “I’m Just Call To Say I Love You”) y álbumes sin la fuerza que siempre lo caracterizó durante los 70. Su participación en 1986 del USA For Africa le dió un nuevo impulso a su carrera, pero no supo o no pudo mantener la calidad de antaño.

Redding es considerado por muchos como el más grande cantante de soul de todos los tiempos, el representante más genuíno del soul más escencial. Nació en el sur profundo, en Macon, Georgia en 1941, la patria de Little Richard y James Brown. Como muchos cantantes negros, se inició en la iglesia, luego influenciado por el rock and roll de Little Richard decide hacerse músico profesional. En 1962, trabajando como chofer de un grupo, entra al estudio de grabación de Stax aprovechando un tiempo de pausa y registra el tema “These Arms Of Mine”, la canción se convierte en un gran éxito y lanza a este nuevo e inesperado valor. Esa fue la primera de muchas apasionadas baladas como “That’s How Strong My Love Is”, “I’ve Been Lovin’ You Too Long” y “I’ve Got Dreams to ”, convertidas en fulminantes sucesos. Redding se lanza de lleno a su carrera de soulmen, era el tipo de artista que sabía necesario entregarse por completo a cada interpretación, sudando, saltando, tartamudeando, gritando y cantando con toda el alma. Su primer hit en las listas le

llega con “Mr. Pitiful” que graba con su grupo acompañante Booker T and The MG’s, que más tarde conseguirían éxito por mérito propio. Ese suceso fue seguido en 1965 por “Respect”, canción que también grabaría Aretha Franklin y que se convertiría en himno de la lucha por los derechos civiles. Extrañamente su hit “My Girl”, un tema del exitoso álbum “Otis Blue” no fue lanzado en los USA. Su más grande y recordado cover (del mismo álbum) fue la versión de “Satisfaction” de los Rolling Stones, a parte del “Day Tripper” de los Beatles, le abre las puertas al mundillo del rock. Pero el tema más pedido en sus giras era la rompedora balada “Try a Little Tenderness” con Isaac Hayes en el órgano. Otis logra el reconocimiento de su talento en círculos ajenos al soul y la música negra. Fue el único cantante de soul invitado al festival de Monterey Pop en 1967, estrictamente dedicado al folk y la psicodelia; el público hippie lo ovacionó. Seguidamente de su triunfal aparición ante un público blanco y totalmente diferente del que estaba acostumbrado, reafirma sus logros con “(Sittin’ On) The Dock Of The Bay” que fue su más grande éxito póstumo, ya

que su espectacular carrera fue trágicamente truncada por un accidente aéreo donde perdió la vida el 10 de diciembre de 1967.

“Otis Blue” es reconocido como uno de los mejores álbumes de soul de todos los tiempos y representó en 1965 el éxito comercial más importante de la carrera de Otis Redding primero en los USA y luego en Gran Bretaña donde entra en los Top 10 en 1966 y otra vez al año siguiente cuando es reeditado.

The Four Tops Grupo vocal cuya primera formación estuvo integrada por Renaldo Benson, Abdul Fakir, Lawrence Payton y Levi Stubbs. Comenzaron como los Four Aims y estuvieron cerca de una década perfeccionando su estilo de canto hasta que consiguieron un contrato con Motown en 1963. Entre 1965 y 1968, eras los segundos, detrás de las Supremes, en lograr varios números 1 para el sello. Su primer hit fue “I Can’t Help Myself” de 1965. Escrito por el trio de compositores Holland-Dozier-Holland, quienes escribieron muchos de los éxitos subsequentes de los Four Tops. El éxito de 1966 “Reach Out I’ll Be There”, donde se apreciaba la espectacular técnica vocal de Stubbs, que sabía darle carácter a cualquier interpretación por insípida que sea. El tema marcó un considerable desarrollo en el grupo;

“Al terminar la sesión con Booker nos quedaron unos minutos y un tipo nos dijo que quería que lo escucháramos cantar, asi que me senté al piano y me dijo: sólo dame esas notas de la iglesia. Le dije: en qué tono? No importa me respondió. Empezó a cantar These Arms of Mine y se me pusieron los pelos de punta... era Otis Redding” – Steve Cropper, pianista de Booker T & MGs’.

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Water (Love)” y “Keeper Of The Castle” mantuvieron su posición en los charts entrados los 70, al tiempo que dejaban Motown para irse al sello Dunhill. Durante la nueva década su éxito comenzó a decaer, manteniéndose regularmente por la reedición de sus viejos sucesos. Probaron haciendo música disco con el tema “When She Was My Girl” de 1981, que logró cierto suceso, pero les fue mal al regresar a Motown, por lo que firmaron con Arista donde hicieron algunos temas como “Indestructible” y “Loco In Acapulco” pero ya sin la fuerza de sus primeros discos.

The Four Tops, fueron otro de los hacedores de éxitos del sello Motown, entre 1965 y 1968 cosecharon un sinnúmero de hits, sólo superados por las Supremes.

The Supremes son el grupo femenino más conocido del Soul, sus canciones alegres, juveniles y bailables, eran éxitos instantáneos en todas las listas. Gracias al enorme suceso, Diana Ross prosiguió su carrera en solitario con un éxito aún mayor. 180

“Standing in the Shadow of Love” y “Bernardette” le siguieron en los Top Ten; la marcha del trio de compositores avisoraban para el grupo un tiempo difícil. No obstante los Four Tops se las arreglaron bastante bien, particularmente en Gran Bretaña, donde consiguieron éxitos con canciones como “Walk Away Renee” y “If I Were A Carpenter”. “Still

The Supremes El trio femenino más famoso de la historia del Soul, conformado originalmente por Diana Ross, Florence Ballard y Mary Wilson. Aunque casi nunca se conocen las trastiendas de los grupos, en el caso de las Supremes todos los trapos sucios siempre estuvieron a la vista. Frecuen-

temente se acusa a Diana Ross de tener poca verguenza y de querer trepar a toda costa, lo que la llevó a deshacerse de la más ingenua Florence años después. Como consecuencia una muere en el olvido y la otra alcanza la gloria como superstar pop. Mary queda al margen, pero quizás con cargos de conciencia se dedica a los niños y a escribir sus memorias. Qué sería de la historia (y de la prensa) sin estos detalles jugosos... Volviendo a la música, Las Supremes desarrollaron un estilo juvenil, alegre y bailable, adornado con sus voces suaves y delicadas. El trío se había formado en 1959 en Detroit, con Florence Ballard como cantante principal, pero cuando firman con Motown, Berry Gordy prefiere a Diana Ross como líder. Con todo el equipazo de compositores detrás, las Supremes se lanzan con el tema “Where Did Our Love Go” en 1964, que sería el primero de muchos números 1 en los USA. Temas como “Stop in the Name of Love”, “Baby Love”, “You Can Hurry Love”, “You Keep Me Hangin’ On”, se convertirán en clásicos de este período. Hacia 1967, Ballard es remplazada por Cindy Birdsong, y el grupo pasó a llamarse “Diana Ross & The Supremes”. Luego de éxitos como “Reflections” y “I’m Gonna Make You Love Me” (con la colaboración de los Temptations), Ross se lanza al estrellato en solitario no sin antes

lograr un último número 1 con “Someday We’ll Be Together” de 1969. The Supremes comenzaron los 70 con la potente y “soulera” voz de Jean Terrell en remplazo de Diana Ross. Después de diez Top Ten, incluyendo “Stoned Love”, reavivaron su fortuna en un tour por la Gran Bretaña. En 1972, el grupo se separa, aunque Mary Wilson logra mantener la agrupación con varios cambios por un tiempo más, finalmente las Supremes dicen adiós en 1978.

En los setenta el grupo se mantuvo gracias a los esfuerzos de Mary Wilson. Esta segunda etapa del grupo es muchas veces injustamente olvidada, ya que, especialmente en el período 70-73, llegaron a grabar cinco de los mejores discos de soul de la década. 181

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The Temptations grupo dminaron el soul, el rhythm and blues y el pop, aunque se han acercado igualmente a distintas fusiones de estilos musicales y al funk con cierta carga política; además de ser maestros en la coreografía. Fue el grupo vocal masculino más importante de los años sesenta.

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The Temptations Los Temptations se formaron a partir de dos grupos de Detroit, los Primes y los Distants, formado por Eddie Kendricks, David Ruffin, Otis Williams, Paul Williams y Melvyn Franklin, todos vocalistas. Frimaron con Motown en 1961, formando una dupla con los Miracles de Smokey Robinson para realizar sus primeros singles, incluyendo “The Way You Do The Things You Do” (1964). Pero el golpe lo hicieron con “My Girl” en 1965, prediciendo una fila de éxitos, incluyendo la rítmica “Since I Lost My Baby” y la punzante “Get Ready”. El productor Norman Whitfield introdujo un sonido más llano, dando cuerpo a éxitos de 1966 como “Ain’t Too Proud To Beg”, “Beauty is Only Skin Deep” y “(I Know) I’m Losing You”, puntualizadas por las emotivas canciones románticas “You’re My Everything” y “I Wish It Would Rain”. Whitfield junto con el compositor Barret Strong dan al grupo un sonido Motown más contemporáneo con “Cloud Nine” de 1969 y “Psychedelic Shack” de 1970. Otras canciones como “Runaway Child,

Running Wild” de 1969 “I Can’t Get Next To You” y “Ball Of Confusion” ambas de 1970, también introducen un elemento socio-político, acorde a los tiempos. Después del melódico número 1 “Just My Imagination”, Kendricks también se retira en 1971, entrando en su lugar Damon Harris. Ese año los Temptations logran otro número 1 y un Grammy por “Papa Was A Rolling Stone”. El grupo se fue desintegrando a medida que pasaban los 70, pero aún lograron otro suceso con “Treat Her Like a Lady” en los 80.

James Brown Si hay alguien que personifique toda la fuerza, la potencia, la liberación sexual y el orgullo racial ese es James Brown, que siempre gustó de los más estrafalarios y excéntricos apodos que él mismo o sus seguidores le ponían, “El Soul Brother Number 1”, “The Master of the New Super Heavy Funk” o el más conocido “Godfather of the Soul”, éste último quizás defina mejor su singular personalidad. Las duras experiencias de su infancia y juventud en la pobreza y la clandestinidad, sus problemas con la ley, su educación musical religiosa, sus intentos de hacer fortuna y su registro vocal poco común, forjaron un artista totalmente deshinibido, liberado y prolífico.

Poseedor de una inagotable energía e imaginación, amante de los escenarios, supo explotarlos como nadie con la ayuda de toda la parafrenalia disponible y las actuaciones más radicales y salvajes, logrando la respuesta más espectacular del público, sólo puedes amarlo u odiarlo, no hay términos medios. La fuerza de atracción sobre las masas del público negro que lograba, las utilizó para expresar radicales mensajes de lucha através de sus canciones divertidas y bailables. Lo que le convirtió en una figura política durante la conflictiva era del Black Power. Mr. Dinamita nació en Georgia en un año aún no fijado, entre 1928 y 1935, lo cierto es que tras una temporada de mala racha, entre ro-

EL TEATRO APOLLO La postguerra en Nueva York vio una masiva demanda del público negro del talento de los artistas negros. Harlem se transformó de un centro del entretenimiento predominantemente blanco a ser foco de los nuevos músicos y audiencias negras. Y fue el Apollo Theater el que dispuso sus instalaciones para llenar las necesidades, además del Savoy Ballroom y el Cotton Club. Las grandes bandas de jazz de Lionel Hampton o Cab Calloway de los años 50 serían reemplazadas, especialmente por el soul. El Apollo fue inmortalizado en 1962 cuando James Brown realizó su apoteósico “Live At The Apollo” como un tributo a su entusiasta audiencia. Ese fue el inicio de una serie de presentaciones en vivo de infinidad de artistas, convirtiendo al Apollo en de los más prestigiosos centros de la música negra. Este teatro es hoy todo un símbolo para todos aquellos artistas y fanáticos que aman al soul. 183

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“Su música es muy particular, por el sentimiento y el tono que trasmite. James Brown es su propio género” – Rick Rubin

El inimitable “Padrino del Soul” sus shows llenos de avasalladora energía musical siempre han sido su sello, a la par del uso de todo lo que su imaginación le dictaba para que sus presentaciones sean inolvidables. 184

bos, documentos falsos, correccionales y pobreza, logra al fin su sueño con el grupo The Famous Flames, donde James Brown hace de vocalista principal. En marzo de 1956 consigue el éxito con “Please, Please, Please”, pero habría que esperar a “Try Me (I Need You)” lanzada en 1959, para salir de los problemas monetarios y contratar una banda acompañante. Brown comienza a hacerse de reputación en shows ideados por él mismo, llenos de una energía musical arrolladora, que no pocos calificaban de histéricos. Pero marcó un estilo que muchos intentarán copiar. Esta fuerza es capturada en el álbum en vivo “James Brown Live At The Apollo” (1962), indispensable para todo aquel que dice saber de Soul. El álbum superó el millón de copias vendidas, siendo emitido por las cadenas de radio como algo fuera de lo común, ya que en esa época las canciones emitidas se sacaban de discos singles y no de discos de larga duración. Su popularidad y autoconfianza fue creciendo, creando su propia compañía y recreando viejas canciones de los años 40 adaptadas a su frenético estilo como “Prisioner Of Love”, que logró

entrar a los Top 20 en 1963. A esto se agregaron temas propios, ya clásicos y legendarios como el funky “Papa’s Got A Brand New Bag” y el archiconocido “I Got You (I Feel Good)” los dos entraron entre los Top Ten en 1965. El broche de oro lo puso en 1966 con la balada “It’s a Man’s Man’s World”, interpretación desgarradora que se mantiene intacta 30 años después de su creación. La máquina imparable que es James Brown siguió cosechando éxitos. En 1967, “Cold Sweat” marca una nueva dirección en su música en cuanto a lo instrumental y lo interpretativo. Su hit “Say It Loud, I’m Black I’m Proud” refleja su lado combativo y su adherencia a la lucha por los derechos civiles e fines de los sesenta. La década finaliza con “Get Up, I Feel Like Beign A Sex Machine”, emblemático tema que logró millonarias ventas y predecía ya la llegada de la música disco. Su inmensa fortuna, conformada por inmuebles, emisoras de radio, sellos discográficos, etc. era el marco para su consolidación como líder político, que no llegó a explotar en toda su dimensión, él era un entertainer, con mucho poder, pero entertainer al fin. Su poder de convocatoria se vio demos-

trado cuando apaciguó los enervados ánimos tras el asesinato de Martin Luther King en un mensaje a la nación. Durante los años 70, Brown amplió sus horizontes componiendo para el cine y entrando regularmente en los Top 40, además de evadir los impuestos y arrestos por mala conducta que en la mayoría de los casos se resolvía sin mayores consecuencias. También cultivó su imagen de leyenda viva y cultor del orgullo negro, apareciendo en filmes como “When We Are Kings” un documental sobre la célebre pelea entre Mohamed Alí y George Foreman en Zaire en 1974; y su aparición en la película Blues Brothers en 1980. Poco antes le dio la probada al disco music con “The Original Disco Man” (1979) y al rap con “Rap Pay Back” de 1981. Cuando su carrera comenzaba a declinar resurge con el tema de la película Rocky IV “Living In America” de 1986, un nuevo éxito escrito por él bajo el expreso pedido del propio Silvester Stallone. De todas formas siguió haciendo apoteósicas apariciones en diversas giras y homenajes, captando un nuevo público para su ya legendaria música.

Desgraciadamente, su vuelta al escenario tuvo un parón al recibir una condena de seis años de prisión por posesión de armas. Consecuentemente, su vida personal empieza a desmoronarse, alternando las detenciones por violencia marital (casado 4 veces y padre de 6 niños) posesión de drogas, etc. Sus prestaciones escénicas siguen conduciéndolo a las cuatro esquinas del mundo pero James Brown ya casi no graba nuevos materiales, salvo “Universal James” (1992) y “I’m back” (1998) y algunas apariciones en discos de otros artistas (“They Don’ t Want Music”, con los Black Eyed Peas en 2005). Finalmente muere el 25 de diciembre de 2006 en Atlanta dejando al mundo de la música una herencia de más de 75 álbumes que le valen, no sin razón, el apodo de “The Godfather of Soul”.

Ike & Tina Turner El dúo más dinámico del Soul, cuya turbuleta vida matrimonial acompañó a una fructífera carrera discográfica. Eran los reyes de las presentaciones en vivo;

La “pequeña Anna Mae” como le decían, supo demostrar que con talento y dedicación fue capaz de superar los problemas y dificultades más complicadas para llegar a lo más alto del Olimpo de las Estrellas del Rock and Roll.

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los Turner pasaron por casi todos los sellos discográficos de soul y R&B durante las décadas del 50, 60 y 70, y la mayoría de ellos, realmente buenos. Nunca tomaron demasiado en serio la divisoria entre el R&B y el Rock and Roll, siendo precisamente Ike uno de los padres, además, son los que más popularidad consiguieron entre el público blanco aún teniendo un concepto absolutamente negro. De Ike Turner ya hablamos en capítulos anteriores, así que ahora le toca a Tina. Annie Mae Bullock nació en 1938 en Brownsville, Tennesse. Enérgica bailarina, intérprete maravillosa con una voz superdotada, además de productora y compositora cuya capacidad y calidad están fuera de duda. Siendo aún adolescente y con todas las ganas del mundo de triunfar, conocie a los King of Rhythm de Ike Turner en un club donde solían ir con las amigas. Ike, que era un conocido cazatalentos, de inmediato se dió cuanta 186

del potencial de Anna Mae y la invitó a unirse al grupo como vocalista principal. En 1958 se casan y para 1961 logran su primer hit con “It’s Gonna Work Out Fine”. Sin embargo, su gran popularidad en escena, no estaba acompañada por las ventas, por lo que empezaron un interminable periplo por una serie de sellos discográficos. En 1966 conocen a Phil Spector, con quien realizan “River Deep, Mountain High”, de gran suceso en GB, pero sin muchos resultados en los USA. Como teloneros de los Rolling Stones, en su gira por los USA en 1969, nuevamente demuestran su gran talento, rompiendo las barreras entre lo racial y musical, accediendo a otro tipo de público. Su versión de “Proud Mary” de John Fogerty en 1971, por fin logra romper la mala racha y es gran éxito en los USA, seguido por la autobiográfica “Nutbush City Limits” de 1973. Despues de muchos problemas matrimoniales y financieros, situación explotada sin recelo por la prensa, el dúo se separa, musical y sentimentalmente en 1976. Siete años después, Tina Turner capitalizó su fama pasada para lanzarse nuevamente al “ruedo” y seguir una fructífera carrera en solitario. El suyo es el caso donde la justicia trinfa, a pesar de que se ha dicho que lo logró con truculentas acciones, como explotar al máximo el papel de víctima de

Como mujer, Tina Turner afrontó con valentía todos los avatares de la lucha por el respeto y la dignidad, debido a los maltratos de que era víctima por parte de su marido, que por cierto, supo capitalizar muy bien para su vuelta a escena durante los años 80.

la pareja, con exposiciones abiertas de detalles oscuros de su relación, colaboraciones con otras estrellas, etc. Sea como sea, su calidad como artista no se puede desmerecer, como tampoco su gran capacidad para conectarse con el público, de la edad o extracción social que sea, además de su potencial como actriz, ya que fue requerida en varias películas, incluyendo “Tommy” de los Who y “Mad

Max III”, de la cual interpreta la canción principal. En 1984 logra vender 10 millones de copias del álbum “Private Dancer”, lo que la eleva al nivel de superestrella, confirmado con el exitoso tour “Break Every Rule” de 1987 por 13 países. Hasta hace poco seguía paseando su genialidad por los escenarios más variados, donde sigue demostrando una energía, unas piernas y una voz incomparables. 187

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Percy Sledge Nacido en Alabama, Sledge se especializó en deliciosas y tristes baladas soul. En 1966 escribe la romántica “When A Man Loves A Woman”, casi por casualidad, ya que lo hizo mientras pasaba por un desencanto amoroso y sobre la base de órgano que estaba improvisando su tecladista. El single que comercializó el sello Atlantic se convirtió en un éxito y en un clásico instantáneo, y luego se lanzó el álbum debut de Sledge con el mismo título y suceso. Percy continuó explotando la misma veta con temas como “Warm And Tender Love” hasta 1968, año en que desapareció de la escena musical. Pero volvió en 1974 con “I’ll Be Your Everything” que muchos consideran el mejor LP de su carrera.

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Curtis Mayfield & The Impressions Curtis Mayfield es uno de los mayores exponentes del Soul desde sus inicios, hasta su desarrollo y expansión hacia otras influencias. A partir de su experiencia en el gospel, desarrolló un estilo inconfundible y variado, podía ir desde las baladas más románticas, hasta complejas obras orquestadas y dinámicas. Músico talentoso y letrista expresivo y emocionante como pocos. Su personalidad reunía todos los ideales y valores humanos por los que luchaban los negros, por lo que siempre apoyó el movimiento por los derechos civiles desde su grupo los Impressions y también como solista, hasta que desilusionado por los “tejes-manejes” de la política, perdió su idealismo y se volvió un amargo crítico social. Como grupo, los Impressions se formaron en Chicago, originalmente eran un quinteto, formado por Curtis Mayfield a la guitarra, Jerry Butler como voz solista y acompañados vocalmente por Sam Gooden y los hermanos Richard y Arthur Brooks. Esta formación clásica estaba muy influenciada por la tradición del gospel. En 1958 logran su primer hit con “For Your Precious Love”, pero Buttler pronto se apartó para proseguir su carrera en solitario, ocasionalmente ayudado por las letras y arreglos de Curtis Mayfield.

Mayfield entonces toma el liderazgo de la banda, utilizando un potente estilo Doo Wop logran varios éxitos como “Gypsy Woman” (1961), “It’s All Right” (1963), “Keep On Pushing” (1964), “People Get Ready” (1965) y “Amen”. Curtis entre tanto seguía escribiendo material para otros artistas con gran suceso. Luego de la etapa Doo Wop, los Impressions abrazan el soul, caracterizado por una actitud claramente política reflejado por temas como “We’re a Winner”, “Choice of Colours”, “This is My Country” y el no tan político pero muy soul “You’ve Been Cheating”, manteniendo la calidad y sofisticación de sus soberbias armonías vocales. En 1968, Mayfield crea su propio exitoso sello, Curtom. En 1970, Mayfield deja su vena sociopolítica más fuerte con los Impressions con el definitivo album “The Young Mod’s Forgotten Story”. La pegadiza “Move On Up” le dio un nuevo hit en la GB mientras tanto en los USA “Freddie’s Dead” acompañaba el álbum de la película “Superfly” compuesta enteramente por Mayfield en 1972. Curtis ya estaba grabando álbumes como solista con letras fuertes y

música magnífica como estaba acostumbrado, pero no estaba logrando mucho suceso en los charts, hasta que grabó “(Celebrate) The Day After You” con el grupo Blow Monkeys y la fabulosa “Honesty” de 1981. Un accidente ocurrido en el escenario en 1990 lo dejó paralizado, falleciendo finalmente en 1999 a los 54 años.

Curtis Mayfield es la personalidad más respetada e influyente del soul más clásico. Stevie Wonder dijo de el: “Mientras exista el romance en el amor, el gozo de sentirse orgulloso, el poder de las palabras, la enseñanza de lo correcto y canciones con obsesionantes melodías, se necesitará siempre de la música de Curtis Mayfield”.

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Ben E. King Se hizo famoso al entrar como vocalista principal de los Drifters en 1959. King dejó el grupo para grabar “Spanish Harlem/First Taste of Love” en 1960, que se convirtió en un clásico. En 1961 graba su recordado “Stand by Me”, basada en una canción gospel de Sam Cooke y arreglada magistralmente por Leiber y Stoller, además de la apasionada voz de Ben. “Stand By Me” fue grabada por cientos de cantantes, incluyendo a John Lennon. La canción original volvió a ser número 1 en 1987 después de ser utilizada para un comercial de Levis. Sus primeros sucesos con influencias latinas se transformaron con un más agresivo “What Is Soul?”. Retornó a los charts en 1975 con “Supernatural Thing” en plena era disco. En los 80 siguió cantando y apareciendo en festivales nostálgicos, y en compañía de los Drifters.

Sam & Dave El éxito del soul no se debió exclusivamente a Motown, otros sellos como Stax, tenían entre sus filas a otras grandes estrellas. Es el caso de Sam & Dave, este dúo, se hizo famoso en realidad gracias al excelente trabajo de dos grandes del soul, Isaac Hayes y David Porter, quienes componían, producían y arreglaban todos sus éxitos. Espectaculares canciones como “You Don’t Know Like I Know”, primer hit de 1966 y el tema más recordado “Soul Man” que llegó al número 2 durante tres semanas vendiendo más de 1 millón de discos en 1967. En ese tiempo fueron las estrellas más vendedoras del sello Stax, pero al final se separaron en 1968 cuando la fiebre del soul comenzaba a decaer. Se volvieron a reunir en varias ocasiones para shows nostálgicos en los USA y Gran Bretaña. David Prater murió en un accidente automovilístico en 1988.

Bobby Womack A pesar de no tener una voz demasiado sofisticada, Ben E. King, supo sobresalir del resto y dejarnos su espectacular versión de “Stand By Me”. 190

Para saber qué es el soul, basta con escucharlo, Bobby Womack es esa clase de músico que una vez conseguido el estilo y lenguaje propios, no se preocupa por cambiarlos ni diluirlos, pero eso

no significa que sea un artista cerrado, porque a incursionado en los más variados estilos, desde el country, el blues o el folk, pasando por el gospel y por supuesto el soul. Nacido en Cleveland en 1944, se hizo de nombre en los años 60 como compositor en el grupo The Valentinos donde el tema “It’s All Over Now” de 1964 fue versioneado hasta por los Rolling Stones. A mediados de los sesenta, Womack se dedicó a escribir numerosos éxitos para Wilson Pickett, hasta que firmó con el sello Minit. Empezó cantando temas soul de suceso como “What Is This” y “Looking For A Love”, pero consiguió más éxito cuando tomó una línea más romántica y sensual a principios de los 70. Durante la década consiguió varios Top Ten, como “That’s The Way I Feel About Cha”, “Woman’s Gotta Have It” y “Harry Hippie”, acompañados de sólidos álbumes como “Communication” y “Understanding”. La carrera de Womack empezó a decaer por problemas con las drogas y mediocres álbumes grabados en

CBS y Arista, pero se recuperó con “The Poet” de 1981, un álbum que mostró el camino para el moderno R&B. Un digno sucesor “The Poet II” (1984), reforzado con duetos con Patti LaBelle. Al pasar el tiempo Womack sigue demostrando que es uno de los pocos sobrevivientes del soul que no necesita recurrir a su pasado para seguir adelante.

Solomon Burke El sello Atlantic lo presentó como el “Rey del Rock and Soul”. No consiguió llegar a los charts en Inglaterra, pero se lo considera uno de los más influyentes cantantes de soul de los sesenta. Su formación como predicador quizás le facilitó su estilo de transmitir toda la pasión de los gospel en sus canciones. Este cantante de Filadelfia entró a los charts de USA por primera vez con el tema “Just Out Of Reach” en 1961. El suceso le siguió con temas más romanticones como “Cry To 191

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Isaac Hayes, compositor, arreglador, cantante y poliinstrumentista, escribió muchísimos clásicos del soul desde el sello Stax. A partir de 1969 con su disco “Hot Buttered Soul” se erige como el Moisés negro, obsesionado con el erotismo y el Black Power, se convierte en ídolo de grandes y chicos, hombres y mujeres. Carismático, innovador y arriesgado, inventó un nuevo estilo de música para películas con “Shaft” donde llega a su época dorada a principios de los 70. A partir de ahí su enigmática figura comenzó a decaer luego de la bancarrota de Stax y de la suya propia.

El grupo familiar Gladys Knight & The Pips alcanzó la no poca suma de 16 Top 40 durante los sesenta y comienzos de los setenta, su popularidad no decayó a pesar de que dejaron la Motown para firmar con el sello Buddah en 1973. Además del gran talento musical de Gladys, se destacó también en la actuación, apareciendo en varias series de TV. 192

Me”, “If You Needed Me”, “Can’t Nobody Love You” y “Stupidity” tema favorito de los grupos beat de Liverpool. Su más recordado éxito “Everybody Needs Somebody To Love” cuyo fulgurante estilo de predicador fue imitado hasta por los propios Stones. El pegadizo “Got To Get You Off My Mind” fue otro éxito en los USA y emitido por las radios piratas en la Gran Bretaña. Luego de algunos altibajos regresa en 1984 con el hit “Soul Alive!” un álbum doble con fuerte influencia del gospel, reflejando poderosamente todas sus creencias e influencias.

Gladys Knight & The Pips Gladys Knight era una típica niña prodigio, desde pequeña se destacó como cantante en su pequeña iglesia bautista. A los siete años gana un concurso de la TV y forma parte de un grupo estable de gospel. Los Pips se formaron en una fiesta familiar en 1952 (Gladys tenía entonces 8 años) y siguieron juntos actuando en numerosas presentaciones locales y una gira junto a Sam Cooke en 1956. Más tarde ampliaron su repertorio hacia

el naciente Soul y tuvieron su primer éxito discográfico con el tema “Every Beat Of My Heart” de 1961, gracias a la voz profunda y expresiva de la cantante líder. Le siguieron otros éxitos mientras los Pips establecían su alineación que incluía a Gladys, su hermano Bubba y sus primos William Guest y Edward Patten. Firman con Tamla Motown en 1966 donde cosecharon una considerable cantidad de hits, incluyendo el número 2 “I Heard It Through The Grapevine” en 1967. “Take Me In Your Arms And Love Me” fue el primer hit británico logrado también en 1967. En 1973 dejan Motown y firman con el sello Buddah, logrando nuevos éxitos como “The Best Thing That Ever Happened To Me” tema que lanzó una serie de sucesos en Gran Bretaña en 1974. A partir de ahí sus éxitos en las listas comenzó a bajar, pero aún así seguían siendo requeridos para innumerables presentaciones en vivo. En 1988 Gladys decide seguir su carrera en solitario, logrando un nuevo hit británico con el tema “Licensed To Kill” de la película de James Bond.

The Fifth Dimensions Este quinteto de pop-soul californiano fue la respuesta negra al sonido de The

Mamas & The Papas. Alcanzó gran notoriedad por sus espectaculares armonías vocales y sus temas pegadizos y bailables, compuestos en su mayoría por el compositor y arreglador Jimmy Webb. Su cuidado vestuario y su estilo sofisticado pegó de lleno en la nueva generación de fines de los sesenta; eran además universitarios, fotógrafos, deportistas y mises, lo que les diferenció de otros artistas más austeros. Los cinco originales fueron Billy Davis, Jr., Florence LaRue, Marilyn McCoo, Lamonte McLemore, y Ron Townson. Ellos han grabado para diferentes sellos durante su larga carrera. Su primer trabajo apareció en el sello Soul City y grabarían más tarde para Bell/Arista Records, ABC Records y Motown Records. A principios de los 60s, Lamonte McLemore y Marilyn McCoo, una ex-ganadora de concursos de belleza, se unió con otros dos amigos de Los Angeles, Harry Elston y Floyd Butler para formar un grupo llamado los Hi-Fis. En 1963, cantaron en clubs locales mientras tomaban lecciones con un entrenador vocal. En 1964, llamaron la atención de Ray Charles, quien los llevó de gira con él al año siguiente. El produjo un sencillo para el grupo, “Lonesome Mood,” una canción tipo jazz que atrajo la atención local. Sin embargo, desacuerdos internos causaron que Butler y Elston se fueran a buscar su camino propio, eventualmente liderando la organización de sus Friends of Distinction. Lamonte y Marilyn se pusieron a formar un nuevo grupo con una de sus amigas, Florence LaRue, quien ha recibido entrenamiento en canto, danza y violín, y quien también ganó un premio en un certamen de belleza; Ron Townson, quien comenzó a cantar a la edad de seis años en coros y grupos gospel en su ciudad natal de St. Louis y un primo de Lamonte, Billy Davis, Jr.

Los comienzan a ensayar a principios de 1966 y toman el nombre de The Versatiles. Tienen una audición con Marc Gordon, quien dirigía la oficina de Motown de Los Angeles. A pesar de que su cinta demo fue rechazada por Motown, él estuvo de acuerdo en ser el manager y que llamaran la atención de Johnny Rivers, quien recién había comenzado con su sello propio, Soul City Records. Rivers contrató el grupo en 1966 con la condición de que actualizaran su nombre e imagen, así nació The Fifth Dimension. Su primer sencillo de Soul City, “I’ll Be Lovin’ You Forever,” fue un fracaso, pero un cover de the Mamas and the Papas’ “Go Where You Wanna Go” subió a los top 20 en las radios de R & B y pop. El joven compositor Jimmy Webb, le dio al grupo su impactante éxito, “Up, Up and Away,” un Top 10 de mediados

The Fifth Dimension se hicieron archi conocidos gracias a la versión de su tema “Aquarius / Let The Sunshine In” que se utilizó en la película hippie “Hair”, ampliando su público hacia afuera de lo estrictamente soul.

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LA ERA DEL ROCK

Wright se unió en 1979 y Phyllis Battle a mediados de 1980. El quinteto original se reunió en 1990 para una gira. En 1995, el quinteto LaRue, Townson, McLemore, Battle, y Greg Walker grabaron un nuevo álbum, “In the House”, para Click Records. En 1998, Willie Williams reemplazó a Townson, quién murió en 2001 debido a una insuficiencia renal. En 2002, el grupo entró en el Vocal Group Hall of Fame.

Quincy Jones

The Fifth Dimension eran la “elite” del soul y los representantes de la “nueva” sociedad afro-americana, todo en ellos era estilo y distinción, no en vano sus dos vocalistas habían ganado sendos premios de belleza y ni hablar de la calidad musical, dignos representantes del “sofistisoul”.

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de 1967, el cual ganó cinco premios Grammy. Al año siguiente, tuvo sus mayores éxitos en sencillos con los temas de Laura Nyro “Stoned Soul Picnic” y “Sweet Blindness” y recibió un disco de oro por su álbum “Stoned Soul Picnic”, el cual también incluyó la composición de Ashford & Simpson, “California Soul”. En 1969, tuvieron dos sencillos número uno: “Aquarius/Let The Sunshine In” del musical Hair y la composición de Nyro “Wedding Bell Blues.” La canción llega también al número 1 el mismo año en el que se celebran dos matrimonios en el grupo. Más tarde los éxitos incluyeron “One Less Bell To Answer” (1970), “Love’s Lines, Angles and Rhymes,” “Never My Love” (1971) y “(Last Night) I Didn’t Get To Sleep At All” (1972). En 1975, McCoo y Davis abandonaron el grupo para hacer proyectos individuales y en conjunto. El trío restaste siguió con nuevos , y estuvo a punto de tener un éxito en 1976 el tema de LaRue “Love Hangover”; desafortunadamente, Motown editó la versión de Diana Ross antes que la de the Fifth Dimension y la de ella se disparó a los primeros puestos. Curiosamente, el grupo firmó contrato con Motown no mucho después, lanzando dos álbumes en 1978. Joyce

Uno de los más prolíficos y multifacéticos músicos, productores, arregladores y artistas negros de toda la historia, fue sin duda Quincy Jones. Bastarán unas líneas para darnos una idea de lo que representa este hombre para la historia de la música popular y la erudita. Nació en Chicago y creció en Seattle, sus primeros estudios musicales los realizó en Boston, e hizo su debut con la Big Band de Lionel Hampton como trompetista en 1950, luego se mudó a Francia y estudió con la reputada Nadia Boulanger (maestra también de Astor Piazzola) y dirigió la Orquesta Radiofónica de Suecia. Regresó a los USA en 1961 y se convirtió en director musical del selllo Mercury y un año después tomó la vicepresidencia del sello A&R (siendo el primer negro en llegar a semejante posición en una empresa de blancos). En 1963 compone su primer número 1 “It’s My Party” interpretado por Lesley Gore, al tiempo que lograba gran éxito por su propia cuenta con el álbum “Big Band Bossa Nova”. En ese momento ya tenía muchísimo trabajo, produciendo para Sarah Vaughan, Frank Sinatra, Tony Bennett, Johnny Mathis, Ray Charles y Aretha Franklin. Realizó su primera banda sonora en 1965 (“The Pawnbroker”) convirtiéndose 8 años después en genio indiscutido

de este género musical. En 1969 firma un contrato como solista con A&M y empieza a grabar una serie de magníficos discos de jazz-funk como “Walking In Space”, “Gula Matari”, “Smackwater Jack” y “Mellow Madness”. Con Aretha Franklin, produjo un single y un LP; la magnífica voz y performance de Aretha se complementaba perfectamente con el inquieto e innovador Quincy, que utilizó todo su genio para sacar “Master of Eyes”, y en 1974 sale “Hey Now Hey (The Other Side Of The Sky)”, álbum donde confluyen el jazz, el soul, el blues y el rock, enca- jando perfectamente, y donde se aprecia la genialidad de ambos artistas. Es una lástima y una pérdida para el mundo de la música que Aretha y Quincy no se hayan vuelto a reunir, quizás porque una obra tan extraordinaria como la que lograron realizar sea irrepetible, mejor dejémoslo así. Quincy Jones continúa su exitosa carrera siguiendo tres caminos distintos. Como solista realiza el reciente “Back On The Block”; como productor es el responsable del álbum de mayor éxito en la historia del pop, “Thriller” de Michael Jackson, así como el tema para el concierto benéfico contra la hambruna en Africa “We Are The World”, además de producir álbumes para George Benson y James Ingram. El también dirige su propio sello discográfico “Qwest” a través de la Warner.

Booker T & MG’s Más recordados en la historia como la banda de estudio estrella del sello Stax

Músico, productor, arreglador, director de orquesta, maestro de maestros, artista consumado. Así es el gran Quincy Jones, un sinnúmero de cantantes, grupos y músicos de todas las áreas han por sus manos y han salido tocados por su genialidad que en muchos casos les hubiese sido imposible tener el éxito que tuvieron sin su participación.

durante los 60, Booker T & the MG’s crearon el “Sonido Memphis” que se aprecia en discos de Carla y Rufus Thomas, Otis Redding, Sam & Dave y otros. Los originales del grupo fueron Booker T. Jones (órgano, piano), Steve Cropper (guitarra), Lewie Steinberg (bajo) y Al Jackson Jr. (batería). Donald “Duck” Dunn reemplazó a Steinberg en el bajo en 1965 y siguió en el grupo desde entonces. Carson Whitsett fue el tecladista del grupo durante un corto tiempo durante 1973 (cuando Booker formó una banda llamada simplemente The MGs). Después de la muerte de Al Jackson Jr. en 1975, varios bateristas pasaron por el grupo durante sus periodos de reunión y separación, entre ellos figuraron Willie Hall, Anton Fig, Steve Jordan y Steve Potts. Booker T. Jones comenzó como saxofonista en Stax en 1960 y en 1962

El tecladista Booker T Jones y su grupo empezaron como músicos de sesión en el sello Stax, acompañando a grandes estrellas del Soul, pero poco después y gracias a sus talentos combinados se hicieron de fama propia y muy merecida. 195

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Donald Dunn, Booker T Jones y Steve Crooper hoy, artistas consumados, creadores del “sonido memphis” y compositores de grandes clásicos del soul, blues y rock que siguen regalandonos su gran talento musical que no se diluye con el tiempo.

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forma el grupo como banda de la casa Stax-Volt Records. Steve Crooper y Donald Dunn se unieron al grupo después de una temporada exitosa con los MarKeys. Comenzaron a trabajar como músicos para los cantantes Rufus Thomas (“Walkin’ the Dog) y su hija Carla Thomas (“Gee Whiz”), pero consiguieron formarse reputación propia a partir de 1962 cuando logran un hit con su pieza instrumental “Green Onions”. Los próximos siete años, el grupo siguió grabando para otros y persiguiendo su propia carrera. Jones co-escribió con William Bell el clásico del blues “Born Under a Bad Sign” y en 1966

recibe un título de músico de la Universidad de Indiana. Crooper por su parte supervisaba las grabaciones de Otis Redding y co-escribió varios clásicos del soul: con Wilson Pickett “In the Midnight Hour”, con Eddie Floyd “Knock On Wood” y con Otis Redding “Dock of the Bay”. El grupo por su propia cuenta tuvo varios hits en las listas de R&B y Pop como “Hip Hug-Her”, “Groovin”, “Soul Limbo”, “Time Is Tight” y “Hang’em High.” En 1967 el grupo se fue de gira a Gran Bretaña como acompañantes de Otis Redding, Sam and Dave, Eddie Floyd, Carla Thomas y otros, además de acompañar a Otis Redding en su presentación en el Monterey International Pop Festival en junio del 67. En 1970 Booker T. and the MGs dejan de ser la banda de la casa del sello Stax y para 1972 estaban oficialmente separados. Jones y Crooper siguieron sus carreras como productores y arreglistas durante los 70. En 1975 el grupo estaba planeando una reunión, pero se frustró debido al asesinato de Al Jackson en octubre. Mas tarde volvieron a reunirse entrando Willie Hall en la batería y graban “Universal Language” en 1977 bajo el sello Asylum Records, este fue su último disco hasta 1994 cuando vuelven para grabar “That’s The Way It Should Be”. Steve Cropper y Duck Dunn también tuvieron la oportunidad de formar con John Belushi y Dan Aykroyd el grupo incidental The Blues Brothers en 1980 y luego en el reprise del 2000, con lo que su música pasó también al cine. Booker T. and the MGs fueron introducidos al Rock and Roll Hall of Fame en 1992 y prosiguieron su carrera más ocupada que nunca durante la siguiente década tocando para diversos artistas y también en apariciones en vivo. En el 2007 recibieron un Grammy honorífico por su trayectoria en la música popular.

CAPITULO 9

Antes de la Invasión Surf-Rock, pop y folk

A

ntes de la invasión inglesa, de seguro, la mayoría de los éxitos pop de 1962, eran escritos y producidos en el Brill Building de New York, los cuarteles generales de la música pop, y en 1963, casi el 50% de los discos norteamericanos eran hechos en Nashville, los cuarteles generales de la música country. Pero, en un año, el “Surfin” de los Beach Boys (realizado en diciembre de 1961) hizo del surf-music (y California) mucho más relevante.

Surf Music La música Surf era aparentemente una inocente invención, pero las bandas de surf serán los últimos bastiones del moribundo rock and roll, dándole un nuevo vigor. Formaron un puente entre el rock and roll y la música pop, llegando a crear un verdadero género que tenía el elemento rítmico y un fuerte elemento melódico. Dick Dale, Jan and Dean y Los Beach Boys eran los más fieles representantes de este género. Las bandas de rock instrumental también incursionaron en el surf-music, tocando algo que no era para nada pop, como en el caso de “Wipe Out” (1963) de los Surfaris, “Baja” de los Astronauts y “Pipeline” (1963) de los Chantays; canciones febriles y dementes como “Surfin’ Bird” (1963) de los Trashmen eran todavía menos con-

vencionales. Poco a poco el surf-music puso a California en el mapa del rock, un hecho que tuvo sus momentos y consecuencias. Así surgieron infinidad de nuevas bandas, cada una con su pequeña o gran historia detrás. En sus letras y portadas de álbumes, hablaban con ingenuidad de lo que vivían y las canciones eran emotivas, adictivas y brillantes. Tanto, que durante un tiempo se denominó también a este estilo “sunshine pop” como el brillante sol californiano. Este estilo musical estaba asociado también a otra expresión, el llamado “hot rod”, que es básicamente lo mismo que el surf con la diferencia de que las bandas “hot rod” preferían el asfalto a la playa, los coches veloces a las tablas de surf y el rugir de los motores al de las olas. Donde los del surf hablan de diversión, verano,

EL BRILL BUILDING Cuartel General del Pop En los años cincuenta, el empresario norteamericano Don Kirshner funda el Brill Building School of Songwriting. Cuando las disqueras necesitaron de mayor calidad pop para sus cantantes, Kirshner aprovechó convenientemente logrando su primer éxito escrito por Neil Sedaka y Howie Greenfield “Stupid Cupid” para la cantante Connie Francis. Su staff incluía además a otras talentosas duplas: Carole King y Gerry Goffin, o Barry Mann y Cynthia Weil. Goffin y King lograron su primer número 1 con “Will You Love Me Tomorrow”, interpretado por las Shirelles y en los siguientes cinco años, el dúo de compositores escribió otras 200 canciones exitosas para varios artistas como Dusty Springfield, The Byrds o Aretha Franklin. También pasaron por aquí muchos otros talentosos escritores y músicos como Jerry Lieber, Mike Stoller, Phil Spector y Neil Diamond. Don Kirshner también es responsable de la creación de muchas bandas para el cine y la TV como los Monkees y los Archies.

Carol King y Gerry Goffin en 1963 fueron uno de los dúos de compositores más exitosos del Brill Building.

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El legendario Dick Dale es considerado el creador del característico estilo de tocar “rock playero”, que él mismo definía como “surfing”.

chicas y surf, los del “hot rod” cuentan sobre diversión, verano, chicas y... coches. Y donde aquellos incluyen sonido de olas en sus temas, éstos lo cambian por el rugir de los motores. Por lo demás, lo mismo, encuadrable en el mismo género, la misma época y el mismo lugar. El “hot rod” ha dejado también grandes grupos y canciones: The Rip Chords y su “Three Window Coupe”, The Four Speeds y su “R.P.M”, Jan & Dean y los Beach Boys con “Little Deuce Coupe” o, sobre todo, los sensacionales The Hondells y sus “Hot Rod High” y “Little Honda”. ¿Y cómo terminó todo esto?... América descubrió a los Beatles y todo lo que vino después; el surf music no pudo soportar su empuje y sucumbió a la nueva moda. Algunos grupos intentaron adaptarse, pero nada fue lo mismo, la gran mayoría de composiciones y bandas de surf se quedaron entre 1961 y 1965.

Dick Dale Dick Dale inventó el Surf Music, y con eso fue suficiente para garantizarse un lugar en la historia de la música, pero también acuñó un influyente estilo de tocar la guitarra eléctrica, un estilo que tendió puentes entre el folk-rock, los efectos de sonido sicodélicos y la furia del punk-rock mucho antes que cualquiera. Richard Monsour, de padres libaneses, nació en Boston en 1937, su padre al ver su talento le animó a desarrollarlo y se mudaron a las playas de California en

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1954 donde empezó a actuar en varios locales y donde adoptó el nombre artístico de Dick Dale por sugerencia de un DJ local. En 1960, Dick Dale, dueño de una tienda de discos en Huntington Beach fue el primer músico que tradujo en música toda la excitación del del deporte favorito de California, el surf. Su instrumental “Let’s Go Trippin” fue un gran hit en el verano de 1961, luego junto a su grupo los Del-Tones grabaron más éxitos como “Surf Beat”, “Surfin’ Drums”, “Shake’ n’ Stomp” y su primer histórico álbum “Surfer’ s Choice” en 1962. Leo Fender, por entonces dueño de una tienda de guitarras en el vecindario de Fullerton, confió a Dale el éxito de su invención, la Fender Stratocaster. Las ideas de Dale y el sonido del nuevo instrumento con una unidad de reberveración, dieron nacimiento al clásico sonido del surf music. Dick se convirtió en un virtuoso de la Stratocaster, su punteo de mandolina, sus acrobacias con la guitarra, etc. fueron una inspiración para gente como Jimi Hendrix, Link Wray o Duane Eddy. Con el paso del tiempo, Dick se convierte en el rey de la música instrumental, confirmado por su segundo álbum “King Of The Surf Guitar” (Capitol, 1963). “Mr. Eliminator” (Capitol, 1964) y “Summer Surf” (Capitol, 1964) fueron sus últimos discos. En 1965 Dale desaparece de la escena musical, disgustado con la industria musical y enfermo de cáncer, pero reformó los Del-Tones en 1970. Cuando su clásico “Miserlou” de 1962 fue utilizado en la película “Pul Fiction”, Dale fue redescubierto y se animó a volver a los estudios. “Tribal Thunder” (Hightone, 1993) contiene el espectacular tema “Nitro”. luego vinieron “Unknown Territory” (Hightone, 1995), con “Ghostriders In The Sky” y “California Sun”. “Calling Up Spirits” (Beggars Banquet, 1996) fue su último trabajo.

Jan & Dean Jan Berry y Dean Torrence eran amigos desde la secundaria en Los Angeles, donde experimentaban su canto con grabadoras caseras, esperando el momento para el estrellato. Una de esas grabaciones, “Jennie Lee”, tuvo un buen recibimiento en una disquera, que lanzó el tema en 1958, y llegó a los Top 10, pero bajo el nombre de “Jan and Arnie”, ya que Torrance se encontraba en ese momento haciendo el servicio militar. El dúo original se reunió nuevamente para grabar ya profesionalmente en 1959, logrando otro éxito nacional con “Baby Talk”. Luego de otros sucesos menores como “Heart and Soul” de 1961, graban una canción de Brian Wilson, “Surf City” en 1963 con la participación en los coros de los propios Beach Boys; este tema los lleva ahora al número 1 de las listas en los USA, así como a los Top 30 en la Gran Bretaña. Otros éxitos más le siguieron, incluyendo “Little Old Lady From Pasadena”, “Dead Man’s Curve”, “Drag City” y “Ride The Wild Surf”, siguiendo la misma vena, además de la incursión de Berry en la producción musical. La carrera de Jan & Dean se paró dramáticamente en 1966 cuando Berry fue seriamente herido en un accidente de auto, dejándolo con daño cerebral. Torrance por su parte intentó una carrera en solitario y luego se dedicó al diseño gráfico, durante la larga convalescencia de su socio. En 1973 se reúnen nuevamente para un show en vivo, pero no tuvo el éxito esperado. Aún así siguieron apareciendo en diversos y exitosos shows nostálgicos, llegando a grabar un nuevo álbum en 1985.

The Beach Boys Los Beach Boys (Chicos de la Playa) era un excelente nombre que conjuraba el calor del sol y las chicas, además de los placeres del surf y las carreras de autos. Ningún otro grupo de surf-music tuvo el impacto en la música pop y rock como ellos. Originalmente llamados Carl & The ions, los Beach Boys se formaron en 1961 con la participación de tres hermanos (Carl, Brian y Dennis Wilson), un primo (Mike Love) y un amigo de la familia (Al Jardine). Debido a la insistencia de un “enfermo” del surf, Dennis Wilson, logró persuadir a su hermano Brian para

Jan & Dean fueron el dúo que lanzó la locura del surf-music, gracias a su apariencia y sus pegajosos temas, muchos de los cuales fueron compuestos por Brian Wilson y donde también participaron los Beach Boys antes de que alcanzasen la fama por derecho propio.

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Oceano y sol, arena y surf, chicas y carros veloces. El excéntrico genio de Brian Wilson capturó magistralmente el sonido sin tiempo de los veranos californianos para siempre.

componer canciones de surfmusic que hicieron famoso al grupo en 1963, así salieron “Surfin USA”, “Catch a Wave” y el sublime “Surfer Girl”. Brian también compuso temas para sus rivales Jan & Dean y otras canciones alternativas al tema del surf como “Little Deuce Coupe” (1963) y “I Get Around” (1964), sobre temas automovilísticos. Las canciones de los Beach Boys tenían marcadas influencias de los Four Freshmen y Chuck Berry, pero en la autobiografía de Brian, también daba crédito a su padre Murray, quien se autoconsideraba un genio musical. Éste 200

fue el primer manager del grupo, consiguiendo firmar con Capitol Records con el demo de “Surfin” (1961). El grupo es el clásico ejemplo de estar en el lugar adecuado en el momento preciso. Su imagen de limpios y educados muchachos blancos totalmente “americanos”, eran producto de un sistema que permitía a muchos quinceañeros tener su propio auto, su música era devota del surf, los “hot rods”, las playas y por supuesto, las chicas. Eran totalmente opuestos a la imagen fría de los grupos de Liverpool, utilizando remeras y pantaloncillos para la playa. La influencia de Chuck Berry era innegable, “Surfin USA” era simplemente “Sweet Little Sixteen” con letra diferen-

te; “Fun Fun Fun” (1964) era su gemela, incluso en la introducción de la guitarra. Pero lo que hizo totalmente diferente a los Beach Boys era el uso de sublimes armonías con sus límpidas voces y los falsettos de Brian y Carl. Brian era un personaje torturado, perfeccionista y ansioso, a resultas de sus abusos, quedó sordo de un oido, pero eso no le restó genialidad. El sello Capitol realizó ocho discos de los Beach Boys en tres años, y en diciembre de 1964, Brian Wilson con 22 años se cansó de las giras con el grupo por lo que se concentró en escribir, arreglar y producir. Lejos de la imagen cuidada, limpia y de camisas a rayas de los Beach Boys, empezó a componer temas más profundos como “In My Room” (1963) y “Don’t Worry Baby” (1964). Su lugar fue tomado por Glen Campbell y luego por Bruce Johnston, quien desde ese momento se convirtió en un miembro regular del grupo. Johnston era un multitalentoso músico, quien llego a escribir “Disney Girls” y “I Write The Songs”. Los nuevos arreglos de Brian funcionaron muy bien. “Today!” (1965) incluía el dinámico “Help Me Rhonda” y la elevada balada “She Knows Me Too Well”, mientras que el super orquestado LP “Summer Days (And Summer Nights)” (1965) incluía “Then I Kissed Her” y la fabulosa “California Girls”, que poseía la más hermosa introducción de la historia del pop. Estos cuidados álbumes fueron seguidos por el más fiestero “Party!”. Brian Wilson estaba determinado a superar el “Rubber Soul” de los Beatles y comenzó a trabajar con el letrista Tony Asher, en una sinfonía pop. Brian tenía sus estudios en su casa, y llegó a llevar arena donde tenía su piano, para “sentir” la playa mientras escribía. Cuando los Beach Boys regresaron de un tour por Japón, encontraron a un apesadumbrado Brian con un manojo de lentas e introspectivas canciones pero sencillamente bellas.

El resultado fue el álbum “Pet Sounds” (1966), el primer disco donde ninguno de los Beach Boys, excepto Brian, tocaban los instrumentos. Nada de esto importaba, porque los Beach Boys eran más famosos por sus armonías vocales. El conmovedor “God Only Knows”, con cornos ses y campanitas y con la voz principal de Carl, fue descripta por Paul McCartney como la “mejor canción nunca antes escrita”, y sirvió de inspiración para el “Sgt. Pepper”. “God Only Knows” llegó al número 2 en GB y ayudó a poner al LP también en los charts.

Bruce Johnston (primero por la izquierda) remplazó a Brian Wilson en los conciertos de los Beach Boys a partir de 1964. Mike Love, Dennis Wilson, Al Jardine y Carl Wilson, completan la foto. 201

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Dennis, Mike, Carl, Bruce y Al en 1966, cuando hicieron “Good Vibrations”. Pet Sounds quiso superar al Sgt. Pepper de los Beatles, pero a pesar de no lograrlo, sigue siendo un gran clásico de la historia del rock.

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En los USA, “Pet Sound” fue realizado sin mucha promoción. Capitol sentía que Wilson estaba desperdiciando el dinero de la compañía produciendo un irreconocible álbum, por lo que prefirieron promocionar un álbum compilatorio, “The Best Of The Beach Boys”. De todos modos, “Pet Sounds”, incluía varios hits como “Sloop John B” y “Wouldn’t It Be Nice”, haciendo del álbum pieza de culto por muchos años. Los Beach Boys logran llegar al tope de las listas en 1966 con el aventurado “Good Vibrations”. La canción fue un éxito global, y llevó al formato de single a una nueva dimensión. Brian Wilson

compuso esta obra maestra, deleitando los oidos con nuevos sonidos, logrados con cambios de tiempo, extraños pasajes electrónicos, soñadoras secuencias de organo y por supuesto, elevadas y cuidadas armonías. “Good Vibrations” tomó varias horas de estudio para su terminación, y fue la semilla para la ahora mítica sesión para el álbum “Smile”. Como los Beatles, varios de los del grupo se unieron a la meditación trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi, pero por causa de la asociación de Dennis Wilson con la secta hippie-satánica de Charles Manson, una negra sombra fue arrojada sobre la imagen del grupo. La escasa respuesta de “Pet Sounds” y el éxito de “Sgt. Pepper” de los Beatles sumió a Brian Wilson en las drogas. Su irracionalidad lo llevó a destruir muchas de las cintas originales de su obra suprema, que sería el álbum “Smile”. Los arreglos realizados con la orquestación del Van Dyke Park, llevó al rock y el pop un paso más allá, hacia un área que no conocía límites. Se cuenta que Brian destruyó las cintas del álbum por su obsesión con el tema “Fire”. Algunos fragmentos como la complicada “Heroes and Villains” y “Surf’s Up” que fueron lanzados después, eran sólo destellos de lo que hubiese sido “Smile”. Un nuevo álbum salió en 1967 como “Smiley Smile” pero fue un fracaso. Mike Love urgió al grupo a retornar al surfmusic que tanto éxito les había traido, y fueron reivindicados con un número 1, gracias a “Do It Again” de 1968. A expensas de un enorme gasto, los

Beach Boys mudaron todo su equipamiento de grabación a Europa para un impresionante álbum, “Holland”, pero fue una recopilación hecha por Mike Love, “Endless Summer” la que les restableció la fortuna. Brian en tanto estaba inmovilizado por la depresión, no llegó a salir de su casa de 1974 a 1976. El Dr. Eugene Landy lo ayudó a salir de las drogas y a reducir de peso, pero la mezcla de terapia con los negocios hizo que Brian se apartase de los otros Beach Boys. El grupo tuvo sus buenos momentos durante los 70 con los álbumes “15 Big Ones” y “Love You”, además de algunos sucesos en solitario, especialmente Dennis Wilson, con su álbum “Pacific Ocean Blue”. En 1979, los Beach Boys graban una versión de 11 minutos de “Here Comes The Night” pero logran un hit con “Lady Lynda” compuesta por Al Jardine. Siempre en la senda del alcohol y las drogas, Dennis llegó a ser irrecuperable, ahogándose en 1983. Este incidente sacudió a Brian, sacándolo de su estupor. Ante el dramático suceso, realizó un álbum en solitario “Brian Wilson” y se volvió a reunir con el grupo un año después. Los Beach Boys a pleno se presentaron en el Live Aid de 1985, y en 1987 se juntan con los Fat Boys para grabar una nueva versión de “Wipe Out”. Nuevamente tuvieron algunos éxitos con su participación en las canciones de filmes como “Lethal Weapon 2” y “Cocktail”, “Still Cruisin” y “Kokomo” respectivamente llegaron al número 1. El álbum de 1992 “Summer In Paradise” no involucró a Brian Wilson, lo que hacía ver como que Brian no volvería a trabajar con el grupo de nuevo. El relanzamiento por parte de Capitol de sus éxitos en CD incluyendo canciones inéditas, creó una nueva generación de seguidores de su trabajo. El mayor legado de los Beach Boys al rock fueron indudablemente sus perfectas y exquisitas armonías vocales. Los propios

Brian Wilson vivía encerrado en sí mismo, con muchos problemas sicológicos y con las drogas, pero no por ello dejó de componer y producir las más bellas canciones pop nunca antes realizadas.

Beatles pagaron tributo musical con temas como “Back in the USSR” mientras que Jeff Lyne, líder de la Electric Light Orchestra, fan confeso, produjo varias canciones para el álbum de Brian Wilson. Cuando en medio de la psicodelia de los 60, Jimmi Hendrix había dicho “nunca más tendremos que escuchar este surf-music”, se equivocó. Los Beach Boys son un símbolo de California, la “Tierra prometida”, una leyenda viva que lleva más de 40 años en el rock, cada vez que aparecen lo hacen casi con la misma frescura con la que empezaron.

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Phil Spector y su “Muro de Sonido”

Phil Spector como compositor y productor, construyó su técnica de muro de sonido creando sonidos dramáticos casi épicos con las canciones de las Ronettes (Be My Baby, Baby I Love You), las Crystals (Da Doo Ron Ron, Then He Kissed Me), los Righteous Brothers (You’ve Lost That Lovin’ Feelin’) y Ike & Tina Turner (River Deep, Mountain High). “Mis discos tienen la estructura de una ópera de Wagner: empiezan con sencillez y acaban con fuerza dinámica, significado e intención.”

Phil Spector, Annette Kleinbard y Marshall Leib fueron los Teddy Bears y consiguieron un número 1 con “To Know Him Is To Love Him” compuesta por el propio Phil en 1958. 204

Phil Spector nació en el Bronx en diciembre de 1940. En 1958 se lanza como compositor con una canción basada en el epitafio de la tumba de su padre, “To Konw Him Was To Love Him”, cambiando las palabras solo un poco, Phil tuvo una idea que se convirtió en un exitoso disco. Contrató a una estudiante de secundaria llamada Annette Kleinbard para cantar su canción y junto a otro cantante, Marshall Leib, formaron un trio, los Teddy Bears, y en un estudio local grabaron el tema, sin pensar en el éxito que lograrían. Para finales de 1958, “To Know Him Is To Love Him” llega al número 1 de las listas, vendiendo más de un millón de copias. Los siguientes singles sin embargo, no tuvieron el mismo suceso. Phil entonces deja su faceta de cantante para aceptar un contrato como compositor. Junto a los compositores Leiber y Stoller fue a trabajar al famoso Brill Building, Phil Spector tocó la guitarra en varias sesiones con los Drifters, y junto a Leiber, Phil escribe “Spanish Harlem” para Ben E. King, logrando un número 10 en 1961. Produjo también éxitos para Ray Peterson, Curtis Lee, The Paris Sisters y muchos otros. Para finales de 1962, Phil Spector finalmente se cansa de trabajar para otros y decide tomar el control de su vida musical. Ya libre de ataduras comerciales, Phil se dedicó a lo que le gustaba, y empezó a fichar grupos en su nuevo sello Philles Record, formada con su socio Lester Sill (Phil + Les). Lester recuerda: “Era el mejor productor que conocí, tenía una gran imaginación, era además un letrista estupendo, gran arreglador, gran ingeniero de sonido, sabía exactamente lo que quería y nunca paraba

hasta conseguirlo. Todo se hacía a su manera o de ninguna otra. Pero como siempre dije, era lo que se necesitaba en ese momento. Phil era un genio musical”. Phil comienza a realizar discos para The Crystals, Darlene Love y Bobby Soxx and The Bluejeans. Logra un número uno con el hit “He’s A Rebel” de las Crystals, grabada completamente con la cantante profesional Darlene Love. Esto convenció a Phil de que podía hacer un hit con quien sea que tenga a mano, pero utilizando “SU sonido”. Produjo también el exitoso “Puddin N’ Tain” para los Alley Cats en 1963. Ese año lanza su inspirado álbum “A Christmas for you” un compilado de canciones interpretadas por sus exitosos pupilos. Entonces descubre a las fabulosas Ronettes, que aparecieron como “Murray The K’s Dancing Girls”, hasta que firmaron con Philles Records. Veronica “Ronnie” Bennet, su hermana Estelle y la prima Nedra Talley formaron las Ronettes. Phil se enamoró de la voz de Ronnie con la que produjo el espectacular hit “Be My Baby”, estrenando su nueva invensión “el muro de sonido”, con el que lograba un sonido profundo, cavernoso y característico.

Phil y Ronnie se casan en 1968 y tras cinco tormentosos años, se divorcian. Hacia 1964 Phil Spector fichaba a los Righteous Brothers, un dúo de muchachos blancos locos por la música negra.“You’ve Lost That Lovin Feeling” sonaba perfecto para ellos, aunque para los estándares de la época era muy larga, superaba los 4 minutos y sonaba demasiado a “negro”. Sin embargo, jamás pensaron el tremendo éxito que resultaría. “You’ve Lost That Lovin Feeling” llegó al número 1 en 1965 y dándole al dúo preeminencia internacional. El profundo y rico tono de barítono de Bill Medley contrastaba brillantemente con el puro falsetto de Bobby Hatfield, y la perfecta instrumentación de Phil Spector, lograba un climax que forma parte de los momentos más dramáticos de la música popular. La gloria les sonreía con otros éxitos como “Just Once In My Life”, “Unchained Melody”, “Ebb Tide” y “(You’re) My Soul And Inspiration”, este último de 1966, les dió un segundo número 1, pero para ese tiempo la relación con Phil Spector se fue deteriorando y el dúo se separó para seguir sus carreras en solitario, con una breve reunión en 1974. A mediados de los 60, los caminos de Phil se cruzaron también con otro dúo que ya llevaba varios años en carrera, Ike y Tina Turner, para los que produjo “River Deep, Mountain High” otro super suceso de las listas. Hacia finales de los 60, Phil produjo “Black Pearl” para Sonny Charles y por supuesto produjo también el último LP de los Beatles, “Let It Be” en 1970. En los 70, Phil crea un nuevo sello, “Warner/Spector” y graba con Dion, Cher, Jerri Bo Keno y otros, pero con limitado suceso. A comienzos de los 80, otro sello, PSI (Phil Spector International) comienza reeditando grandes éxitos del catálogo de Spector. A fines

de los 80, produce a los Ramones en el sello Sire, y en 1989 es introducido en el Rock and Roll Hall Of Fame, como uno de los más grandes productores de todos los tiempos. En los 90 produce a Celine Dion pero por varias dificultades se cancela el proyecto. Mientras tanto, Darlene Love, demanda a Spector por royalties no cobrados anteriormente y gana. Luego las Ronettes y Ronnie Spector hicieron lo mismo.

Los Righteous Brothers, formado por la profunda voz de Bill Medley y el falsette de Bobby Hatfield, lograron fama con la ayuda de la perfecta instrumentación y arreglos de Phil Spector. ¿recuerdan la maravillosa “Unchained Melody”?. Abajo: Las Ronettes, lideradas por Veronica “Ronnie” Bennet tuvieron su época dorada de la mano de Phil Spector.

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“Girl Groups”

Las Shirelles inauguraron la moda de las Girl Groups en una fecha tan temprana como 1959, año de su gran éxito “Will You Love Me Tomorrow” compuesta por Carol King.

Con la moda de las cantantes de Soul y el éxito de las Crystals y las Ronettes las mujeres dejan de tener un rol de “segundonas” en el rock and roll y se lanza una oleada de grupos conformados exclusivamente por chicas, los “girls groups”. Si bien los 50s tuvieron sus grupos de chicas como las Chantels, las Ponny Tails o las Chordettes, la cima de lo que hoy día se conoce como el período de las “girls groups” es indudablemente el período pre-invasión británica, entre 1960 y 1965. Y estaba capitaneada por los escritores y productores del Brill Building. El típico sonido era altamente teatral e influenciado por la escuela de Leiber & Stoller y Phil Spector.

Las canciones de estos grupos eran casi infantiles, dirigidos a los adolescentes, pero con el tiempo, las letras comenzaron a ser más sofisticadas. En efecto, las letras eran bastante simples exteriormente, pero cualquier adolescente podía ver más allá de entrelíneas, pues reflejaban los problemas típicos de la edad con un punto de vista femenino. Una miríada de grupos de chicas fueron creadas por los grandes sellos discográficos, así como los independientes, entre los que figuraban las Shirelles, las Chiffons, las Shangri-Las, las Dixie Cups, las Crystals, las Ronettes, las Angels, Reparata and The Delrons, las Exciters, las Cookies, las Velvelettes y por supuesto las Supremes. Phil Spector produjo los primeros éxitos para grupos de chicas como “I Love How You Love Me” interpretada por las Paris Sisters con el sello Gregmark. Tiempo después Spector ficha a las Crystals y comienza el sello Philles, llegando a ser uno de los sellos de “girl groups” más importantes. La presencia de los girl groups en las listas de éxito pop era constante entre 1962 a 1965, pero desde entonces, la popularidad de su estilo perdió fuerza y fue eclipsada por otras corrientes musicales. A pesar de que los “girl groups” duraron muy poco, su sonido influenció a muchas otras corrientes contemporáneas, y continúa impactando en artistas hasta hoy día. Las Shirelles son consideradas como la semilla de los grupos de chicas de los 60s. Formadas en la preparatoria de New Jersey en 1958, por Addie Harris, Shir-

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ley Alston, Beverly Lee y Doris Kenner, todas vocalistas. Al principio tuvieron un pequeño éxito en un sello local con una composición propia “I Met Him On A Sunday”. Pero fue seguida por las exitosas “Tonight’s The Night”, “Will You Love Me Tomorrow” (número 1 en USA y 4 en GB) y “Soldier Boy”. La escencia de lo que sería el sonido de los “girl groups” era evidente en esas grabaciones. Su éxito pronto fue empañado por la “invasión británica” (irónicamente los Beatles hicieron dos covers de sus canciones en su primer álbum) y finalmente colgaron la toalla en 1968, para ese tiempo solo Shirley quedaba de los originales. Después del éxito de las Shirelles, los sellos discográficos empezaron a ver la necesidad de crear más de estos grupos, así surgen Las Chiffons, quienes tienen uno de los más grandes éxitos de las girl groups, “He’s So Fine” en 1963, fueron producidas por los Tokens. Este tema volvió a hacerse conocido en 1971 por la demanda judicial que le hicieron a George Harrison por su “My Sweet Lord” que indudablemente es demasiado parecido. Otros clásicos de las Chi-

ffons fueron “Sweet Talking Guy”, “It’s In His Kiss” o “One Fine Day” todas con estructuras de mini-dramas musicales enfundadas en bellas armonías y excelentes arreglos pop. Las Crystals estaban conformadas por Barbara Alston, Lala Brooks, Dee Dee Kennibrew, Mary Thomas y Pat Wright. Hay mucha especulación sobre lo que estas chicas hicieron o no en sus discos. Lo cierto es que las Crystals era un grupo vocal de cinco chicas de New York, que tomaron el nombre de la hija de su primer manager, Leroy Bates. Su primera grabación “There’s No Other (Like My Baby)” fue producida por Phil Spector. Desde ese punto, se sabe que Spector utilizaba a la cantante Darlene Love para las grabaciones entanto que las Crystals iban de gira o aparecían en la TV. El éxito les acompaño con “He’s a Rebel”, “Da Doo Ron Ron” y “Then He Kissed Me”. Con la llegada de las Ronettes y el interés romántico de Spector por la vocalista principal, las Crystals comenzaron a declinar aunque siguieron grabando para Philles Records un tiempo más. En 1963, Phil Spector llega al pináculo de su carrera con las Ronettes. Este grupo era el arquetipo de las “chicas malas del rock” con sus voluminosos y altí-

Las Crystals tuvieron varios hits durante la época dorada de las Girl Groups, pero quedaron relegadas con la llegada de las Ronettes al “equipo” Spector.

The Ronettes fueron las “chicas malas” del género, con sus altísimos peinados y maquillaje a lo Cleopatra, fueron las primeras en ocasionar tumultos y peleas entre los hombres en sus presentaciones. 207

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simos peinados, sus faldas ajustadas y el delineado de sus ojos al estilo Cleopatra. La líder Veronica “Ronnie” Bennet nació en Nueva York en 1943, de padre irlandés y madre en parte negra y cherokee, además del abuelo chino, hizo de ella una amante de la diversidad y del gusto por ser diferente siempre. Ella creció en el Spanish Harlem, donde adquirió el gusto por los peinados altos y el comportamiento “duro”. Pequeña y peleadora, vivía en el apartamento de su abuela con su hermana Estelle y su prima Nedra con quienes formaría las Ronettes. En la preparatoria solía cantar como Ronnie and The Relatives, incluso bailaba en los shows de rock and roll que organizaba el DJ Murray The K. En 1963 Estelle conoce a un intrépido joven que había tenido gran suceso con las Crystals, era Phil Spector. Phil se enamora de Ronnie lo cual le sirvió de inspiración para crear algunos de los clásicos himnos adolescentes como “Be My Baby”, “Baby I Love You” y “Walking In The Rain” todos tremendos éxitos para las Ronettes. En 1968 Ronnie y Phil se casan, y ella es alejada de los escenarios y de las grabaciones. En su autobiografía, Ronnie nos cuenta los tremendos años 208

de soledad que pasaba en la mansión de Los Angeles de Phil. Finalmente la pareja se separa en 1972. Vuelta a casar con su manager Jonathan Greenfield, tuvo dos hijos que pasaron por los Counting Crows y Coolio. Con más de 50 años, Ronnie sigue actuando en clubes y giras nostálgicas. Probablemente la más exitosa compañía disquera que manejaba grupos de chicas haya sido Red Bird Records, de Leiber y Stoller. Con escritores traidos del Brill como Jeff Barry y Ellie Greenwich, éstos se dedicaron específicamente a explorar el género. Red Bird disfrutó de un inmediato hit con “Chapel of Love” interpretado por las Dixie Cups, una canción que Spector había grabado con las Crystals pero nunca la había lanzado. Las Dixie Cups formadas por Barbara Ann Hawkins, su hermana Rosa Lee y su prima Joan Marie Johnson, vinieron de New Orleans, conocidas originalmente como Little Miss and The Muffets, las chicas fueron descubiertas en un concurso de talentos por el productor y cantante Joe Jones (quien tuvo su propio éxito en 1960 con “You Talk Too Much”), él gustó del acto de las chicas y se las llevó al Brill Building en New York. En 1964 logran el gran suceso de “Chapel Of Love” con su nuevo nombre The Dixie Cups. El suceso fue enorme, logrando millones en ventas y consiguiendo un sólido número 1 en los USA. Las Dixie Cups agregaron dos éxitos más entre los Top 40 en 1964, “People Say” y “You Should Have Seen The Way He Looked At Me”.

En una de las pausas de grabación, las chicas comenzaron a entonar un viejo cántico que habían aprendido en New Orleans llamado “Iko Iko”, un típico canto con acompañamiento de percusión; gustó tanto que lo grabaron, siendo su último Top 40 en la primavera de 1965. “Iko Iko” fue versioneado en los 80s por un grupo femenino británico, las Belle Stars. Esta versión fue utilizada en la película “Rain Man”, retornando a los charts en 1989. Las Dixie Cups ya no figuraron en las listas, pero a pesar de su corta carrera, sigue siendo uno de los más memorables grupos de los sesenta. El golpe de gracia de la disquera Red Bird lo dió con las Shangri-Las que estaban formadas por las hermanas Mary y Betty Weiss, y Mary Ann y Margie Glaser. Empezaron estando aún en el colegio como las Bon-Bons en 1964 grabando un “novelty” en honor a los Beatles “What’s Wrong With Ringo”. Las chicas fueron descubiertas por el productor George “Shadow” Morton quien les dio un nuevo nombre y un estratosférico y millonario éxito con “ (Walking In The Sand)”. Luego consiguieron otro éxito comercial en 1965 con el melodramático “Leader of The Pack” que llegó al número 1 en los USA. Después siguieron los temas de angustias juveniles como

“Give Us Your Blessings”, “I Can Never Go Home Anymore”, “Past, Present And Future” y “Dressed in Black” con la misma temática sombría que junto a los temas anteriores pasó la prueba del tiempo y son considerados como grandes temas del género. Fantásticos melodramas de 3 minutos sobre la vida adolescente de mediados de los 60. Poco después el éxito comenzó a disminuir a ecepción de un tema que habían lanzado antes “Give Him A Great Big Kiss”, que fue muy popular en los programas radiales de las fuerzas armadas en Vietnam. En 1967 Betty Weiss se retira del grupo que permaneció como trío pero ya sin el éxito anterior. Después de las Shangri-Las, la era de las “girl groups” tristemente terminó, dejando lugar a los grupos de la “invasión británica” y a sus contrapartidas norteamericanas. Irónicamente, estos primeros grupos ingleses rindieron homenaje a los girl groups, versioneando muchos de sus hits en sus primeros discos y reintroduciendo el sonido a nuevas generaciones: “Nedles and Pins” de los Searchers, “Chains” de los Beatles, “Go Now” de los Moody Blues, todas fueron originales grabaciones de los grupos de chicas norteamericanas.

Las Dixie Cups.

El gusto por los temas “oscuros” de Las Shangri-Las hacia 1967 comenzó a decaer rápidamente, siendo uno de los últimos grupos de chicas que permanecieron aún después de la llegada de los Beatles.

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Los caminos del folk

Pete Seeger es una gran y querida figura en la vida de Norteamérica. Grabó cerca de 100 discos, escribió y colaboró en numerosos y radicales libros, artículos y manuales de banjo. 50 años después de su aparición en escena, Seeger es uno de los últimos eslabones de la optimista y expansiva cultura de la era de la Gran Depresión.

En los inicios de los sesenta cuando el rock and roll se redireccionó hacia las playas californianas y a un extremo comercialismo, otro tipo de música comenzaba a captar la atención de un grupo creciente de jóvenes americanos, cansados de la industria musical. Al contrario de las despreocupadas tonadas bailables como el twist (la sensación del momento), esta nueva tendencia apelaba a los sentimientos y principalmente a la conciencia de un público menos alienado. En realidad el FOLK SONG no era una novedad, solo se presentaba adaptada a los nuevos tiempos. Basada en formas poéticas y musicales muy antiguas, la canción folklórica de tono social surgió en los Estados Unidos durante los años

30 de la Gran Depresión, tomando prestado algo del blues, que ya hacía tiempo se venía vinculando con la protesta del negro contra las injusticias y desigualdades. El movimiento laborista, las migraciones rurales, la guerra civil en España, que sería el preludio a la Segunda Guerra Mundial, etc. daba un marco contestatario a la música folk, que recorría el país dejando su mensaje en campamentos de operarios, auditorios de sindicatos o reuniones al aire libre. Esto tampoco escapó del MacCartysmo. Ya en 1950 se publicaba un artículo titulado: “Counterattack of Red Channels: The Report of Communist Influence on Radio and Television”, en la que los cantantes folk eran pura y simplemente denunciados como “agentes de Moscú” y colocados en la lista negra de los artistas supuestamente al servicio del comunismo. Existen varias historias de cómo fue el renacer del Folk Song; algunas hablan de jóvenes músicos que buscaban recuperar del olvido sus raíces, viejas grabaciones y leyendas musicales del oeste, de las campiñas y de los pioneros, así llegaron también a los viejos blues; de ahí la tendencia a utilizar instrumentos básicos como la guitarra acústica, el banjo, la harmónica, el violín, etc. De entre estos jóvenes se destacó uno que sería llamado luego como el patriarca del Folk Song, Pete Seeger.

Pete Seeger Nació un 3 de mayo de 1919, en Patterson, Nueva York. Creció en un hogar lleno de música y de activismo político (su madre era profesora de violín y su padre era musicólogo y director de orquesta). Al principio Pete era reacio hacia la pasión musical de sus padres, hasta que escuchó por primera vez un banjo en un festival de música folklórica. Estudió sociología en la Harvard University a 210

comienzos de 1936, pero lo dejó todo dos años después cuando decidió acompañar en sus viajes de grabación por el sur del país al musicólogo Alan Lomax. Estas experiencias fueron el fundamento del repertorio de Seeger de canciones de trabajo, cancione folklóricas y baladas que lo hicieron famoso. En marzo de 1940, conoció a Woody Guthrie en un concierto benéfico, poco tiempo después ambos participaron del Almanac Singers, una organización de músicos folk y blos que incluía a Lee Hays, Millard Lampell, Sis Cunningham, Sonny Terry, Brownie McGhee, Leadbelly, Josh White, Burl Ives, y Richard DyerBennett. Los Almanac Singers duraron poco más de un año, pero sus mensajes pacifistas y su poder de arrastrar multitudes, tuvieron fuerte influencia política en ese tiempo. Con la entrada de los Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial, los Almanac Singers consiguieron repetabilidad y empezaron a actuar en programas radiales de costa a costa, la publicidad aumentó y eran invitados a cantar en los más diversos clubes nocturnos de Nueva York. Este aumento de la popularidad y la seducción del éxito comenzó a poner en problemas los ideales del joven Seeger. Allí por primera vez el FBI empezó a echarle ojo y a llenar informes sobre él. Seeger fue llamado al ejército en 1942, pasando la mayor parte del tiempo actuando para las tropas en el Pacífico Sur. En 1943 se casó con Toshi Ohta con quien sigue casado luego de 50 años. Después de la guerra siguió con sus viajes a través de los USA, tocando dondequiera que la gente le dejaba, desde tabernas a iglesias. Después de la disolución de los Almanacs, Seeger y Lee Hays forman “The Weavers” con Ronnie Gilbert y Fred Hellerman quienes lograron suceso mundial con sus canciones Folk y Spirituals como “Kisses Sweeter

Than Wine,” “Wimoweh,” “Goodnight Irene,” y “On Top of Old Smoky.” Desafortunadamente las tendencias izquierdistas de Seeger y Hays cayeron bajo las investigaciones del FBI; en 1955 Seeger compareció ante el tribunal de la Comisión de Actividades Antiamericanas, sus declaraciones le valieron un año en prisión y su desaparición de las listas de éxito durante 17 años. Seeger dejó a los Weavers en 1958 y comenzó una carrera en solitario, donde plantó las semillas del naciente Folk music en universidades y cafés a lo largo de los USA. Pasó muchos años en el sur durante los años 60, participando en las marchas por los derechos civiles y puso su marca en un viejo spiritual llamado “We Shall Overcome”, que se convirtió en el himno de la busqueda por la igualdad social

Pete Seeger con los Weavers a comienzos de los años 50.

Los Almanac Singers, grupo que alcanzó gran notoriedad en todo el país por su compromiso social y consecuente mensaje político durante los años 1940-1941.

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Su incansable pasión por alcanzar los corazones y mentes de los que le oían es patente en las inscripción que puso en su banjo “Esta máquina rodea al odio y lo fuerza a rendirse”. La música de Pete Seeger no fuerza al odio a rendirse con la intimidación, sino con la simple honestidad y la claridad de un corazón puro que hizo mella en la historia durante sus sesenta años de carrera artística.

alrrededor del mundo. En 1962 musicalizó unos versos del libro de Eclesiastés, capturando el sentimiento del cambiante clima del moviemiento juvenil en el tema “Turn Turn Turn (To Everything There Is a Season).” También ayudó en la organización de los famosos Festivales Folk de Newport. Su adherencia al purismo de la música folk hizo que fuera opositor al advenimiento del Folk-Rock y se rumoreó mucho tiempo que intentó esenchufar la guitarra eléctrica de Bob Dylan cuando actuó junto al Paul Butterfield Blues Band en 1965. Su objeción a la guerra de Vietnam fue siempre evidente y durante los años 70 y 80 Seeger puso su atención en acciones medioambientales. Los años 90 vieron a Seeger recibir una gran variedad de premios y reconocimientos a su labor musical; recibió así el más alto honor artístico en el Kennedy Center, ingresó al Rock and Roll Hall of Fame, y recibió el premio de la Hardvard Arts Medal. También recibió un Grammy por el mejor album de Folk tradicional en 1996.

Woody Guthrie Woodrow Wilson Guthrie nació el 14 de julio de 1912 en Okemah, Oklahoma. Su padre fue un cowboy, especulador de tierras y político local. Su madre nacida en Kansas influyó profundamente en el estilo de vida que llevaría más adelante. Woody sufrió aún siendo niño la primera de una serie de dolorosas pérdidas; la muerte de su hermana (que le afectó durante toda su vida). A esto le siguió la ruina financiera y la entrada de su madre a una institución psiquiátrica, que terminó por devastar a la familia. En 1931, su padre lo envía a Pampa, Texas, donde se casaría con Mary Jennings en 1933. Con su cuñado Matt Jennings y Cluster Baker, Woody empezó su carrera musical formando The 212

Corn Cob Trio. La Gran Depresión hizo muy dificil su vida y la de su nueva familia en esos años. Presionado por la falta de trabajo, Woody se unió a la gran masa de gente empobrecida (llamados “Okies”) que emigraba de sus natales Oklahoma, Kansas, Tennessee y Georgia, dejando sus hogares y tierras buscando mejorar en donde sea. Sin dinero y con hambre Woody andaba de polizón en trenes de carga e incluso caminó hasta California, desarrollando un extraño amor por los viajes, práctica que realizaría a menudo. Cuando arribó a California en 1937, Woody conoció el intenso desprecio y el odio de los residentes californianos, que se oponían al influjo de los foráneos. Su status político y social de “extranjero” trabajó mucho en las letras de sus canciones, tales como: “I Ain’t Got No Home”, “Goin’ Down the Road Feelin’ Bad”, “Talking Dust Bowl Blues” y “Tom Joad and Hard Travelin”. En 1937, sin embargo, tomó notoriedad junto a su nuevo compañero musical, Maxine Crissman alias “Lefty Lou”, al participar en un programa radial, donde pudo demostrar su talento para crear controversias, críticó duramente al sistema social y a los políticos, abogados y hombres de negocios corruptos.

Nunca estuvo muy cómodo con el éxito ni se quedó en un lugar por mucho tiempo, en 1939 Woody se muda a New York, donde abrazaría la visión y la “autenticidad” musical de las organizaciones, artistas, compositores, músicos y otros intelectuales de izquierda. Leadbelly, Cisco Houston, Pete Seeger, Will Geer, Sony Terry, Brownie McGhee y otros, llegaron a ser amigos y colaboradores de Woody; tomando bandera por las causas sociales como las uniones obreras, fortalecimiento del Partido Comunista y en general, luchando por las causas en las que creía de la única manera que sabía: a través de las canciones sociales de protesta. En 1940 el folklorista Alan Lomax grabó a Woody en una serie de conversaciones y canciones para la Biblioteca del Congreso, también grabó muchas canciones para Moses Asch, fundador de Folkways Records. Las grabaciones de este período fueron reeditadas bajo el sello del Smithsonian Folkways, lo que sirvió de gran influencia para los jóvenes músicos folk que iban apareciendo. Woody Guthrie continuó escribiendo canciones y actuando con los Almanac Singers. Manejado por Harold Leventhal, uno de sus grandes y confiables amigos y apoyado por el publicista musical Howie Richmond, los Almanacs ayudaron a establecer al Folk Music como un medio viablemente comercial. Eventualmente, fue creciendo en Woody una gran desilusión con las radios y la industria del entretenimiento de Nueva York, por sus constantes censuras a su música, así que volvió a sus viejos caminos. Tras la disolución de su primer matrimonio, encontró finalmente la estabilidad “doméstica” y el coraje que no conocía al enamorarse de Marjorie Mazia una bailarina con quien se casó en 1945. Esto le ayudó a completar y publicar su primera novela, “Bound for Glory” en 1943. Esta semi autobiográfica novela que cuenta

sus tortuosos años de correrías en busca de un mejor pasar, recibió el aplauso de la crítica y se convirtió más tarde en un libro de culto. Movido por su pasión anti-fascista, durante la Segunda Guerra Mundial, Woody sirvió en en el ejército y en la Marina Mercante, realizando numerosos viajes con sus amigos Cisco Houston y Jimmy Longhi. En 1946, Woody Guthrie retornó de la guerra para quedarse en Coney Island, New York, con su esposa y sus hijos. La paz por la que tanto había luchado al fin rendía sus frutos. En ese tiempo compuso una serie de canciones infantiles llamadas “Songs to Grow On”, esto le dió nuevamente un gran suceso. Sin embargo, la salud y el comportamiento de Woody comenzó a deteriorarse, creando tensiones en su vida profesional y familiar. Dejó a su familia una vez más y se fué a California con su protegido Ramblin’ Jack Elliott. En California Woody se casó por tercera vez. Woody se volvía más y más impredecible, sufría una enfermedad degenerativa, la Corea

Woody nunca tuvo problemas para decir lo que sentía y provocar con ironía al sistema de cosas, utilizaba para ello la única arma que sabía utilizar perfectamente, la canción de protesta. En su guitarra hizo famosa la frase: “Esta máquina mata fascistas”.

“No creo que nadie pueda expresar mejor las ambiciones insatisfechas de los Americanos desamparados mejor que Woody Guthrie. Sus canciones nos han inspirado durante años”. – Jimmy Carter 213

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de Huntington, que fue robándole gradualmente su salud, talento y habilidades. Era la misma enfermedad que había atacado a su madre 30 años atrás. En 1954, Woody se internó en el Greystone Hospital de New Jersey de donde entró y salió numerosas veces hasta que finalmente murió el 3 de octubre de 1967 en el hospital estatal de Queens, New York. Woody recibió varios reconocimientos póstumos a su labor: Fue introducido al Songwriters’ Hall of Fame (1971), Nashville Songwriters’ Hall of Fame (1977), y al Rock and Roll Hall of Fame and Museum (1988). Las canciones de Woody Guthrie continúan hablandonos a todos sobre ideas, pensamientos y sentimientos que son relevantes tanto hoy en día como en su época.

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The Kingston Trio En la historia de la música popular, hay un puñado de artistas que han redefinido el contenido de la música en puntos críticos de la historia: Blind Lemon Jefferson, Benny Goodman y su orquesta, los Beatles, Bob Dylan, Led Zeppelin, etc., personas cuya música dejan atrás las definiciones, alterando completamente con su aparición. The Kingston Trio es uno de esos grupos, transformaron el Folk Music en artículo de consumo y creando una demanda del público juvenil que no existía anteriormente, alentando a masas de chicos y chicas a tomar una guitarra, un banjo y cantar canciones folklóricas y canciones nuevas al estilo folk, con las armonías vocales que el Trio mismo se encargó de definir durante cinco años. El original Kingston Trio se formó en 1957 con Bob Shane, Nick Reynolds y Dave Guard cuando los tres asistían a una universidad en el área de San Francisco. Usando sólo guitarras acústicas y banjos, cantando simples y recordadas tonadas, revolucionaron la música popular, redescubriendo la riqueza de la música folk de los USA. La grabación de “Tom Dooley” en octubre de 1958 lanzó el revival del folk music e hizo escenario para la aparición de Bob Dylan, Joan Baez, Peter Paul & Mary y todo el movimiento musical de protesta de los años 60. The Kingston Trio era el grupo vocal número uno en todo el mundo, este fenómeno musical y cultural en records de ventas y conciertos sólo fue superado después por los Beatles.

En 1961, después de 2 premios Grammy y numerosos discos de oro, Dave Guard dejó el grupo y se incorporó John Stewart, manteniendo el trio por otros seis años más. En 1967, Bob, Nick y John deshicieron el Trio para dedicarse a sus propias carreras. “La música Pop seguramente cambiará nuevamente” decía Shane, “Pero, tu sabes, el folk no tiene tiempo, y eso hará que se mantenga viva.” En 1976, después de haber trabajado 9 años como los New Kingston Trio con Bob Shane, Bill Zorn y Roger Gambill adquirieron los derechos del nombre del grupo. Bill Zorn sin embargo los dejó poco después para dedicarse de lleno a la producción musical con su hermano en Inglaterra, entonces George Grove se unió al grupo. En 1985, The Kingston Trio vuelven a cambiar de integrante debido a la muerte de Roger Gambill. George Grove decía: “Estamos devastados por la muerte de Roger, pero el Kingston Trio es una institución musical que debe continuar como lo ha hecho durante todos estos años”.

rios sociopolíticos y forzado a la clandestinidad por el senador Joe McCarthy y su cacería de brujas. Para la época en que Peter, Paul y Mary llegaron a escena, para la mayoría de los americanos, el folk era visto practicamente como una expresión más de la música pop que empleaba instrumentos acústicos. En ese momento Peter Yarrow, Noel “Paul” Stookey y Mary Travers se juntaron para reclamar el puesto que la música folk tenía como una potencial fuerza cultural y social; lanzando al mundo su mensaje de humanidad y esperanza. El trio de Peter, Paul & Mary fue el grupo vocal más popular en los USA justo antes del arribo de los Beatles, utilizando sus dulces armonías vocales para presentar los trabajos de algunos de los mejores compositores de los años 40, 50 y 60. Su manager Albert Grossman, ensambló el grupo usando a un serio cantante y compositor Peter Yarrow (n. 31 mayo 1938 en Nueva York), una ex cantante de Broadway Mary Travers (n. 9 nov. 1936, Lousville, Kentucky) y un cantante y comediante Noel “Paul” Stookey (n. dic. 1937, Baltimore) en 1961 para capitalizar el éxito de artistas

Peter, Paul and Mary En las décadas previas a los 60, pasando por los avatares de Woody Guthrie, los Weavers y Pete Seeger, el folk music era identificado con los comenta215

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Durante su ahora legendaria carrera, el trio ganó 5 Grammys, produjo 5 albumes que llegaron al Top Ten y 13 hits en el Top 40 de los cuales 6 ascendieron a los 10 primeros, incluyendo 6 discos de oro y tres de platino. El extraordinario éxito conseguido por PP&M sin compromisos y continuando una tradición de siglos de personas que alzan su voz en canción por causa de la libertad, es evidencia de su magnífica carrera musical.

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como los Kingston Trio. Pero PP&M rapidamente volvieron al viejo estilo de los Weavers, especialmente por la reminiscencia que Travers traía de la recordada Ronnie Gilbert. Firmaron entonces con la Warner Bros. Records, para realizar su album debut, “Peter, Paul & Mary” (marzo 1962) que fue un éxito masivo, llegando al número uno, vendiendo dos millones de copias y creando exitosos singles como “Lemon Tree” y la canción de los Weavers “If I Had A Hammer” (que llegó a los diez mejores y ganó un Grammy a la mejor actuación vocal y al mejor disco de Folk). “Moving” (1963) fue otro enorme éxito, llegando entre los 10 mejores, consiguiendo el oro y presentando el éxito “Puff, The Magic Dragon”, co-escrito por Yarrow. El siguiente single del grupo que se lanzó en junio del 63 fue “Blowin’ in the Wind”, escrito por el entonces casi desconocido cantante de folk Bob Dylan. PP&M cambiaron eso al lograr un número uno y dos Grammys más en el proceso. Mientras el disco seguía su ascenso

en los charts, ellos aparecieron con Dylan en agosto de 1963 en la famosa Marcha en Washington, pues fue allí donde el Dr. Martin Luther King Jr. hizo su conocido discurso “I have a dream... (Yo tengo un sueño...)”. Esta fue una de las constantes apariciones de PP&M en mitines de tinte político y social. Entonces grabaron su tercer Top Ten, la canción de Dylan “Don’t Think Twice, It’s All Right.” Los dos singles escritos por Dylan fueron incluidas en su siguiente LP, “In the Wind” (octubre 1963), que consiguió una vez más el oro y el número uno en los charts, uniéndose a sus dos álbumes previos por muchas semanas en los Top Ten; esto sin considerar sus hits “Stewball” y “Tell It on the Mountain” en los Top 40. Extrañamente Warner Bros. esperó hasta julio de 1964 para lanzar el doble album “Peter, Paul & Mary in Concert”, que consiguió entrar a los Top Ten y el oro por más de un millón de copias vendidas. Su siguiente album en el Top Ten fue “A Song Will Rise” (marzo 1965). El trio empezó a bajar sus ventas, pero “See What Tomorrow Brings” (oct. 1965) consiguió otro sustancial éxito y el oro luego de algunos años. “The Peter, Paul & Mary Album” (ago. 1966) encontró al grupo sumando instrumentación y experimentación con su sonido. Incluso su más ambicioso “Album 1700” (ago. 1967), alcanzó el éxito comercial nuevamente, liderado por el paródico single “I Dig Rock and Roll Music” (co-escrito por Stookey). Esto fue seguido en los Top 40 por un cover de Bob Dylan “Too Much of Nothing” (nov. 1967), eventualmente incluido en el siguiente album de PP&M, “Late Again” (ago. 1968). El grupo logró otro Top 40 con un single compuesto por Yarrow “Day Is Done” en marzo de 1969. Su siguiente album logra un Grammy “Peter, Paul & Mommy” (mayo 1969),

dirigido a un público infantil. En setiembre, Warner Bros. lanza un single que no había aparecido antes, “Leaving on a Jet Plane” (del “Album 1700 y escrito por John Denver), éste logra llegar al número uno. En 1970, el grupo se disuelve y cada uno se lanza a una carrera solista con modesto suceso. En septiembre de 1978 se vuelven a unir para grabar “Reunion” para la Warner Bros., luego se volvieron a separar, volviendo a reunirse para un tour en 1980. En 1982, realizan el album en vivo “Such is Love” grabado en Australia y lanzado por su propio sello discográfico en 1983. En 1986 firman con Gold Castle Records y realizan “No Easy Walk to Freedom” (sep. 1986) Peter, Paul And Mary siguieron grabando juntos varios álbumes con diverso éxito, incluyendo apariciones en vivo y en shows televisivos hasta bien entrados los años 90.

Ramblin’ Jack Elliott Ramblin’ Jack Elliott es uno de los músicos folk más longevos. Desde su primera aparición a fines de los 50, Elliot ha tenido influencia sobre artistas tan dispares como Bob Dylan y Pete Seeger hasta los Rolling Stones y los Grateful Dead. Este hijo de un doctor neoyorquino y alguna vez compañero de viaje de Woody Guthrie, ha utilizado su imagen de cowboy para ofrecer su amor por el folk a una generación tras otra. Presionado por sus padres para seguir los caminos de la medicina, Elliot se resiste, inspirado por los rodeos multitudinarios que se ofrecían en el Madison Square Garden, quedó fascinado por la imagen del cowboy norteamericano. Después de tragrse novelas vaqueras, a los quince años huye de su casa para

unirse al J.E. Ranch Rodeo. Allí tiene sus primeras experiencias como cantante, pero dura poco, en tres meses, sus padres lo encuentran y lo regresan al hogar. Pero su pasión por la música es muy fuerte, a mediados de los años 50 graba sus primeros tres temas para Elektra. Elliot estaba muy influenciado en esa época por Woody Guthrie (a quien conoció durante una sesión en el Greenwich Village en 1950). Tras un breve encuentro en 1952, Elliot y Guthrie unen fuerzas en el invierno de 1954 en New York, juntos viajan a Florida nuevamente y luego se embarcan para California, fue la última vez que Elliot vería a un Guthrie saludable. Durante el año 1955, Elliot hace un viaje a Europa y canta canciones de su mentor y cuenta historias sobre éste, lo que contribuye a incrementar la leyenda de Woody. Inglaterra estaba en esa época abierta a la música vaquera de los USA, miles de jóvenes eran fanáticos de los westerns y su estrella favorita era sin duda el gran Joh Wayne, gracias a esto, Elliot consigue sus primeros éxitos. Su álbum “Woody Guthrie’s Blues” lo graba allí para el sello Topic, que se convierte en un hit rápidamente. También se encuentra

Jack Elliot lleva ya más de cuatro décadas ofreciendo su folk de tintes vaqueros a nuevas generaciones de seguidores, sin perder a sus incondicionales de siempre. 217

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con Derroll Adams, un tocador de banjo que había conocido en California. Juntos barren Europa y dejan una profunda influencia en la escena musical británica. Después de vivir en Europa por seis años, regresa a los Estados Unidos en 1961. El día siguiente de su retorno, visita a Guthrie en el hospital y es presentado al joven Bob Dylan, con quien entabla una amistad que se traduce en múltiples presentaciones juntos y ayuda mútua en discos. A mediados de los años 70, Elliot se une a la extensa gira “Rolling Thunder Revue” de Bob Dylan y también actúa en la película de Bob “Renaldo and Clara”). Cuando el folk pierde fuerza ante la locomotora del rock, Elliot

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se refugia en su música más purista y recorre los circuitos de country encontrando su público incondicional. En 1990, el sello Red House realiza “Leyends of Folk”, un concierto en vivo de Elliot, donde actúa con Bruce Phillips y Spider John Koerner en el World Theater de Minnesota. Bob Feldman, dueño de Red House, persuade a Elliot para grabar su primer álbum en estudio en más de dos décadas, “South Coast”. Grabado en Pachyderm Studios en Cannon Falls, Minnesota, el álbum tiene 25 canciones grabadas en 34 horas. El disco recibe el Grammy por Mejor Álbum Tradicional de Folk en 1995. Elliot regresa a los estudios para grabar “Friends of Mine”, realizado en 1997, presentando duetos con Joe Ely, Tom Waits, Guy Clark, Jerry Jeff Walker, Nanci Griffith, John Prine y Bob Weir. En 1999 lanza “The Long Ride” que recibe una vez más el beneplácito de la crítica y de los seguidores de este cuasi legendario artista.

Richard y Mimi Farina

Mimi Farina, la hermana menor de Joan Baez, se lanzó como cantante profesional primeramente con su esposo novelista y letrista, Richard Farina, con quien se había casado en 1963. Cantando armonías, la pareja realizó dos notables álbumes con el sello Vanguard, “Celebrations for a Grey Day” (1965) y “Reflections in a Crystal Wind” (1966), poco después, Richard muere en un accidente de motocicleta, Mimi Farina tenía 21 años entonces. Ella realiza como homenaje a su marido desaparecido un álbum con grabaciones anteriores llamado “Memories”. A fines de los 60s, Mimi quien vivía en California, trabajó en actuación hasta que se lanza nuevamente a la música componiendo sus propias canciones. Regresa al estudio en 1971 con “Take Heart”, a dúo con Tom Jans. El álbum incluye un tributo a Janis Joplin, “In The Quiet Morning” (canción que además de otras grabó también su hermana). En los 70s, Farina funda Bread & Roses, una organización de caridad, dedicada a llevar música a los hospitales y prisiones. Muchas de las estrellas del folk han participado en los conciertos y

grabaciones que organizó la fundación. En 1985, Farina finalmente realiza un álbum en solitario, apropiadamente llamado “Solo”, apoyándolo con una intensa gira. Durante los 80 y 90 dejó las grabaciones y giras para concentrarse en su organización hasta que es atacada por un cáncer de pulmón, finalmente su cuerpo cede y muere el 18 de julio del 2001 rodeada de su familia y amigos.

Richie Havens Nacido en Brooklyn, Richie Havens se muda al Greenwich Village en 1961 al tiempo de alcanzar su lugar en el boom del Folk. Havens tenía un estilo distintivo, apareciendo en clubes como el Cafe Wha?, donde casi siempre se llevaba todas las propinas. Arrancaba con un potente rasguido de guitarra, como una percusión y la acompañaba rítmicamente con su rugosa pero cálida voz. Luego de deambular por los numerosos bares y clubes folk, consigue un contrato de grabación con Douglas Records en 1965, con quienes graba dos álbumes ganando numerosos seguidores locales. 219

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un single Top 20 llamado “Here Comes the Sun”, estas grabaciones le dan un apreciable éxito comercial, pero el suceso lo obtiene de sus giras internacionales. Para finales de 1970 deja las grabaciones para dedicarse de lleno a las actuaciones en vivo. Richie vuelve a grabar recién en 1987, lanzando un cuidado álbum con covers de Dylan y los Beatles además de algunas recopilaciones. En 1991, Havens logra firmar con la Sony Music con quienes sigue trabajando hasta hoy.

Joni Mitchell

Richie Havens en la actualidad Foto de Jim Dyson

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En 1967, una división de MGM Records, forma un sello de folk llamado Verve Forecast, estos contratan a Havens y a varios otros artistas de folk. Ese año saca “Mixed Bag”, pero no fue sino hasta “Something Else Again” (1968) cuando empieza a figurar en los charts. En 1969 lanza un doble álbum llamado “Richard P. Havens 1983” y participa del histórico festival de Woodstock, lo que beneficia enormemente a su carrera. Su primer álbum después de su actuación, “Alarm Clock”, entra en los Top 30 y produce

Con una maravillosa voz, esta canadiense de nacimiento, comenzó en los sesenta como cantante folk hasta que llegó a incluir en su obra elementos de rock y de jazz. Nacida como Roberta Joan Anderson en Canadá, se preparó bastante antes de lanzarse como cantante en los circuitos folkies en 1964. Después de un fallido matrimonio y una pasada por Detroit, se mudó a New York en 1967 ya con el nombre artístico de Joni Mitchell (conservó el apellido de casada), con un amplio repertorio de canciones folk y la compañía y el corage de Buffie Saint Marie y Judy Collins. Allí llama la atención de Elliot Roberts, quien se convertiría en su manager, al tiempo de conseguirle un contrato de grabación con el sello Reprise. El álbum debut de Joni fue “Songs To A Seagull”, realizado en 1968. En esa época también conoce al ex-Byrds David Crosby, quien le convence para ir a California y se convierte en su más entusiasta promotor. Poco antes de finalizar el año 68, Joni asiste al Miami Pop Festival, acompañada del ex-Hollies Graham Nash, amigo mutuo de Crosby, en Miami consigue nuevos acérrimos seguidores. Para fines de la década, logra el reconocimiento de la crítica y del público

además de un apreciable éxito comercial con “Clouds” (1969), pero fue “Ladies of the Canyon” (1970) el que le dió su primer disco de oro, especialmente por la fuerza de la canción “Big Yellow Taxi” y el clásico “Woodstock,” que fue uno de los mayores hits de Crosby, Stills, Nash & Young. Su aparición en el festival de la Isla de Wight es memorable, con su apariencia frágil, demuestra sin embargo una fuerza de carácter extraordinario, capaz de amansar a las “bestias” con su dulce voz, sus palabras directas y sinceras y su excelente música. Ella que amaba ser libre y disfrutar de las cosas sencillas de la vida, de pronto se vio presionada por la fama, perseguida por fans embrabecidos y su libertad coartada, es el precio que nadie quiere pagar. En 1971, Joni va de gira con sus amigos Crosby, Stills & Nash, pero durante su acto en el Atlantic Pop Festival en agosto de ese año, tiene que dejar el escenario apresuradamente por causa de una tensión nerviosa debido a la multitud. Ella itió después que adoraba

la intimidad de un club pero se le hacía difícil concentrarse y actuar delante de grandes multitudes. A pesar de todo, su música madura considerablemente durante los siguientes años, el excelente álbum “Court And Spark” (1974) recibe de la crítica, una masiva aprobación. En ese tiempo crece en Joni una atracción por los ritmos africanos y por el jazz, esto se refleja claramente en “Don Juan’s Reckless Daughter” (1978) y “Mingus” (1979) respectivamente. Después de la suprema técnica musical con-

Joni Mitchell es todavía una de las más importantes e influyentes artistas femeninas del siglo 20. Intransigente, inquieta, innovativa, su música se desarrolla desde el profundo folk pasando por el pop, jazz, avant-garde e incluso ritmos africanos. En la foto: Joni MItchell al centro, rodeada de sus amigos, John Sebastian, Nash, Crosby y Stills. 221

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Joni Mitchell junto a Mama Cass, Jackson Browne y otros “folkies” hacia 1969.

seguida a fines de los 70s, Mitchell opta por el estilo más “seguro” del rock americano, su álbum “Wild Tings Run Fast” de 1982, fue seguido por un altamente tecnológico “Dog Eat Dog” (1985). Joni regresa a su original estilo acústico en 1991 con el disco “Night Flight Home” y más recientemente muestra su faceta de pintora, realizando varias exhibiciones revelando así sus dotes creativas fuera de lo musical.

Arlo Guthrie

“Joni es como Amelia Earhart, siempre volando más allá, una exploradora, una buscadora en su “éjira”, y el amor que expresa, como una danza tántrica, no tiene final.” – Hugh Blumenfeld, Editor

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Como su padre Woody Guthrie, Arlo se hizo de una sólida carrera como cantante de folk y compositor de una fuerte conciencia social que llevaba su mensaje político con un gran sentido del humor. Su padre estuvo hospitalizado durante casi toda la niñez de Arlo, pero nunca creció sin estar rodeado de un ambiente musical que incluía a Pete Seeger, Leadbelly y Cisco Houston. Aprendió a tocar la guitarra a los seis años y saliendo de la adolescencia ya era un abitué de los coffehouses folkies. Se hizo notorio gracias a sus composiciones anti-establishment llenas de humor y sarcasmo, “Alice’s Restaurant”,

es actualmente utilizado como monólogo cómico acerca de los problemas de un músico con la policía y la cartilla del ejército, que causó sensación cuando apareció en disco en 1967. El álbum “Alice’s Restaurant” fue el único disco de oro de Arlo, pero hizo numerosos discos de folk-rock a través de los 70. Desde 1981 lanza su propio sello discográfico, Rising Son, que relanzó sus discos grabados para Warner y también nuevos álbumes. Hasta hoy no ha parado de hacer exitosas giras por todos los Estados Unidos.

Dave Van Ronk Guitarrista, cantante, compositor y nativo de New York, Dave Van Ronk ha inspirado, ayudado y promovido las carreras de numerosos cantantes y compositores que han surgido de la tradición bla y del folk. El más notable de los muchos músicos que han pasado por su tamiz es Bob Dylan, a quien Van Ronk conoce poco después del arribo de Dylan a New York en 1961. Nacido en Brooklyn en 1936, Van Ronk no llegó a terminar la secundaria y dejó su hogar para mudarse al paraíso folk, el Greenwich Village, siendo aún adolescente. Su carrera arranca con el disco “Ballads, Blues and a Spiritual” que realiza en el sello Moses Asch’s Folkways en 1959. A menudo considerado uno de los grandes de la escena de coffehouses en el Greenwich Village, era también un lector intelectual incansable y un prolífico compositor, sus actuaciones llegaron a opacar aún a artistas folk que habían estado antes que él. Durante el boom del folk en los 60, Van Ronk estaba

metido en el círculo más íntimo de músicos del Village, incluyendo a personajes de la talla de Bob Dylan, Tom Paxton, Phil Ochs, Ramblin’ Jack Elliot y Joni Mitchell. Su reputación no era sin embargo muy sólida, hasta que comenzó a grabar con el sello Prestige durante la primera mitad de los 60, hacer giras a través de los Estados Unidos y sobre todo actuar en grandes festivales folk como el de Newport. Las diferentes grabaciones de Van Ronk, sirven a diferentes propósitos: para conocer al Van Ronk compositor, se debe pasar por “Going Back to Brooklyn” (Gazell Productions, 1985), que fue su primer álbum enteramente realizado con temas propios; si lo que se quiere es estudiar su compleja técnica de guitarra está “Dave Van Ronk, Folksinger” e “Inside Dave Van Ronk”, sus dos primeros trabajos que el sello Prestige ha reeditado recientemente en CD. Dave muere inesperadamente, mientras se le realizaba una operación por cáncer de colon el 10 de febrero de 2002. Un CD de su último concierto, realizado en octubre de 2001 en el Takoma Park, Maryland, fue lanzado por el sello Smithsonian Folkways en 2004 como último tributo a este magnífico héroe del folk.

Dave Van Ronk, prolífico compositor e impulsor de varios grandes del folk y del rock.

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Por sus dotes de compositora, guitarrista y, por encima de todo, cantante poseedora de una de las más bellas voces de soprano que ha tenido la música popular, Joan Baez es por derecho la Reina del Folk.

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Joan Baez Baez tenía 18 años cuando se volvió una sensación del Festival Folk de Newport en 1959; sus dotes llamaron la atención de los cazatalentos de Columbia Records, pero ella rechazó la oferta debido al boicot que le habían hecho a Pete Seeger por una supuesta vinculación al comunismo. Al año siguiente grabó su primer album con Vanguard Records, “Joan Baez” (1960) incluía temas folklóricos tradicionales que alcanzó un relativo éxito, pero se superó con el lanzamiento de su segundo disco “Joan

Baez Vol. 2” (1961), que ayudó a disparar las ventas de ambos al igual que “Joan Baez in Concert”. En noviembre del 62, Joan Baez ya tenía tres almbumes en las listas de éxito (más que el propio Sinatra) y era tema de un reportage de tapa de la revista TIME. La revista, barómetro de los gustos del norteamericano, describía el estilo de Baez: “Su tono de voz es claro como el aire de otoño, una soprano vibrante, fuerte, natural y emocionante. Ella no usa maquillaje y sus largos cabellos negros caen como una cortina que cubren un esbelto rostro almendrado. En sus presentaciones, ella llega, camina directo al micrófono y comienza a cantar. Nada de vanas conversaciones, nada de showbusiness. Generalmente usa suéteres o vestidos simples. De vez en cuando viste algo semi-oriental que parece hecho a mano de paño rústico. La pureza de su voz sugiere una pureza del mensaje. Ella sólo tiene 21 años y existe poco sexo en aquel flujo cristalino de sonidos. Es una voz obsecante, la voz de una madre, con ecos distantes de mujeres negras en lamentos nocturnos, de cantores de madrigal presentándose delante de la corte y de tristes gitanos buscando expulsar la muerte de sus cavernas españolas.” Una de las canciones que siempre se ha asociado con Joan, también del repertorio tradicional con arreglos de Pete Seeger, “We Shall Overcome” se convirtió en el himno de esa nueva juventud rebelde que ahora parecía haber encontrado su causa. Joan Baez participó de varias marchas al lado del líder negro Martin Luther King, cantando durante la famosa Marcha de la Libertad en Washington, en 1963. En el Club 47, Baez conoció a Bob Dylan, quien en ese entonces era tan solo uno de los muchos beatniks del Greenwich Village de Nueva York. Encantada por sus letras y su inconformismo comenzó a cantar canciones del reper-

torio de Bob Dylan, llevándolo a él como invitado en sus conciertos. Esta gira por las universidades y en especial su participación en el Festival de Newport de 1963, va a hacer de ella la cantante comprometida más famosa y el rumor de un romance entre Joan y Bob muy apresurado (según los medios); entre tanto la audiencia para Dylan iba en aumento a su sombra. A pesar de su tortuoso romance, ella continuó grabando sus canciones, especialmente recopilados en el doble album “Any Day Now” de 1968. Dylan siguió colaborando con Joan en una larga gira antirracista pacifista que duró de 1964 al 65. La pareja se separa cuando Bob atraído por el rock y cansado de su imagen de líder político, se pone a vivir como estrella. En 1968 ella se casó con el pacifista David Harris, a quien le dedicó el album “David’s Album”, cuando cumplía una sentencia en prisión. Otro album “Where

Are You Now, My Son” contenía entrevistas con soldados que realizó en Vietnam. En esa época logró un éxito con un cover del grupo The Band, “The Night They Drove Old Dixie Down”, y se lanzó como brillante compositora en su album de 1975 “Diamonds and Rust”, el título del disco aludía a su relación con Dylan. Baez puso siempre los derechos humanos por encima de su carrera, lo que probablemente la limitó a ser un masivo éxito popular, en 1965 fundó el Institute For Non-Violence en California y en 1979 Humanitas International; sin embargo la pureza de su voz, la sencillez de sus melodías, que siguen fieles al folk, el caracter comprometido de sus letras y su belleza clásica y un poco austera han hecho maravillas a lo largo de su carrera, marcada por tomas de posiciones generosas e innumerables participaciones en casi todos los conciertos comprometidos de los años sesenta, setenta y ochenta.

Joan durante su clamorosa actuación en el Festival de Woodstock de 1969, su estampa de madre (estaba embarazada) y de esposa amante (dedicó una canción a su marido David Harris, por entonces preso político) le valió la aprobación de un público que se aferraba con todo al sueño de un mundo mejor y más humano.

Bob Dylan con Joan Baez en la Marcha por los Derechos Civiles en Washington, D.C. en 1963. 225

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“Dylan nos hizo sentir que no era malo ser inteligente, observador y tener conciencia social, cosas que ahora no parecen estar de moda” - Paul Simon

Bob Dylan Cantante, guitarrista y compositor, con su imagen de rebelde y su inconfundible sello de juglar místico, Bob Dylan ayudó a forjar el FOLK-ROCK de los años sesenta. Desde aquella primera época de guitarra acústica y armónica hasta su incursión en las últimas tecnologías digitales han pasado 40 años, durante los cuales sus inspiradas y provocativas letras, llenas de historias e imágenes poéticas, han sido la más rica 226

fuente de inspiración que ha conocido la música popular.

LOS COMIENZOS DE SU LEYENDA Robert Allen Zimmerman, nació en Duluth, Minnesota el 24 de mayo de 1941, cuando tenía seis años, sus padres judíos de clase media (su padre regentaba una tienda de electrodomésticos) y su hermano menor David, se mudan a Hibbing, pequeña ciudad de 17.000 habitantes, no muy lejos de Duluth. Dylan

comenzó a tocar la guitarra a los 12 años, algunos autores indican que empezó antes, y a participar de grupos rockeros durante su adolescencia. Era la época de los beatniks y Jack Kerouac lanzaba a toda una generación a las rutas, con su relato idealizado de la vida nómada en “On the Road”. Era el tiempo en que los jovenes se reunían en los “coffe-houses” para oir o tocar temas folk y escuchar poemas. Bob era el joven incomprendido típico, lleno de contradicciones. Cuando tenía 15 años se encierra en su cuarto y compone por primera vez una canción de amor dedicada al símbolo sexual del momento, Brigitte Bardot, pero lo más probable era que la fuente de su inspiración haya sido su rubia noviecita de secundaria, muy parecida a la actriz. El joven Bobby se sumerje en su gran pasión, la música, los estudios, bien gracias; absorve todo el country de Hank Williams, los blues de Muddy Waters, Howlin’ Wolf y el rock and roll de Elvis, Little Richard y Buddy

Holly. Se tejen historias de sus huidas de casa desde los 10 años hasta los 18, en las que siempre era “rescatado” y traído de vuelta; pero su madre y él mismo desmiente más tarde esas historias. En 1959, Bobby Zimmerman se gradúa de la Hibbling High School y se matricula en la Universidad de Minnesota, que se encontraba a unos 200 km. de su ciudad, lo cual le dió la oportunidad de búsqueda y experimentación que tanto había esperado, lejos del ojo vigilante de sus padres. Pronto abandonó sus estudios, y entre muchas diversiones en esa época, un amigo le prestó el libro autobiográfico de Woody Guthrie “Bound for Glory” que Dylan devoró; además de causarle una profunda impresión y de llevarle a aprender de memoria el repertorio del autor, disparó su imaginación hasta límites insospechados. Se inventó un pasado en el que mezclaba raíces indias, una adolescencia bohemia y añadió miles de kilómetros recorridos con

Bob Dylan era abierto irador de la vida y obra de Woody Guthrie. Fue su gran inspiración en su primera época. En estas fotos comparadas vemos hasta qué punto la influencia de su ídolo hizo mella en el joven compositor.

Bob en su primera aparición en el programa televisivo de Ed Sullivan. 227

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su guitarra y sus sueños de gloria como único equipaje, aportó tantos datos falsos a su biografía que sólo el paso del tiempo pudo aclarar. La verdad era tan poco poética como la tienda en Duluth donde se crió. Luego de un año de universidad, convencido de que lo suyo era la música, después de haber recibido el apoyo familiar, Bob viaja a New York, la meca del folk.

EN BUSCA DE LA GLORIA El gusto por lo ambíguo, por el mistério, acompañan a Zimmerman desde muy joven. Como ejemplo, la adpoción de su seudónimo. Él mismo nunca itió que Dylan fue inspirado en el nombre del poeta galés Dylan Thomas, especie de patrono de los beatniks, que recorría las universidades recitando sus poemas hasta que murió alcohólico en 1953. Robert Shelton en su biografía de Bob, afirma que el propio Bob Dylan le dijo textualmente: “aclara bien en tu libro que yo no he tomado mi nombre de Dylan Thomas.”, pero se sabe que Bob leyó a Thomas, las dudas permanecen. Pero el gran ídolo suyo era el cantnate folk Woody Guthrie, veterano de las causas laboristas de los años 30 y 40 y que al final de los 50 estaba muriendo en un hospital de New York. En esa ciudad, mientras andaba buscando a Woody, Dylan se pierde por los cafés y clubes nocturnos del Greenwich Village, guitarra en mano y armónica en la bolsa, esperando que alguien le pida que toque. Se vuelve un asíduo frecuentador de Gerde’s Folk City, donde comienza a dar cancha. Como instrumentista de armónica es invitado a grabar un album acompañando a la cantante Carolyn Hester y otro acompañando al rey del calypso, Harry Belafonte (Dylan abandonó la sesión y solo aparece en una de las caras). En

1961 ya con más experiencia, Dylan es oido por Robert Shelton, crítico del prestigioso New York Times (periódico que hasta hoy, por tradición, trata deferencialemente a sus entrevistados como “señor”, aunque pueda sonar extraño Mister Dylan o Mister Jagger). Shelton escribe: “Este joven que parece una mezcla de chico de coro y beatnik, está explotando de talento.” Las favorables críticas no fueron desdeñadas por el crítico de jazz y productor de Columbia Records, John Hammond (descubridor entre otros de Count Basie, Lester Young y Billie Holliday y cuñado de Benny Goodman), quien le extiende a Dylan un contrato de grabación. Hammond ya sentía en el aire el potencial de ventas del movimiento folk y acabará por contratar al veterano Pete Seeger. Antes del final de 1961, Bob Dylan da su primer concierto en el Carneggie Hall para 53 personas y graba su primer LP, “Bob Dylan”. La grabación costó 403 dólares y se hicieron 4.200 copias. El album sale en 1962 e incluye repertorios folk tradicionales y dos temas propios: “Song to Woody” y “Talkin’ New York”. El album no tuvo el éxito esperado, pero aún así Hammond no perdió las esperanzas en su joven protegido, en las oficinas de Columbia corría el apodo de “Hammonds Folly” (la chifladura de Hammond) para referirse al cantante. Sin embargo con su segundo album, Dylan cubrió las expectativas que en él había depositado su mecenas. Es así que se lanza “The Freewheelin’ Bob Dylan” (1963), una bomba antibelicista y políticamente radical, con temas clásicos como “A Hard Rain is Gonna Fall”, “Masters of War” y “Talkin’ World War III Blues”, también incluía baladas como “Corrina Corrina”, “Don’t Think Twice is Allright” y sobre todo su emblemático “Blowin’ in the Wind”; antes del final de la década, el tema fue grabado

DIS C O S C LA S ICO S

Bob Dylan (Columbia 1962)

The Freewheelin’ (Columbia 1963)

The Times They Are Changin’ (Columbia 1964)

Another Side of Bob Dylan (Columbia 1964) 229

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por más de sesenta artistas, no sólo de folk y rock, sino tan diversos como Percy Faith, Duke Ellington, Marlene Dietrich o el saxofonista Stan Getz. Entre otras cosas, la letra de Blowin’ dice: “¿Cuantos caminos debe el hombre andar, hasta que lo consideren hombre? ¿Cuántas veces debe explotar las balas del cañón, hasta que desaparezcan por siempre? La respuesta mi amigo, está soplando en el viento.”

Cartel del primer concierto de Dylan en Nueva York, realizado el 4 de noviembre de 1961 en el Carnegie Chapter Hall.

En esta imagen vemos a la pareja del folk, Joan Baez y Bob Dylan durante sus primeros conciertos juntos.

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Un mensaje político con un lenguaje poético. Era lo que los jóvenes esperaban. Un mes después de salido el disco, Ed Sullivan invita a Dylan a su influyente show televisivo. En la convocatoria también figuraba la lista de canciones que no podía interpretar en TV, Dylan le obsequia con una espectacular “plantada.” La promoción que le hubiera retribuido aparecer en el programa de variedades de mayor audiencia en la TV norteamericana, la consiguió de todas maneras con su aparición en el Festival Folk de Newport de 1963. Joan Baez que lo había conocido en New York lo presentó a su público haciendo de embajadora, su entusiasmo era tal que no se pudo limitar al terreno profesional y se extendió al sentimental. El momento cumbre del Festival llegó cuando Bob Dylan interpreta junto a Peter, Paul & Mary su “Blowin’ in the Wind”, canción que el famoso trio grabó de inmediato. La versión de Peter, Paul & Mary llegó al número 2 y en los primeros ocho días ya había vendido 320.000 copias. El interés por el creador creció y a fines de 1963, después de otra aparición en el Carneggie Hall, “The Freewheelin’ Bob Dylan” se había convertido en disco de oro. Como muchos otros jovenes de su tiempo, Dylan se muestra desencantado con el mundo que sus mayores construyeron, mirando alrrededor Dylan desen-

mascara a los “héroes blancos” en sus canciones: “No llamo por que Bob Hope me lo diga, él no te seguirá a ningún lugar. Ni por la salud de John Wayne y su lucha contra el cáncer. Olviden a estos astros de Hollywood que viven diciéndote que hacer, todos ellos serán muertos por los indios”

Dylan los denuncia como “los señores con esclavos, señores de la guerra”, cantando cosas claras con letras incisivas. Todo parece muy claro entonces mostrando un fino sentido de la ironía: “La caballería fue tras los indios, los indios fueron muertos, y el país era feliz, porque Dios estaba de nuestro lado. Después vino la Primera Guerra Mundial, y nunca se supo porqué Dios también estaba de nuestro lado. Y después vino la Segunda Guerra y los alemanes mataron a millones de personas, porque Dios estaba del lado de ellos. Y ahora marchamos a otra guerra y Dios está de nuestro lado.”

Su siguiente disco “The Times They Are Changin’” (1964) era otro grito de protesta, aunque más sofisticado que el anterior. El tema que daba nombre al album llegó a ser profético para la época y al mismo tiempo, de la carrera de Dylan.

LOS TIEMPOS CAMBIAN Como intérprete y compositor ya había alcanzado el éxito, pero su inconformismo, inestabilidad emocional y la parodia que hacía de sí mismo le impiden tomar en serio su papel de “rey de la canción de protesta” o líder políticosocial que le habían impuesto. Por lo tanto se las arregla para ir a Inglaterra por algún tiempo. Desde allí sacará a relucir por primera vez su gran capacidad de absorver influencias y ponerles su firma. Tras el o con los Beatles,

los Rolling Stones y otros artistas de blues inglés, y viendo los positivos resultados que los Byrds en los USA estaban logrando con uno de sus temas (Mr. Tambourine Man) Dylan decide electrificar su folk. Un verdadero sacrilegio y decadencia para los puristas. “Another Side of Bob Dylan” (1964), a pesar de que todavía era acústico, fue un paso hacia el Rock & Roll, con letras menos comprometidas, más accesibles, profundizaban sus sentimientos, dejando de lado el compromiso político. Los aficionados al folk se sintieron traicionados, pero Dylan prosiguió su idilio con el Rock con el excepcional “Bringing It All Back Home” (1965). En una cara del disco se oía a Dylan en solitario y acústico, en la otra cara con guitarras eléctricas y acompañamiento de rock, presenta “Mr.

Tambourine Man”, “It’s All Over now, Baby Blue” y el revelador “Subterranean Homesick Blues”, esto motiva el abandono de sus seguidores más tradicionales. Dylan vuelve de la Gran Bretaña con una nueva pinta y se presenta en el Festival Folk de Newport de 1965 con su célebre Stratocaster negra. Durante los primeros minutos de actuación es abucheado e insultado, Dylan y la Paul Butterfield Blues Band tocaron sin hacer caso de los enfurecidos “protectores de la tradición” hasta que se callaron. Ganó la batalla, perdió a sus viejos seguidores, pero captó al de los Beatles, Animals y los Stones. Este no fue el único cambio en Dylan; comenzó a vivir su momento como estrella de rock, abusa de las drogas, se

Esta sugestiva portada de “Bringing It All Back Home” de 1965 muestra que la dirección musical de Dylan, y su estilo de vida estaba cambiando. Efectivamente perdió muchos de sus seguidores debido a sus experimentos sonoros; aún así consigue llegar al oro. 231

LA ERA DEL ROCK

Para la época en que salió “Highway 61 Revisited” (1965), Dylan ya era otro, dejó atrás su papel de líder político y se lanzó de lleno al folkrock, él mismo lo consideraba como su mejor trabajo hasta el momento.

Dylan con de “The Band”, el grupo que lo acompañaría en varios conciertos y grabaciones.

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pelea con Paxton y los Byrds, se separa de Joan Baez, cultiva una imagen de hombre libre y provocador; pero crece en cuanto a sus dotes como poeta y crea nuevas metáforas e imágenes casi surrealistas. Sus esfuerzos no paraban de dar frutos; a comienzos de 1965 recibió su segundo disco de oro por “Bringing It All Back Home” y en septiembre de ese año logra vender un millón de singles con una canción que superaba los 6 minutos. Para los estándares de la época, los límites no hiban más allá de los 3 minutos, pero la gran impresión que tuvo “Like a Rolling Stone”, con Mike Bloomfield a la guitarra y Al Kooper al órgano, que anticipaba al album “Highway 61 Revisited” (1965),obligó a comercializarlo como single. En una entrevista concedida un año después, Dylan dijo que “Highway 61 Revisited” era el mejor disco que había grabado. Además de “Like a Rolling Stone”, obra maestra incuestionable, el álbum traía temas como “Ballad of a Thin Man”, “Desolation Row”, “Tombstone Blues” y el tema título del LP. Su evolución musical aceleró la ruptura con Joan Baez y su matrimonio con Sara Lowndes. La cumbre de su trabajo llegó con “Blonde On Blonde” (1966), el primer album doble de Rock sin contar recopi-

laciones de éxitos o discos en vivo. Muy enamorado tras su reciente matrimonio, compone las más hermosas baladas de su carrera, “Visions of Johanna”, “Just Like a Woman” y “Sad-Eyed Lady of the Lowlands”, una larguisima canción de más de 11 minutos, dedicado a su esposa. En “Blonde On Blonde” Dylan cuenta con la participación de Robbie Robertson, guitarrista del grupo canadiense The Hawks, que poco después se convertía en The Band. Dos meses después de cumplir los 25 años, en julio del 66, Bob sufre un accidente de moto, resultando gravemente herido. Dylan estaba pasando por una etapa depresiva por las fuertes presiones del estrellato y de la editora que le reclamaba constantemente el manuscrito de su novela “Tarantula”. Por ello se mantuvo 18 meses en su casa de Woodstock, apartado de todo el ajetreo y del público. Empezó a correr todo tipo de rumores, desde una fractura de cuello, pasando por la duda de que el accidente haya sido real, recuperación de las drogas, e incluso su muerte. Lo cierto es que en el sótano de su casa, con la participación de The Band, grabó varias canciones que se comercializaron de forma oficial con el título “The Basement Tapes” en 1975, tras años de numerosas ediciones pirata.

SU VUELTA Y SU LENTA CAIDA Su reaparición tuvo lugar en enero del 68 en un concierto benéfico en honor a Woody Guthrie, que había fallecido el año anterior. Grabó “John Wesley Harding” (1968) en Nashville y con una clara instrumentación Country. Con unas letras más acordes al gran público y temas más melódicos, el disco logró un número 2 en las listas de éxito y el tema “All Along the Watchtower” saltó a la fama cuando lo grabó Jimmy Hendrix. “Nash-

ville Skyline” (1969) siguió la misma línea Country, pero no fue bien recibido por la crítica, a pesar del excelente tema “Lay Lady Lay” compuesto para el filme “Cowboy de medianoche” (Midnight Cowboy, 1969) pero que al final no fue utilizado. Mejor suerte tuvieron sus discos “Self Portrait” (1970) que fue disco de oro y “Dylan” (1973), una recopilación de temas no incluidos anteriormente. Bob Dylan ya se había convertido en un mito, analizado en libros y documentales, cuya producción alimentaba un sinnumero de grabaciones pirata y mucha actividad para enfermos coleccionistas de grabaciones raras, pistas o souvenirs de todo tipo del artista. Dylan por otro lado limitó sus apariciones en vivo, llegando a ser célebre su falta al Festival de Festivales, Woodstock 69. Pero un año después apareció en el también célebre festival de la Isla de Wight en Gran Bretaña en 1970. Además de participar en otro concierto en honor a Woody Guthrie en los Ángeles y el organizado por George Harrison en beneficio de Bangladesh en 1971. Sus acérrimos seguidores tuvieron que contentarse con verlo en la pantalla interpretando un personaje en la película “Pat Garret & Billy The Kid” de 1973, para la cual compuso canciones para la banda sonora, entre las cuales figura “Knocking On Heaven’s Door” su

mayor éxito desde “Lay Lady Lay”. Para ese momento su contrato con Columbia ya había finalizado y Dylan se cambió al sello Asylum, y grabó “Planet Waves” (1974) con pobres resultados. Inició entonces una gira con The Band de la que salió el disco en vivo “Before the Flood” (1974), este resultó toda una inspiración y alentó la aparición del mejor disco de la década “Blood on the Tracks” (1975). Este disco, pleno de amargura es un ejemplo de aquella afirmación que dice que las obras de mejor calidad salen en los peores momentos. El matrimonio de Dylan y Sara se terminó y aunque fue muy doloroso, ayudó artísticamente a Dylan a retomar la cumbre. Con las mejores críticas que había recibido desde hacía tiempo por “Blood on the Tracks”, Dylan emprende una nueva gira acompañado de su vieja amiga Joan Baez, “The Rolling Thunder Revue”. A la gira se unieron más tarde, Joni Mitchell, Roberta Flack, Ronie Blakely y Arlo Guthrie (hijo de Woody), la gira se convirtió en un larguísimo documental sólo apto para fans recalcitrantes. Dylan sale de los USA después de once años para ofrecer conciertos en Europa, Australia y Japón, de donde salió material para el disco “Bob Dylan Live at the Budokan” (1978); pero sus preocupaciones por el matrimonio disuelto y la

“Blood on The Tracks” otro de sus grandes trabajos, surgido en una de las épocas más difíciles de su vida. 233

LA ERA DEL ROCK

anunciada disolución de The Band, con el famoso concierto que se hizo película “The Last Waltz” (1978) hicieron decaer nuevamente el espíritu de Dylan.

DYLAN CRISTIANO

Dylan durante el “Rolling Thunder Revue” de 1975.

En ese año de 1978 Bob tuvo un período de tal infelicidad que su compañera de entonces, una fanática de la new age, afirma que había llegado a considerar seriamente la posibilidad del suicidio. Algunos de los amigos y músicos de su banda se habían hecho cristianos, tras los excesos de los años sesenta y principios de los setenta, cuando muchos habían visto sus vidas arruinadas por

los abusos del alcohol y las drogas. Mary Alice Artes, que formaba parte de la “Comunidad de la Viña”, una pequeña iglesia evangélica en el valle de San Fernando de Los Angeles fue la persona clave en la transformación de Dylan, quien sólo encontró descanso espiritual y musical cuando se convierte al cristianismo en 1979. De su llamada “época espiritual” es la trilogía “Slow Train Coming” (1979), Saved (1980) y “Shot of Love” (1981) cargados de palabras bíblicas que Dylan tuvo la necesidad de transmitir. En una entrevista de 1980 Bob dice que había “nacido de nuevo”, aunque luego negará haber usado esta expresión alguna vez. A partir de ahí legiones de periodistas siguen a Dylan a la iglesia y a su casa. Según ha dicho él ahora, aquello resultaba tan embarazoso que fue una de las pocas veces en las que su fama se convirtió en un verdadero problema, especialmente para sus hijos. Aunque Dylan es judío, educado de ese modo, y confirmado en esa fe, en la que ha criado a sus hijos, la aceptación de Jesús como Mesías supone una verdadera conmoción para cualquier judío. Y a pesar de los rumores existentes, Souman dice que Bob nunca regresó al judaísmo, incluso después de alejarse de la iglesia. Su fe le empezó a inspirar canciones tan diferentes que pensó cedérselas a una de sus cantantes afroamericanas. “Slow Train Coming” es un disco que habla directamente de su nueva relación con Jesucristo, por lo que su siguiente álbum, “Saved”, tuvo una acogida mucho más discreta. Los ejecutivos de la compañía tuvieron largas discusiones, temiendo perder la mayoría de su audiencia. Antes de sus conciertos Bob oraba con sus músicos, tomados de la mano, en circulo. Vestido con su campera de cuero negra, parecía un cantante de rock, pero

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hablaba como un predicador. El público no sabía cómo reaccionar ante aquello. Pero Bob no parecía prestar mucha atención a aquellos que le interrumpían, aunque la controversia desatada superó con creces los días cuando electrificó su música a mediados de los sesenta. Porque aquello molestó “a los puristas del folk, pero la religión le molestaba a todo el mundo”. La mayoría de los críticos le ridiculizaron. Souman cree que “Bob creía de verdad lo que cantaba y, al final sufría por hacer pública su fe”. Por lo que “la conversión al cristianismo tuvo un efecto negativo en su carrera a largo plazo”. Con “Infidels” (1983) grabado con la participación de Mark Knopfler de Dire Straits, dejó atrás su período cristiano. Su imagen comenzó a ir en picada a pesar de excelentes temas como “I and I”, “Jokerman” y “Sweetheart Like You”. Ni sus siguientes discos, ni sus apariciones en vivo (en especial su participación en Live Aid de 1985), ni siquiera sus películas, pudieron devolverle a Dylan su gloria pasada.

tación. El material plasmaba la madurez creativa e interpretativa de Dylan con la calidad de “Blood on the Tracks”. En su incansable actividad, Dylan partició del macro festival celebrado en São Paulo en 1990 y tras la muerte de Roy Orbison, grabó The Travelling Willburys Volume III (1990). también partició activamente en una serie de grabaciones inéditas y raros “bootlegs”, para hacer las delicias de los coleccionistas. también lanza “Highway 61 Interactive” (1995) un innovador cd-rom con datos y temas poco conocidos de Bob. Una vez más Dylan apuesta por lo nuevo, lo que rompe los estándares, para ofrecer lo que mejor sabe hacer.

LA RECUPERACION Colaborando con Tom Petty & The Heartbreakers para una gira por Israel, Europa, Australia y Japón le dieron a Dylan nuevos bríos. Apareció entonces la gran recopilación “Biograph” (1985), salvando su honor y devolviendo la confianza a sus seguidores. también participó hacia fines de los 80 en varios conciertos con Grateful Dead. Se unió nuevamente a Tom Petty, para formar The Travelling Wilburys con George Harrison y Roy Orbison para grabar el disco “Handle With Care“ (1988). En 1989 su nombre pasó a formar parte del Rock and Roll Hall of Fame, coincidiendo con la grabación de “Oh Mercy!” (1989), con una dignísima acep235

LA ERA DEL ROCK

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CAPITULO 10

La Invasión británica

E

l título de este capítulo es una metáfora que se ha utilizado ampliamente para simbolizar un periodo en la historia del Rock que ha cambiado de forma radical la música hasta entonces escuchada; y digo música, porque la influencia de los grupos británicos de esta época es inmensa en casi todos los géneros, desde el folk hasta el rock e incluso me atrevo a decir, del blues. Es más, se creó todo un nuevo estilo, no era precisamente el rock and roll que todos conocíamos, no era blues, no era jazz, no era skiffle, pero tenía algo de todo eso... entonces... cómo lo llamaremos?, qué les parece... música beat?. Les parezca o no, así se dió en llamar, por lo menos en los primeros tiempos, el tipo de música que había surgido en el Mersey Side de Liverpool; más tarde se englobó todo como “pop inglés”, únicamente para diferenciarlo del sonido más “duro” de los rockeros de Londres. Este nuevo y maravilloso “golpe” era lo que le faltaba al rock and roll para salir de su adormecimiento, en el que las tiernas baladas y los rockeritos aguados lo habían sumergido. Para que el gigante se despierte necesitaba una avalancha acorde con su tamaño, y ahí estaban los Beatles, los Rolling Stones, los Animals y poco después The Who, los Kinks, John Mayall, The Small Faces, Them, los Yardbirds, Pink FLoyd, etc., etc. Una marea inatajable venida de la Gran Bretaña, que

arrasó con todo!. Los USA se defendieron como pudieron, pero terminaron por aceptar su dejadez y comenzar de nuevo, ¡y qué comienzo!. Al embate Beatles, Rollings, Animals, Who, respondieron con Beach Boys, The Doors, Grateful Dead, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, La masa Hippie y el Soul. El rock en la Gran Bretaña tenía más o menos tres divisiones grandes: la onda beat (más correctamente deberíamos decir, pop inglés, con los Beatles, Gerry & The Peacemakers, Dave Clark Five, etc.), la onda bla o de Rhythm & Blues (con los Rolling Stones, John Mayall, Animals, etc.) y la onda mod (con los Who, Kinks, Small Faces y otros) No es una división científica, pero al escuchar a estos grupos se nota una diferencia bastante apreciable en su sonido, letras, moda y hasta en su comportamiento en el escenario. Contar la historia de todos los grupos nos llevaría varios tomos, pues sólo en Liverpool en su mejor época llegó a existir más de 300 grupos más o menos reconocidos. Pero nos ocuparemos de los más recordados y por lo menos de nombrar a los que podamos. Cuando el embate Beatlemaníaco empezó, cada una de las grandes ciudades tenían sus conjuntos estrella. Con Londres como catalizador de los mejores. Pues allá iban los todos los que tenían alguna chance de sobresalir del montón.

Antes del embate del Rock and Roll, la fiebre del Skiffle durante los años 50 llevó a la mayoría de los niños y adolescentes británicos a entrar al mundo de la música, así como el country en los USA, casi siempre era practicado en las afueras de las grandes ciudades. Todo era una preparación para la avalancha durante los 60. 237

LA ERA DEL ROCK

The Beatles Los “Fabulous Four” que cambiaron el rock

“...seremos muy afortunados si duramos más de tres meses...” – Paul McCartney en 1963

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L

iverpool es una de esas típicas ciudades portuarias, de operarios, tabernas, marinos e inmigrantes. Ubicada en las márgenes del río Mersey, al noroeste de Inglaterra, próxima al océano y de cara a Irlanda; Liverpool fue fundada en el siglo 13 por el Rey John (nada que ver con Lennon) donde construyó un castillo e inició una aldea. Importante puerto, orgullo de la ciudad y principal atracción turística, por lo menos hasta los años 60, eran sus muelles, los mejor equipados del mundo, se extendían por 12 kilómetros a lo largo del Mersey. En 1957 cuando John Lennon hacía sus primeros pinitos con los Quarrymen, Liverpool tenía casi 790.000 habitantes. Lennon describía así su ciudad: “Eramos un montón de descendientes de irlandeses, negros, chinos, gente de todo tipo, como San Francisco, pero no

había nada extraordinario en Liverpool, no era una ciudad de Norteamérica”. Era una ciudad ensombrecida por una vida muy dura. Con todo, los habitantes siempre tenían buen humor, porque sufrian mucho. Están siempre haciendo chistes, son muy animados y Liverpool es casi una ciudad irlandesa. Fue aquí donde los irlandeses vinieron cuando hubo la gran hambruna; aquí los negros fueron abandonados o hiban a trabajar como esclavos. De repente la única cosa que un joven humilde podía hacer en Liverpool o en Londres, era tocar en una banda de Rock and Roll. Debido a problemas de distribución de discos y la programación radiofónica estatal, dominada por la BBC, el rok and roll tardaría unos años en atreavesar el Atlántico. Como ejemplo de la censura de la BBC tenemos a la canción “Woman

Love” de Gene Vincent que fue prohibida por ser considerada muy sugestiva; “Maybellene” de Chuck Berry, nunca fue transmitida porque hacía alusión a Cadillacs y Fords V8, lo que se consideraba como publicidad. Fue el movimiento Skiffle que dió al rock británico su sólida base de blues, a través de pioneros como Alexis Korner y John Mayall (nacidos entre 1928 y 1933), en cuyas bandas se iniciaron futuras superestrellas como Mick Jagger, Brian Jones, Keith Richards, Eric Clapton, Jack Bruce, etc. Cuando finalmente toda aquella música made in USA llegó, el rock and roll, rythm and blues, calypso, doo wop, country, etc., la juventud inglesa ya estaba embarcada en la gran aventura de los grupos musicales.

COMIENZO DE LA LEYENDA John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940, bajo las bombas alemanas que caían sobre Liverpool en plena Segunda Guerra Mundial. Cuando todavía era muy pequeño, su padre, de la marina mercante, abandonó a su familia; su madre Julia se volvió a casar y el pequeño John fue a vivir con su tía Mimí, quien no tenía hijos y que junto a su marido George, lo criaron como propio. De la tía Mimí era la famosa frase: “No tengo nada contra la música como un hobby, John, pero nunca ganarás dinero tocando la guitarra”. Desde chico John se destacó en las artes, escribía historias y las ilustraba él mismo. “Cuando tenía 12 años -decía Lennon- yo sabía que era un genio, pero nadie lo notaba, de todas formas no me importaba”. Esa actitud le ayudó a convertirse en todo un líder en su escuela de Quarry Bank. En 1953 su tío murió y su verdadera madre volvió a vivir con la tía Mimí y John. Ella le enseñó a tocar el banjo y así aprendió sus primeros acordes. Mimí y Julia le compraron entonces

su primera guitarra por 10 Libras. Durante la fiebre del skiffle, de entre más de 100 grupos, sólo en Liverpool, un grupo de adolescentes de la Liverpool Quarry Bank School liderados por John Lennon, comenzó a destacarse localmente. Ellos se hacían llamar los Quarrymen y uno de sus primeros shows lo realizaron en la feria anual de la iglesia St. Peter’s Church en Woolton. Hacia 1955, tradicionales canciones como “Cumberland Gap” y “Maggie May” recibieron un aire skiffle en la voz y guitarra del joven teddy boy. En 1958 su madre Julia moriría atropellada por un policía retirado, este evento lo marcó toda su vida además de dejarle una profunda rabia que remataba siempre que podía. Esta terrible pérdida lo acercó más a un joven amigo que había conocido no hacía mucho, por haber sufrido éste una pérdida similar, su nombre era Paul.

El pequeño John junto a su madre Julia, poco antes de su muerte. Sobre estas líneas la Tía Mimí quien crió a John como a su propio hijo bajo una clásica disciplina, no pudo dominar su espíritu rebelde, pero alentó sin embargo su vocación artística.

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The Quarrymen después de la salida de Pete Shotton. De izquierda a derecha: Collin Hanton, Paul McCartney, Len Garry, John Lennon y Eric Griffiths.

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James Paul McCartney vio la luz el 18 de junio de 1942. Era el primer hijo de un imigrante irlandés, Jim McCartney, que de día trabajaba como operario en una fábrica y de noche tocaba el piano en un grupo de jazz. Su madre Mary Mohin trabajaba en un hospital de Liverpool. Cuando la Guerra arreció la fábrica donde trabajaba Jim cerró y tuvieron que pasar muy duros momentos. A pesar de las privaciones, los padres de Paul y Michael (nacido dos años después) siempre trataron de darles lo mejor; Paul fue un excelente alumno de la Liverpool Institute, uno de los mejores y más grandes colegios de la ciudad. Al contrario que John Lennon, Paul no era muy aficionado a la música. Hacia 1955 la familia se mudó a un suburbio de Liverpool y su calidad de vida mejoró bastante. Pero la tragedia

apareció cuando a Mary le diagnosticaron cáncer de mama, muriendo cuando sólo tenía 45 años. Después de la muerte de su madre, Paul de 14 años, empeoró escolarmente y se refugió en la música, escuchando a Elvis, Everly Brothers, Eddie Cochran, etc., aprendiendo el sólo a tocar la guitarra. Su hermano contaba: “Al minuto que agarraba la guitarra, era el fin, estaba perdido, no tenía tiempo de comer o pensar en nada más, se ponía a tocar en el baño, en su pieza, en todos lados”. En el verano de 1957, Yvan Vaughan lo presentó a John Lennon y así conoció a los Quarrymen. Paul tocó para ellos y los dejó bastante impresionados; a la semana Pete Shotton lo invitó a formar parte del grupo. Luego de la entrada de Paul al grupo, los Quarrymen empezaron a tocar en todos los lugares que podían, bajo diferentes nombres y cambiando casi costantemente de baterista. Paul llevó un día a un amigo un año menor que él, que en palabras del propio John “sabía muchos más acordes que nosotros”, se trataba de George Harrison quien a partir de entonces formó parte de los Quarrymen, que para 1957 ya eran toda una institución local de la portuaria ciudad de Liverpool. George Harrison era el más joven del grupo, había nacido el 25 de febrero de 1943 y era el menor de los hijos del matrimonio del marinero Harold y la verdulera Louise. Era el único de los cuatro Beatles que venía de una familia numerosa y que tuvo una infancia “normal” y no tan dramática. No era un estudiante aplicado ni en la escuela Dovedale ni en la secundaria del Liverpool Institute. Cuando sus padres le trajeron una guitarra el no tardó en apasionarse y practicar todo el tiempo. Era aún un niño cuando formó parte del grupo “The Rebels” con quien debutó en un baile colegial. Con tan sólo 13 años, se incorporó a los Quarrymen, era

para entonces todo un rocker o como le decían en Inglaterra un “teddy boy”, con sus cabellos a lo Marlon Brando y camisa negra, escuchando a Little Richard y Duane Eddy. El 7 de junio de 1940 nacía el que sería el mayor de los cuatro de Liverpool: Richard Starkey, creció en un pobre barrio conocido como el “valle de las sombras”. Pasó una dura niñez, débil y mal alimentado pasó muchos años en el hospital por diversas afecciones. Su padre también lo abandonó a él y su madre cuando sólo tenía 3 años, dejándolos en el desamparo total. Con tantas entradas y salidas del hospital apenas aprendió a leer recién a los 8 años. Cuando cumplió 11, su madre se volvió a casar con un hombre bueno y tolerante, del cual Richard siempre tuvo buenos recuerdos. A los 15 años, después de una nueva internación y sin haber terminado la escuela, tuvo que ponerse a trabajar. Empezó como empleado del ferryboat, luego trabajó en un taller, fue lavacopas y mozo en uno de los tantos bares del puerto. Sus grandes problemas sinembargo nunca le afectaron su buen humor, siempre tenía un chiste y una

sonrisa, aunque muchas veces se lo vea solitario y pensativo. Debido a que le gustaba usar anillos, a veces uno en cada dedo, sus amigos lo llamaban “rings” (anillos). Otra de sus pasiones, era la batería, aunque nunca fue buen alumno de música. Su padrastro le compró una de segunda mano y así comenzó a integrarse a cuanto grupo se aparecía para invitarlo. En ese tiempo tener una batería era medio camino andado para entrar en un grupo. Después de una breve estadía en el Eddie Clayton Skiffle Group pasó a los Raving Texans, que acabaron transformándose en los Rory Storm and The Hurricanes. Como el grupo tocaba canciones vaqueras, Richard cambió su nombre a “Ringo” y su apellido “Starr” referencia probable a la estrella del sherif y a su propio estrellato. Con el embate blo, Ringo también se dejó llevar por la música negra, su gran ídolo era Lightning Hopkins, un bluesman de Houston, Texas. A tal punto era su pasión que quiso ir a vivir a esa ciudad, junto a un amigo fue al consulado americano de donde regresó cargado de folletos y formularios, en ese momento si querías radicarte en los USA tenías que tener un empleo concreto y llenar una serie de requisitos; él mismo

El pequeño Richard Starkey siempre fue atraído por la música, pero sus constantes y graves problemas de salud no le permitieron tener buenos estudios.

The Quarrymen en 1958 con George Harrison plenamente incorporado.

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recuerda: “Toda esa pila de papeles era para saber si tu perrita simpatizaba con los comunistas, yo no conseguía entender todas esas preguntas, si no me hubiese ido sin dudar”.

DE MOONDOGS A BEETLES

Los Beatles con Stuart “Stu” Sutcliffe como bajista y Johnny Hutchinson en la batería durante las sesiones de prueba para el productor Larry Parnes en 1960. A Stuart no le interesaba la música más que como una experimentación, su verdadera pasión eran las bellas artes. Pero ayudó a la consolidación del grupo.

Cuando Pete Shotton dejó a los Quarrymen, el grupo se quedó definitivamente con George como guitarra solista y John y Paul como guitarras rítmicas. Los Quarrymen eventualemente cambiaron su estilo skiffle por el más de moda rock and roll, por lo que, ansiosos de dejar atrás sus origenes colegiales, cambiaron su nombre a The Moondogs y luego a Johnny and The Moondogs. Por sus dotes artísticas, un maestro le consiguió a John Lennon una beca para un colegio de bellas artes, donde conoció a Stuart “Stu” Sutcliffe, que sería una gran influencia para el grupo a pesar de que no le interesaba la música. John lo invitó a tocar el bajo, el no era muy entusiasta pero como todo bohemio le gustaba experimentar la vida de artista. Con Stuart al bajo y con un baterista amigo, participaron en un concurso musical para nuevos talentos, organizado por el músico Carrol Lewis, que se

extendía a todo el país. En cada ciudad se realizaba una preselección para participar en las finales en Manchester. Los Moondogs fueron ganando todas las rondas hasta llegar a la final representando a Liverpool. A pesar del esfuerzo y las esperanzas no llegaron a tocar debido a la malísima organización y la desacertada dirección a los muchos grupos. Esa mala experiencia no menguó el ánimo de los muchachos que ya veían que dejarían la escuela definitivamente para dedicarse de lleno a la música. El único que realmente se interesaba en los estudios era “Stu”, pero sin embargo, se dice que fue él quien sugirió el nombre de “Beetles” (escarabajos) a John Lennon por su similitud con los Crickets (grillos), el grupo de Buddy Holly a quien todos adoraban. John solía contar más tarde que el nombre para el grupo le vino en un sueño y decidió cambiar el nombre a “Beatles” haciendo un juego de palabras con la música beat y probablemente haciendo alusión también a los beatniks, de moda en ese momento. Pero el nombre era muy corto para la época, por lo que un empresario, dueño del club nocturno “Jacaranda” donde solían presentarse, escogió para el grupo el nombre “Long John and The Silver Beetles” inspirado en la película la Isla del Tesoro. Como a Lennon realmente le molestaba que lo llamaran “Long John” finalmente se quedaron con “The Silver Beatles”. Sin embargo, el grupo ganó fama en Liverpool simplemente como The Beatles, tocando en el famoso “Cavern Club” una ratonera que se volvió el punto de encuentro de los jóvenes iradores de la nueva música.

PRIMERAS OPORTUNIDADES El puerto de Liverpool para fines de los años 50, tenía una agitada vida musical, con clubes donde tocaban hasta seis 242

grupos por noche. Los carteles anunciaban claramente el tipo de música que a la gente le gustaba escuchar, lejos de la formula popular y de los grandes salones de baile del resto del país. Este puerto era uno de los mayores y más movidos puertos de la Gran Bretaña, los habitantes de Liverpool tenían a una corriente de discos importados que venían constantemente de los USA. Casi todos tenían algún hermano o primo “Cunard Yank”, marino que trabajaba en los barcos mercantes que iban y venían por el Atlántico. Así que era relativamente fácil conseguir discos que no podrían conseguir en ninguna otra parte del país. La escena musical de Liverpool hacía alarde de una gran cantidad de grupos; estos conseguían un disco, practicaban las canciones, le ponían su estilo y lo tocaban al día siguiente. Por supuesto, la mayoría de la gente pensaba que eran temas originales de la banda. Por causa de la gran cantidad de grupos muy buenos y conocedores del rock americano, Billy Fury retornó a Liverpool en busca de un grupo que tocara con él en un tour. Su manager Larry Parnes consiguió dar con uno de los más conocidos grupos del momento, “The Beatles”, por entonces con Stuart Sutcliffe en el bajo. Aún así todavía no tenían un baterista permanente, pero para esa ocasión contaron con la ayuda de Johnny Hutchinson que pertenecía a un grupo llamado The Big Three. Justamente esa indiferencia por el baterista fue lo que más le impresionó a Billy Fury de los Beatles en ese momento. El cantante sugirió a Parnes que contratara a la banda para el tour pagándoles 100 libras a la semana, pero, pocas cosas se le escapan a Parnes, el se fijó que Sutcliffe era bastante inadecuado como bajista, la banda sería contratada pero con la condición de que lo cambiaran. Lennon contestó con la arrogancia que le es propia diciendo que “todos los

Beatles irían o ninguno”, Parnes se quedó con esto último. Pero sólo una semana después, Parnes contrató a la banda para acompañar a otro de sus cantantes, Johnny Gentle, para un tour por Escocia. Para esta primera probadita de la vida “on the road”, los Beetles recibieron 5 libras por semana cada uno, excepto Stu, quien no recibiría nada. Así que sus compañeros pusieron de su dinero para incluirlo en el tour. Era un perfecto ejemplo de la camaradería que reinaría en el grupo a lo largo de su carrera, y que les ayudaría a soportar las experiencias y presiones de los años que vendrían.

Arriba, Billy Fury junto a Larry Parnes durante la búsqueda del grupo que lo acompañaría en un tour por Inglaterra. En la foto de abajo se ve a Stu tocando de espaldas, porque no quería hacer tan evidente que no daba una en el bajo.

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LA ERA DEL ROCK

Arriba vemos al cantante escocés Johnny Gentle, con quien los Beatles hicieron su primera mini-gira como músicos acompañantes.

Los Quarrymen en el Casbah Club en 1959.

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Hacia 1960, los Beatles ya eran bastante conocidos en el círculo de bares y pubs de Liverpool, como el Jacaranda, el Casbah y The Cavern. Precisamente en el Casbah, un gran sótano convertido en club, es donde conocen a Pete Best, un baterista conocido ya en el emergente hámbito “beat” especialmente por su buena apariencia al estilo James Dean, pero también porque su madre era dueña del club. Finalmente los Beatles se quedan con un baterista estable y también con su primer manager, Alan Williams, dueño del Jacaranda, quien tenía muchos os en Liverpool y consiguió llevarse al grupo a tocar a otro gran puerto, Hamburgo (Alemania), donde los Beatles establecerían algo de su duradero y sórdido mito. La dura temporada que pasaron en el Star Club, que para esa época era un tugurio frecuentado por marineros, prostitutas y gente de mal vivir, obligaron al grupo a expandirse en muchos aspectos. Hasta ese tiempo, ellos solían tocar en actuaciones de media hora, pero en Hamburgo se vieron obligados a tocar

durante 8 horas de seguido. Estas maratónicas sesiones tuvieron sus repercusiones en el grupo, con canciones que se extendían por 20 aburridos minutos, costaba mantener la compostura en escena, por lo que solían recurrir a pastillas y alcohol. En ocasiones, sobre todo John, con su anárquico y surrealístico humor, solía insultar a su “público” y hacer todo tipo de payasadas como aparecer en escena con una tapa de water al cuello. Es que aquella turba que cada vez pedía “Mach Schau!” (¡más show o más fuerte, más salvaje!) llegaba a ser exasperante. Fue en esas circunstancias que un pequeño grupo de estudiantes alemanes de arte, incluyendo a Klaus Voorman y su amigovia Astrid Kirchher conocieron y se hicieron amigos de estos raros rockers ingleses imbuídos en sus trajes de cuero negro. Stu Sutcliffe y Astrid se enamoraron y eventualmente él dejó la banda para vivir con ella en Hamburgo y proseguir su carrera de artísta plástico, esta imprevista partida de Stuart dejó definitivamente a McCartney como bajista del grupo. Astrid, que era fotógrafa, hizo las famosas fotos que ilustran estas páginas e influyó al grupo hacia un estilo bohemio y “moderno”, además de pasarles el típico corte de pelo que les hizo famosos años después. En el Kaiserkeller su trabajo fue todavía más duro, llegando a tocar incluso durante 12 horas por noche. “tu garganta comenzaba a dolerte de tanto cantar” decía Lennon. Los Beatles comenzaron a experimentar con drogas, no por recreación, sino para poder permanecer despiertos y alertas. Todas las bandas locales usaban pildoras anfetaminas, para estimularlos durante toda la noche de trabajo. La joven banda (Stuart era el más viejo con 20 años) rápidamente se endureció en Hamburgo, rodeados por mujeres fáciles, bebidas por litros y sin ningún padre que les diga que no a nada. Cuando otro

promotor local convenció a la banda de dejar su contrato con Bruno Koschmider del Kaiserkeller para tocar en el Top Ten Club, Koschmider descubrió que Harrison sólo tenía 17 años, demasiado joven para estar en un club alemán a medianoche. El los despidió para que dejaran Hamburgo. Unos días después cuando Sutcliffe y McCartney retornaban a la pensión a buscar algunas pertenencias, Koschmider los mandó arrestar y deportar. Pero no todo fue negativo para los muchachos en Hamburgo, allí pudieron desarrollar su propio estilo, salirse bastante de lo que todos hacían en Liverpool o en Londres, donde estaba de moda un rock más aguado, las estrellas adolescentes o los grupos instrumentales como Cliff Richards o los Shadows. Llegaron a hacer estrellas locales en Hamburgo y se paseaban por los clubes de “onda” como el Star Club, el Indra o el Kaiserkeller. Fue aquí donde entablaron o con Rory

Storm & The Hurricanes y en especial con Ringo Starr al cual solían emplear como baterista además de Pete. Justamente el bajista de los Hurricanes Lou Walters, llegó a grabar un disco amateur con Lennon, McCartney y Harrison, llevando al baterista de su grupo Richard “Ringo” Starkey. Realizaron un simple en una pequeña caseta cerca de la estación de trenes de Hamburgo, esta es la verdadera primera grabación de los cuatro de Liverpool, pero desafortunadamente sólo se conoce una copia sobreviviente.

Esta foto tomada en Hamburgo por Astrid Kirchher es ya clásica; de izquierda a derecha: Pete Best, George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Stuart Sutcliffe. Abajo: Astrid y Stuart.

DE VUELTA AL MERSEYSIDE Cuando Los Beatles retornaron a Liverpool había una sensación de cambio en el aire, no tanto en el ámbito musical nacional, sino más bien un sentimiento de que el “golpe” (beat) de los grupos del Merseyside habían consolidado su 245

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Ringo tocaba la batería en la banda de Rory Storm and The Hurricanes los cuales eran compinches con los Beatles y ambos se convirtieron en bandas muy populares en Hamburgo, donde solían compartir músicos y escenario.

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propio sonido sólidamente diferente de lo que había en toda la Gran Bretaña; apareció entonces una nueva revista musical semanal llamada “Mersey Beat” para remarcarlo. Aún así las bandas locales de ese momento no superaban el hecho de que hacían música para el baile, pero cuando los Beatles hicieron su actuación en el Litherland Town Hall de Liverpool el 27 de Diciembre de 1960 algo se movió. Ellos eran anunciados como “directamente de Hamburgo” para darles un aire de internacionalidad. El promotor Brian Kelly no podía creer cuando veía a docenas de chicas gritar enloquecidas y dejar de bailar para juntarse a los pies del escenario y ver a la banda de cerca. Kelly contrató a los Beatles por otras 36 actuaciones más, lo que consolidó la fama de la banda a lo largo del Merseyside. Uno de los clubs que más fama tuvo gracias a los Beatles fue The Cavern, que antes de eso era netamente un club de jazz frecuentado por artistas e intelectuales. Los Beatles habían actuado tres años antes como los Quarrymen, pero en febrero de 1961 volvieron a

presentarse con su nuevo look y ante nuevos clientes, ávidos de buen y duro rock and roll. El show era tan salvaje y variado como lo hacían en Hamburgo, combinando canciones compuestas por Lennon y McCartney además de éxitos de rock and roll pero con el tratamiento de la ronca garganta de Paul, como el Hippy Hippy Shake, que era su favorita y que todavía no se había escuchado en Gran Bretaña. La fama que consiguieron logró que recibieran de nuevo la invitación para ir a tocar al Top Ten Club de Hamburgo. Stuart Sutcliffe todavía estaba con ellos pero ya estaba cansado de todo esto y quería dedicarse a seguir sus estudios de arte; aún así volvió con los muchachos a Hamburgo pero con la intención de quedarse a vivir con su novia Astrid. En esta nueva visita al puerto de Hamburgo los Beatles trabajaron más duro que nunca, alternando con otras bandas británicas y liderados por el vocalista Tony Sheridan. Esta vez dormían en el ático del club que no era precisamente el Hilton, pero mucho mejor que los lugares donde habían estado antes.

Lennon y McCartney ya habían compuesto cientos de canciones desde que se conocieron, pero nunca habían hecho una grabación profesional hasta su regreso a Hamburgo. Hicieron una versión del tema “My Bonnie Lies Over The Ocean” presentando al vocalista Tony Sheridan, que era una de las grandes estrellas locales. En este LP grabado para el sello Polydor en 1961, incluía dos temas propios, “Ain’t She Sweet” un viejo tema de los Quarrymen y un tema instrumental compuesto por Harrison “Cry For A Shadow”. El disco llegó al Top 10 en Alemania y sus ecos cruzaron el canal hasta Liverpool. Cuando los Beatles volvieron a su ciudad en Junio de 1961, Stuart se quedó definitivamente para casarse con Astrid y proseguir sus estudios.

EPSTEIN A ESCENA Hay varios ingredientes que se necesitan para que una banda tenga verdadero éxito, obviamente la energía y el talento de los artistas, pero también necesitan de personas que los dirijan y les hagan dar lo mejor. Los Beatles tuvieron mucha suerte en ese aspecto, primero su manager Brian Epstein y después su productor musical George Martin. De acuerdo a su autobiografía, Brian Epstein tenía 27 años cuando hizo su visita a The Cavern en Noviembre de 1961 por pura curiosidad, ya que era dueño de una tienda de discos en Liverpool y había recibido muchos pedidos de discos de un grupo que venía de Hamburgo. Epstein era regular contribuyente de la revista Mersey Beat, pero no le interesaba el rock and roll; hasta que ese día viendo actuar a los Beatles cambió de idea. Tiempo después dijo: “Ellos vestían en la manera más atractiva y atrevida posible, con sus chaquetas de cuero y vaqueros negros, su pelo largo, por supuesto, y una unidad en escena magní-

fica; tenían una magia y una presencia especial, sea lo que sea, ellos lo tenían”. Vaya uno a saber que cuernos vió un correcto comerciante de clase media-alta como Epstein en una andrajosa banda de rock and roll. En una típica puesta en escena en The Cavern, los Beatles solían beber, comer, fumar y a veces se daban vuelta del público y tocaban para ellos mismos o para alguna chica que les invitaba a casa. Epstein se llegó a los muchachos y les habló de las ventajas de tener un manager que se preocupe por sus actuaciones, les prometió mejores contratos de actuación y de grabación con grandes compañías disqueras. En otras palabras, él los haría realmente famosos. La reacción fue típica: palabras corteses de McCartney, irreverencia de Lennon y excepticismo del resto de la banda. Aún así decidieron darle a Epstein una chance.

El LP y el single My Bonnie donde figura Tony Sheridan con los “Beat Brothers”, fue la primera grabación profesional que los Beatles hicieron en Hamburgo en 1961 bajo el sello Polydor.

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Los Beatles actuaron en casi todos los clubes nocturnos de Liverpool, pero fue The Cavern donde su fama se consolidó después de volver de Hamburgo y además fue ahí donde Brian Epstein los descubre y les hace la oferta de manejarlos.

Así fue como el grupo fue a su primera audición para el mayor sello discográfico de la época Decca Records A&R el día de año nuevo de 1962, gracias a un amigo del flamante manager. En una sesión de una hora grabaron 15 temas para demostrar su versatilidad, hicieron rock and roll, baladas y éxitos del momento, además de tres canciones propias: “Hello Little Girl”, “Like Dreamers Do” y “Love of the Loved”. El grupo no convenció y les apuraron para dar lugar a otro grupo con un estilo más “pop”, que ganó fama más tarde, llamado los Tremeloes.

ESTA ES LA “VENCIDA” En febrero de 1962 el Mersey Beat publicó su “Top Poll” y los Beatles fueron claramente vencedores, al día siguiente de la publicación Epstein persuadió a Polydor de Inglaterra a que publicara el LP “My Bonnie Lies Over The Ocean” como Tony Sheridan & The Beatles. En las oficinas de la nueva NEMS Enterpri-

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ses de Brian Epstein, los Beatles firmaban un contrato para dejar en claro y limpiamente su asesoría por propia insistencia de Brian. El les pidió que “limpiaran” sus actuaciones, que cambien sus actitudes en escena, que sean más astutos y puntuales, que no actuaran por más de 60 minutos por vez, etc. Pero allí llegaría la noticia de que Decca prefirió a los Tremeloes. Esta fue la primera falla de Epstein como manager, provocando una gran desilusión en los muchachos. Indignado volvió a Londres para pedir una audición con Parlophone Records donde regentaba el otro hombre que sería la mayor influencia para el crecimiento artístico del grupo, George Martin. Martin era un músico clásico profesional, que se dedicaba a grabar y producir discos populares y de humoristas como Peter Sellers y Peter Ustinov. Pero cuando Epstein le hizo escuchar las grabaciones que hicieron en Decca, George sintió algo prometedor. Cuando él conoció a los chicos en junio de 1962, instantáneamente vió su “charming”, cuando los muchachos tocaron su primera sesión

en los estudios de Abbey Road en Londres pensaron que ya tenían un contrato. Pero Martin pensaba que el grupo aún no estaba listo, no le convencía del todo el baterista Pete Best. Mientras esto ocurría los Beatles empezaban a presentarse con su nuevo “look” en sus primeros shows grandes y mejor pagados, además de una primera sesión en los estudios de la BBC. En abril de 1962 recibieron la triste noticia del fallecimiento de su amigo Stuart Sutcliffe de una hemorragia cerebral, sólo tenía 21 años. A pesar de la depresión de la pérdida, Epstein agendó más presentaciones para los Beatles en una serie de giras por diversos salones de baile además de una segunda sesión con la radio de la BBC.

SE VIENEN CAMBIOS Pete Best era el más popular de la banda en Liverpool, pero él no compartía el temperamento y la habilidad de los otros ; cuando él permanecía como músico amateur, los otros se convertían en profesionales; Pete se sentía alejado de la exuberancia del grupo, incluso se negaba a cambiar su estilo de pelo; pero aún así siguió tocando con ellos en su propia casa, el Casbah Club en varias ocasiones. Brian Epstein se encargó de la inevitable tarea de decirle que salga de la banda en agosto de 1962. Poco después los muchachos le extendieron una oferta a su viejo amigo Ringo Starr para que se uniera a la banda. Pero este cambio no fue bien recibido por los fans, que interrumpían las presentaciones en el Cavern con gritos de “Pete is best!” o “Pete Best forever, Ringo never!”. Agosto fue un mes de disgustos, una noche George Harrison aparece con el ojo morado, resulta de un fan poco conforme con el cambio y John Lennon deja embarazada a su novia de secundaria Cynthia Powell, que obedeciendo a la

tradición, los dos se casan en un juzgado del centro de Liverpool, en una sigilosa ceremonia. Resulta que el encanto de los Beatles era que los cuatro eran jóvenes y solteros y sus fans adolescentes jamás itirían la idea de ver alguno de ellos casado. Así por mucho tiempo, Cynthia fue una especie de “novia fantasma”, siempre escondida para no dañar la imagen del grupo. Con su nuevo baterista, volvieron a los estudios de Parlophone para grabar su primer single. Hicieron “Love me Do” donde John se lució con la armónica, “P.S. I Love You”, “Ask mme Why”, “Hello Little Girl”, “Besame Mucho” (¡en español!). Martin escogió las dos primeras para sacar el single de ahí a 3 meses, pero todavía no estaba convencido con el sonido del grupo. Finalmente el 11 de setiembre, en los estudios de la EMI en Abbey Road, los Beatles hacían su primera grabación oficial de los cuatro juntos. Aún así, todavía bajo los efectos del síndrome “Pete Best”, para Ringo la gra-

Con su nuevo “look” los Beatles comenzaron una nueva etapa que volvería a dar un vuelco con la salida de Pete Best. Este hecho fue criticado por la prensa musical y por muchos fans, en especial las femeninas.

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John Lennon y Cynthia Powell se casaron en agosto de 1962 en una sigilosa ceremonia, para no “espantar” el naciente éxito del grupo.

Abajo vemos a los Beatles, ya con Ringo en la batería, tocando en The Cavern en uno de sus tantos shows realizados allí. Estas escenas aparecen en una película que iba ser rodada en vivo, pero se suspendió por la malísima lumínica. Aún así esas imágenes se quedaron y hoy son pieza de culto.

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bación fue un infierno. Cuando llegó al estudio se dio cuenta de que había otro baterista esperando para tocar, contratado por George Martin. Este consideraba a Ringo un baterista más para bailes y prefería grabar con un músico más experimentado y profesional, Andy White. De esta vez, “Lome me Do” agradó más al exigente productor, gracias a un riff que John tocó con una armónica. A la hora de grabar la parte instrumental de la canción, Martin puso a Ringo a tocar la pandereta. El quedó tan arrasado que Martin decidió darle igual una oportunidad para tocar la batería: grabaría dos versiones, una con Ringo y otra con Andy. La mejor saldría en el disco. Pero harían falta 17 tomas más hasta que George quedara satisfecho, a estas alturas John ya estaba con la boca entumecida de tanto tocar la armónica. Semanas después, en una reunión de directivos de la EMI, George Martin anunció que lanzaría el single de los Beatles. Los directivos se mofaron diciendo si no eran otros de sus comediantes, pero George garantizó que esto iba en serio, que estos cuatro muchachos darían mucho que hablar. El disco salió el 4 de octubre y Ringo se quedó con el crédito de la batería en el lado B con la canción

“P.S. I Love You” aunque sólo tocó las maracas. En compensación, la versión escogida para el lado principal “Lome me Do” fue su versión. El disco fue arrancado de las tiendas en Liverpool, pero no fue así en el resto del país. La propia EMI no hizo mucho por promocionarlo. Brian Epstein no estaba dispuesto a comerse otro fracaso, asi que ordenó 10.000 copias de Love me Do para su propia tienda. Era necesario para colocar al disco en la lista de éxitos de los primeros 20. Por su lado, George Martin intentaba llevar adelante el proyecto Beatles: “no hallé Love me Do particularmente brillante, pero quedé entusiasmado con la reacción del público. Lo que necesitabamos ahora era un segundo buen disco para los Beatles”. Martin había encontrado una canción que en su opinión, tenía todo para explotar en las listas, “How Do You Do It”. El 26 de noviembre los Beatles estaban nuevamente por Abbey Road, pero rehusaron solemnemente cantar esa canción. Martin irritado, retrucó a los muchachos diciendo que cuando puedan componer canciones tan buenas como estas el los

grabaría sin problemas. Los Beatles finalmente accedieron con la condición de que pudieran cantar una composición propia “Please Please Me”. “How Do You Do It” era una buena canción, pero fue la versión grabada por Gerry and The Peacemakers (otro grupo también manejado por Epstein) la que llegó al número uno en las listas. Pero Please Please Me era también un suceso potencial. Como la primera versión era muy rápida y muy corta, George sugirió hacer una introducción de armónica por John y una repetición del coro al final. A pesar de toda la discusión que antecedió a la sesión, George Martin no pudo ocultar su satisfacción cuando los Beatles terminaron la canción, apretó en botoncito de comunicación de la cabina y dijo: “Muchachos acaban de grabar su primer hit”. Ya no había vuelta que dar, lanzado en enero de 1963, “Please Please Me” consiguió lo que “Love Me Do” no pudo: elevó a los Beatles al tope de las listas de éxito y desencadenó el inicio de la “Beatlemanía”. En ese momento empezaron sus apariciones en TV, los Beatles aparecieron en el show “Thank you Lucky Stars”, un popular programa de los sábados por

la noche en enero de 1963 fue su mayor exposición en el medio británico. Los periódicos y la radio estaban bien, pero nada era completo sin el poder de la TV, y los ingleses nunca habían visto nada como los Beatles antes; capturaron a la juventud completamente. Comenzaron a escuchrase presentaciones como: “...y ahora, tenemos a cuatro jóvenes músicos venidos de Liverpool...” (empiezan a escucharse gritos de la audiencia) “... llamados John, Paul, George y Ringo...” (aumentan los gritos, tapando casi por completo la voz del presentador) “The Beatles!”. Desde ahí los Fab Four serían conocidos simplemente como “John, Paul, George y Ringo”.

George Martin, era productor de la EMI y se conocía todos los detalles de la profesión. Aprendió piano de oído y ya a los 16 años lideraba una banda colegial. Después de la Guerra, salió como teniente y sin empleo. Prosiguió sus estudios musicales y fue contratado para la división de jazz de la Parlophone en 1950. Poco a poco fue haciendose de nombre en el medio e hizo de todo hasta que le llegó el rock and roll de la mano de los Beatles.

ESTALLA LA BEATLEMANIA Mientras “Please” todavía figuraba entre los más vendidos de los últimos seis meses, los Beatles siguieron lanzando otros éxitos: “From Me To You”, “She Loves You” (con el famoso yeah, yeah, yeah! o como se decía por latinoamérica el yé yé) y “I Want To Hold Your Hand”. En marzo del 63 se lanza el primer álbum “Please Please Me” y se convirtió 251

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La Televisión lanzó la Beatlemanía a niveles insospechados. Los Fab Four con sus correctos trajes y pelo “larguísimo” para la época conquistó a la juventud inglesa desde el primer momento. Nunca antes habían visto u oído algo parecido. El rock ya no sería igual nunca más.

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en el álbum más vendido de Inglaterra durante 30 semanas hasta que fue desbancado en noviembre por el segundo álbum “With the Beatles”. Mientras tanto Brian Epstein ya tenía montada su nueva oficina en Londres y representaba a una serie de nuevas estrellas, como Gerry and The Peacemakers, Billy J Kramer and The Dakotas, Cilla Black, etc. En agosto de 1963 nace en Liverpool el primer hijo de John, Julian Lennon. Los Beatles seguían de gira y tocando

también en el Cavern pero con mucha más popularidad. Mientras tanto Epstein con la Gran Bretaña conquistada, la mira ahora estaba puesta en los Estados Unidos. No logra que Capitol Records publicite sus primeros hits, aunque hubieran sido enormes éxitos en Inglaterra, pero en febrero de 1964 “I Want To Hold Your Hand” se convierte en número 1 en los USA, esto hace que Capitol se convenza y comience una gran campaña publicitaria y de merchandising para traer a los Beatles. Una su-

cesión de singles de los Beatles monopolizan los primeros lugares en los charts durante 3 meses. Su tour debut en los Estados Unidos, con un recibimiento nunca antes visto, empezó en Washington el 11 de febrero. En Abril durante una semana, los singles “Can’t Buy Me Love”, “Twist and Shout”, “She Loves You”, “I Want to Hold Your Hand” y “Please Please Me” coparon los cinco primeros lugares de las listas de Billboard. Y los dos primeros álbumes conseguían los dos primeros puestos. Al día siguiente de su arribo actúan en el programa de TV de Ed Sullivan, se contabilizó un total de 70 millones de televidentes esa noche y se dice que aún los índices de criminalidad bajaron. Todos querían ver a los Beatles, hasta los delincuentes!. A su regreso a Inglaterra otra tuba de chicas gritonas les esperaban de su triunfal conquista, fueron directo a los estudios Abbey Road y de ahí al set donde realizarían su primera película. En junio del 64 comenzaba su primer tour mundial, como Ringo se enfermó no pudo acompañarles al principio, fue remplazado por el baterista Andy White, pero se reunió con ellos en Melbourne Australia tras su recuperación, aunque él pensaba que ya no lo querían, tuvo un gran y emotivo recibimiento. En julio se lanza la película, “A Hard Days Night” dirigida por

Richard Lester, acompañado de su inevitable álbumñ la película no fue un simple muestrario de canciones, sino que reveló a los cuatro muchachos como brillantes comediantes al más puro estilo de los Hermanos Marx. En agosto ante 200.000 personas se hace una premier de la película, ante la Reina de Inglaterra. John Lennon lanza entonces su libro de historias, poemas y dibujos hechos por él mismo, éste inevitablemente se convierte en un best-seller, no había nada que un Beatle no podía hacer. En agosto, la Beatlemanía arrasa los USA durante su segundo tour por 23 ciudades más otra aparición en el Ed Sullivan Show. La locura ya era incontrolable, llegando al extremo de lo ridículo; todo lo que tenía la imagen de los Fab Four se vendía como agua, en Kansas City, se les pagó 150.000 dólares por una actuación, una suma sin precedentes. De vuelta en Inglaterra la Parlophone les exigía sacar un single y un album antes de la navidad; inmediatamente se pusieron a trabajar

En febrero de 1964 los Beatles invaderon los USA, coparon los primeros lugares en las listas de éxito por semanas y sus shows a lleno total inauguraron una era que no se veía desde los mejores tiempos de Elvis. A su arribo al aeropuerto John F. Kennedy de New York 3.000 fans y un ejército de periodistas los estaban esperando. Con su chispeante buen humor conquistaron a la prensa. Todavía estaba lejos la guerra con los medios. Su aparición en el Show de Ed Sullivan capturó la atención de 70 millones de televidentes y de la juventud de los USA.

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en agotadoras sesiones, rodeadas de presentaciones en vivo. En noviembre sale “Beatles for Sale” donde presentan un trabajo diferente de las canciones “yé yé” que eran su marca. Para 1965 ya tenían lista su segunda película “Help!” que se lanzaría en julio. Richard Lester decidió hacerla en

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colores y alejarse de los sombríos escenarios que caracterizaban a las películas inglesas. La trama se desarrolla a través de espías, religiosos, gangsters, etc. que quieren apoderarse del anillo mágico de Ringo, se filma en los más exóticos lugares y situaciones. El filme dió a los fans 7 nuevas canciones que se unieron a otras 7 en el LP “Help!”. De este disco es el tema “Yesterday” donde se luce la voz de Paul con un acompañamiento de cuerdas dirigida por George Martin, quien sugirió hacerla así a pesar de que no era una típica “canción Beatle” fue un gran éxito y sigue siendo una de las más recordadas. En junio del 65 se anuncia que los Beatles serán premiados con la medalla MBE (Most Excellent Member of the British Empire) en el cumpleaños de la reina. Por supuesto causó revuelo y muchos veteranos de la guerra devolvieron indignados sus medallas. Luego de un pequeño tour por Europa sin gran notoriedad retornaron a los USA en agosto, donde tuvieron que actuar en el estadio de baseball Shea Stadium de New York, para más de 55.000 personas, así se inauguraba una nueva forma de presentaciones para grupos pop.

El contrato con la disquera obligaba a los Beatles a lanzar un nuevo album para navidad, así vino “Rubber Soul”, un album más tranquilo e introspectivo, alejado de las típicas cancioncillas adolescentes, donde se notan las experiencias de John con el “acido” (LSD) y la sitar hindú de George Harrison que la había descubierto durante la filmación de Help!. John lanza un segundo libro, mientras Paul se dedica de lleno a “vivir en la aristocracia londinense” junto a su novia, la modelo Jane Asher. Ringo por su parte se preocupaba de gozar de los frutos de su esfuerzo. Hacia fines de 1965 hicieron una pequeña gira por su patria sin pensar que esa sería la última. Pero sus compromisos hechos de antemano les llevaron por un tour asiático, en Japón se presentan ante 10.000 personas en el Budokan y en las Filipinas tuvieron que salir “volando” literalmente, ante la furia de todo un país, debido a que la entonces presidenta Imelda Marcos había preparado una recepción para los Fab Four, que como estaban muy agotados se excusaron de aparecer.

LOS NUEVOS MESIAS En una entrevista realizada para el London Evening Standard, John fue cuestionado por sus comentarios de el declive de la civilización occidental cristiana, el respondió al más puro estilo Lennon, “el cristianismo se irá, se desvanecerá, no necesito probarlo, en este momento somos más populares que Jesús”. Dentro de la gran masa de comentarios típicos de la época y cultura británica esos comentarios pasaron de largo, pero cuando una revista juvenil transcribió la entrevista en los USA, tuvo una reacción totalmente diferente. En masa se volcaron a quemar discos, fotografías y hacer demostraciones violentas, sobre todo contra John Lennon, esto ocurría ma-

yormente en los estados del sur como Alabama y dentro de grupos como el Ku Klux Klan. Aterrorizado de lo que podía pasarle a los muchachos, Brian Epstein llamó a una conferencia de prensa para explicar los ácidos comentarios de su pupilo. Aún así la fama de los Beatles se vio apenas afectada y siguieron haciendo conciertos por todo el país; pero se daban cuenta de que la masa les abrumaba, no se escuchaba la música de tanto griterío y demostraciones de histeria. Esto molestó bastante a los chicos, que en un momento dijeron que los usaban como escusa para armar líos en lugar de ir a disfrutar de la música. Además querían más tiempo para dedicarse a sus álbumes y experimentar con nuevas técnicas. El 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco dieron su último concierto en vivo, de ahí en más los fans deberían conformarse con los discos y su imaginación... debo decir gracias? y como no... su nuevo so-

“La quema de discos fue un verdadero shock para mí. Sufro al saber que he creado otro pequeño sitio de odio en este mundo” John Lennon sobre la reacción a sus comentarios sobre Jesús.

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nido/estilo que saldría de los estudios estaba más acorde con los tiempos que se vivían y de la mano con estilos más duros de otras bandas inglesas como los Rollings o The Who. “Paperback Writer” número 1 en los USA, estaba pleno de riffs ásperos, con una letra que no hablaba de amor, con armonías al estilo Beach Boys, o sea nada parecido a lo que habían hecho antes. “Revolver” (1966) fue el brillante resultado de los nuevos descubrimientos de la banda, libres de las ataduras de los conciertos. La tapa del LP era un psic o d é l i c o collage de fotografías y dibujos realizado por su amigo de Hamburgo, Klaus Voorman, además del concepto fuera de lo común de llevar el nombre del grupo en la contratapa y no en la cara principal. En varios aspectos este disco era toda una revolución, al gusto de la “era de la psicodelia” y con letras inteligentes y

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de tono social. Es uno de los discos clave de la historia de la música popular. Era el final de una época que cambió la música pop, pero el comienzo de una nueva. Uno de los primeros cambios en el grupo vino nuevamente de John, quien fue requerido por Lester para filmar la película “How I Won The War”, una comedia sobre la segunda guerra mundial, donde John tuvo que cortarse el pelo y dejar las gafas por un largo período. El siguiente en “irse” fue George Harrison, que con 23 años se casaba con su novia Patti Boyd, una actriz convertida en modelo. George se marchó a la India atraído por el hinduísmo y donde se encontraban los “gurús” de la sitar, tuvo que dejar su puesto de “superestrella” para tomar el rol de humilde discípulo, bajo la tutela del maestro Ravi Shankar, metiéndose de lleno en la filosofía y disciplinas del yoga. Ironías de la vida: su viaje tuvo un efecto rebote, haciendo mundialmente famosa a la música y filosofías hindúes y a Shankar, quien después comenzó una serie de giras por cuenta propia. Paul se escapó a su manera, viviendo su vida de gentleman londinense en su mansión cercana a los estudios de

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Abbey Road y escribiendo música para películas. Como los otros Paul se dejó el bigote y comenzó a vestirse a la moda del “Swinging London” de Carnaby Street. Mientras, Ringo se refugiaba en su confortable casa en Surrey junto a su esposa Maureen y su hijo Zak. Después de meses de separación, los Beatles se reencuentran en el estudio para comenzar un frenesí de grabaciones, un proceso que duraba frecuentemente toda la noche. De allí sale “Strawberry Fields Forever” de John Lennon, una reminiscencia ácida del reformatorio infantil cercana a la casa de la tía Mimí. De la complejidad de las canciones de “Revolver”, comenzaron a subir de nivel, demostrando que los Beatles no eran un grupo que hacía “cancioncillas” como algunos críticos se atreven a escribir. Pero la canción que tocó el techo de la megalomanía musical fue sin duda “Sargeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ (1967), una de las canciones más complicadas de los Beatles, gracias a la imaginación de John, Paul y la habilidad de George Martin.

Desesperada por nuevo material Parlophone saca el single “Strawberry Fields Forever” como lado A y “Penny Lane” del lado B, en febrero del 67. Llegó al número 1 en los USA y al puesto 2 en Inglaterra, rompiendo la racha de números uno que tenían en su país. La innovación en la música no fue la única contribución de los Beatles a la cultura popular de los años sesenta. Con su aparición en el show televisivo “Top of the Pops” lanzaron el corto promocional del tema “Strawberry Fields Forever” que fue quizás el primer “video” de la historia musical y que es hoy en día de vital importancia para cualquier grupo que se precie.

Una escena de la película “How I Won The War” de 1966 con John Lennon como protagonista.

BUSCANDO UN CONCEPTO Mientras esto ocurría, las sesiones de grabación continuaban, la prensa “amenzaba” con la noticia de que los Beatles estaban a punto de lanzar otro álbum, pero los Beatles no se sentían listos. Habían muchas canciones, pero no se lograban juntar como para un álbum 259

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Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band, el disco que volvió a romper todos los parámetros de la música popular e hizo que muchos grupos siguieran sus pasos.

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del calibre de “Revolver”. Así salían temas como “When I’m Sixty Four” de Paul, con reminiscencias del pasado o “A Day in The Life” de John, una historia sacada del periódico y con un apoteósico final hecho por una orquesta de 40 piezas; el resultado era algo que nunca se había escuchado en un disco pop anteriormente. Pero todavía faltaba un “concepto”, algo que englobara todo. Hasta que Paul vino con la idea de la “Banda de Corazones Destrozados del Sargento Pimienta”, qué tal si presentaban el álbum como grabado por el Sargento y su Banda? podrían tratar con sobregrabaciones y efectos como de un concierto en vivo. La simple idea transformó “Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band” en una marca dentro de la historia de las grabaciones. Los Beatles no fueron la primera banda en producir un álbum para la generación de la psicodelia. En la

costa oeste de los USA, Grateful Dead era el centro de la creciente cultura hippy y bandas como Big Brother & The Holding Company recreaban los vuelos psicodélicos con el LSD. Pero los Beatles tenían mayor influencia que cualquier otro grupo y Sgt. Pepper perduró como una cápsula del tiempo que capturó el espíritu de la psicodelia de los años 60. En mayo del 67, millones de fans adolescentes “crecían” escuchando el nuevo sonido. Este trabajo es el primer disco considerado “arte” como nunca antes se había considerado a este tipo de música. Cientos de horas de estudio se pagaron solas. Rompiendo con la tradición, ningún tema se lanzó por separado como single o EP (disco de tres o cuatro canciones). Incluso lo extravagante llegó a la portada, con la imagen surrealista creada por el artista pop Peter Blake. El mundo de la droga como experimentación estaban patentes en temas como “Lucy in the Sky with Diamonds” cuyas iniciales no eran pura coincidencia y “Fixin a Hole” de McCartney aparentemente inocua, hacía clara referencia a la heroína. De todas formas,

la BBC a pesar de sus ataques no podía diluir los efectos de este disco fácilmente. El gurú de la psicodelia, el Dr. Timothy Leary pomposamente dijo: “Los Beatles son mutantes. Prototipos evolucionados de agentes enviados por Dios con un misterioso poder para crear nuevas especies. Una raza de sonrientes jóvenes libres...ellos son los más sabios, santos y efectivos de todos los avatares que la raza humana a producido”.

TODO LO QUE NECESITAS ES AMOR En la cumbre de la carrera de los Beatles, la moderna tecnología en comunicaciones les daría la oportunidad de difundir el mensaje que se conocería como “el verano de amor” a todo el mundo. “Our World” era el primer satélite de TV que televisaría un show especial para inaugurarlo el 25 de junio de 1967, los elegidos para representar a la Gran Bretaña fueron los Beatles con una canción compuesta especialmente para la oca-

sión llamada “All You Need Is Love”. Rodeados por sus amigos la banda tocó para una audiencia de más de 200 millones de televidentes (probablemente fue el doble). Estaban acompañados por una orquesta de 13 músicos y entre las voces figuraban Jane Asher, Mike McCartney, Pattie Harrison, Mick Jagger, Marianne Faithful, Keith Richard, Graham Nash, Eric Clapton y Keith Moon. Era el punto más alto de la carrera de los Beatles, pero esto no duraría mucho.

Los Beatles durante la transmisión televisiva del show musical que se transmitió vía satélite en 1967 y donde interpretaron “All You Need Is Love”. Embajadores del estilo psicodélico, inauguraron una moda, listos para lanzarse al “verano de amor”. 261

LA ERA DEL ROCK

“Ellos (los Beatles) no eran un negocio para Brian: ellos eran una vocación, una misión en la vida. Eran como una religión para él” – Nat Weiss (amigo de Epstein)

“No era tanto que Brian Epstein descubrió a los Beatles como que los Beatles descubrieron a Brian”. – John Lennon

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BUSCANDO UNA SALIDA Vamos hacia agosto de 1967. Quizás por sugerencia de George Harrison o por puras ganas de experimentar, los cuatro muchachos tomaron la considerable decisión de seguir las enseñanzas del gurú indio Maharishi Mahesh Yogi, quien invitó a la banda para asistir a sus conferencias en Bangor, Gales. John se convirtió en un ferviente seguidor de la Meditación Transcendental enseñada por el gurú. Cabe decir que esta “onda hindú” era parte de la nueva cultura hippie, las paredes, cuadros, ropa y hasta la música de la India estaba a la orden del día. Apartado de toda esta nueva moda de los cuatro muchachos estaba Brian Epstein, quien realmente sufría con cada travesura de sus pupilos pues eran más que sólo negocios para él. Era él quien quería ser su gurú; también la decisión de dejar las giras lo abrumó, ya que Brian siempre tenía que encargarse de todo, y eso le encantaba. Por decirlo de una forma, los Beatles estaban cansados de ser los Beatles, pero para Brian ellos eran su vida. Por otro lado tenía problemas con las pastillas y el alcohol cada vez peores;

debido a su homosexualidad, que en ese tiempo era todavía ilegal y denigrante socialmente, vivía una doble vida realmente frustrante y deprimente. Por si fuera poco su compañía NEMS ya pertencecía a otra llamada Nemperor Artist con sede en los USA. En agosto del 67 su contrato con los Beatles estaba a punto de terminar, lo que le hacía ver que ellos ya no lo necesitarían. Epstein entonces comenzó a sufrir fuertes depresiones y lo llevó a depender de las pastillas antidepresivas, finalmente el 27 de agosto de 1967 es encontrado muerto en su apartamento por una sobredosis accidental de pastillas para dormir. Mientras estaban todavía en Gales, los Beatles reciben la terrible noticia, el Maharishi trató de consolarlos diciéndoles que no se dejen vencer por la pena, sino que recordaran a Brian con todo lo bueno. La desaparición de Epstein no solamente les afectó, sino que poco tiempo después se notó en las acciones del grupo la falta de su dirección. El siguiente trabajo de los Beatles fue un desastre comercial, en especial la película “Magical Mystery Tour”, la idea de Paul era montarse en un bus y llevar a va-

El loco experimento audiovisual de “Magical Mystery Tour” junto a la productora Apple Corps. fueron los grandes fracasos comerciales de la nueva etapa de los Beatles sin Epstein.

rios tipos de personas a un mini tour, se filmaría todo en una total improvisación. A pesar de varios excelentes temas que salieron en el álbum, la película no fue bien recibida por la crítica ni por los fans. Por primera vez el dedo de Midas de los Beatles comenzaba a fallar. Sin la guía de Epstein la creatividad de los muchachos se había convertido en una anarquía. En 1968, los Beatles ya daban muestras patentes de una creciente separación. Después de un viaje a la India para estudiar con el Maharishi, ellos retornaron a Inglaterra, todavía sin propósitos y desencantados con el “líder santo”. Ringo y su esposa sólo se quedaron 11 días soportando la picante comida y las enseñanzas de la Meditación Transcendental, no hicieron comentarios sobre la deserción de los otros; los Lennons por su parte se habían quedado por 11 semanas, a su vuelta John dijo: “cometimos un error, somos humanos, eso es todo”. Al final, el Maharishi fue el que se quedó con la mejor tajada, ya que alcanzó fama gracias a los Beatles.

Con la esperanza de restaurar su golpeada carrera, elllos anuncian la formación de una nueva empresa, Apple Corps. Fue concebida como una empresa abierta a todo tipo de creatividad, deseosos de darle oportunidad a cuanto artista se acercara, aunque no tuviera ni un centavo para comenzar. Así como Magical Mystery Tour, Apple Corps era otra infantil idea con inevitables desastrosos resultados. Se fundaron una boutique y un supermercado donde la gente podía tomar lo que quisiera y pagar lo que pudiera. En abril de 1968 los Beatles locamente anuncian que querpian escuchar a novelistas, artistas y productores de cine o músicos noveles. La plata comenzó a salirse por todos lados y con una deficiente direc263

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John y Yoko en el estudio.

ción que pusieron en manos de dos amigos, Pete Shotton y Neil Aspinall, la empresa se fue a pique. Los Beatles pretendían lavar la cara al comercio con un “jabón filantrópico”. Daban dinero a sus “protegidos“ y se sentaban a esperar que el éxito de ellos les alcanzara. Esto nunca sucedió. El negocio no mejoró a pesar de la película animada “Yellow Submarine” que no salió de Apple Corps. Esta película de dibujos animados capturó el espíritu de la banda mejor de lo que ellos mismos habían intentado.

CRECE LA TORMENTA A pesar de Apple Corps, el error de Magical Mystery Tour o Yellow Submarine que no era de ellos, hubo una persona que se la considera como la principal responsable de la separación de los Beatles, y no era ni Paul, ni John, ni Ringo o George, sino una pequeña artista 264

Avant Garde japonesa llamada Yoko Ono. Ella le había hechado el ojo a John Lennon ya en 1966 cuando él apareció en una de sus exposiciones artísticas. Poco a poco se fueron conociendo y teniendo más o. Ella fue la primera persona que él había conocido que entendía sus extrañas ideas. John siempre fue independiente e imaginativo, pero esta nueva relación le dió nuevas fuerzas a su vida, alguien que creía en él no como el copiloto de McCartney, sino como un artista con su propio camino. Desafortunadamente, esta excelente noticia para John no fue tomada bien por sus viejos amigos. Desde que volvieron a los estudios para grabar las canciones que habían escrito en la India, Yoko Ono estaba siempre presente, violando de cierta forma su santuario privado. Paul y George veían su presencia como un insulto. Brian Epstein y George Martin nunca habían interferido con los Beatles, pero Yoko estaba constantemente en los oidos de John, susurrando ideas o criticándo su trabajo. Cynthia Lennon, que siempre estuvo callada y a la sombra de su marido, incluso siendo ocultada del público en los comienzos del éxito del grupo, le dio el divorcio a John en noviembre de 1968. Como un acto de simpatía, Paul dedicó una canción al hijo de John, Julian Lennon. Era una canción de ánimo para los días difíciles que se avecinaban: “Hey Jude”. Muchos de los discos sencillos de aquellos días no pasaban de los 3 minutos así que los Beatles volvieron a romper esquemas cuando hicieron la canción de más de 7 minutos. Por causa de su duración, “Hey Jude” era una maldición para las radios, pero ya con Sgt. Pepper’s los Beatles habían probado que las tradiciones dentro del negocio de la música ya no serían los mismos, así fue que “hey Jude” fue el single más vendido de todos.

TODO EN BLANCO De vuelta en el estudio, se notaba una helada atmósfera. Epstein ya no estaba para guiarles. Paul y John ya no trabajaban juntos, la presencia intencional o no de Yoko fue como una muralla entre ellos. George se desarrolló como un prolífico compositor y estaba ya cansado de la tradicional “cuota” de una o dos canciones propias por disco. El trajo a su amigo Eric Clapton para tocar la guitarra principal en su “While My Guitar Gently Weeps” canción que se tornó en un verdadero proyecto solista. Después de 5 meses de un desagradable trabajo en los estudios de Abbey Road, Ringo fue el primero en “borrarse”. Un día se levantó de la batería y con un “esto ya no va más” se fue del estudio para tomarse una semana para calmarse, dejando al resto tocando solos (ellos completaron “Back in the USSR” con Paul en la batería). Cuando Ringo regresó, las sesiones continuaron, haciendo unas 30 canciones de variada calidad. Pero hubo magníficos trabajos como: “While My Guitar Gently Weeps” un maduro trabajo de George; “Blackbird” de Paul que era una hermosa balada; y “Julia” un tributo de John a su madre, con un estilo muy sentimental más común en Paul. George Martin rogó a los muchachos para desechar algunas malas canciones como “Good Night”, una canción de cuna de John cantada por Ringo y una discordante y loquísima “ensalada” llamada “Revolution 9”, creada por John y Yoko. De todas formas los Beatles aún tenían compromisos que cumplir. Al contrario del exhuberante “Sgt. Pepper’s”, el primer album salido de Apple Records estaría totalmente carente de ninguna asociación política o musical. Sería simplemente blanco, con “The Beatles” escrito al centro. En noviembre del 68 sale a la calle como un doble album llamado

“The Beatles”, pero invariablemente conocido como el “Album Blanco”. Una semana después John y Yoko graban un álbum experimental, “Two Virgins” con la controvertida portada de ellos dos desnudos. Para enero de 1969 Paul parecía ser el único interesado en mantener a la banda unida.

LA MANZANA DE LA DISCORDIA Las cosas para Apple Corps iban a empeorar todavía más. Apple Records estuvo bien con los grandes éxitos de “Hey Jude” y el “Album Blanco” y algunas producciones para otros cantantes, 265

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El célebre mini concierto que los Beatles ofrecieron a improvisados espectadores en la azotea del edificio de Apple en Londres fue como un pantallazo de aire fresco en la deteriorada relación del grupo, en especial por la colaboración del tecladista y cantante Billy Preston.

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pero para las otras compañías Apple no sería lo mismo. Apple Films no tenía ninguna película que realizar, Apple Retail nunca pudo recuperarse de la falla de la boutique... aún el dinero seguía saliendo de las arcas. Poco antes Paul había tenido la idea de hacer un especial de TV pero no corrió. En una de las pruebas George se enojó con Paul y se fué. En una reunión días después George amenazó con irse hasta que surgió la idea de tocar en vivo, lo cual le animó a seguir

tocando, pero esta vez en los nuevos Apple Studios (otro fracaso comercial) para filmar un documental y grabar un album que se titularía “Get Back”. Los Beatles llamaron al pianista Billy Preston, un viejo amigo que conocieron en Hamburgo cuando tocaba en la banda de Little Richard allá por 1962, su presencia fue como un bálsamo a las heridas. Para fines de enero fueron filmados en la azotea del edificio de Apple en Saville Row, Londres. La actuación de 42 minutos que no fue precisamente un concierto, fue parada por la policía por los problemas de multitud que causaban más abajo. La grabación se finalizó al día siguiente, pero el proyecto “Get Back” fue abandonado. Ninguno de los Beatles estaba satisfecho con las sesiones y nada podían ya hacer con la apatía que les abrumaba. Mientras tanto sus contadores renunciaban y tuvieron que buscar desesperadamente alguien que se encargue de los negocios. Incluso aquí se presentó la discordia cuando Paul quiso hacerse cargo de las cosas. En febrero de 1969, después de mucho argumentar, Allen Klein, el genio comercial que había hecho una fortuna con los Rolling Stones fue contratado como el nuevo manager.

La famosa foto de los cuatro cruzando la calle frente a los estudios Abbey Road se utilizó para la portada del disco y también fue utilizada como “prueba” de que Paul McCartney había muerto... lo ridículo del tema (y que está archi documentado en internet) es que al parecer nadie le hizo saber a Sir Paul de que él no es él sino su doble.

En marzo, después de separarse de Jane Asher seis meses antes, Paul McCartney se casó con la fotógrafa neoyorkina Linda Eastman y una semana después John se casó con Yoko Ono. George y Ringo hacía tiempo que estaban casados,

a esta altura Ringo ahora ya tenía otro hijo. Musical y emocionalmente cada vez tenían menos en común, y antes de que la magia de los Beatles se acabaran totalmente, Paul fue hasta George Martin para pedirle que produzca un álbum para ellos como “en los viejos tiempos”. Sorpresivamente, funcionó. Ellos empezaron abril con “The Ballad Of John and Yoko” que salió finalmente sólo como single (fue el primer single realizado en estéreo, llegando al número 1 en el Reino Unido y al 8 en USA). La grabación continuó con la hermosa canción de George Harrison, “Something” seguidas de varios de los mejores trabajos, como hacía un tiempo que no hacían, y que se convertirían en clásicos como: “Come Together”, “Oh Darling”, “Here Comes the Sun”, “Because”, etc. Esta sería la última vez que los Beatles tocarían en los estudios de la EMI. 267

LA ERA DEL ROCK

John y Yoko en su célebre jornada de “Bed In” que fue totalmente televisada.

“Yo pienso que fuimos el mejor grupo del mundo...” – John Lennon (1940-1980)

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DÉJALO SER Allen Klein pronto se dio cuenta que no sería él quien ponga de vuelta a Apple sobre las vías. Comenzó una serie de negocios al margen como buen oportunista. Los problemas financieros continuaron a lo largo del 69. Los beatles eran constantemente atormentados por Lew Grade de la Associated Television (ATV) dueño de más de la mitad de las acciones de la Northern Songs, quien tenía los derechos de las canciones de los Beatles. Para el tiempo que salió el disco “Abbey Road”, ATV efectivamente se adueñó de las canciones de los Beatles, por esa acción Klein se aseguró una importante suma. Allí comenzó una nueva batalla judicial liderada por Paul McCartney quien nunca confió en Allen Klein y quería a su suegro como manager. Estos problemas acrecentaron la separación. Mientras tanto Klein vendía la película “Get Back” a la United Artist quienes con la ayuda del productor americano Phil Spector trataron de resucitar el material de Get Back. Spector se “paseó” por más de 100 canciones y 24 horas de filmaciones para sacar a la luz “Let It

Be”, realizado finalmente en Gran Bretaña en mayo de 1970. Para cuando eso ocurría la carrera de John Lennon como solista se veía prometedora, su extraordinario himno “Give Peace a Chance” fue un éxito mundial en 1969 y sus famosas “bed-in” haciendo frente a las críticas de la prensa le habían marcado al fin su identidad. Incluso retornó al escenario con la Plastic Ono Band. George por su parte grababa un álbum solista experimental para Zapple Records (otro resbalón de Apple) y tocó como guitarrista con Delaney & Bonnie. Ringo por su parte, se encontraba muy satisfecho con su carrera de actor de cine, apareciendo en una película del comediante Peter Sellers. Pero irónicamente fue él quien intentó de todo para mantener a los Beatles unidos cuando finalmente se separaron. Cuando Paul lanzó su agresivo álbum “McCartney” en abril de 1970, la historia de los Beatles llegaba a su final. Los Beatles finalmente se separaron, dejando a millones de fans hechos un mar de lágrimas. Era increíble que la banda más exitosa del mundo simplemente se terminaba para siempre y con ellos el fin de una década, el fin de un hermoso sueño. Muchos meses después la prensa y los seguidores aún esperaban la inminente reunión del grupo. Pero ya cada uno había tomado su camino.

CADA CUAL POR SU CAMINO Después de dejar a los Beatles, John Lennon continuó su desarrollo musical, trabajando de cerca con su segunda esposa Yoko Ono. Como dijimos anteriormente, John ya había lanzado singles y un álbum solista cuando todavía no estaba oficialmente separado de los Beatles, es así que en enero de 1971 se lanza su primer disco “oficialmente” solista, “John Lennon and The Plastic Ono Band”, éste

establecía a John y a Yoko a la vanguardia de la música experimental. Este album contenía la “terapia de gritos” que John hacía con “Mother” exorcisando los demonios de su pasado y en “God” proclamaba que “ya no creía en los Beatles... sólo en él... y en Yoko”. Con “Imagine” vuelve a la corriente más comercial, pero la canción que da título al álbum se convirtió en un himno a la paz y el entendimiento, además de ser su más recordada composición. En 1972 realizó un concierto benéfico en Nueva York, seguido del clásico “Happy Christmas (War is Over)” número 4 en las listas y “Number 9 Dream” otro gran suceso. En 1974 su espíritu rebelde y libre chocó con la vida matrimonial y de mutuo acuerdo, John se separa temporalmente de Yoko para “hacer su vida”, esta

canita al aire lejos de Yoko y rodeado de amigos y oportunistas no duró mucho, pero no estuvo excenta de creatividad; regresa a sus raíces juveniles con el álbum “Rock and Roll” co-producida con Phil Spector, que tuvo muy buena aco-

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El 8 de diciembre de 1980 al volver a su apartamento en Nueva York, John Lennon es asesinado, terminando bruscamente una carrera en ascenso y con todos sus “demonios del pasado” dominados. De hecho, ya había superado la muerte de su madre, se volvió un padre dedicado a su pequeño Sean sin descuidar su relación con su primer hijo Julian, además de mantener buenas relaciones con George y Ringo, se reconcilia con Paul McCartney en una visita que éste le hizo en Nueva York.

Paul McCartney con The Wings en 1975 se embarcó en una gira mundial demostrándole a todos que seguía siendo popular aún después de ser un Beatle. 270

gida, pero llega al número 1 con “Whatever Gets You Through The Night” acompañado por Elton John. Luego de su vuelta con Yoko, decide apartarse de la vida pública para dedicarse a su hijo Sean y pasar más tiempo con su primer hijo Julian. Un tiempo después, alarmado se da cuenta que su nombre ya no figura en las listas de éxito y que se estaba aburguesando más de lo que podía aguantar, así que se afinca en Nueva York, y como hacía mucho que no sacaba un disco a la calle, se encierra en los estudios para retornar triunfalmente en 1980 con el album “Double Fantasy” realizado por Geffen Records. En este disco, John y Yoko reafirman su amor a través de hermosas canciones, obtuvo excelentes

críticas y llegó al tope en los charts de USA y de Gran Bretaña. Entonces cuando su fama volvía a cobrar vida, viviendo como padre dedicado a su pequeño Sean y ya reconciliado con Paul McCartney, a la tarde del 8 de diciembre de 1980, es interceptado por Mark Chapman en la entrada de su apartamento y en compañía de Yoko, éste desenfunda su arma y le dispara cinco fatales tiros, es llevado de urgencia al hospital, pero fallece antes de llegar. La noticia shockeó al mundo, convirtiendo a John Lennon en un ícono. Desde su muerte, Lennon es reverenciado como un santo, el de la paz, la comprensión y el amor para toda la humanidad. Él y Yoko hicieron un video documental sobre su vida juntos y se lanzó más tarde comercialmente con el nombre de “Imagine” que además de las imagenes cotidianas de la vida de John contiene muchas escenas de su juventud y con los Beatles.

LA BANDA SE ESCAPA Típicamante, la carrera post-Beatle de Paul McCartney siguió una línea más comercial que la de John. Empezó con un número 1 en los USA por su álbum “McCartney” de 1971 y otro número 1 en Inglaterra por “Ram”. Al contrario de las oscuras y alternativas grabaciones de John, Paul continuó escribiendo toneladas de canciones pop, consolidando su posición en las listas de éxito durante los años venideros. El pico le llegó al componer y cantar el tema de la película de James Bond “Live and Let Die”. Con su esposa Linda forma el grupo Wings, debutando con un álbum sólo 6 meses después de haber grabado su segundo álbum solista. Presentando el controversial simple “Give Ireland Back to the Irish”, en respuesta a la sangrienta masacre protagonizada por el ejército y policía británicos en Irlanda, que fue conocida como Belfast bloody sunday massacre, apañada sin embargo por la prensa musical, retornó a las listas con su exitoso “Band on the Run” de 1974. En 1975 Wings se embarcó en una extensa gira mundial, tocando para más de 2 millones de personas en 13 meses. A pesar de el anterior traspié y sin el apoyo de la prensa, Paul demostró que seguía siendo tan popular como solista, como cuando era un Beatle. En 1977 su single “Mull of Kintyre” llegó al tope

y permaneció allí por 9 semanas, desbancando a “She Loves You” que había vendido más de 2,5 millones de copias. En 1979 fue declarado el más exitoso compositor de todos los tiempos, con 43 canciones que vendieron más de 1 millón de copias cada uno. Con los Beatles, Wings y como solista había vendido 100 millones de albumes y 100 millones de singles en todo el mundo. El éxito de Paul continuó durante los 80, incluyendo “Evony and Ivory” un dueto con Stevie Wonder y “Say Say Say” con Michael Jackson, los dos seguidos por el exitoso disco “Pipes of Peace”. Paul siguió su camino de éxitos a través de los 90 y todavía sigue rodando y cosechando éxitos, no sabemos hasta cuando.

HECHO A MANO George nunca se dejó estar, luego de la amarga separación de los Beatles, realizó un triple álbum llamado “All Things Must ” en diciembre de 1970. Esta fue la obra prima de Harrison, acompa-

“Yo sé que están viendo en mí al bajista de los Beatles y no al autor y cantante de los Wings, pero cuando puedan analizar todo lo que hemos logrado sin recordar que yo era uno de ellos verán que nuestro trabajo es positivo y que evoluciona con cada nueva grabación” – Paul McCartney

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ñado por artistas de la talla de Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston y Ginger Baker, e invariablemente llegó al tope de los charts. El simple “My Sweet Lord” número 1 en USA y Gran Bretaña, tomó notoriedad cuando sufrió una demanda por plagio por un hit de 1963 “He’s So Fine” cantado por The Chiffons. En 1972 Harrison volvió al tope con otro triple álbum “The Concert for Bangladesh” (grabado en un concierto a beneficio de los niños hambrentos de Bangladesh en agosto de 1971), fue elegido álbum del año en los Decimoquinto premios Grammy, y en 1974 forma su propia compañía grabadora, Dark Horse, lanzando un álbum 272

con el mismo nombre. Después de un período de problemas matrimoniales, su esposa Pattie Boyd lo deja por su mejor amigo Eric Clapton, pero a Harrison no le afectó demasiado, ya que incluso cuando Eric y Pattie se casaron en 1979, tocó con Ringo y Paul en la ceremonia de recepción. Al margen, George ya se había casado con Olivia Arias en 1978. Como Paul, también incursionó en el mundo del cine, creando su propia empresa, Handmade Films Co. con un éxito relativo, a pesar de buenos films como “Life of Brian” con los Monty Python. En 1987 vuelve a grabar su primer álbum solista en 5 años, “Cloud Nine” en el estudio de su propia casa. El disco contenía el single que llegó al número 1 en los USA, “Got My Mind Set On You”, que se convirtió en éxito mundial, logrando así un sorpresivo regreso. También participó en el fenomenal “experimento” llamado “The Travelling Wilburys” junto a Roy Orbison, Bob Dylan y Tom Petty, desde allí ha venido manteniendo un cuestionado perfil bajo. La historia llega a su fin cuando es atacado por cáncer de pulmón y sucumbe a la enfermedad, pero amorosamente rodeado de sus parientes y amigos el 29 de noviembre del 2001.

NO SOLO UN BATERISTA Ringo siempre piso en terreno seguro, dejando a George Martin que produjera su primer álbum solista, “Sentimental Journey”. Por sobre sus ambiciones musicales estaba su carrera de actor, apareciendo en varios filmes durante 1971 y 1973. Su segundo álbum “Ringo”, tenía contribuciones de George Harrison y John Lennon, y el single “Photograph”

“Yo tengo una opinión clara de mi mismo, no soy un baterista técnico de esos que se pasan 9 horas practicando. A mí me regalaron los tambores en navidad y en febrero ya estaba en una banda. Pero he creado un estilo que con el de Ginger Baker es el único válido para el Rock moderno”. – Ringo Starr

llegó incluso al número 1 en los USA. Un cover de Johnny Burnette, “You’re Sixteen”, también llegó al tope de las listas de Billboard. Pero la carrera musical de Ringo ocasionalmente se alejaba de las luces; en lo que quedaba de los 70 grabó varios discos pero sin mucho éxito. En 1981 se volvió a casar con la actriz Barbara Bach, y se convirtió en abuelo en 1985. La carrera de Ringo volvió a brillar con el éxito de unas historias de dibujos animados (Thomas The Tank Engine) narradas por él. Después de una batalla contra el alcoholismo, celebró su “vuelta a la vida” con un concierto en 1989. En junio de 1992 realizó su primer álbum musical después de 9 años, “Time Takes Time”. Ringo sigue participando activamente en la vida artística hasta hoy.

siendo fresco, porque ellos representan la mejor y más memorable colección de canciones populares, su genio y magia no tienen tiempo; en especial por la reedición en CD’s de todos sus discos y grabaciones inéditas; y en especial con la aparición de la espectacular colección de discos y videos llamada “Anthology”. Después de todo, ellos duraron más que cualquier otro grupo creado en su mejor época, salvo claro, los Rolling Stones, pero esa ya es otra historia.

Ringo, Paul y George de vuelta a los estudios junto a George Martin para la grabación de “Anthology” en 1995.

EPILOGO El gran repertorio de los Beatles sigue 273

LA ERA DEL ROCK

The Rolling Stones Eran los chicos malos, hoy son leyenda

Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Bill Wayman y Brian Jones, forman en 1962 los Rolling Stones, habían nacido los “chicos malos” y con ellos toda una nueva corriente dentro del rock inglés.

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a historia de los Rollings está muy relacionada con el “blues boom” que se dió inicio en los suburbios londinenses, de la mano de Alexis Korner o John Mayall, estos eran parte de la juventud inglesa no conforme con el estilo de música popular, ellos buscaban otra música que les represente, del jazz bohemio al blues había sólo un paso. Los clubes nocturnos donde se podía escuchar jazz, pronto sucumbieron al nuevo “beat” del rock and roll; pero otros clubes como el Ealing Blues CLub, el Crawdaddy o el Marquee, menos conformistas se abrieron a otras manifestaciones, en especial el redescubrimiento de los artistas negros del blues más tradicional, 274

como Lightinin’ Hopkins, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Elmore James, John Lee Hooker y otros. Mick Jagger y Keith Richards nacieron en Darthford, Kent, en 1943 y su primer encuentro fue en la escuela primaria donde se hicieron grandes amigos. Más tarde esa amistad sería renovada gracias al común interés en el Rhythm and Blues y su amigo mutuo Dick Taylor. Los tres comenzaron a tocar juntos en cuanta banda se podía en toda el área de Londres. En el Ealing Blues Club, donde Alexis Korner’s Blues Incorporated Band tenían su “residencia”, el trio conoció a Brian Jones; un enigmático joven un año mayor que

ellos, obsesionado con el blues de Chicago y musicalmente dotado, especialemnte en la guitarra. Brian también tenía una clara visión del grupo que quería formar. Jagger necesitó poca persuasión para unírsele y junto al pianista Ian Stewart y el baterista Tony Chapman, formaron la primera alineación de los Rolling Stones; su pasión por el blues y sobre todo por Muddy Waters fue la inspiración para el nombre del grupo, lo habían sacado de un verso “Rolling stones gather no moss”. Jagger en ese tiempo también cantaba en la banda de Korner. Keith Richards, se les uniómientras aún asistía a la escuela de arte de Sidcup. El primer “golpe” lo hicieron a mediados de 1962 cuando la Blues Inc. salió del Marquee Club para grabar una sesión en la radio de la BBC, y Korner dejó a Jagger y los Stones que los reemplacen. Eran presentados como “Brian Jones, Mick Jagger and The Rolling Stones”. En junio de 1962 hicieron su debut en TV en el show “Thank You Lucky Star” interpretando “Come On” de Chuck Berry. Poco después, Taylor dejó la banda

y en su lugar trajeron a Bill Wyman y a comienzos de 1963, el baterista Charlie Watts salió de la banda de Korner para reemplazar a Chapman en los Rolling Stones. Así el grupo tomaba su lineación definitiva, con Mick Jagger como el “crooner” carismático, Brian Jones como el mago de la guitarra y que hacía de manager del grupo; y Keith Richards, guitarrista y vocalista, una mezcla de los dos anteriores y socio de Jagger en las composiciones del grupo. Se establecieron entonces durante 8 meses en el Crawdaddy Club en el moderado barrio londinense de Richmond, llamando la atención del “beautiful people” londinense y se volvieron un tema preferido para la prensa, Londres necesitaba mostrar que nó sólo de las orillas del Mersey podía venir un buen rock and roll. A parte de la música, los atractivos juveniles de Jones y Jagger, la actitud y rostro tosco y desenfadado de Richards y los demás, su pelo muy largo y su excéntrica moda le dan al grupo su identidad propia y su ejército de iradoras.

Brian Jones en el estudio con su clásica Vox blanca. Él fue el principal responsable de la formación de los Stones en 1962.

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LA ERA DEL ROCK

Los Rolling Stones encontraron su “Epstein” en la figura de Andrew Oldham, quien había trabajado para el propio Brian Epstein y Mary Quant como relacionista público, aprendiendo todo lo que pudo del negocio. Oldham les ofreció sus servicios a los muchachos y también abogó ante los empresarios para que Stewart se quedara en la banda, pero fue rechazado por que parecía demasiado “bueno” para la imagen del grupo (él continuó sin embrago tocando con el grupo ocasionalmente hasta su muerte en 1984). Empresario de los Stones hasta 1965, Oldham desempeñó un importante papel en la fase inicial del grupo, consiguiendo un contrato con la grabadora DECCA. Al comienzo el repertorio de los Stones era material conocido del blues, R&B y del rock and roll; es así que su primer single, grabado en junio de 1963 fue “Come On”. En ese tiempo comenzó la gira del grupo por toda la Gran Bretaña. Así fue que recibieron su primera exposición nacional en la prensa, con un artículo del Daily Mirror. Patrick Doncaster se refirió a uno de los shows de los Stones de esta manera: “Las guitarras y la batería empezaron a sonar y golpear. Hombro a hombro se apretujaban parados unos 500 jóvenes, algunos vestían chaquetas de cuero negro y otros suéteres. Se podía hervir un huevo en ese ambiente”. La foto que acompañaba el artículo, mostraba al grupo haciendo muecas agresivas a la cámara, reforzando la impresión de que los cinco eran 276

unos malandrines. En la revista musical Melody Maker, el escritor Ray Coleman mencionó el mismo punto al preguntar: “¿Dejarías a tu hermana salir con uno de los Rolling Stones?”. Mientras los Beatles tenían una línea musical más melódica y pop, además de un comportamiento más cuidado; los Stones se caracterizaban por su fidelidad al blues, al puro rock and roll y a sus actitudes y declaraciones totalmente contrarias a las “buenas costumbres”. Oldham alentó la imagen de “chicos malos” de la banda, lo que ayudó a establecer una cultura en la juventud inglesa. Su segundo single “I Wanna Be Your Man”, irónicamente perteneciente a Lennon y McCartney, fue su primer gran éxito, que fue seguido por otro single todavía más exitoso “Not Fade Away”, el cual también hizo sus primeros arañazos en los charts de los Estados Unidos. Su primer álbum “The Rolling Stones” lanzado en abril de 1964 estaba compuesto casi completamente de covers, pero llegó a los primeros puestos en los charts de la Gran Bretaña; gracias al éxito del álbum, en junio de ese año, los Rolling Stones dieron su primera gira por los Estados Unidos. Estando en Chicago, graban el EP “Five by Five” en los estudios de Chess Records, rodeados por una ruidosa multitud que se congregó afuera. Los cinco muchachos, quienes originalmente provenían de una clase media suburbana y eran dirigidos por un conocido universitario, eran carne de cañón para la prensa sensacionalista. Tenían abundante material con estos desaliñados, indisciplinados y rebeldes jóvenes. El tour europeo de 1964 añadió más leña al fuego. En uno de los shows en la Hague, la policía tuvo que detener violentamente el espectáculo luego de apenas 10 minutos de haber empezado, por culpa de

Los Rolling Stones desde sus inicios se pusieron en la otra línea, opuesta a los Beatles, con una temática más rebelde y con una música fiel a sus raíces blas.

los disturbios entre el público; en París, el el Olympia Theatre, hubo más de 150 arrestados; y en Blackpool, la multitud causó serios daños durante el show y hasta Keith Richards fue visto pateando a uno de los espectadores. Había más problemas por venir. En abril, Jagger, Jones y Wayman fueron arrestados por orinar en vía pública y multados por mal comportamiento en la corte del West London. El presidente de la Federación Nacional de Peluqueros ofreció un corte gratis a todos los de la banda, diciendo en esa ocasión: “uno de ellos parece que tiene un plumero en la cabeza”; y un magistrado en Glasgow declaró: “...no sé qué les atrae a los jóvenes de estos completos idiotas, Ellos tienen el cabello hasta los hombros, visten ropas desaliñadas y actúan como payasos”. A pesar de la mala prensa, la fama de los chicos malos de la música británica continuaba creciendo. A fines de 1964 comenzaron una carrera consecutiva

de 5 singles número uno: “It’s All Over Now, Little Red Rooster, This Could Be The Last Time, (I Can’t Get No) Satisfaction y Get Off My Cloud”. Pero fue “Satisfaction” la que capturó la imaginación de toda una generación. Cuando los chorros de dinero comenzaban a fluir rápida y fácilmente, Charlie Watts fue el primero en iniciar una estereotipada vida de rockstar con la compra de una mansión del siglo 16 en los campos de Sussex. Los otros pronto le siguieron, con Richards invirtiendo en la bolsa y comprando acres de tierra en Sussex también. Un ambicioso abogado de Nueva York Allan Klein es contratado como nuevo manager poco antes del lanzamiento de su segundo album, “Out Of Our Heads” de 1965 que también fue grabado en los USA, haciendo enormemente popular a la banda a ambos lados del Atlántico. Klein logra un contrato multimillonario, algo insólito para la época, la publicidad que esto tuvo hizo creer años más tarde a los 277

LA ERA DEL ROCK

En los ‘60, si los cuatro de Liverpool eran vistos como cuatro muchachos algo escandalosos pero simpáticos, los Rollings eran directamente cinco vándalos con los que ninguna señora respetable hubiera deseado ver a su hija (aunque la hija no lo viera de la misma manera).

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Beatles que Klein salvaría su empresa. Si bien el tema de los Stones era la alienación, ciertamente el sexo era más importante; su “Let’s Spend the Night Together?” (Vamos a pasar la noche juntos) sería censurado en el show televisivo de Ed Sullivan y cambiado a “Let’s Spend Some Time Together?” (Pasemos un tiempo juntos). De todas formas se vería a Mick Jagger tomar el micrófono con insinuaciones fálicas y moviéndose como un travesti, anticipando lo que sería el rock andrógino en las presentaciones en vivo. Al mismo tiempo los Stones no sólo componían blues o rocks para “desatarse” sino también hermosas y líricas baladas como “Lady Jane”, “As Tears Go By”, “Ruby Tuesday” o “Blue Turns To Grey” que contenían elementos del blues y del country fundidos con orquestaciones barrocas y renacentis-

tas, llegando Brian a tocar el salterio para reforzar ese aire de música antigua. Brian Jones era muy inventivo y fue la figura clave, sus experimentos le llevaron a tocar toda clase de instrumentos como el clavicordio, el dulcimer o la sitar hindú. Los éxitos seguían llegando con “19th Nervous Brakdown”, “Have you Seen Your Mother Baby?”, “Paint In Black”, así como su LP “Aftermath” de 1966, el primer álbum que contenía totalmente temas compuestos por Jagger y Richards. Este fue seguido en 1967 por “Between The Buttons” el cual era como un espejo que reflejaba los problemas de la banda y sus experiencias de ese año. Nuevamente Jagger, Richards y Jones son arrestados por posesión de drogas y su encarcelamiento fue noticia mundial y un duro golpe para el grupo; sorpresivamente el periódico The Times se volvió a favor de los muchachos,

protestando en su editorial por el arresto totalemente inapropiado. Finalmente Jagger fue puesto en libertad condicional, a Keith le suspendieron la sentencia, pero sería el primero de varios arrestos en serie, por su afición a la heroína. Los Stones intentaron juntar las piezas rotas de su orgullo con el album “Their Satanic Majesties Request” de 1967, un intento psicodélico sin éxito de emular el “Sgt. Pepper’s” de los Beatles. Para 1968 y con el álbum “Beggars Banquet” ellos lograron recuperar su original estilo de rock que les hizo famosos. Este álbum fue una definición se su estilo musical conteniendo clásicos como “Sympathy For The Devil” una oda a la inmoralidad (se dice que fue elegido como himno por los brujos satanistas) y “Street Fighting Man” en reacción a los disturbios raciales en los USA. Además del single “Jumping Jack Flash” que llegó al número 1 en Inglaterra y a número 3 en los USA. En 1968 se meten al cine con la película documental “The Rolling Stones Rock and Roll Circus” con la participación de varios músicos y artistas entre

ellos John Lennon y Yoko Ono, Eric Clapton, The Who o Jethro Tull. Pero Brian Jones no estaba ya contento con la nueva dirección que estaba tomando el grupo, de hecho colaboró escasamente en “Beggars Banquet” y poco a poco se alejaba más de la vida de los muchachos al tiempo que se afianzaba más el dúo Jagger-Richards. Nadie dentro del grupo se daba cuenta de la seriedad del abuso de las drogas que hacía Brian, de su alejamiento y su encierro en sí mismo. Los demás lo veían como una etapa y comenzaron a tratarlo con dureza y desdén. En una ocasión Brian había llegado tarde a una sesión en los estudios, no encontrando ya a nadie su sorpresa se convirtió en pena cuando se dio cuenta que el tema ya estaba grabado y le habían dejado para que toque sólo las partes que le correspondían. En junio de 1969 Brian Jones deja definitivamente la banda que él mismo había formado, y su adicción fue creciendo, fomentado por las profundas depresiones que le

El álbum de la época sicodélica de los Rollings fue “Their Satanic Majesties Request” de 1967, acusado de intentar emular sin éxito al “Sgt. Pepper’s” de los Beatles.

Con “Beggars Banquet” de 1968 vuelven a su estilo.

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Sintiéndose desplazado y tras una profunda depresión, Brian Jones, el fundador del grupo fue encontrado muerto en su piscina el 3 de julio de 1969. 280

atormentaban. El 3 de julio de ese año fue encontrado muerto en la piscina de su casa, totalmente solo. Esta negra página en la historia de los Stones fue avalada por el silencio sobre el asunto que siempre mantuvieron y por el hecho de que Jagger y Richards ni siquiera aparecieron en el entierro de su amigo, ¿por verguenza quizás?, nunca lo sabremos. Aún así, dos días después de la muerte de Jones, los Rolling Stones dieron un concierto gratuito en el Hyde Park de Londres para despedir a su amigo, Jagger dió inicio al concierto con la lectura de un poema y la liberación de decenas de palomas blancas en una emotiva “ceremonia”. El ex guitarrista de la banda de John Mayall, Mick Taylor hacía su debut como reemplazo de Brian. La entrada de Mick orientará al grupo hacia sonoridades más duras y Keith Richards se desenvolvería como guitarrista principal. Una nueva década se inauguraría con el álbum de 1970 “Let It Bleed” que contenía el apocalíptico “Gimme Shelter” y se realizaría su primer tour por los

USA luego de 3 años de ausencia.“Let It Bleed” fue el más potente de los discos de los Stones. “...fue una época muy violenta, decía Mick Jagger, la guerra de Vietnam, violencia en las pantallas, pillaje e incendios en las calles, etc.” El nuevo tour terminó en tragedia en la localidad de Altamont, cuando un seguidor negro fue asesinado por los “Hell’s Angels” un violento grupo de motociclistas que en ese concierto hacían de guardaespaldas de los Stones. Fue el fin de una era de sueños que despertaba a una dura y cruel realidad. Más tarde se lanzó el video de aquel fatídico tour, donde los productores hicieron gala de mal gusto al incluir la escena del momento en que asesinaban al espectador. En Altamont nada salió como había sido planeado, desde la elección del lugar y de los guardaespaldas hasta la organización y el estado del tiempo. Mick pensó hacerle la competencia a Woodstock y sacar una película antes del mega concierto, pero tras la tragedia todo empeoró. Su álbum en vivo del tour “Get Yer Ya Ya Out” fue el último álbum con el sello inglés. El álbum de 1971 “Sticky Fingers”

cuya tapa concebida por el artista Andy Warhol, fue censurada, se lanzó con su propio sello discográfico. A partir de ahí comenzaba a construirse el imperio económico que hoy son los Rolling Stones. Su single “Brown Sugar” llegó al número 1 en USA y alcanzó el número 2 en la Gran Bretaña. 1972 vió la realización del ambiscioso álbum doble “Exile On Main Street”, que contenía el hit “Tumbling Dice”, éxito en USA y GB. El disco reflejaba a unos Stones realmente exiliados, pues vivieron en el sur de Francia buena parte del año 71, refugiandose de los altísimos impuestos que imponían los británicos. En la casa de Keith Richards que tenía en esa zona, el grupo grabó el que muchos consideran su mejor disco, un verdadero abanico de puro blues, boogie y rock and roll. Sus álbumes siguientes, “Goats Head Soup” (1973) y “It’s Only Rock and Roll But I Like It” (1974) ya no alcanzaron el tremendo suceso de los anteriores, pero cimentaron su fama a través de sus legendarios conciertos. Taylor dejó la banda en diciembre de 1974 y fue reemplazado por Ronnie Wood, ex-guitarrista

del grupo Faces donde también militaba el cantante Rod Stewart. El primer album con Ron Wood fue “Black and Blue” de 1976, que fue recibido por su público con encontradas reacciones, pero que contenía el single “Fool To Cry” que alcanzó los Top Ten. Otro doble álbum en vivo “Love You Live” apareció en 1977, seguido un año después por “Some Girls” (1978) que fue un gran éxito después de varios años. Keith Richards estaba perdido en el infierno de las drogas (pero encontraría la salida milagrosamente después de 12 años) y los Stones

Los Rollings actuando en el Hyde Park de Londres, concierto gratuito en homenaje a su desaparecido amigo Brian Jones.

El recuerdo de Altamont, USA, dejó un mal sabor de boca a todos los seguidores de los Stones, cuando un grupo de los Hell’s Angels crearon un tumulto que terminó con el asesinato de uno de los espectadores y numerosos heridos. 281

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al borde de la desaparición, pero gracias a este proyecto, se recuperan con “Miss You” y la provocativa canción “Shattered”. Ese año, en Canadá, se descubrió un romance entre Ron Wood y la primera dama Margaret Trudeau, que provocó una crisis en el gobierno. Los Stones siguieron rodando en tours durante los años 80 y lanzando cuatro discos con una calidad variada. En 1980 lanzan “Emotional Rescue” con el hit “She’s So Cold”; “Tatoo You” de 1981 con “Start Me Up”; “Stiff Life” de 1982; “Undercover” de 1983 y 282

“Dirty Work” de 1986. En ese año los Stones ganan un Grammy por su aporte a la música y en 1989 son introducidos en el Rock and Roll Hall of Fame. Las diferencias entre los dos cerebros del grupo se profundizaron aún más durante la década, mientras Jagger quería adaptarse a lo moderno, Richards pretendía seguir firme en sus raíces blas. Cada uno se dedicó a su carrera solista; Jagger y David Bowie lograron un número 1 con la canción “Dancing In The Streets” de 1985. En 1989, los Rollings se vuelven a reunir para grabar el álbum aclamado por la crítica “Steel Wheels” que fue calificado como mejor disco de la década y fue la base para una enorme gira mundial, la cual trajo consigo el respectivo disco en vivo llamado “Flashpoint” de 1991. En 1992 firman un contrato por 50 millones de dólares con Virgin Records por diez años, lo que deja ver que las intenciones de los Rollings era seguir creando suceso. Sorpresivamente ese año también, Bill Wyman anunció su renuncia al grupo. Después de barajar varios nombres (hasta Paul McCartney fue nombrado) no se lo reemplazó en forma definitiva, sino que se contrató para grabar y tocar en vivo a Darryl Jones, ex bajista de Miles Davis y Sting.

Durante los 90 editaron sólo dos álbumes de estudio: “Voodoo lounge” (1994) y “Bridges to Babylon” (1998), ambos fieles a la tradición Stone. Pero en esa década han hecho célebres sus apoteósicas presentaciones, llenas de luces y escenarios gigantescos, donde hace falta un ejército de personas, camiones, tractores, etc., para poner a punto solamente uno de sus conciertos, que dicho sea de paso siempre están llenos hasta el tope, con millones de entradas vendidas. Sus trabajos más recientes son el compilado “40 Licks” (2002), con el que

celebraron sus cuatro décadas de carrera, y el vivo “Live Licks” (2004). Retornaron en el 2005 con un nuevo disco de estudio: “A Bigger Bang”, uno de sus mejores trabajos en años, con el cual emprendieron una nueva gira mundial. Reconocida hoy como la “mayor banda de rock and roll del mundo” los Stones establecieron esa reputación gracias a sus increíbles actuaciones en vivo así como su extensivo catálogo de clásicos. Su controvertida y fascinante carrera ya ha superado los 40 años, pero todavía demuestran que tienen mucho para dar.

“Uno puede aprender todavía mucho de los Stones... Cuarenta años más tarde, siguen haciendo rock and roll. Hoy las bandas no duran ni siquiera cuatro años.” – Steven Van Zandt

Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood y Charlie Watts, son las estrellas de rock por antonomasia, son el mito, la leyenda, los padres de todos los grupos de rock, los inventores de este negocio, sus majestades los Rolling Stones. 283

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The Animals Blues desde el alma de Newcastle

A pesar de su corta duración, The Animals fueron uno de los grupos principales de la Invasión Británica y uno de los impulsores del blues boom en Gran Bretaña y en los USA.

The Animals fue quizás el grupo más devoto del blues que cualquier otra banda británica de blues de esa época. Originalmente el grupo se llamaba “The Alan Price Combo”, que con el ingreso de Eric Burdon en 1962, pasó a ser muy conocido en la ciudad natal de los integrantes, Newcastle. Todos los integrantes de la banda eran ya talentosos músicos: Chas Chandler el bajista abría casi todos los grandes éxitos de los Animals magistralmente y el organista Alan Price supo capturar el sentimiento del toque del gran Ray Charles, pero la verdadera personalidad de los Animals era Eric Burdon. Era petiso, rellenito y absolutamente apasionado 284

por lo que cantaba. Nadie se comparaba a él en cuanto a poner el alma en cada interpretación. Mick Jagger de los Stones o Keith Relf de los Yardbirds podían ser muy alagadores, pero cuando uno escucha a The Animals, es asaltado por la profunda y exigente voz de Burdon, él salpicaba de emociones a su audiencia. Burdon tuvo mucho que ver con la movida musical de mediados de los sesenta. Él fue “the eggman” en “I Am the Walrus” de los Beatles, fue también gran amigo de Jimi Hendrix y consiguió que The Animals fuera invitada al influyente Monterey Pop Festival. El grupo primigenio estaba formado por Eric Burdon como vocalista principal, Hilton Valentine en la guitarra,

Alan Price en teclados, Chas Chandler en el bajo y Joel Steel en la batería todos ellos ya eran “veteranos” de varias bandas de skiffle, R&B, jazz y rock and roll. Los Animals fueron descubiertos por Mickie Most, quien produjo sus primeros sencillos, todos ellos llegaron al Top Ten en la Gran Bretaña. En setiembre de 1964 sale “House of The Rising Sun”, logrando su primer hit en las listas de éxito de GB y de los USA, consolidando la “invasión inglesa” y rivalizando en fama con los Beatles y los Rolling Stones. También lograron gran suceso con un tema propio “Don’t Let Me Be Misunderstood”. Como muchas de las cosas buenas de estos años dorados, los Animals duraron muy poco. Fue la clásica incompatibilidad de genios: Alan Price se retiró para formar el Alan Price Set y los Animals reclutaron a Dave Rowberry. Otro que se fué era el manager Most, aún sin su guía, los negocios de los Animals continuaron

hasta su separación final en 1966, cuando Chas Chandler descubrió a Jimmi Hendrix. Después de su época bla versioneando clásicos del blues y R&B, Eric Burdon continuó con The New Animals, cambiando su estilo y formación, logrando esporádicos hits con un nuevo estilo psicodélico como “San Franciscan Nights” y “Monterey” acordes al espíritu del Flower Power que se vivía en California. Entre los de su última formación se encontraban el organista Zoot Money y el guitarrista Andy Summers, quien alcanzaría la fama como miembro de The Police. Los originales se reunieron para unas periódicas presentaciones en el Newcastle City Hall, y para dos álbumes, el “Before We Were So Rudely Interrupted” de 1976 y con el más notable “Ark” de 1983, además de promover una nueva versión de “House of the Rising Sun” en un tour mundial.

La carrera de The Animals tomó vuelo cuando se mudan a Londres y sacan su primer sencillo “House of the Rising Sun” a fines de 1964. Así se convierten en la segunda banda británica, después de los Beatles, en alcanzar un número 1 en USA. El tratamiento que le dieron los Animals y Eric Burdon al tema tradicional de folk, fue uno de los primeros golpazos de la Invasión Británica. El single era totalmente anticonvencional, tanto por su lírica (se trataba de un burdel de New Orleans) como por durar más de 4 minutos, lo cual para la época era muy largo para pasarlo por radio. “The House of the Rising Sun” lideró la cima de los singles en USA e Inglaterra durante tres semanas, más que cualquier otro hasta que lo desbancó “Can’t Buy Me Love” de Los Beatles.

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The Searchers

El grupo comenzó en 1960 como Johnny Sandon and The Searchers, pero su verdadero éxito llegó cuando Sandon deja la banda y el cuarteto graba su más recordado éxito “Needles and Pins” en 1964. En la foto: Johnny Sandon, Chris Curtis, John McNally, Mike Pender y Tony Jackson

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Los Searchers fueron uno de los grupos británicos más influyentes de los 60, y hoy todavía siguen liderando la pandilla, a través de tours en todo el mundo, recolectando premios y reclutando nuevos fans de todas las edades. The Searchers se formaron originalmente en Liverpool en 1960 como grupo acompañante de Johnny Sandon, y tomaron su nombre de un filme de John Wayne, pues todos eran “cowboys” fanáticos de las películas del oeste. Entre los fundadores estaban John McNally (quien sigue liderando el grupo hasta hoy), Mike Pender, Tony Jackson y el baterista Norman McGarry. Solían tocar regularmente en un club llamado Iron Door Club, pero hacia fines de 1961, Johnny Sandon dejó el grupo para unirse a The Remo Four, y McGarry fue reemplazado en la batería por Chris Curtis. The Searchers continuaron como cuarteto, tocando en el Iron Door, The Cavern y otros clubes de Liverpool, a veces llegando a realizar tres shows por noche. A comienzos de 1962 fueron a tocar

al Star Club de Hamburgo, la “mecca” del beat en Europa, llegando a presentarse durante 128 días. Al regresar de Hamburgo firman contrato con el sello Pye, bajo la dirección de Tony Hatch. Así fue que lanzan su primer sencillo “Sweets for My Sweet” en julio del 63, sin mucho éxito en ese momento. Su segundo intento “Sugar and Spice” escrita por Tony Hatch bajo el seudónimo de Fred Nightingale, alcanzó el número 2 en enero de 1964, seguido de su primer número 1, el famoso “Needles and Pins”, canción con la que también conquistan el mercado estadounidense. Este hit fue seguido rápidamente por otros como “Don’t Throw Your Love Away” y “Some Day We’re Gonna Love Again”. En el verano de 1964, en la cima de su éxito, Tony Jackson, vocalista y bajista, decide irse del grupo para formar The Vibrations, pero de lo que pudo ser un desastre aparece Frank Allen, quien todavía está en el grupo y es considerado como el mejor “front man” de la escena musical de los 60.

Frank compartía la voz principal con Mike Pender en su siguiente éxito “When You Walk in the Room”, seguido por otros sucesos en los siguiente años incluyendo “Goodbye My Love”, “What Have they Done to the Rain” y “Take Me for What I’m Worth”. En 1966, seguido de un intenso tour por las Filipinas, Hong Kong y Australia, junto a los Rolling Stones, los Searchers pierden a su baterista Chris Curtis quien decide dedicarse a la producción y composición. Curtis más tarde produjo para el dúo Paul and Barry Ryan y tuvo que ver en la formación de Deep Purple. Su lugar en la batería fue tomado por John Blunt, minetras los Searchers graban “Take It or Leave It”, “Have You Ever Loved Somebody” y algunos poco recordados simples y álbumes. En eso, cambian de sello, de Pye pasan a Liberty, y en diciembre de 1969 vuelven a cambiar de baterista. Durante los 70s los Searchers mantienen un perfil bajo, consiguiendo contratos de actuación en los lucrativos circuitos de cabarets. A finales de la década, los Searchers graban dos álbumes que saldrán en 1979 y 1980 ““Searchers” y “Play for Today” en UK y “The Searchers” y “Loves Melodies” en los USA, conteniendo grandes canciones como “Hearts in Her Eyes”, “Its Too Late” y “Loves Melody” bien recibidas por la prensa musical pero sonaban un poco pasadas de moda para los compradores de discos. Era el caso de la canción correcta en el tiempo equivocado. Pero en los 80s con el revival de la música de los sesenta, tuvieron un renovado impulso para su carrera. El mayor impacto que sufren The Searchers ocurre en 1985 cuando Mike Pender, vocalista líder por más de 20 años, decide dejar el grupo y formar sus propios Searchers, esta movida causa problemas y confusiones hasta hoy, con ambos grupos todavía activos en el mismo circuito.

John McNally, Frank Allen y el hijo de Billy Adam tuvieron que enfrentar este desastre en escena, pero cuando la música e los sesenta volvió a estar de moda, la fortuna volvió a sonreírles, especialmente con la entrada al grupo de Spencer James quien con su impresionante voz, su atractivo físico (con 10 años menos que los otros tres ) y su maestría en la guitarra, ayudó al grupo a volar a nuevas alturas a fines de los 80, especialmente con una gira por toda la Gran Bretaña y Alemania, así como el lanzamiento de un disco recopilatorio por su 25 aniversario “Silver Searchers”. Hasta hoy, los Searchers siguen tocando en circuitos nostálgicos y en numerosos conciertos por todo el mundo.

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The Who Rhythm & Blues al máximo

The Who en su primera época eran los abanderados del estilo mod y la música de Rhythm & Blues y Soul.

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Los Rolling Stones no fueron la única reacción musical a los Beatles, toda una nueva corriente musical focalizada en los recientes éxitos de R&B de los sellos Stax, Atlantic y el más importante Motown, se venía con todo. Los aderentes a esta nueva corriente se hacían llamar “modernistas” o acortando, “mods”. Los mods tenían sus exclusivos peluqueros, modistos, clubes y bandas. Tenían gran cuidado y orgullo de su apariencia, usando la última moda italiana

en trajes o zapatos, y sus peinados no requerían de trabajo manual o vaselina para el pelo. Las scooters (motonetas) eran su sello, “arregladas” con todo tipo de rios como espejos y defensas cromadas. The Who era el grupo del este de Londres que vio el valor de esta nueva corriente y adoptaron el “mod style”. Roger Daltrey como vocalista, Pete Townshend en guitarra, John Entwhistle en el bajo y Doug Sandom en batería formaron The Detours, donde hacían skiffle como todo el mundo en 1962. Pero hacia 1964 decidieron cambiar de rumbo musical y de baterista. Daltrey, Townshend y Entwhistle ya tocaban R&B en los pubs alrrededor del London’s Shepherd Bush, cuando conocieron a un pequeño “mod” seguidor de ellos. Keith Moon, era un alocado baterista y tenía 16 años cuando les pidió unirse a la banda. Cambiaron su nombre a The Who el cual mantuvieron por un tiempo. Como Keith Richards (de los Stones), Pete Townshend estudiaba en la escuela de artes. Su arrogante actitud hacia su trabajo se reflejó en la importancia que las artes visuales tenían en la música de los Who. Se hicieron sentir en el mundo musical gracias a su estilo mod en el vestir y una fuerte influencia del pop art, y ganaron popularidad con sus fuertísimas presentaciones en vivo, donde Pete Townshend destrozaba su guitarra contra los parlantes y seguido por Moon que hacía lo mismo con su batería. Impresionado por la energía del grupo y las canciones de Townshend, el empresario Peter Meaden les ofreció ser

su manager, y como primera medida fue cambiar el nombre a “The High Numbers” un término utilizado por los mods para decir “estilo”. Al principio el repertorio de los High Numbers eran covers de enérgicos R&B que hiban de James Brown a Bo Diddley. Meaden escribió para ellos el tema “I’m The Face” que grabaron en el sello Fontana, pero no tuvo ninguna repercusión. Entonces aparecen dos directores de cine, Kit Lambert y Chris Stamp que estaban haciendo un documental sobre el fenómeno mod, cuando vieron actuar a los High Numbers, inmediatamente le ofrecen 500 Libras a Meaden para dejarles el puesto de manager. Los nuevos managers dejaron que el grupo vuelva a llamarse The Who, le consiguieron un contrato de actuación en el prestigioso Marquee Club y firmaron un contrato con el sello Brunswick donde realizaron su primer gran éxito, “I Can’t Explain”. Townshend comenzó a tomarse en serio lo de escribir y lo utilizó como vehpiculo para expresar sus ideas sobre la cultura joven; alienación, confusión, abuso de anfetaminas y rebeldía contra las autoridades eran temas comunes en sus

canciones. Después de algunas dificultades, incluyendo el despido por la EMI, eventualmente consiguieron otro trato a través de Shel Talmy, un productor independiente, que negoció un contrato con DECCA de los USA. “I Can’t Explain” llegó al número 8 en Gran Bretaña en 1965 logrando que la banda aparezca en los programas Ready Steady Go! y Top Of The Pops. Otro single, “Anyway, Anyhow, Anywhere” resultó un puesto

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Luego del éxito de “I Can’t Explain” el grupo es invitado a tocar en todos los shows televisivos para los jóvenes en Inglaterra. Aquí aparecen actuando en “Ready Steady Go”

número 10, justo cuando el movimiento mod empezaba a perder su fuerza; el tema fue el primero en utilizar las distorsiones en la guitarra, lo que causó desconcierto en los oyentes, los mismos empresarios de DECCA pensaban que era un error de grabación. La banda tomó realmente fuerza cuando realizan su enojado, ruidoso, pesado y gritón “My Generation” a fines de 1965, a partir de ahí cada paso que daban los Who se convertían en más fama y respeto. “My Generation” llegó al puesto número 2 en los charts ingleses. Pete Townshend, decía que cuando The Who aparecía en escena, “nuestra rabia no es sólamente propia. Nosotros reflejamos cosas que realmente están sucediendo.” My Generation es una declaración de la ruptura de la juventud con el mundo de los adultos. Roger Daltrey gruñe “I hope I die before I get old...” (más vale muerto que viejo) y la fastidiosa frase “why don’t you all ff-f-fade away”, todos se daban cuenta que no quería decir realmente “desaparece” la canción se convirtió en un himno 290

anti-establishment. Encima de todo, sus apariciones en escena se volvieron más extravagantes, la total destrucción de los equipos se volvió una cara costumbre común, además de ser material abundante para la prensa; Townshend inauguró su “molino de viento” que hacía con su brazo al tocar la guitarra lo que hacía delirar a la audiencia, él decía que lo había tomado de Keith Richards cuando se “calentaba” para comenzar a tocar, años después cuando Pete le preguntó a Keith qué pensaba de este “robo”, Keith respondió que no tenía idea de que estaba hablando. En diciembre de 1965 la banda lanza el álbum “My Generation” llegando al Top 5. En los siguientes singles, las canciones de los Who se volvieron más sofisticadas y las letras más punzantes, como “Substitute” (número 5), “I’m a Boy” (número 2) y “Happy Jack” (número 3). En diciembre de 1966, el álbum “A Quick One While He’s Away” se convirtió nuevamente en número 5, el exitoso álbum incluía una mini-ópera rock de 9 minutos que llevaba el mismo título del álbum y que predecía el giro que tomaría la banda. Keith Moon siempre fue el centro de atención, aún cuando estaba siempre atrás del resto del grupo, a mediados de

los sesenta era visto como un pulpo tras la batería, resoplando y salpicando sudor con un exasperante movimiento. Roger por su parte aprendió a hacer girar su micrófono como un remolino, a lanzarlo por los aires en una vuelta para traerlo de vuelta a sus manos, listo para el siguiente verso, y a no olvidarse de los impresionantes saltos que hacía Pete. Su aparición en el Festival Monterey Pop en junio del 67 les habrió las puertas de par en par al mercado norteamericano. “I Cant See For Miles” llegó al puesto 10 a ambos lados del Atlántico, mientras “The Who Sell Out” (1967) que contenía temas unidos por comerciales de radio alcanzaba buena venta también. Townshend comenzó entonces a trabajar en una ambiciosa ópera rock en la primavera de 1968, que se materializó como “Tommy” en 1969. “Pinball Wizard”, el single de avance, entró a los Top 5 y el doble álbum concepto llegó al puesto 2 en Gran Bretaña y al 4 en los USA. “Tommy” relataba la surrealista historia de un joven sordo, ciego y mudo, cuyo único talento era jugar en las máquinas de pinball. El se convirtió en un líder tipo gurú de una cuasi-religión alrrededor del pinball, pero que finalmente fue rechazado por sus propios discípulos. El álbum recibió muy buenas críticas, en especial de un columnista del New York Times que describió a “Tommy” como la primera obra maestra de la música pop.

Los Who sólo tocaron “Tommy” en su totalidad en dos ocasiones, pero en 1972 Townshend coordinó una nueva grabación con la participación de la London Symphony Orchestra y de otros artistas como Rod Stewart, Steve Winwood y otros. En 1975, Ken Russell produjo el film “Tommy” con la actuación de Tina Turner protagonizando a la “Acid Quuen” y Elton John como el “Pinball Wizard”; Moon y Daltrey también actuaron en la película.

Townshend se convirtió en un vocero de sus fans. Utilizando la prensa musical para atacar a las personas que decían que los Who hacían música demasiado compleja o sobre-producida, además de mordaces comentarios sobre los Beach Boys diciendo que ellos mostraban un mundo de flores, mariposas y chicles de frutilla. El mundo real estaba afuera, en las calles, tomándose unas cervezas y conociendo a los jóvenes. 291

LA ERA DEL ROCK

Otra de las innovaciones hechas por los Who fue la ópera rock, que se inauguró con el lanzamiento de “Tommy” en 1969.

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Las controversiales actuaciones en los festivales de Woodstock y la Isla de Wight elevaron a la banda al status de leyenda. Después del laborioso “Tommy”, en 1970 la banda graba “Live At Leeds” (número 3 en GB y 4 en USA) un álbum cargado de poderoso R&B, chillona audiencia y explosivas guitarras. Este es considerado por muchos como el mejor álbum en vivo de todos los tiempos. El siguiente álbum “Who’s Next” (1971) llegó al número 1 en GB y al 4 en USA, la banda comienza a utilizar sintetizadores y la banda obtiene un sonido más refinado. Mientras la próxima ópera rock se terminaba, se lanzan al mercado tres nuevos singles,

“Let’s See Action”, “ Together” y “Relay” ayudando a mantener un alto perfil de la banda. En noviembre de 1973, el ambicioso “Quadrophenia” llega al número 2 en GB y los USA y llevó a la inevitable comparación con “Tommy”. Se trataba de otro doble álbum conceptual, sobre la vida de Jimmy, un adolescente mod que buscaba el verdadero significado de la vida. A pesar del éxito del álbum, los singles que le siguieron no tuvieron ese resultado. En 1979 se realiza la versión fílmica de “Quadrophenia” bajo la producción y dirección de Franc Roddam. En 1974, se realiza “Odds And Sods” un compilado de temas no editados de la década anterior. En 1975 sale “The Who By Numbers” sugiriendo un cambio en

las letras de Townshend hacia un estilo menos filoso. Con el advenimiento del punk, contra toda expectativa, el grupo se redescubre a si mismo con el más confidente y agresivo “Who Are You” (1978) llegando al puesto número 6 en GB y al 2 en USA. La tragedia toca a la puerta en septiembre de 1978, cuando Keith Moon muere por una sobredosis de drogas, irónicamente recetadas para tratar su fuerte alcoholismo. Desdpués de una seria confrontación con los hechos (Keith era muy querido por todos, especialmente por Townshend), el trio remanente decidió conti-

nuar y reclutar al ex baterista de los Small Faces, Kenney Jones. Entonces graban “The Kids Are Alright” (1979), seguido de un doble álbum llamado “Face Dances” (1981) representando una nueva etapa en el grupo, logrando un número 2 en GB y número 4 en USA, el suceso es confirmado más tarde con “It’s Hard” (1982) su último álbum de estudio. En diciembre de 1982 la banda se deshace después de un gigantesco tour de despedida por todos los USA. La banda se volvió a unir para el concierto benéfico de Live Aid en 1985, causando gran sensación, y nuevamente en 1989 para un lucrativo tour para celebrar su 25 aniversario, seguido por el álbum en vivo “ Together”. Aunque en algunos aspectos deslucida, la leyenda de The Who todavía vive; su resplandeciente y agresivo estilo ha influenciado a muchas generaciones de músicos a través de los años y sus características “marcas registradas” han sido copiadas hasta el cansancio pero raramente igualadas.

The Who es todavía uno de los más grandes y duraderos grupos de rock, probablemente sólo detrás de los Rolling Stones. No han parado de llenar estadios y dejar audiencias exhaustas, cosechando nuevos fans en todo el mundo. 293

LA ERA DEL ROCK

LA MODA DEL ROCK Y DEL POP INGLÉS El suceso de los Beatles en especial en su propio país, tuvo largos efectos en toda la industria musical británica. Desde tener una pléyade de imitadores del rock and roll norteamericano sólo pocos años antes, la música británica era ahora la nueva locura de toda una generación de jóvenes a ambos lados del Atlántico. Detrás del enorme éxito de los grupos ingleses, estaba toda una revolución cultural, virtualmente explotando dentro del “edificio victoriano” que había conseguido mantenerse de pie tras la Segunda Guerra Mundial, pero ahora entraba en un colapso total. La amargura de dos conflictos mundiales y el decaimiento del glorioso imperio colonial, no fueron suficientes para mantener la estructura de clases que era el alma del sistema social británico. Bastó un soplo de prosperidad y hedonismo a mediados de los años 60 para derrumbar ese castillo.

The Swinging London... no se trata de un grupo musical, sino de una era inaugurada por una serie de acontecimientos y sobre todo, una moda, que se extendería por todo el mundo dejando París y Roma la posta al “nuevo Londres”. 294

Las nuevas generaciones, aún dentro de las clases obreras, tomaron el camino de la sensación y el consumismo. La moda pasó a ser parte de esta nueva filosofía de vida, la forma de vestir o qué usar llegó a ser la obsesión nacional. Cuando en 1962 el Sunday Times lanzó su primer suplemento en colores, escogió como tema de tapa a la modelo Jean Shrimpton y a la diseñadora de modas Mary Quant, que cambiaría el comportamiento de la mujer con la creación de la minifalda. Esta modelo además de la anteriormente mencionada Twiggy, dictarían la silueta femenina de los años 60. La fascinación del público por los fotógrafos de moda, los convertían en estrellas, con Lord Lichfield y David Bailey a la cabeza. Londres se convertía en un imán para los nuevos estilistas. También las peleas que daban pánico en los balnearios ingleses protagonizados por los mods y los rockers, básicamente dos estilos opuestos de vestir. Los “mods”, aspirantes a la clase media, eran los nuevos dandis, con sus trajes oscuros y recorte a lo Beatle, los “rockers”, viviendo en la semimarginalidad, formaban bandas de motoqueiros que usaban chaquetas de cuero y jeans, al viejo estilo de Marlon Brando. Por otra parte, la sobria vida política se vería sacudida al descubrirse al ministro del gabinete John Profumo en un escándalo sexual con dos “call girls” en 1963. La impasible fachada del duro moralismo gubernamental se caía a pedazos. Pero fue la música la que marcó aquellos vibrantes y creativos años. No sólo de Beatles vivía el rock inglés. Brian Epstein seguía los pasos de Larry Parnes al levantar el negocio del “management” de

los mejores artistas de Liverpool. Uno de ellos era Gerry and The Peacemakers, el primer grupo del “Merseybeat” en conseguir un número 1 con el single “How Do You Do It?”, originalmente ofrecido por George Martin a los Beatles para su segundo single. Epstein tenía también otros sucesos bajo la manga, incluida Cilla Black, frecuentemente votada como la mejor cantante femenina en la prensa musical, y Billy J Kramer, quien llegó a ser serio aspirante al “nuevo Elvis”. Pero así como el gran éxito de las estrellas de Liverpool, el duro sonido del R&B y del Blues comenzaba a encenderse por todo el país. Tomaría el relevo de la escena underground británica. No todo era Rock and Roll y Blues en Inglaterra, también florecían otras corrientes más adaptables a todos los gustos. De esta época dorada de la música británica era Tom Jones, que en 1965 se hizo mundialmente famoso con su tema “It’s Not Unusual”, era considerado el Elvis británico, pero demostró brillar con luz propia. Jones originario de Gales, era el favorito de las amas de casa británicas, pero pronto se instaló en los USA e hizo carrera en Las Vegas y en la TV como el “entertainer” mejor pagado, apareciendo tambien esporádicamente en las más diversas películas, trayendo de nuevo su música al gran público. Precisamente a finales de los noventa volvió con todo, renovando viejos éxitos al gusto actual como “She’s a Lady” y otros. Entre las mujeres también figuraban Dusty Springfield, que con su dulce voz derretía los corazones enamorados; se la considera la mejor cantante de soul blanco y era respetada aún por los rockeros británicos. Otra de las preferidas era Petula Clark, cantante de voz profunda y emocionante al estilo Broadway dirigido a un público más adulto. A continuación hablaremos de aquellos grupos ingleses que se engancha-

ron a la invasión de los “grandes”, pero pudieron sobresalir por cuenta propia, además de instaurar un periodo de la historia del rock en que lo inglés estaba de moda.

Billy J. Kramer, Cilla Black y Gerry Marsden (de los Peacemakers) disfrutando del éxito y mostrando orgullosos sus discos de oro.

Tom Jones fue primero otro Elvis local, luego brilló con luz propia gracias a éxitos como “It’s Noy Unusual” o “She’s A Lady”, hizo carrera en Las Vegas y sigue siendo uno de los entertainers mejor pagados del mundo. 295

LA ERA DEL ROCK

Gerry and the Pacemakers

Gerry & the Peacemakers era el “otro” grupo que dirigía Brian Epstein, fue el primero en lograr que sus primeros 3 singles lleguen al número 1. Aquí los vemos en compañía de Brian Epstein y el productor George Martin.

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Brian Epstein, manager de los Beatles tenía otro as bajo la manga, se trataba del chispeante grupo Gerry and the Peacemakers, formado por Gerry Mardsen en voz y primera guitarra; Les Chadwick en bajo; Les Maguire en teclados y Fred Mardsen en batería. Genuinos representantes del llamado Mersey Beat, estilo al que daba nombre el río Mersey de la ciudad portuaria de Liverpool. Dirigidos a los adolescentes, tenían un gran repertorio de más de 20 hits en el círculo de clubes de Liverpool a principio de los 60, Gerry y su grupo eran también habitués de The Cavern, llegando a ser la principal atracción cuando los Beatles se fueron a “otra cosa”. En 1963 Gerry and the Peacemakers consiguen sus primeros número 1 con sus primeros tres sencillos: “How Do You Do It”, “I Like It” y la balada “You’ll Never Walk Alone” (Nunca caminarás solo) originalmente perteneció al musical “Carousel”, estrenado en Broadway en 1945 compuesta por Richard Rogers y Oscar Hammerstein;

los seguidores del equipo de fútbol del Liverpool la hicieron suya y la han estado cantando desde entonces. “I’m The One” escrita por Mardsen no tuvo el éxito esperado, pero “Don’t Let The Sun Catch Your Crying” escrita para su novia, consigue el Top 10 a ambos lados del Atlántico. El grupo pasó también por el cine, en el musical “Ferry Cross The Mersey”, cuyo tema principal, también escrito por Mardsen es otro de sus temas clásicos. Gerry se separa del grupo para seguir en solitario, actúa en el musical “Charlie Girl” y en programas infantiles de TV. En los setentas regresa a los circuitos de cabarets y teatros con diferentes y más jóvenes Peacemakers.

Freddie and the Dreamers Freddie and the Dreamers fue otro de los grupos prominentes de la primera oleada del pop británico. Más apreciado por sus alocadas presentaciones en vivo y por su peculiar líder Freddie Garrity. Freedie nació en Manchester en 1940 y pasó su adolescencia en varios grupos de skiffle. Más tarde con su grupo formado deciden recorrer todos los clubes en busca de la fama, se volvieron populares gracias a sus actuaciones mitad acto cómico mitad musical. Hacia 1961 nombran al grupo Freddie and the Dreamers que incluía a Derek Quinn en guitarra líder, Roy Crewsdon en segunda guitarra, Pete Birrell en bajo y Bernie Dwyer en batería. Luego de una aparición en un programa televisivo infantil consiguen un contrato con BMI/Columbia. A partir de allí empiezan a grabar sus canciones, algunas escritas por Mitch Murray (quien escribía para Gerry and the Pacemakers) y otras por el propio Freddie Garrity. Entre 1963 y 1964 logran poner varios temas

en el Top Five, entre ellos “If You Gotta Make A Fool Of Somebody”, seguido por “I’m Telling You Now”, “You Were Made For Me” y un cover de los años 50 “I Understand (Just How You Feel)”. Para 1964 ya establecidos hacen un exitoso tour a los USA. A comienzos de 1965 el tema “I’m Telling You Now” se convierte en su primer hit en América. También hacen la pasada por la TV y popularizan por un tiempo el baile “The Freddie” acompañado de la canción “Do The Freddie”, en 1965, que fue su último hit en Estados Unidos. Cuando retornan a Inglaterra, la escena musical había cambiado y Freddie and the Dreamers se separan al comenzar los 70.

The Yardbirds Este es otro de los grupos que nacieron con el embate del blues y el R&B a comienzos de los 60. Pero no se trata

símplemente de otro grupo más, sino que son los “culpables” de introducir al mundo del rock a tres de los más grandes guitarristas de todos los tiempos, Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page todos ellos crearon a su vez varias excepcionales bandas. Corría el año 1962 cuando Keith Relf (voz principal y armónica), Anthony “Top” Topham (guitarra principal), Chris Dreja (guitarra rítmica), Paul Samwell-Smith (bajo) y Jim McCarty (batería) comenzaron a tocar buen blues en reemplazo de los Rolling Stones en el Crawdaddy Club en Richmond, poco después Topham fue reemplazado por un tímido pero excepcional guitarrista embuido del más puro blues, Eric Clapton. Los Yardbirds eran uno de los tres grandes del blues británico, junto a The Animals y los Sto-

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LA ERA DEL ROCK

Con Eric Clapton, los Yardbirds tuvieron su época más bla, pero Eric fiel a su estilo musical se retiró cuando la banda quería tomar un rumbo más popular.

En 1965 con Jeff Beck como guitarrista principal, los Yardbirds tomaron un nuevo ímpetu cosechando grandes éxitos. 298

nes. Cada uno de ellos tenían su nicho especial, y los Yardbirds demolieron a la competencia con sus espectaculares guitarristas y la voz y armónica bla de Keith Relf. Los primeros singles de la banda y el álbum debut “Five Live Yardbirds”, se vendieron moderada-

mente, pero el primer gran éxito de los Yardbirds fue “For Your Love” lanzado en 1965. La fama de los Yardbirds comenzaba a crecer a la par que la reputación de Clapton. Pero éste decidió partir porque pensaba que la banda se había vuelto muy comercial y se alejaba de las verdaderas raíces del blues. Esto no afectó demasiado a la banda, pues rápidamente trajeron a Jeff Beck como su reemplazo, llegando al tope de su éxito entre 1965 y 1966 con increíbles trabajos guitarrísticos como “Heart Full Of Soul”, “Still I’m Sad”, “Evil Hearted You”, “Shapes of Things” y “Over Under Sideways Down”. Esto fue seguido por el excelente álbum “The Yardbirds” en 1966. Samwell-Smith dejó la banda para convertirse en un exitoso productor musical, y Jimmy Page fue reclutado inicialmente como bajista. Otros éxitos como “The Train Kept A Rolling” seguirían consolidando el éxito de la banda, hecho que se vió reflejado

con la aparición del grupo en la película “Blow Up”. Su sonido era perfecto para dar forma al animoso espíritu, al “mod style” y la indiferencia del Swinging London que Antonioni quería retratar en el filme. Pero después del psicodélico “Happenings Ten Years Time Ago” y un cargado tour por los USA, Beck fue expulsado de la banda por supuestos problemas con drogas y alcohol que perjudicaban su performance. Poco después él formó The Jeff Beck Group, y los Yardbirds continuaron como cuarteto con Page como guitarrista hasta su desbande en 1968. Luego Page se embarcó en el proyecto que daría a luz al monstruo sagrado del Hard Rock llamado Led Zeppelin, y Relf y McCarty formaron Renaissance. McCarty, Samwell-Smith y Dreja, con el guitarrista John Knightsbridge, se reunieron para tocar en el Marquee Club con motivo de su 25 aniversario en 1983. Siempre que se menciona a los Yardbirds, Clapton, Beck y Page son mencionados al mismo tiempo, pasando por alto que la gema del grupo era realmente

Keith Relf. Aunque no tenía el melodrama blo de los Animals o Them, su voz era perfecto complemento para el metálico sonido de sus guitarristas. Más que eso, tenía un gran talento para tocar la armónica bla. Su trabajo en “Smokestack Lightning” es probablemente la mejor actuación en vivo de los Yardbirds.

Ya en la recta final, los Yardbirds se pasaron a la experimentación psicodélica de la mano de Jimmy Page.

The Kinks Eran los poetas del Brit Pop, hombres respetados, The Kinks, llegaron a su máximo a mediados de los sesenta y comienzos de los setenta, pero, con el compositor Ray Davies, obtuvieron el estatus de “culto” por el resto de los setenta y renovaron su popularidad en los 80’s. Fueron uno de los más apreciados grupos por causa de sus letras. Uno de los autoproclamados fans del grupo, Pete Townshend dijo, “The Kinks son como mucho la quintaescencia del inglés. Siempre pienso en Ray Davies como un laureado poeta. El inventó una 299

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Ray Davies, Dave Davies, Pete Quaife y Mick Avory fueron la formación clásica de los Kinks. Apareciendo aquí con sus típicos trajes gamuzados rojos y camisas victorianas blancas.

nueva forma de poesía, un nuevo tipo de lenguaje para el pop que me ha influenciado desde el cominezo.” Raymon Douglas Davies y su hermano Dave fueron el núcleo de The Kinks desde sus comienzos tocando en bailes de debutantes en Londres bajo el nombre de The Ravens. A comienzos de 1964 cambiaron su nombre y firmaron contrato con el sello Pye. Su primer single, una versión de “Long Tall Sally”, tenía mucho de los Beatles, pero no fue así con su segundo single “You Do Something To Me”, que logró llamar la atención del público. Fue su tercer esfuerzo, la primera canción escrita por Ray Davies llegó a ser un hit. “You Really Got Me” tenía ese riff guitarrero parecido al “I Can Explain” de los Who, sonido logrado en este caso, agujereando los parlantes con un lápiz. El grupo cultivó una imagen de elegancia de sastrería, apareciendo a veces uniformados como para salir de cacería de zorros a caballo. Fueron una de las bandas en tomar la primera ola de la invasión 300

a los USA en 1964, gracias a sus hits “You Really Got Me” y “All Day and All Night” que seguía la misma formula. Enfundados en su uniforme típico, sacos rojos y exhuberantes cuellos blancos, además de la propuesta afeminada de Ray y el largo cabello de Dave (¡mucho más largo que el de los Beatles o de los Stones!) el grupo parecía un manojo de andrójinos dandies ingleses. Ellos eran al mismo tiempo, como muchas de las bandas de la primera época de la invasión británica, tendiendo un puente entre los rockers y los mods,

con su violento estilo mod y su duro sonido rock con letras simplistas. Fueron también pioneros en la búsqueda de nuevos sonidos como “See My Friends” con un típico sabor Hindú. Sin embargo, Ray Davies, rápidamente empezó a escribir letras más maduras e introspectivas. Esto produjo algunas de las más originales, provocadoras y bellas canciones de la segunda mitad del siglo 20. En 1966 The Kinks realizan “Waterloo Sunset”, cuya última canción del álbum “Something Else”, es quizás una de las más bellas baladas en la historia del rock. “Waterloo Sunset” utiliza apaciblemente, la imaginería y el simbolismo de un río para hacer una pintura de una solitaria belleza, un viaje tranquilo y otras hermosuras que Ray Davies narra con su delicada voz, apoyado por un suave trabajo vocal de Dave y Rasa, que en ese momento era la aesposa de Ray. Otra joya del mismo molde es la canción “Days”, la canción suena como un brillante rayo de luz atravezando la triste figura de Ray al tocarla. Durante la segunda mitad de los años sesenta, The Kinks, saltaron del paquete de estrellas pop para glorificar sus raíces inglesas con canciones como “Victoria” y “Village Green Preservation Society”, que no tuvieron la aceptación de sus primeros trabajos. Aún así, los Kinks seguían apareciendo en los charts con “Sunny Afternoon”, “Waterloo Sunset” y “Lola” de 1970. En ese tiempo, el bajista Pete Quaife dejó la banda y fue reemplazado por uno de los muchos bajistas que pasaron por la banda. Ray Davies seguía incrementando sus grandilocuentes ideas, patentes en temas como “Arthur Or The Decline And Fall Of The British Empire” (1969) y “Preservation” de 1973, convirtiendo a la banda en simples acompañantes. En los 70’s The Kinks lanzaron álumes como “Everybody’s in Show-Biz” y “Ce-

lluloid Heroes” haciendo una crónica de la vida de una estrella de rock. La banda siguió madurando y sus canciones los separaban de otras bandas de la época. Cuando los Stones cantaban “Brown Sugar” y “Some Girls”, Davies y los Kinks cantaban “Sitting in My Hotel” y “Acute Schizophrenia Paranoia Blues”. Los Kinks continuaron teniendo gran suceso en los 80’s, llegando otra vez a los charts con “Come Dancing”. Hoy en día los cultistas de los Kinks están más fuertes que nunca, no importandoles si tienen un nuevo hit o no. Ese nunca fue de todos modos el punto para los Kinks, ellos simplemente aullan: “God Save The Kinks”.

Los Kinks, convertidos en leyenda, no eran precisamente dueños de los charts ni tenían nuevos hits cada mes, pero ese nunca fue el punto.

The Small Faces Muchos grupos como los Who habían adoptado la onda mod, pero hubo un grupo que realmente emergió de la escena mod, ellos eran clamorosos, jóvenes, matadores, vestían a la última moda, eran los Small Faces. Ronnie Lane era la “cara” del grupo, el que mejor se vestía y lucía. Sus amigos, Kenny Jones y Steve Marriot, utilizaban las mismas ropas, iban a los mismos clubes, bailaban 301

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Steve Marriott fue el alma de los Small Faces y guitarrista legendario.

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la misma música y tomaban las mismas píldoras, y su primer single fue realizado poco antes del debut de los Who. The Small Faces comenzaron a principios de 1965 en el East End de Londres, aunque Ronnie Lane de 18 años ya había tocado con The Outcasts. Lane en bajo, Jones a la batería, Marriot en guitarra y Jimmy Winston en teclados, lograron instantáneo suceso con “Watcha Gonna Do About It” a fines

de 1965. Winston fue reemplazado en noviembre de 1965 por Ian McLagan, creando la formación que duró hasta 1969. Desde el principio, la imagen mod fue importante para la banda. Su nombre, venía del hecho de que todos eran mods (todos eran “faces”, o sea los máximos mods). Como muchos grupos mods de la época, los Faces eran fuertemente influenciados por la corriente Soul que venía de Norteamérica, como Booker T and The MG’s, Ray Charles o Sam Cooke. En 1965 The Small Faces fueron catapultados al estrellato pop, sus fotos aparecían en incontables revistas y en las paredes de sus fans. Con su ropa cuidadosamente elegida y su buena apariencia, el grupo hizo legiones de iradoras adolescentes y muchos hits que llegaron a los Top 10 en Gran Bretaña, como “Sha La La La Lee”, “Lazy Sunday”, “All Or Nothing” (tema que desbancó a “Yellow Submarine” del número 1 en 1966), “Itchycoo Park”, éxito mundial y “Tin Soldier”, una obra maestra del pop. Hoy, The Small Faces son un invalorable valor para los amantes del rock británico de la era del auténtico R&B mod. No se necesita ir muy lejos de los aullidos del alma de Marriot, las líneas de bajo maestras de Lane, la batería soul-jazz de Jones y el auténtico sonido gospel del “hammond” de McLagan. El talento sumado de Marriott y Lane para componer, era otra de las llaves importantes de la música de los Small Faces. A pesar de que muchas de sus canciones no eran originales, supieron crear intensas melodías que fueron más allá de lo que los originales compositores del soul y blues hubieran pedido. Escuchando por ejemplo “Don’t Stop What You’re Doing” se puede apreciar las raíces de la música alternativa de hoy día. El grupo comenzó su etapa psicodélica cuando cambiaron de sello discográ-

Luego de la partida de Steve Marriott a fines de los 60, la banda se transformó en The Faces, con la adición de Rod Stewart y Ronnie Wood, quien saldría en 1975 para irse con los Rolling Stones.

fico y firmaron con Inmediate en 1967. Canciones como “Tin Soldier Man”, “Talk to You” y “Afterglow” son una extraña combinación de flower power y soul sin pretenciones que muchos grupos intentaron copiar, pero fallaron miserablemente comparados con los Small Faces. El grupo original se disolvió en 1969, cuando Marriott dejó el grupo para formar Humble Pie con Peter Frampton. Resurgieron como The Faces, con Rod Stewart en la voz y Ron Wood en la guitarra. Continuaron con éxitos como “Ooh La La” hasta su separación final el 1973. La carrera musical de Ronnie Lane se paró bruscamente al sufrir de esclerosis múltiple y Steve Marriott murió en 1991, dejando a los fans sin esperanzas de una reunión futura.

un público netamente adolescente y comercial. La diferencia se notó en 1976 cuando la música de los Monkees fue revalorada en tanto que los Herman’s tardaron más de 30 años en reivindicarse. Por supuesto, esta falta de respeto no tenía relevancia en cuanto a su éxito real: 20 singles llegaron al menos entre los Top 40 en Inglaterra y USA entre 1964 y 1970, 16 de ellos entre los Top 20 y muchos entre los Top 10 también.

The Herman’s Hermits Los “Ermitaños de Herman” fueron uno de esos grupos que cosecharon miles de fans pero muy poco respeto. Su éxito es siempre comparado con los norteamericanos Monkees, dirigidos a 303

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Los Herman’s Hermits liderados por Peter Noone (al frente, abajo) se hicieron un nicho en el mercado explotando la fórmula “exclusiva” para adolescentes.

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La historia comienza cuando un chico llamado Peter Noone estudiaba musica y actuación en la Manchester School of Music, y en 1963 comenzó a cantar en una banda local llamada The Heartbeats con los guitarristas Karl Green, Derek Leckenby y Keith Hopwood, y el baterista Barry Whitwam, como muchas bandas del momento, tocaban en cuanta fiesta podían, esperando ser descubiertos; aparecen entonces dos managers, Harvey Lisberg y Charlie Silverman quienes vieron el potencial de los muchachos e hicieron el cambio de nombre a The Herman’s Hermits teniendo a Noone como “Herman”. En 1964 hacen su primer golpe cuando sus managers invitan al productor Mickie Most a que los escuchara, bajo las alas protectoras de Most realizan un contrato con la EMIColumbia en GB (en USA lo hacen con la MGM) y lanzan su primer single, “I’m in to Something Good”, tema compuesto por Carole King y Gerry Goffin, que les lleva al número 1 en los charts británicos y al 13 en los USA. La banda sigue entonces a los Beatles en un tour por los USA en 1965, donde ya la juventud había saboreado el gusto inglés; el resultado fue que los Herman’s Hermits tuvieron éxito instantáneo. Lograron meter

seis singles entre los Top Ten y gracias a la canción “Mrs. Brown You’ve Got A Lovely Daughter” les dieron un papel en la película para adolescentes “Where’s The Boy Are” con Connie Francis, la canción gustó tanto a los productores de la MGM que lo lanzaron como single en los USA vendiendo 14 millones de copias. Continuaron de gira por los USA seguidos por miles de gritonas fans adolescentes, pero en Inglaterra eran desdeñados por la prensa musical “seria”. A pesar de Aunque éstos ya estaban hartos de sus cancioncillas pop, sus discos se vendían como pan caliente. Sus hits de 1966 que llegaron a los Top Ten en los USA incluían “I’m Henry the VIII I Am”, “Can’t You Hear My Heartbeat”, “Silhouettes”, “Wonderful World” de Sam Cooke, “Just A Little Better”, “Listen People”, “Dandy”, “A Must To Avoid”, “Leaning On The Lamp Post”, y por supuesto uno de sus más grandes éxitos “Bus Stop”. Pero en la GB sus éxitos no eran tan impresionantes hasta la llegada de “No Milk Today” que los puso nuevamente en los charts ingleses. Ese mismo año volvieron a la pantalla gigante con la comedia Hold On! (1966) con Shelley Fabares, donde se mezclaba su propia historia con un viaje espacial. Para finales del año, su éxito comenzó a declinar, incluso en los USA. Los productores Bert Schneider y Bob Rafelson, en conjunto con la NBC y Columbia Pictures Television, realizaron una serie televisiva creando un grupo de pop/rock específicamente para la misma, eran los Monkees, quienes explotarían la misma corriente que le había dado tanto éxito a los Hermits. Para fines de 1966 los Monkees ya habían vendido millones de discos, robándole protagonismo a los muchachos británicos. Aún así, los Herman’s Hermits logran otro éxito en GB con “There’s A Kind Of Hush” llegando al número 7 y al 4 puesto en los USA;

Los Herman’s Hermits en los camerinos junto a la soulera Dusty Springfield.

este éxito lo repitieron años más tarde con la misma canción los Carpenters. Cuando la escena musical se dividió en “rock” y “pop” en 1967 y el gusto por el pop declinó hacia el folk rock y la psicodelia, los éxitos comenzaron a decaer rápidamente. Antes de su final, lograron mantenerse por un tiempo en el mercado gracias a la interpretación de “Museum” por el cantante Donovan y por una sosa película. El grupo fue desacelerando y finalmente se separaron en 1971, seguido por las típicas batallas legales.

The Hollies Los Hollies fueron otra de las bandas populares de Manchester, con una larga carrera en los charts. Comenzaron haciendo covers de canciones como “Just One Look”, pero después escribieron con éxito sus propias canciones. Los Hollies incorporaron sonidos folk y country rock. De hecho el grupo se llamó así por su ídolo Buddy Holly. Varios de sus eran muy buenos compositores y letristas,

componiendo para artistas del calibre de los Everly Brothers. Aunque no tuvieron la enorme fama de los Beatles, compusieron muchas canciones de éxito. Cuando comienzan a grabar en 1963, ya eran músicos de peso dentro de bandas que cultivaban el R&B y los primeros rocks llegados de los USA. Pronto desarrollaron su más distintivo estilo de armonías vocales a 3 voces (influenciados fuertemente por los Everly Bros.), resonantes guitarras y alegre material compuesto por Graham Gouldman y ellos mismos. Sus mejores trabajos de los comienzos evocan a los principios de los Beatles, demostrando una capacidad similar para crecer artísticamente. Allan Clarke (voz principal) y Graham Nash (voz y guitarra) eran amigos de infancia en su Manchester natal, formando el núcleo principal de los Hollies a principios de los 60 con el bajista Eric Haydock. A principios de 1963, el productor de la EMI, Ron Richards firma con el grupo después de verlos actuar en la famosa Cavern Club de Liverpool. El gui-

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Los Hollies se llamaron así en honor al amor que tenían por la música contry y el rockabilly de su ídolo Buddy Holly.

tarrista Vic Steele dejó la banda después de su primera sesión, siendo remplazado por Tony Hicks de 17 años. El baterista Don Rathbone sólo grabó con el grupo dos singles y se fué, siendo remplazado por Bobby Elliot. Los dos fueron una gran contribución para los Hollies, la guitarra de Hicks le daba ese sonido característico al grupo, además de sus letras, mientras que Bobby fue uno de los mejores bateristas de pop/rock. Llegaron entre los Top 20 de los charts británicos más de 20 veces en los 60. Algunos de sus mejores singles “Here I Go Again”, “Whe’re Through” y el número 1 en GB “I’m Alive” no fueron noticia en los USA hasta 1966 cuando una canción compuesta por Graham Gouldman, “Look Through Any Window” hizo el golpe. En 1966, Eric Haydock deja el grupo por razones no muy claras, siendo remplazado por Bernie Calvert. Los Hollies no habían tenido un gran éxito en norteamérica hasta “Bus 306

Stop” de 1966, el primero de una lista de éxitos como “On a Carrousel”, “Carrie Ann” y “Stop Stop Stop”. Aquí los Hollies se convirtieron en una satisfactoria opción para los oyentes cuando la sofisticación de los Beatles o los Kinks se volvieron difíciles de seguir. Al mismo tiempo, la producción y las armonías vocales eran lo suficientemente sofisticadas como para mantener una audiencia que no sólo fueran alocadas adolescentes. Sus álbumes mostraron un lado más serio y ambicioso, particularmente por parte de Graham Nash, quien demostró ser un artista serio con “King Midas In Reverse” (1967). El relativo poco suceso del single no auguraba sin embargo su influencia sobre el rumbo que la banda tomaría, y su siguiente sencillo siguió una línea más romántica. Para 1968, Nash descontento con el camino tomado por la banda, renunció para irse a los Estados Unidos y formar el célebre Crosby, Stills & Nash. Su par-

tida realmente marcó el declive de los Hollies. En 1969, la banda intentó con un álbum enteramente compuesto por covers de Dylan, pero recibió pobres críticas, aunque logró buenas ventas en Gran Bretaña. Nash fue remplazado por Terry Sylvester (ex-Swinging Blue Jeans), y su éxito continuó por un tiempo, de hecho “He Ain’t Heavy, He’s My Brother” fue uno de sus más exitosos singles. Pero el grupo ya estaba llegando al fondo del saco. Una nueva intentona la hicieron con la canción “Long Cool Woman in a Black Dress” al estilo de los Creedence Clearwater Revival, logrando llegar al número 1 de los charts de los USA en 1971. Luego de este golpe, Clarke quien era el cantamte lider, deja la banda y en su lugar llega el vocalista sueco Mikael Rikfors. Clarke vuelve a mediados del

73 y el grupo logra su último gran hit con “The Air That I Breathe”, que llegó al número 6 en los USA en 1974. Durante el resto de los 70, las realizaciones de los Hollies estuvieron fuertemente influenciados por la era del disco, aunque nunca abandonaron sus armonías vocales. bajo otras circunstancias quizás los Hollies pudieron haber tenido un repunte similar al que tuvieron los Bee Gees después de 1974, pero la suerte no estaba con la banda. Coincidiendo con que la disquera norteamericana Epic Records redujo considerablemente el esfuerzo de marketing que hacían en la banda; parecía que sólo esperaban que el contrato acabase. El grupo llegó a un callejón sin salida a comienzos de los 80, intentando salir, graban un nuevo LP “What Goes Around” con la ayuda de Graham Nash en 1983, pero ya sin el éxito de antaño.

Los Hollies siguieron la exitosa fórmula de los Beatles por un tiempo, pero pronto se dedicaron a buscar su propia identidad, con frescas y alegres letras, y hermosas armonías vocales. 307

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En Inglaterra en 1967 se destacaban sobre todas las otras bandas The Beatles, Rolling Stones, The Who y The Move, en ese orden, pero increíblemente, en los USA los Move pasaron totalmente desapercibidos.

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The Move The Move aparecieron en 1966 en la ciudad de Birmingham, Inglaterra, sus , que se conocieron en el Cedar Club, provenían de diferentes formaciones de la época: Roy Wood (guitarra líder), Trevor Burton (guitarra rítmica), Carl Wayne (voz), Ace Kefford (bajo) y Bev Bevan (batería). Influenciados por las melodías de los Beatles, las armonías vocales de los Beach Boys y la fuerza de los Who, el grupo The Move resultó ser una de las formaciones más destacadas del Reino Unido, derivando su importancia del talento como compositor y multiinstrumentista Roy Wood, quien en sus composiciones se sumergía en el pop o la psicodelia, así como en el rock progresivo, el rock’n’roll y la música clásica.

Convertidos en la nueva sensación de los clubes de Birmingham, The Move llamaron la atención de Tony Secunda (manager de los Moody Blues), quien se convirtió en su representante. Lo primero que hizo Secunda fue cambiar su vestuario y trasladarlos a Londres, en donde actuaron en el Marquee Club y firmaron con Deram, sello subsidiario de la Decca. Su primer single sería “Night of fear”, una canción con un riff sacado de la “Obertura 1812” de Tchaikovsky que en 1966 alcanzaría el puesto número 2 en los charts británicos. Al año siguiente triunfarían con “I can hear the grass grow” (número 5) y “Flowers in the rain” (número 2). Dos excepcionales canciones pop escritas por Wood. En sus conciertos cosechaban miles de fans gracias a una vestimenta llamativa, y una actitud rebelde, destrozaban televisores, Cadillacs y quemaban bustos de Adolph Hitler. Esto también les llevó a tener problemas con las autoridades. Para el lanzamiento de “Flowers in the rain”, Tony Secunda mandó imprimir una postal con una caricatura burlesca del primer ministro británico Harold Wilson teniendo un affaire con su secretaria. El político llevó al grupo y a su representante a juicio y la sentencia, desfavorable para The Move, obligó a que todas las ganancias del single fueran destinadas a obras de caridad. Después de este pleito judicial, The Move cambiarían de representante, pasando a manos de Don Arden, un manager menos problemático que Secunda. Tras desechar la publicación de “Cherry Blossom Clinic” por probables problemas judiciales, The Move sacaron al mercado “Fire Brigade” (número 3), tema cantado por Roy Wood que continuó la cadena de triunfos comerciales del grupo antes de sufrir un importante cambio en su formación. El rubio bajista Ace Kefford decidió abandonar el grupo para prose-

guir en solitario, ocupó su puesto Trevor Burton y grabó con el grupo el siguiente single, “Wild Tiger Woman”, la primera canción de The Move que no consiguió entrar en listas, aunque la primorosa “Blackberry Way”, canción interpretada por el propio Wood si consiguió llegar al número 1 a finales del año 1968. Poco antes habían debutado con su primer Lp, “The Move” (1968), producido por Denny Cordell y arreglado por Tony Visconti, que contenía temas como “Useless Information”, “The Girl Outside” o la triste “Mist on a Monday Morning”. Mientras que en Gran Bretaña, The Move se convertían en una de las sensaciones del momento, en los Estados Unidos pasaban totalmente inadvertidos. Después de “Blackberry Way”, Trevor Burton dejó el grupo porque no deseaba seguir tocando música pop. El sustituto deseado por Wood era el sensacional músico Jeff Lynne, líder de otra banda de Birmingham, The Idle Race. Lynne no aceptó la invitación de Wood, por lo que finalmente Rick Price reemplazó a Burton. Con Price al bajo, The Move publicaron su siguiente sencillo, “Curly”, quien en el año 1969 alcanzó el puesto 12 en las listas británicas. Después de actuar sin éxito en los Estados Unidos y bajo indicación de Peter Walsh, su nuevo mánager, comenzaron a actuar brevemente en el circuito de cabarets, Carl Wayne estaba feliz pero el resto del grupo no. Después de esta gira la banda rompió el contrato con Walsh y volvieron con Don Arden. En 1970 las composiciones de Roy Wood tomaron otra dirección, esto es patente en su siguiente LP “Shazam” (1970), donde se despliega un rock progresivo alejado del pop. Uno de los mejores temas del álbum era la canción “Beautiful daughter”. Este endurecimiento de la música de The Move y su menor participación como vocalista no

agradó a Carl Wayne, quien dejó el grupo para retornar a los cabarets y convertirse en actor. Su sustituto sería Jeff Lynne, quien ahora sí aceptó la oferta de Roy Wood para unirse a The Move. El primer tema grabado por Lynne con The Move fue “Brontosaurus”, una de las piezas más rockeras de la banda que Roy interpretó en televisión con una nueva imagen, maquillado y con ropas estrafalarias, preludio de su futura etapa glam-rock con Wizzard. La experimentación en el rock con elementos clásicos, fue clave en su siguiente Lp, “Looking on” (1971), un álbum que cuenta con buenos temas como “Looking on” o “Feel to good”. El último álbum de The Move sería el soberbio “Message from the country” (1971). Éste es el Lp favorito de The Move para Roy Wood, mientras que su canción preferida es “Blackberry Way”. Después publicaron el rockero single “California Man”, que contenía como cara b “Do ya”, escrita por Jeff Lynne, promocionada como cara A en los Estados Unidos y regrabada posteriormente por la Electric Light Orchestra, siendo la única entrada en el Billboard de The Move. Tras ese sencillo, Roy Wood, Jeff Lynne y Bev Bevan decidieron dar inicio a un proyecto musical más ambicioso al que denominaron Eletric Light Orchestra (ELO), en el que enfatizaban la fusión entre pop y música clásica.

Tras la publicación de su disco debut, el excelente “Electric Light Orchestra” (1971), Roy Wood dejó el proyecto por tensiones con el sello discográfico y fundó Wizzard, mientras que Jeff Lynne se encargó por completo del control de la ELO, convirtiéndose con posterioridad en uno de los grupos más exitosos de la década.

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The Dave Clark Five Este grupo se formó en la zona norte de Londres, como una banda instrumental, que tocaba en los circuitos de baile a principios de los 60. The Dave Clark Five logró un enorme éxito en los Estados Unidos, más que en Gran Bretaña, el suceso en ventas casi iguala a los Beatles y supera a otras bandas en 1964. El líder del grupo era el guapo Dave Clark, baterista y empresario brillante, pero el que cantaba casi todas las canciones era Mike Smith, quien entró a la banda después del single debut “Chaquita” en 1962, el saxofonista Stan Saxon y el bajista Chris Walls se van, tomando el bajo Rick Huxley (guitarrista del grupo) y trayendo a Denis Payton como saxo y Lenny Davidson como guitarra.

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Clark, cauteloso hombre de negocios, logra un contrato con Columbia. Comienzan con un poco exitoso “Do You Love Me”, pero llegan al tope de los charts con “Glad All Over” en 1964. Seguido por otro igual “Bits And Pieces”. Después del desventurado “Everybody Knows” de 1965, Clark no logró otra entrada en los charts britanicos. Pero los Dave Clark Five eran una de las bandas más populares de la Invasión Británica en los USA. Mientras “Catch Us If You Can” era un exitazo a ambos lados del Atlántico, la banda se disolvió. En 1970 todavía eran editados sus discos, lo que demostraba que la banda pudo haber sobrevivido. Clark se dedicó a la edición en TV, lanzando en 1987 una selección de los mejores momentos del programa musical “Ready Steady Go!”.

The Zombies Era una banda beat introspectiva, venidos de Hertfordshire, muy innovadora. Estaba formada por Colin Blunstone en voz, Paul Atkinson en guitarra, Rod Argent en teclados, Chris White en bajo y Hugh Grundy en batería. En 1963 en un concurso de talentos para bandas beat de estudiantes, ganaron un contrato discográfico con el sello Decca. El éxito les llegó rápido. Una dramática combinación entre una autorestricción combinada con la voz susurrante de tenor de Blunstone, quedó plasmada en su primer single “She’s Not There” compuesta por Argent, entró entre los Top 20 de GB en 1964. Los siguientes “Leave Me Be” y “Tell Her No” no alcanzaron a entrar entre los Top 40, pero su visita a los USA aseguró la entrada de “Tell Her No” entre los Top 10 de norteamerica, “She’s Comming Home” y “I Want You Back” lograron éxitos semejantes en el mismo mercado. Sin embargo el escaso éxito les ha-

bía hecho decidir separarse, cuando sorpresivamente en 1969 su canción “Time Of The Seasons” llegó al número 3 en los charts de USA acompañado del álbum “Odyssey And Oracle”. Pero ya nada les persuadía de volver a reunirse. Argent siguió componiendo y Blunstone llegó a grabar con seudónimo una nueva versión de “She’s Not There”. El resto del grupo se volvió a reunir para grabar una nueva versión de “Time Of The Seasons” a fines de los 80 para un filme y aparecieron como invitados en diversos conciertos durante los noventa.

Them Venidos desde Belfast, Them era la banda que sería la catapulta para el lanzamiento del gran Van Morrison. Estuvieron juntos relativamente poco, desde 1964 a 1966, pero pegaron fuerte con su brillante estilo blo irlandés. El grupo se mantuvo en medio de grandes bandas británicas de R&B porque habían agregado a sus actuaciones sin pretenciones una profunda integridad a sus canciones, mucho de lo cual se lo debían a Morrison. La voz ronca de Van, era alternada por gruñidos y alaridos de lo más sensibles, dependiendo de la canción. La versión de “It’s All Over Now, Baby Blue” es una verdadera joya que sólo pudo apreciarse en toda su dimensión gracias a su reedición en CD. Morrison agregaba su profunda voz para dar nuevos significados a las ya poéticas letras de Bob Dylan. Mientras el grupo interpretaba los clásicos del blues, no se quedaban sin embargo con una sóla fórmula para su manera de sonar, esa constante búsqueda le daba a cada canción una historia única. Las canciones propias de Them, estaban generalmente confinadas al estilo blo que les caracterizaba, pero con el correr de los años sesenta, las canciones de amor se volvieron más sofisticadas. Morrison

Los Them, vinieron de Irlanda, y no sólo sirvió de catapulta para la brillante carrera de Van Morrison, sino también demostraron gran talento como grupo.

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aprovechaba para alcanzar nuevas alturas del éxito, alimentadas por su talento como escritor de canciones. Uno de los clásicos del rock, “Gloria” compuesta por Morrison, llegó a los Top Ten en los USA en 1966. Them se termina cuando ese mismo año, Van Morrison deja la banda después de una gira por los Estados Unidos, y se embarca en una exitosa carrera en solitario, no sin antes pasar por duras penurias con una familia que mantener y sin ningún contrato para tocar. Por una razón u otra, las canciones de Them no son muy escuchadas, ni reeditadas hoy día, lo cual es una lástima porque Them tenía el talento instrumental de los Yardbirds, el poder vocal de los Animals y la apariencia de los Stones.

The Spencer Davis Group Originalmente conocido como el Spencer Davis Rhythm & Blues Quar312

tet, la banda se forma en Birmingham, a comienzos de los 60. Su personal estilo provenía de la genialidad de los hermanos Winwood que provenían del jazz. El talentoso guitarrista Steve Winwood tocaba además el teclado, pero sobre todo, tenía una madura voz para el soul, aún cuando tenía sólo 16 años, sonaba como todo un Ray Charles. El primer éxito de la banda vino con “Keep On Running” que llegó al número 1 en 1965, seguido por “Somebody Help Me”, que desbancó al “Good Vibrations” de los Beach Boys del primer puesto británico en 1966. La composición original del grupo “Gimme Some Lovin’” llegó al puesto número 2 a fines de ese año. 1967 vió su último exitoso single “I’m A Man” y también la partida de los hermanos Steve y “Muff” Winwood (bajista del grupo). Steve quería explorar más el rock y se fué para formar la banda de rock progresivo Traffic y después de eso seguir una exitosa carrera en solitario. Spencer Davis intentó mantener el grupo

La clásica formación del grupo estaba conformada por Steve Winwood en guitarra y voz principal, Spencer Davis en guitarra y voz, Muff Winwood en bajo y Pete York en batería.

con una nueva formación pero ya no daba más, dió el carpetazo en 1969 y se mudó a California para trabajar en producción musical al igual que Muff Winwood.

Moody Blues Inventaron el rock sinfónico, abriendo el camino a Pink Floyd. La primera formación estaba compuesta por Ray Thomas (vientos y percusión), Mike Pinder (teclados), Denny Laine (voz y guitarra), Graeme Edge (batería) y Clint Warwick (bajo), actuando como una banda de R&B venidos de Birmingham. Su primer golpe lo hicieron con su aparición en el show Ready Steady Go!, donde interpretaron brillantemente una canción de Bessie Banks, “Go Now” el cual se convirtió en número 1 en GB y los USA en plena era Beatles-Stones en 1965. Incluso con un gran álbum, el jactancioso “The Magnificent Moodies”, no pudieron mantener el éxito, y poco después la banda sufrió su primera ruptura con la partida de Warwick y Laine en 1967. Con la entrada de Justin Hayward y John Lodge, se desarrolló un tipo de banda totalmente diferente. El impresionante e inmortal single

“Nights in White Satin” salió del álbum “Days Of Future Past” un ambicioso álbum conceptual donde utilizaban una orquesta clásica. Desde su lanzamiento comenzaron a vender su álbum hasta alcanzar el dico de platino. En 1972 sacan “Seventh Sojourn” con un sonido idéntico a los seis anteriores, esto hizo

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Mike Pinder, Justin Hayward, Ray Thomas, Graeme Edge y John Lodge, en el pináculo de su éxito hacia 1967.

que hasta los más acérrimos fans de la banda les dijeran que ya era suficiente de lo mismo. Aún así consiguen ese año entrar entre los Top 20 con “Question” e “Isn’t Life Strange”. En 1973 el grupo se toma un descanso y Denny Laine se une a Paul y Linda McCartney en Wings. Lodge y Hayward realizan “Blue Jays” cuyo single “Blue Guitar” llega a los Top 10. Reagrupados en 1978 lanzan “Octave” con el exitoso “Forever Authum”, suceso que repiten en 1983 con “Blue World”. Desde ahí los lanzamientos de álbumes se hacen más espaciados. Sus últimos discos son “The Other Side OF Life” y “Sur Le mer” de 1989.

Manfred Mann Manfred Mann salió de la fórmula común de los grupos británicos para agregarle un toque de jazz y blues al pop del momento.

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La banda se formó a partir de un grupo de blues conformado por el tecladista Manfred Mann, el baterista Mike Hugg y la distintiva armónica de Paul Jones. Lograron sus primeros hit con “54321” y “Hubble Bubble” en 1963, los dos temas fueron adoptados como temas principales del influyente show televisivo Ready Steady Go!. Siguiendo a estos sucesos, vino “Do Wah Diddy Diddy” número 1 en 1964, “Sha La La”, “Come Tomorrow”, “Oh No, Not My Baby” y un cover de la canción “If You Got To Go, Go Now” de Bob Dylan, todos fueron éxitos

mundiales. Paul Jones fue remplazado por Mike D’Abo, lo que trajo un descenso en la popularidad del grupo. A pesar de eso logran nuevos éxitos en 1966 con “Pretty Flamingo”, “Just Like A Woman” también de Bob Dylan, y “Mr. James”. Su último éxito global lo logran con otra canción de Dylan, “Mighty Quinn” en 1968. En 1969 la banda se separa en varias facciones: D’Abo se transforma en un exitoso escritor de canciones, Tom McGuiness forma “McGuinness Flint”, y Mann y Hugg forman primeramente un grupo de jazz para metamorfosearse en el más próspero Manfred Mann’s Earth Band. Después de décadas de ausencia Manfred Mann (como grupo), reapareció en un tour por toda la Gran Bretaña en 1999 con motivo del reavivamiento del blues. Manfred por su parte sigue escribiendo, produciendo y grabando nuevo material hasta hoy.

The Troggs Los Troglodytes and Ten Foot Five surgieron en Andover, Inglaterra, practicamente unieron fuerzas formando los Troggs con Chris Button en guitarras, Peter Staples en bajo, Reginald Ball como voz principal y Ronnie Bullins como batería. El manager de los Kinks, Larry Page, les consigue un contrato con la CBS para realizar “Lost Girl” en 1966. Page les dió a Reginald el apellido artístico de “Presley” y a Ronnie el de “Bond” como parte de una campaña publicitaria que llevó al grupo al número 2 en la GB con “Wild Thing” también de 1966. Seguido por el exitoso número 1 “With A Girl Like You”. Los dos singles fueron grandes éxitos también en los Estados Unidos. Después vino “I Can’t Control Myself” y “Any Way That You Want Me” compuestas por Reginald, con sugestivas letras que daban al grupo un aire naif, pero que resultaron otros nuevos sucesos.

Uno de los últimos hits compuestos por Reg Presley fue “Love Is All Around” que también fue éxito del grupo Wet Wet Wet treinta años después. El grupo intentó encender la llama apagada de su éxito durante los años 70 ya sin la presencia de Button ni Stapples, pero sin mucho resultado. En los 80 lo volvieron a intentar en una colaboración con el grupo REM, pero los buenos tiempos ya habían pasado. Hoy en día Reginald se dedica a la investigación de los extraterrestres.

The Pretty Things Formados en Sidcup, Kent en 1963 como una banda de R&B, con Dick Taylor a la guitarra (quien había tocado con los primeros Rolling Stones), Phil May en teclados y voz, Brian Pendelton también

en guitarra, John Stax en bajo y Viv Prince en batería. Su primer single “Rosalyn” sólo logró situarse en el puesto número 50, pero el grupo ganó mucha publicidad debido a su comportamiento y apariencia estrafalaria. Tomaron su nombre de una canción de Bo Didley, los Pretty Things querían ser los chicos malos del R&B como sus rivales locales los Rolling Stones. “Don’t Bring Me Down” y “Honey I Need You” llegaron a ser sucesos en las listas británicas entre 1964 y 1965. Aunque sus álbumes del período fueron inconsistentes, su tercer álbum “Emotions” de 1967 fue mucho más notable. Luego de esto comenzaron a declinar sus éxitos comerciales, hubieron cambios de aunque hicieron notables temas como “Defecting Grey” y “Talking About The Good Times”. El grupo se separó en 1972, pero solían resurgir con altas y bajas durante los 80. Hoy se lo reconocen como uno de los grupos británicos fundamentales de ese período.

Los Troggs son autores de clásicos del rock como “With a Girl Like You”, “Love Is All Around” y “Wild Thing” que Jimmi Hendrix versioneó.

Procul Harum Surgieron de Essex a comienzos de 1967, de las cenizas del grupo Paramounts. Estaba formado por Gary Brooker, Matthew Fisher, Ray Royer, Dave Knights, Bobby Harrison y Keith Reid. El primer single de Procul Harum, el etéreo y de influencias barrocas “A Whiter Shade Of Pale” les dió un gigantesco éxito internacional y se convirtió en un clásico, fue número 1 en GB durante seis semanas. Mientras duraba la grabación de su primer álbum, Royer y Harrison salieron del grupo, pero “Salty Dog” (1969) recibió una buena acogida y saludables ventas en los USA y en su patria. El álbum fue seguido por “Home” (1970) y “Broken Barricades” (1971), pero el 315

LA ERA DEL ROCK

Procul Harum hicieron en 1967 del ya clásico “A Whiter Shade Of Pale” (conocido en español como “Tu blanca palidez”) un éxito internacional, pero no pudieron superarse.

guitarrista Robin Trower desilusionado por la dirección sinfónica que tomaba Procul Harum, decidió salirse para crear su propio grupo. El primer álbum de Procul, grabado sin Trower fue hecho en vivo con la Orquesta Sinfónica de Edmonton en 1972, probó ser el más exitoso de su carrera, alcanzando el millón de copias vendidas. Pero luego de unos años, el grupo se separó en 1977 con el advenimiento menos favorable para ellos del punk-rock. Luego de años de silencio, los originales de Procul Harum se reúnen nuevamente en 1991 para grabar un satisfactorio álbum llamado “The Prodigal Stranger”.

The Tremeloes Formado originalmente en 1959 por Brian Poole, Graham Scott, Ken Howard y Alan Blakely en Essex. En 1963 frente a la locura del Mersey beat, Brian Poole y los Tremeloes lograron un Top 10 con “Twist and Shout”, seguido de cerca por “Do You Love Me”. Luego consiguieron impacto parecido con “Candy Man” y Someone Someone”. Para 1967, los Tremeloes y Brian 316

Poole grababan separadamente. Irónicamente, con un nuevo miembro, Len “chip” Hawkes como voz principal y con el tema “Here Comes My Baby” comenzó una época dorada para los Tremeloes, incluyendo su número 1 “Silence is Golden” de 1967. Luego siguieron los éxitos con “Even The Bad Times Are Good”, “Suddenly You Love Me”, “Helule, Helule” y “My Little Lady”. Con el impresionante “Call Me Number One” escrito por la banda en 1970, dejaron el pop hacia un estilo progresivo, anunciando que serían más duros y despreciando su periodo anterior. Esta inexplicable y arrogante actitud efectivamente les llevó al declive final de su carrera.

Lulu Marie MacDonald McLaughlin Lawrie era una tímida pero explosiva quinceañera cuando logró su primer éxito como cantante con “Shout” de los Isley Brothers, adquiriendo notoriedad en la Gran Bretaña y en el resto de Europa. A pesar de la separación de su grupo The Luvvers, siguió adelante, formando equipo con Mickie Most. La canción de Neil

“Honey, You Got Soul!” – James Brown

Diamond “The Boat That I Row” fue su siguiente éxito, seguido de su aparición en la película “To Sir With Love”, con Sidney Poitier, que hacía el papel de un profesor de una secundaria del duro East London. El título de la película se volvió un enorme éxito para Lulu en los USA, más que eso, el single estuvo más tiempo en las listas que ningún otro interpretado por una mujer, hasta los 80s. Luego de esto, grabó otros éxitos como “Lets Pretend”, “The Peaceful Heart”, “Boy”, y “I’m A Tiger”. Inevitablemente fue elegida para representar a su país en el comercialísimo concurso anual llamado Eurovision. Su

carrera comenzó a decaer con “Boom Bang A Bang”. Luego de este revés, se casa con Maurice Gibb, de los Bee Gees, continuando su carrera con un meritorio cover de David Bowie, “Man Who Sold The World”, con el propio Bowie como acompañante, además de apariciones en conciertos y programas de TV. Después de muchos años fuera de las listas de éxito, Lulu consigue un moderado suceso con “Independence” en 1993. Además de un hit con el grupo Take That. En 1999 graba otro álbum y como otros artistas suele aparecer en la TV británica.

Lulu ya era una estrella del cine y la música británica cuando interpretó un papel estelar en la recordada “To Sir With Love” de 1967, protagonizada por Sidney Poitier y donde ella canta el tema principal.

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Marianne Faithful

Marianne Faithful fue estrella en en el provocativo filme “Girl On A Motorcycle”, pieza de culto en los USA.

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Marianne nació en Hampstead y fue educada en un convento, hija de un profesor universitario el Dr. Robert Glynn Faithfull y de una baronesa AustroHúngara. Fue descubierta por Andrew Oldham en una típica fiesta del Swinging London organizada por los Rolling Stones cuando aún era una quinceañera. Mick Jagger y Keith Richards le ofrecen la canción “As Tears Go By” que se convierte en un gran suceso para ella. La relación con Mick Jagger fue muy publicitada y ayudó al surgimiento de su carrera. Tres exitosos singles más llegaron a los Top 10 entre 1964 y 1965: “Come and Stay With Me”, “This Little Bird” y “Summer Nights”, todas adornadas con la delicada y suave voz de Faithfull.

Su juvenil belleza capturó de inmediato al público británico e inspiró también a otros grupos como los Hollies, quienes escribieron el exitoso “Carrie Anne” pero cuyo nombre original “Marianne” no se atrevieron a utilizar. Marianne comenzó una carrera paralela en el cine con apariciones en filmes como “I’ll Never Forget Whatisname” y el más provocativo “Girl On A Motorcycle” conocido en USA como “Naked Under Leather” hoy filme de culto. Marianne sufrió severos reveses en los 70, incluyendo las drogas, la traumática separación de Jagger y la vida en las calles de Londres por un tiempo. Pero logró sobreponerse y volvió a las listas de éxito con “Broken English” en 1979, ayudada musicalmente por Steve Winwood. Actualmente sigue cantando pero con una imagen y voz más maduras.

CAPITULO 11

América despierta

The Byrds fue en su momento la respuesta más creíble al embate Beatles, Rollings, The Who. Con sus cuidadas armonías vocales y la guitarra clara y precisa de Roger McGuinn, lograron reivindicar y propulsar el “folk rock”.

A

nte la avalancha de grupos de la invasión británica, el gigante se despierta... en los USA, para contrarrestar lo foráneo, qué mejor que fomentar lo hecho en casa. Por ahí vino la mano cuando allá por 1964 comienza a resurgir el folk como música alternativa al “Mersey-beat”. Desde los bohemios cafés del Greenwich Village de New York, salen los “folkies” a reinvindicar un estilo musical más norteamericano. Por otro lado el rock evoluciona también, desde la música playera se avanza hacia la experimentación; surgen también como hongos en todo el país los “Garage Bands” o grupos de cochera, que inspirados por el sonido áspero, crudo y poco convencional de los Kinks o los Who, crean su propio estilo. En esos años también se crea el “Bubblegum-rock” (chicle) que no necesita de mucha poesía, pero sí de mucho jingle jangle, shing-a-ling, shang-a-lang, etc. Hay mucho color y vida, es decir se explota la alegría de ser joven. Poco después las revistas como Crawdaddy, OZ o Rolling Stone aparecen para hablar de los nuevos tiempos que se vienen y sobre todo de la música que deberá dejar de ser mero entretenimiento para tomar conciencia social y difundir canciones de protesta en marchas pacíficas y universidades. El folk se “electrifica” por gracia o desgracia (según sea el gusto) dando lugar al folk-rock, las letras y melodías del folk son acompañadas por guitarras eléctricas y ritmo de rock. De este movimiento surgirán grupos casi míticos que rivalizarán a pleno derecho con las bandas venidas de la Gran Bretaña. Así tenemos a los Byrds, Lovin’ Spoonful, Buffalo Springfield, etc. Adentrémonos pues a esta época dorada donde el amor por la vida una vez más desafiaba al establishment de los hipócritas, donde todavía la inocencia creía que si su país hacía una guerra, era por una buena causa. 319

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GARAGE BANDS

The McCoys hicieron de su “Hang On Sloopy” un clásico del rock de los 60.

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La ola de grupos ingleses contagió a los jóvenes norteamericanos el deseo de formar grupos, así en cada garage se formaba una banda. Los Kinks y los Who eran las influencias de innumerables bandas, quienes no tenían donde tocar ni un público ante quienes presentarse. El garage-rock era simple, una versión cruda del rock and roll; siendo amateurs, el resultado era mucho menos refinado que sus inspiraciones, pero eso era justamente lo que lo hacía excitante. Muchas de las bandas enfatizaban su poco profesionalismo, tocando los mismos tres acordes, aporreando sus guitarras y aullando las letras. En muchas maneras, las bandas de garage eran verdaderos proto-punks. . Miles de bandas de garage eclosionaron en todo el país y unos cientos tuvieron algunos hits, pero muchísimos estarían destinados a la oscuridad. De hecho la mayoría de las bandas ya estaban olvidadas a comienzos de los 70. El baterista Gene Lubin de una de estas bandas recuerda: “La primera vez que escuché “My Generation” de los Who en la radio... pensé que todo el infierno se había roto y que el FBI cerraría la estación en cualquier momento, era la mejor paranoia que había

tenido nunca. De hecho se escuchó la canción durante semanas en la radio y los Who tuvieron problemas en su primera gira por los USA, por supuesto, después de eso, cada garage band quería estar en un escenario”. El “Garage Rock” no existió sino hasta después de la invasión inglesa, nació hacia 1963 cuando los Kingsmen se presentaron en un escenario a tocar una maratón de su versión de “Louie Louie” durante una hora, la cual es hoy un clásico del rock and roll. 1965 fue el año en que las Garage Bands se hicieron muy populares, cada muchacho quería estar en una banda. Ese fue el año en que Dick Clark hacía sus shows en diferentes lugares cada semana. Cada ciudad desarrollaba su propia escena musical, pero sólo unas pocas bandas se desarrollaban a nivel nacional. Chicago tenía sus héroes con los McCoys, quienes con su fuerte introducción de cuerdas hicieron célebre su canción “Hang On Sloopy” (1965). Por su parte, en Nueva York los Strangeloves lanzaban su tribal “I Want Candy” (1965). The Standells, formado en Los Angeles en 1961, también alcanzó fama con “Ed Cobb’s Dirty Water” (1966). Los estados del sur no eran inmunes a esta revolución. “Keep On Dancing” (1965) de los Gentrys, fue uno de los febriles himnos de ese año; mientras de las afueras de Texas vinieron Kenny and the Kasuals con su “Journey To Tyme” (1965), una de las primeras instancias del sonido guitarrero distorsionado. Surgieron también Sir Douglas Quintet con “She’s About A Mover” (1965) y el más conocido Sam the Sham & The Pharaos con “Wooly Bully” (1965). California produjo también muchísimas bandas amateurs y provocativas en 1966 como Count Five y su “Psychotic Reaction” (1966) Syndicate of Sound con “Little Girl” (1966), Music Machine con “Point of No Return” (1966) y “Talk

Talk” (1967). Irónicamente, iba ser una banda de músicos mexicanos, Question Mark and The Mysterians, quienes con su “96 Tears” (1966), popularizaron el sonido de la época con un pequeño órgano que proveía un vigoroso y animado fondo para los coros. Desde alemania venía el sonido de los Monks, formado por soldados norteamericanos, que hacían un primitivo y furioso rock and roll, algo entre el “You Really Got Me” de los Kinks y el punk-rock que vendría diez años después. “Black Monk Time” (Polydor, 1965) es unformidable ejemplo de la época.

Sam The Sham and The Pharaos, también contribuiría con “Wooly Bully” y su famosa intro... ‘uno dos, one two, tres cuatro”...

THE KINGSMEN

The Strangeloves fieles al espíritu vanguardista de Nueva York hacían una música que recordaba a las tribus africanas.

Los Kingsmen se formaron en Portland, Oregon en 1959, siendo aún adolescentes, tocaban en fiestas colegiales y bailes de toda clase. Como muchas bandas, copiaban lo que se escuchaba en la radio: Elvis, The Ventures, Country y R&B, llegaron a ser la banda más popular de Portland. Compartieron el liderazgo del lado Noroeste del país con los Sonics, quienes se caracterizaban por un explosivo rock and roll. Los Kingsmen empezaron a grabar en 1963 y estaba integrado por Jack Ely (guitarra y voz), Mike Mitchell (guitarra), Dan Gallucci (teclados), Bob Norby (bajo) y Lynn Earton (batería). Durante un año construyeron una reputación de los duros del R&B con Paul Revere & The Raiders como sus únicos rivales. Hicieron su primer demo con “Louie, Louie” y el instrumental “Haunted Castle” para conseguir trabajo en un crucero. La compañía naviera los rechazó, pero el productor Jerry Dennon, imprimió unas cien copias del disco. “Louie” comenzaba a sonar en todas las radios y fue versioneada por numerosos grupos, sin embargo la versión original de los Kingsmen era la preferida. Dennon hizo entonces un trato

El primer álbum de los Monks decía: “No lo escuches. Cuenta desde nueve hasta el despegue”. Con su particular corte de pelo (a lo monje) proclamaban el triunfo del amor sobre las mentiras de la sociedad.

Question Mark and The Mysterians, de origen mexico-norteamericano, fue otra de las bandas que fijó el sonido de las Garage Bands con su “96 Tears”. 321

LA ERA DEL ROCK

Se convirtieron en la banda número 1 en los USA, apareciendo en 1965 en un sinnúmero de conciertos y shows televisivos junto a los Rolling Stones, Zombies, Kinks, Dusty Springfield, Beach Boys, Righteous Brothers, Four Seasons, Isley Brothers, Shangri-Las y otros. Aparecieron también (como no) en una película playera, “How to Stuff a Wild Bikini.” Con dos separaciones durante la era psicodélica y la era disco, y varios cambios en su formación, los Kingsmen siguen actuando hasta hoy. con el sello Wand de New York para distribuir el single en masa. Rápidamente el single alcanzó las listas de éxito, llegando al número 2 de los Billboards en 1964. El primer LP fue resultado de una grabación en vivo que realizaron en el club nocturno The Chase. El sello Wand incluyó el tema “Louie” con un fondo de multitud para simular una versión en vivo. “Money”, su segundo single fue sacado también del LP. Muchas realizaciones más le siguieron, en ese punto los Kingsmen tenían dos singles y tres LP en las listas al mismo tiempo.

Los Kingsmen en 1964 posando con sus discos de oro por la exitosa “Louie Louie” 322

PAUL REVERE AND THE RAIDERS Paul Revere formó los Downbeats a finales de los 50 en una ciudad de Idaho. Con unas cintas de demostración, Revere fue a Los Angeles a golpear todas las puertas. No tuvo mucho éxito hasta que llegó al Gardenia de John Guss. Éste no sólo acordó grabar un disco sino también le pareció estupendo el nombre de Paul Revere, y sugirió que el grupo se llamara Paul Revere and the Nightriders (por el famoso héroe norteamericano). Así salió el primer single llamado “Beatnik

Sticks” que Revere llevó a las radios de Idaho para promocionarlo. Pero recién fue el tercer sencillo, el instrumental “Like Long Hair” lo que les llevó a ser escuchados a nivel nacional y lograr entrar en las listas en 1961. En 1962 se une el baterista Mike Smith y con la banda renovada comienzan a tocar más duro y desarrollan un maniático estilo en escena. Con esas tácticas y la promoción de Roger Hart (su nuevo manager), Paul Revere & The Raiders consiguieron mucho éxito, rivalizando con los Kingsmen. En 1963 graban también “Louie Louie”, aunque no logran el éxito de los Kingsmen. De todas formas a Columbia Records le agradó lo sufieciente la versión de los Raiders como para contratarlos. En eso, Revere y Mark Lindsay descubren en una tienda de disfraces de Portland donde estaban tocando, unos trajes de soldados coloniales. Esa noche con los trajes puestos se presentaron a tocar haciendo un número cómico-rockero que encantó a la audiencia. Paul Revere & The Raiders siguieron tocando soportando la invasión británica. Gracias al programa de TV de Dick Clark y una serie de giras nacionales, su primer álbum llegó las listas en 1965. En octubre de ese año, los Raiders sacan “Steppin Out” que sería uno de sus grandes clásicos junto a “Just Like Me” con el que consiguieron su primer Top 20. Sus siguientes simples “Kicks” y “Hungry” escritas por Barry Man y Cynthia Weil llegaron al

número 5. A partir de ahí el grupo decidió componer sus propias canciones. El primer producto de ese desarrollo fue “The Great Airplane Strike” (1967) compuesta por Lindsay-Melcher llegando a los Top 20, pero “Good Thing” (1967) consigue el puesto número 5. El grupo entonces aparece en el programa de Ed Sullivan y promueven su siguiente simple “Him or Me - What’s It Gonna Be” otro Top 5. Al tiempo que los Beatles sacaban Sgt. Pepper, los Raiders se dan cuenta del desarrollo de la concienca social de ese tiempo, y su sentir se expresó en su siguiente single “Peace of Mind” y en el título de su álbum “Revolution!”. Lindsay produjo el simple “Too Much Talk” consiguiendo el puesto número 10 a comienzos de 1968. Desafortunadamente

Paul Revere, llevaba el nombre de un gran patriota de la revolución norteamericana, aprovechó esto dándole personalidad a su grupo. Sus actuaciones llenas de humor y rock and roll agradaron al público, pero la música de protesta y la psicodelia les quitaron audiencia. 323

LA ERA DEL ROCK

The Sonics, uno de los “puristas” del sonido áspero, su tercer álbum se relanzó en 1970 como el grupo que originó el sonido Punk.

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Paul Revere & The Raiders empezaron a recibir menos atención por los medios y su éxito comenzó a decaer. Queriendo hacer frente a los nuevos tiempos deciden cambiar su nombre a simplemente The Raiders. Lo que resultó una confusión cuando sacaron su primer simple “Just Seventeen” y su álbum “Collage”, llegando apenas al puesto 154 desanimando completamente a Lindsay. De todas formas el gran éxito de los Raiders todavía estaba por venir. Graban entonces “Indian Reservation (The Lament Of The Cherokee Reservation Indian)” en noviembre de 1970, siendo su único número 1. Disputas

entre Revere y Lindsay hicieron que éste dejara los Raiders en 1975. Tras unos años de retiro los Raiders con Paul Revere siguen tocando hoy día explotando la vena nostálgica.

THE SONICS Era una de las garage bands más populares localmente, pero que inexplicablemente no tuvieron mucha repercusión a nivel nacional, quizás porque su sonido no estaba diluído para la consumisión de las masas. Concibieron su nombre inspirados en las factorías de la Boeing que se encontraban en Seattle, así como el sonido estruendoso tipo “jet” que se oía en ese momento. Sus textos inspirados en historias de terror, guitarras distorsionadas y fuertísimas, y los gritos histéricos de su vocalista hicieron de “(She’s a) Witch”, “Boss Hoss”, “Cinderella”, “Psycho” y “Strychnine” verdaderos clásicos del género. The Sonics se formaron en 1963 en Tacoma, Washington, con Gerry Roslie (voz principal piano y órgano), Andy Parypa (bajo), Larry Parypa (guitarra), Bob Bennett (batería), y Rob Lind (saxofón). Su primer álbum es una obra maestra, ruda, agresiva, distorsionada con un sudoroso y frenético rock and roll. Su segundo album no era tan alocado, pero aún era fantásticamente bueno (dicen que su “Louie

Louie” es la mejor versión jamás grabada). Su tercer álbum de 1967, se relanzó recién a fines de los 70 con el título “The Sonics’ Original Northwest Punk”. Su último single antes de la separación fue “Any Way The Wind Blows” en 1968.

THE BOX TOPS

Formado a mediados de los 60 por Alex Chilton (voz y guitarra), Billy Cunningham (bajo), Gary Telley (guitarra), Danny Smythe (batería) y John Evans (órgano). El grupo consigue con su primer single “The Letter” un número 1 en 1967, tema que sería su sello. El siguiente “Neon Rainbow” no tuvo el mismo suceso, pero “Cry Like A Baby” llegó al número 2. Conocidos como la respuesta de Memphis a los Young Rascals de New York, los Box Tops se revelaron con una producción altamente sofisticada; Smythe y Evans fueron reemplazados después del segundo single por Tom Boggs y Rick Allen. Los Box Tops mantuvieron una esporádica presencia en los Top 40 de USA entre 1968 y 1969, pero recapturaron su estilo original con “Soul Deep”, que llegó al puesto 18 a fines de 1969 siendo su último gran éxito. Chilton dejó la actuación a comienzos de 1970, incapaz de seguir soportando la presión de los éxitos obtenidos (él sólo tenía 16 años cuando logró su primer millón de ventas) y el grupo se separa definitivamente.

THE YOUNG RASCALS Felix Cavaliere era un estudiante en la Syracuse University en 1963 y tocaba en un popular grupo del campus Felix & The Escorts, cuando fueron invitados como teloneros de Joey Dee & The Starliters (famosos por su “Pepermint Twist”) en una gira por Europa. Ahí el tecladista Felix conoce a Eddie Brigati y Gene Cornish, quienes dejarían a los Starliters para formar un nuevo grupo junto al baterista Dino Danelli. Entre 1964 y 1965, la invasión británica estaba en su mayor auge, pero en New York el Soul y el R&B eran más populares, así los Young Rascals se presentan. Sid Bernstein, quien promovió el famoso concierto de los Beatles en el Shea Stadium, les consiguió que actuasen como teloneros, no sin antes firmar como su manager. El disco exitoso y el reconocimiento del público vino rápido, cuando el fundador de Atlantic, Ahmet Ertegun los vió actuar en un club de Westhampton ofreciéndoles un contrato. El ingeniero y productor de Atlantic Tom Dowd recalcó: “Los Rascals eran inusuales. Tocaban agresivamente, aún las baladas. Había mucha energía allí, una energía positiva. Ellos lo ponían todo en sus shows y se divertían. Se dedicaron a ese concepto”. Era una banda blanca de rock tocando soul negro, una nueva idea en 1965. El primer trabajo para Atlantic “I Ain’t Gonna Eat Out My Heart Anymore” de 1965, no tuvo mucha repercusión, pero su tercer trabajo “Good Lovin” (1966) les

La música de los Rascals era etiquetada por los medios como “soul de ojos azules”, un término que a Cavaliere nunca le gustó:“Siempre odié esa etiqueta ya que creaba una separación entre la música blanca y la negra. Era más un concepto de ventas. Yo ni siquiera tengo los ojos azules”.

Cuando aparecieron, nadie tenía el ritmo, la chispa y la onda renovada de los Rascals. 325

LA ERA DEL ROCK

hizo estrellas. La canción pronto alcanzó el primer puesto en los Billboards y se hizo disco de oro. Los siguientes “You Better Run” y “I’ve Been Lonely Too Long” llegaron a los Top 20 ese año. El punto máximo para Cornish y Cavaliere les llegó en 1968 cuando “People Got To Be Free” llegó al número 1. “El mensaje de esta canción es importante ahora y lo será siempre”, decía Gene. Fue escrita en reacción a los asesinatos de Martin Luther King y del presidente Kennedy ese año. Este fue el disco de los Rascals que más vendió y además fue su último número uno. Sus siguientes álbumes con matices jazzísticos como “Peaceful World” y “The Island Of Real” (disco que Cavaliere consideraba como el mejor) les dió poco éxito comercial.

Tommy James and The Shondells aportaron su recio sonido a la historia del rock con clásicos como “Hanky Panky” y “Mony Mony”.

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Las fricciones personales también comenzaron a crecer y eventualmente Brigati y Cornish salieron de la banda. Para 1972 los Rascals dieron el carpetazo. Brigati grabó con su hermano David un álbum solista en 1976. Cornish y Danelli empezaron una nueva banda llamada Bullfrog y después formaron parte de los Raspberries. Danelli, Cornish y Cavaliere se volvieron a reunir en 1988 para un tour por los USA, pero se tuvieron que separar por problemas legales con el uso del nombre de la banda. Cavaliere continuó produciendo y realizando álbumes y tocando en 1994 para la Ringo Starr’s All Star Band. En 1997, Los Young Rascals fueron introducidos en el Rock Hall Of Fame.

TOMMY JAMES and THE SHONDELLS El cantante y compositor Tommy James comenzó su carrera en Niles, Michigan, con una banda de acompañamiento en 1959 con el nombre de Tom And The Tornadoes, con un líder y cantante solista que tenía sólo 12 años, pero en 1963 pasaron a ser los Shondells y muy pronto grabaron en el sello Snap una versión

del tema de Jeff Barry y Ellie Greenwich “Hanky Panky” que habían cantado originalmente los Raindrops sin mucha notoriedad. Los Shondells dejaron de existir, hasta que tres años más tarde, la copia fue llevada por un disc jockey de Pittsburg para tocarla en su programa. La reacción del público hizo que se solicitaran ochenta mil copias más. En junio de 1966 “Hanky Panky” llegó al número 1 en los charts nacionales. La agrupación nunca cambiada de los Shondells estaba integrada por Tommy James (voz y guitarra), Eddie Gray (guitarra), Ronnie Rosman (teclados), Mike Vale (bajo) y Peter Lucia (batería). Esta alineación logró el millón de ventas con “I Think We’re Alone Now” (1967), “Mony Mony” (1968), “Crimson and Clover” y “Crystal Blue Persuasion” (1969). Tommy James & The Shondells lograron 23 singles de oro y 9 álbumes de platino con más de 100 millones de copias vendidas alrededor del mundo. James fue también el primer artista en utilizar el sintetizador en la producción de su clásico LP “Cellophane Symphony” en 1968. Además de producir videos musi-

cales, empezando con “Mony Mony” en 1968, treinta años antes de MTV. “Draggin The Line” fue otro suceso en 1971, al tiempo que James fuera de vacaciones después de una amigable separación de los Shondells. Todas sus canciones fueron luego versioneadas por cientos de artistas como Billy Idol, Joan Jett, Neil Diamond o The Monkees, por nombrar sólo algunos. En más de treinta años de carrera Tommy James ha dejado su indeleble marca en la industria musical y en su generación.

“Una noche estaba tocando “Hanky Panky” para unos veinte borrachos en un bar de Michigan y a la siguiente para 10.000 fans gritones en Pittsburg” — Tommy James

THE GUESS WHO Banda de garage canadiense, conocida inicialmente como Chad Allen & The Expressions, estaba integrada por Chad Allen, Randy Bachman, Bob Ashley y Gary Peterson. Cambiaron su nombre a Guess Who y graban su primer hit, un éxito del británico Johnny Kid and The Pirates “Shakin’ All Over” en 1965. Aunque tuvieron cierto suceso en Canadá no eran conocidos fuera. Después de cambios en la formación, Allen es reemplazado por Burton Cummings 327

LA ERA DEL ROCK

Los Guess Who fueron una de las primeras bandas canadienses en conseguir miles de seguidores en su propio país y en los USA, con clásicos como “American Woman” o “These Eyes”.

en teclados y voz, se establecen en los Estados Unidos, allí cambia la cosa y graban “These Eyes”, “Laughing” y “No Time” todos entran en los Top 10 en 1969. “American Woman” su tema clásico, consolidó su éxito, consiguiendo el número 1 para el single y el 9 para el álbum. Bachman sale en 1970 para formar Bachman Turner Overdrive, otro grupo clásico. Nuevamente la banda cambia de y logra otro Top 10 con “Share de Land”. Su éxito final lo logran con “Clap For The Wolfman” con el que llegan al puesto número 6 en agosto de 1974. Se separan al año siguiente con la salida de Cummings.

THE ASSOCIATION En 1965 Russ Gugiere (guitarrista), Brian Cole (bajista), Terry Kirkman (flautista), Gary Alexander (guitarrista), Jim Yester (saxofonista) y Ted Bluechel (baterista) deciden “asociarse” y crear una de las fórmulas de soft-rock más exitosas de esos años. Después del supuesto himno a la marihuana “Along Comes Mary” exitazo que llega al número 6 de

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las listas, llegan al número 1 y ganan tres Grammys con la romántica balada “Cherish” en 1966. Al año siguiente abren el Monterey Pop Festival, ganando valiosa credibilidad ante nuevo público. Ese año con el sello Warner, logran dos nuevos hits, “Windy” (nº 1) y “Never My Love” (nº 2). Luego de la partida de Gugiere y la muerte de Cole en 1973 finaliza la exitosa carrera del grupo.

Bubble Gum Rock OHIO EXPRESS Esta banda fue líder del “bubblegum (chicle) rock” a fines de los 60. Bajo la producción de Jerry Kasenetz y Jeff Katz, el grupo logró llegar varias veces a los charts con el sello Buddah Records, esparciendo la locura del “rock chicloso”. Ohio Express liderado por Tim Corwin, debutó en 1967 con el single “Beg Borrow and Steal” luego arrasaron con “Yummy Yummy Yummy” y “Chewy Chewy” en 1968, con diez millones de copias vendidas. Los siguientes grandes hits incluían “Mercy”, “Down At Lulu’s” y “Sweeter Than Sugar”. Su último suceso fue “Sausalito (Is the Place to Go)” en 1969. Tres décadas después el recuerdo de los Ohio Express permanece brillante con su alegre música de los buenos

tiempos. Las letras suenan frescas y sus arreglos suenan mucho más divertidos hoy que cuando estaban en el tope de las listas. La banda aún sigue de gira ocasionalmente en los USA y en Europa.

THE ARCHIES Esta banda de dibujos animados presentaba con la voz de Ron Dante y Andy Kim, el himno del bubblegum-rock “Sugar Sugar” en 1968, llegando al tope de los charts norteamericanos y británicos, y vendiendo más de seis millones de copias alrrededor del mundo. Los personajes de Archie, Betty, Verónica y los otros databan de 1942 cuando el dibujante John L Goldwater los había creado como tira cómica. Renovados por Don Kirshner (el mismo que reunió a los Monkees) se le ocurrió la idea de lanzarlos como grupo musical. Las canciones, obras de Jeff Barry y Andy Kim, eran creadas en el Brill Building. Los Archies tuvieron dos Top 10 más, “Bam Shang-A-Lang” (número 2 en 1968) y “Jingle Jangle” (número 10 en 1969), además de varios temas olvidables, antes de regresar a las tiras cómicas. Los Archies comenzaron la tendencia que seguirían después grupos como los Jackson 5 y los Osmonds.

Eventualmente deberían grabar algún disco pero con músicos de sesión. El “grupo” (todos excepto Jones tenían habilidad real para tocar algún instrumento), tuvieron un instantáneo suceso, llegando al tope de los charts con su primer simple “Last Train To Clarksville”, y lo repitieron con “I’m A Believer”, que también entró en las listas inglesas. Con semanas conectados a la serie de TV, el cuarteto alcanzó gran popularidad con siguientes grandes hits, además de su tercer número 1 “Daydream Believer” en 1967, y de grandes ventas de sus álbumes durante 1968, hasta que la serie se terminó. Después de realizar un horrible film “Head” con Frank Zappa y otros actores desconocidos, el grupo se separó en 1970. Subsecuentemente, Nesmith se lanzó en una carrera solista como compositor y cantante explorando el country-rock, alcanzando el estatus de culto y entonces vino a ser pionero de la industria del video, mientras que Dolenz y Jones se lanzaron hacia la actuación. En los 80 se reunieron nuevamente para algunas actuaciones nostálgicas.

La serie The Monkees estuvo en pantalla entre 1966 y 1968, el tiempo suficiente para que el cuarteto vendiera más de seis millones de singles gracias a canciones como “I’m A Believer”, que había compuesto Neil Diamond. “I’m A Believer” fue su segundo No. 1 en Estados Unidos y su primero en Gran Bretaña, abriendole las puertas de todo el continente europeo.

THE MONKEES Bert Schneider y Robert Rafelson, dos empresarios de Hollywood, idearon una nueva serie de TV acerca de cuatro adolescentes que soñaban con llegar a la fama. Empezaron su búsqueda poniendo avisos en revistas y periódicos, se presentaron más de 400 personas a las audiciones para los cuatro locos y salvajes que se necesitaban. Fue así que reunieron a David Jones (voz), Mike Nesmith (guitarra y voz), Peter Tork (guitarra y voz) y Michael Dolenz (batería y voz). Los llamaron The Monkees. 329

LA ERA DEL ROCK

Los “Folkies” de Greenwich Village

Las bandas británicas cambiaron la forma en que el rock and roll se tocaba y los cantantes americanos de folk cambiaron la forma en que el rock and roll se consumía. La fusión de la música y la política ya ocurrió comenzados los 60 y tuvieron un efecto duradero en la naturaleza y el propósito de la música rock. El rock vino a ser el vehículo primario de expresión, disidente contra el “establishment” y más tarde el aspecto más relevante de la contracultura. Aún cuando el elemento político no era predominante, el rock adoptó la contracultura. El rock nuevamente era discriminado y el folk de protesta también, esto era ya una tradición que hacía del rock un fenómeno “underground” por naturaleza. La juventud norteamericana todavía buscaba una identidad y la música underground proveyó de muchos caminos para lograr esa meta. Esta verdadera revolución salió sin duda del Greenwich Village, un barrio de New York pleno de jóvenes bohemios y bares donde bullían los sentimientos, poesías y música alternativa. Los fanáticos de la música under, repudiaban a los oyentes pasivos, típicos de la música pop (quienes canturreaban los temas que sonaban incesantemente en la radio e idealizando a las estrellas que eran publicitadas por los medios) y adoptaban una actitud más independiente y crítica hacia la música. Ellos preferían los músicos no tan famosos, no publicitados y cuya música no era simple. Desarrollaron una alternativa al sistema de comunicación, promoviendo éste fenómeno que era ignorado por los medios masivos. Ser la minoría vino a ser algo de lo cual estar orgulloso, nada de que avergonzarse. Estos eran discriminados por la sociedad adulta, pero a la vez simpatizaban con los otros discriminados como los negros y los extranjeros. Esto obviamente tenía sus consecuencias políticas, algunas veces muy explícitas. La revolución comenzó con los cantantes folk que pronto fueron identificados como compositores a pleno derecho, representados en la persona de Bob Dylan. La trancisión de los cantantes folk a los compositores “eléctricos” creó una gran brecha para el desarrollo de oportunidades artísticas. 330

comercial de TV, lo que hizo que el disco llegara al oro. Fred Neil también fue uno de los artistas más originales de la época, compuso “Bleecker And McDougal” (1965) que también tenía influencias del blues y del jazz, además de un incipiente tinte psicodélico. Tim Hardin compuso “Reason To Believe” (1965), “If I Were A Carpenter” (1967) y “Hang On To A Dream” em la misma vena de blues-jazz.

SIMON & GARFUNKEL JESSE COLIN YOUNG Comenzó como cantante folk en los cafés bohemios del Greenwich Village a comienzos de los 60 y tuvo la oportunidad de grabar uno de los más innovadores álbumes de folk en 1964 “The Soul Of A City Boy” y luego “Young Blood” en marzo de 1965 acompañado por músicos de jazz. Luego de esto conoce al guitarrista Jerry Corbitt, al tecladista Lowell “Banana” Levinger y al baterista Joe Bauer, con quienes forman Los Youngbloods. Firmaron para la RCA y sacaron su primer sencillo “Grizzly Bear” que llega a los charts en noviembre del 66. Pero su tema más recordado es “Get Together” que también llegó a las listas en 1967. Luego de dos álbumes, la RCA publica “Get Together” como simple después de haber sido utilizada en un

Paul Simon y Art Garfunkel eran amigos en la secundaria cuando decidieron hacer un dúo, en 1955 Simon compuso algunos temas, incluido “Hey, Schoolgirl” (el primer tema del dúo), presentándose como Tom & Jerry en 1957, “Hey, Schoolgirl” logró vender ese año 150.000 copias. pero no fue sino hasta mediados de los 60 con el boom folk que Simon comenzará a escribir una serie de éxitos. Aunque las cosas parecían ir bien, las siguientes grabaciones fueron un fracaso y el dúo se separa. Más tarde se volvieron a reunir para grabar “Wednesday Morning, 3 A.M.” (1964) en el que se incluía la canción “The Sound Of Silence” con instrumentación acústica. El álbum fue un fracaso comercial y Paul Simon se fue a Inglaterra tratando de lograr el éxito como solista. En Londres grabó “The Paul Simon Songbook” (1965). Su primer gran éxito sin embargo les llegó casi por accidente: mientras el dúo se encontraba de vacaciones, el productor Tom Wilson adicionó guitarras eléctricas y bajos para darle cuerpo a la canción folk “The Sound Of Silence”, oca-

Simon y Garfunkel eran Tom & Jerry en 1957.

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LA ERA DEL ROCK

sionando que llegara al puesto número 1. Dado el éxito que logró la canción en 1965 tuvieron que grabar material del disco que Simon grabó en Inglaterra para completar el álbum. La canción volvió a superarse al ser utilizada en la banda sonora de la película “El graduado” de 1967 estelarizada por Dustin Hoffman y Ann Bancroft. Los Sonidos del Silencio definió un estilo basado en el folk y en el rock que entró en total sintonía con la gente y la época. En 1966 colocaron 3 álbumes y cuatro sencillos entre los 30 más populares. “I’Am A Rock” llegó a ser número 3 y “Homeward Bound” fue número 5. Lue-

Paul Simon fue el poeta que mejor capturó la psiquis de su generación. Mientras Dylan hacía de vocero de las marchas por los derechos y las protestas universitarias, Simon & Garfunkel representaban el término medio, de los chicos tímidos e introvertidos, solitarios en su cuarto, estresados por la sensibilidad de la post-pubertad. Simon no escribía cacniones de protesta rabiosas, sino suaves, frágiles, etéreas y melancólicas odas. 332

go, vendrían éxitos mayores con los discos “Bookends” y “Bridge Over Troubled Water”. “Bridge Over Troubled Water”, contenía la canción del mismo nombre, una especie de himno a la amistad que cantó Garfunkel con su voz tan particular. El éxito les sonrió nuevamente y empujó al álbum hasta la cima por 10 semanas y logró ventas por 13 millones de copias en todo el mundo, asegurando para el dúo el estatus de estrellas en 1970. A pesar del éxito, incapaces ya de seguir adelante, Simon se separó de Art Garfunkel. Paul Simon enfatizó su música hacia lo étnico, haciendo una sublime fusión entre lo occidental con la tradición africana en “There Goes Rhymin’ Simon” (1973), “Heart And Bones” (1983), y su famoso y controversial “Graceland” (1986). Mientras tanto Garfunkel se dedicó a la actuación, pero logró dos números 1 como cantante con “I Only Have Eyes For You” de 1975 y “Bright Eyes” en 1979. El 19 de septiembre de 1981, Simon y Garfunkel se reunieron nuevamente para un concierto en el Central Park de New York. Allí, frente a 400.000 espectadores grabaron uno de los discos

en vivo más vendidos, tanto que el doble álbum estuvo en el Top 40 y se sigue publicando aún hoy. En ese momento circularon rumores sobre una reunión, pero cuando Simon mandó borrar todos los acompañamientos vocales de Garfunkel en su álbum “Hearts and Bones” de 1983, los rumores terminaron. Sin embargo el dúo siguió reuniéndose ocasionalmente para ciertas actuaciones durante los 90.

“COUNTRY” JOE MCDONALD & THE FISH Políticamente hablando, Dylan tenía su contrapartida en la Costa Oeste, “Country” Joe McDonald, nativo de California, se hizo un legendario artista agitador, durante sus actuaciones en las manifestaciones de estudiantes de la universidad de Berkeley de 1964. Liderando una banda fundamentalmente campestre, Joe pronto descubrió a los hippies de San Francisco y el LSD, convirtiéndose en un político visionario del acid-rock y formó Country Joe & The Fish. Después de grabar algunos EP para el sello Takoma y varios cambios en la formación de su grupo, realizan su primer álbum “Electric Music For Mind And Body” en 1967, seguido por dos similares “I Feel Like I’m Fixin To Die” y “Together”. El momento más celebrado de McDonald llegó mientras tocaba la canción “Fish Cheer” (...gimme an F, gimme and U...) durante el concierto de Woodstock, canción antibelicista que trataba irónicamente el tema de Vietnam. En 1970, McDonald se hizo solista y se dedicó a varias actividades, entre ellas,

grabando música para películas. Para 1974, junto a Barry Melton salieron de gira por la Gran Bretaña, grabando “Paradise With An Open View” en 1975 con un reformado grupo. Después del poco inspirado “Reunion” de 1977, siguió grabando álbumes solistas en su propio sello discográfico.

TIM BUCKLEY Tim Buckley, sintetizó un nuevo género musical, fusionando el folk, el blues, el jazz, el rock-psicodélico y la música de cámara. Muy pocos rockeros poseían la monstruosa intensidad y la tierna lírica de su trabajo. Las canciones de Buckley eran viajes a través de la psiquis del cantante. Buckley estaba más interesado en espejar las emociones del alma, enfatizando la melodía. Era un reflujo hacia el inconciente. El prácticamente cambió la idea de cómo el folk o el rock debería

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LA ERA DEL ROCK

Tim Buckley envejeció velozmente. Con 21 años ya había dado lo mejor de sí. Canciones como ‘Morning Glory’, ‘Love from Room 109’, ‘Phantasmagoria in two’, ‘Moulin Rouge’ o ‘Song slowly song’ son especiales, quizás de las mejores compuestas en las décadas de los 60 y 70.

ser. Tim Buckley además poseía una de las voces más originales, una combinación de canciones africanas, cantos tibetanos, expresiones del jazz y lamentos del acid-rock, una extraña combinación que creó un nuevo estándar para cualquier futuro vocalista. Él convirtió su voz en un instrumento de orquesta, no sólo un vehículo para las palabras. Tim Buckley nace en 1947 y a menudo se habla de él como músico fracasado y extravagante. Debutó como artista en 1966 con un álbum maravilloso y mágico, como toda su mejor obra, cuando apenas tenía 19 años. Este excelente disco

ya contiene todos los puntos claves de su música posterior. Y además contiene algunos de sus clásicos. Sorprende ante todo su madurez, su energía, el sonido arreglado y

sensual, enérgico y evocador. Es, sin duda, uno de los debuts más destacados de los 60. Las dos primeras canciones, “I can’t see you” y la balada orquestada “Wings”, ya definen un estilo propio y estremecen por su fuerza. Al año siguiente aparece “Goodbye and Hello” (1967) y luego, “Happy Sad” (1968), dos de sus obras fundamentales y la razón de que Tim Buckley ocupe el lugar que ocupa en la historia de la música popular. Si “Goodbye and Hello”, producida por Jerry Yester de los Lovin’ Spoonful, fue calificado de una versión pobre del “Blonde on Blonde” de Dylan, el larguísimo “Happy Sad”, acuñó el etéreo sonido del folk-jazz que no tenía precedentes. Después del más convencional “Blue Afternoon” (1969), Buckley realizó el intuitivo “Lorca” (1970), álbum dedicado al poeta granadino y una de las obras maestras del rock de todos los tiempos. Aquí 334

La música de Tim Buckley tiene un componente vital indescifrable. Puede sonar a muchas cosas a la vez, pero siempre conserva su identidad. La voz de Tim nos envuelve en un sueño que nos transporta hacia el infinito.

la música deja el mundo real para entrar en un paisaje onírico y metafísico. Buckley canta como si estuviera en coma. Las melodías aparecen y desaparecen en una atmósfera de lúgubre suspenso. Sin embargo “Starsailor” (1970) su disco más enigmático, que es formalmente su álbum más perfecto, estaba lleno de un inaccesible jazz que fue demasiado para sus fans, aunque contiene su canción más estremecedora y por la que es más reconocido, la inmortal “Song to the Siren”, versioneada hasta el cansancio. Su lado más comercial comenzó con “Greetings form LA” (1972) y “Sefronia” (1973) volvió a sus raíces folkies, mientras que “Look At The Fool” (1974) reflejaba todos sus problemas personales. Como muchos otros cantautores y artistas de los 60 perdió la vida prematuramente a causa de la droga. Tenía 28 años cuando murió a causa de una sobredosis accidental de heroina en julio de 1975. Un doble álbum en vivo que no se había publicado anteriormente, realizado en Londres en 1968, fué lanzado por el sello Demon en 1990 recibiendo una buenísima crítica y el agradecimiento por parte de los tristes fans.

SCOTT McKENZIE Nació el 10 de enero de 1939 en Jacksonville, Florida, con el nombre de Philip Blondheim. Es mundialmente conocido gracias a su único gran éxito: “San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair)” el cual convirtió en un himno de aquella generación y logrando que Mckenzie obtuviera un resonante éxito popular, ya que el tema llegó al tope de las listas en el verano de amor de 1967. Creció en Carolina del Norte y Virginia, en donde entabló amistad con John Phillips (de los Mamas & The Papas) con quien compartiría lugar en varias agrupaciones. A mediados de los años 50, cantó por corto tiempo con Tim Rose en la escuela secundaria, dentro de un grupo llamado The Singing Strings, y después con Phillips, Mike Boran y Bill Cleary formando una banda de estilo Doo wop, llamada The Abstracts. En Nueva York, los Abstracts se renombraron The Smoothies y grabaron dos discos sencillos para el sello Decca Records. En 1961, Phillips y McKenzie conocerían a Dick 335

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Weissman y conformaron el grupo de folk The Journeymen con el que grabarían tres albumes para Capitol Records. Antes de la separación de The Journeymen en 1964, ambos hablaron sobre formar un nuevo grupo. Mckenzie prefirió seguir en solitario y John aría a Denny Doherty, Cass Elliot y a Michelle Phillips, su segunda esposa. El grupo pronto emigró a California. Dos años después, Scott viajo a Nueva York y firmó para el sello de Lou Adler, Ode Records. Phillips escribió y produjo “San Francisco” para Scott y fue lanzado en 1967. De inmediato el tema se convirtió en un éxito y en una especie de himno hippie logrando posicionarse en las listas de todo el mundo, dentro de los Top 10. Fue una canción muy popular en todo

The New Christy Minstrels sigue siendo uno de los grupos folk surgidos en los 60 que han tomado preminencia y en el cual han militado conocidas figuras como Kenny Rogers, Gene Clark (de los Byrds), Kim Carnes, Barry McGuire, Nick Woods o Terry Williams.

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el mundo. Scott logró otro hit menor llamado “Like An Old”, también producido y escrito por John Phillips. Su primer álbum, “The voice of Scott McKenzie”, fue seguido por otro de nombre “Stained glass Morning”. Dejó de grabar a principios de los setentas, radicándose en Joshua Tree, California y en Virginia Beach.

BARRY McGUIRE Barry McGuire es el típico “cantante de protesta” folk, nacido en Oklahoma en 1935. A principios de 1960 se muda a Nueva York y comienza un derrotero por bares y clubes hasta que logra grabar su primer single, “The Tree” en 1961, el cual no tuvo notriedad pero formó un dúo con Barry Kane; ambos se sumaron al grupo The New Christy Minstrels en 1962 y con “Green, Green”, Barry logra el primer single de éxito de la banda. Finalmente deja el grupo para iniciar una carrera como solista y en 1965 pone a la venta “The Barry McGuire Album”, su álbum debut que tampoco tuvo éxito. Con el apocalíptico tema “Eve of Destruction”

(compuesto por su amigo P.F. Sloan), de su segundo álbum “Barry McGuire Featuring Eve of Destruction”, logró su primer gran éxito, llegando al número 1 en septiembre de 1965. Convertida en una de las más importantes canciones de protesta de la década de los 60, es un resumen de buena parte de la filosofía hippie con respecto a la situación del mundo. De la misma vena es el tema “Sins of the Family” también de P.F. Sloan. En 1966 graba su segundo álbum para el sello Dunhill “This Precious Time”, que incluye una versión de “California Dreamin’” con The Mamas and the Papas cantando en los coros. Barry también incursionó en otras áreas artísticas, apareciendo en la película “The President’s Analyst” de 1967 con James Coburn y haciendo un papel estelar en el musical de Broadway “Hair” en 1971. Ese mismo año se convierte en cristiano participando del Jesus Movement, un movimiento de renovación dentro de la música gospel que venía a ser como una respuesta cristiana al movimiento hippie que rozaba lo pagano. En 1973 se cambia al sello de música gospel Myrrh, realizando el álbum “Seeds”. Prosigue su nueva carrera con “Lighten Up” de 1974 que incluía una nueva versión de “Eve of Destruction”. Realizó giras con 2nd Chapter of Acts y A band called David” en 1975, de las cuales saca un doble álbum en vivo “To the Bride”. Al año siguiente deja Myrrh y firma con el nuevo sello Sparrow con quienes publicaría “Cosmic Cowboy” en 1978. Hasta comienzos de los 80 siguió haciendo giras y conciertos por los USA y Gran Bretaña; luego de lo cual se aleja de la escena musical asentandose en Nueva Zelanda, pero regresa a su país en los 90, grabando cuatro discos desde el 96 al 2000 con su amigo Terry Talbot. Actualmente reside en California y sigue tocando.

TRINI LOPEZ En 1937, nace Trinidad López III en la ciudad tejana de Dallas, más conocido como Trini Lopez, cantante y compositor cuyo mayor éxito fue su versión de un tema de Pete Seeger: “If I Had A Hammer” (Si yo tuviera un martillo). Era hijo de un cantante, bailarín, actor y músico mexicano que emigró con su familia a Texas en busca de una vida mejor. Vivían en un barrio de Dallas llamado “Little Mexico” (Pequeño México), allí nacieron sus hijos, a quienes enseñó el amor por la música… y a separarse de las malas compañías del barrio en que vivían. Formó su primera banda a los 15 337

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Si bien no llegó a dominar las multitudes como Elvis Presley o Tom Jones, el mexicanoamericano hizo bailar a toda una generación con sus pegadizos tarareos mitad en español y mitad en inglés.

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años en Wichita Falls, Texas. Trini despuntó como cantante y grabó algunas canciones propias en pequeñas compañías y sin mucho suceso hasta que logró llegar a Hollywood. En un popular local nocturno llamado P. J.’s fue descubierto por el productor Don Costa, éste le ofreció un contrato de ocho años con el sello discográfico Reprise, del que era dueño uno de los artistas con los que trabajaba: Frank Sinatra. Su primer álbum se títuló “Trini Lopez at P. J.’s”, y fue un sorpresivo número 1 en el verano de 1963, vendió cerca de 10 millones de placas en todo el mundo y permaneció en el chart de los Estados Unidos durante dos años. El antes mencionado single “If I Had A Hammer” llegó al puesto Nº 3 y en Inglaterra el nº4. La canción fue compuesta por los patriarcas del folk Lee Hays y Pete Seeger en 1949, muy pocos utilizaban palabras como “paz” y “libertad” en aquellos lejanos tiempos, envueltas en un mensaje que decía que tenemos las herramientas para conseguirlo. Ese mismo año grabó La Bamba, el clásico de Ritchie Valens que de inmediato lo convirtió en un hit mundial. Entre 1963 y 1968 grabó 14 álbu-

mes y 13 singles, todos exitosos. El punto fuerte de Trini López siempre fueron sus presentaciones en vivo, muchas de ellas terminaron convertidas en álbumes de buena repercusión. Trini López logró adosarle a los temas folk lo mejor de los ritmos latinos y con esta fórmula no tardó en imponerse en el mercado discográfico mundial. La popularidad de Trini comenzó a crecer a ambos lados del Atlántico, gracias a su facilidad para romper las barreras del idioma; Francia, Italia, España y Holanda deliraron con sus versiones personales de los viejos temas de rock & roll. En 1965 Trini López lanzó un nuevo hit, “Lemon Tree”, y volvió a los charts de nortemaérica nuevamente. Además ese año viajó por primera vez a la Argentina donde ofreció dos shows a lleno total. Estando en la cima, decide hacer su incursión por el cine, participando en “The Dirty Dozen” y “Marriage On The Rocks”, pero esto no tuvo continuidad. Después de los sesenta su presencia en las listas y la industria fue disminuyendo rápidamente, sólo grababa esporádicamente entre 1971 y 1972, pero siguió presentandose en clubes nocturnos de Las Vegas hasta bien entrados los 80.

DONOVAN La influencia de Bob Dylan también tuvo fuerza en Europa, donde la tradicion folklórica ya tenía matices parecidos, de todos los cantantes folk sobresalía el escocés Philip Leitch, mejor conocido como Donovan, representando la quintaescencia de los ideales hippies. La suave, melosa y bucólica balada “Fairy Tale” (1965) evocaba un mundo de paz y amor de las comunas que vivían en los bosques. Experimentó con la música occidental y el jazz en “Sunshine Superman” (1966), preparando el camino para el futuro acidrock y el rock progresivo. Donovan era el

alter-ego de Dylan, mientras que Bob era crudo y realista, Donovan era el soñador; Dylan pertenecía a un período histórico, mientras que Donovan vivía en un eden trascendente; Dylan era el cruzado envuelto en épicas misiones, Donovan era un hermitaño abrumado por la naturaleza; Dylan era el profeta visionario y Donovan era un humilde monje. Donovan fue proclamado por los medios como la respuesta británica a Bob Dylan, ya que mucho de sus pensamientos y material estaban dirigidos hacia el folk. Pero la música de Donovan fue mucho más accesible para el gran público que las profundas letras de Dylan. Desde que abandonó el colegio, tuvo muchos empleos y recorrió Inglaterra “tocando por tocar y viajando por viajar”, Donovan llama a esa época la del “peregrinaje gitano”. Su suerte empezó a cambiar cuando es descubierto, mientras ofrecía un pequeño show en un pub, por Peter Eden y Geoff Stephens, quienes se convirtieron inmediatamente en sus representantes. A los pocos meses grabó un demo y apareció en el show televisivo “Ready, Steady, Go”, donde actuó durante tres semanas consecutivas. Gracias al programa, Donovan adquirió una notable popularidad, siendo un músico que recién empezaba. Con 18 años, su armónica, su sombrero y chaqueta de jean, se presentaba al público televisivo semanalmente interpretando canciones de Woody Guthrie con su propio estilo. Su primer hit “Catch The Wind” lo realizó en 1965, en respuesta al “Chimes of Freedom” de Dylan. El filme documental “Don’t Look Back” muestra a Dylan haciéndose amigo de Donovan, quien en ese momento acompañaba a Joan Baez, que a su vez grabó su canción “Colours” adquiriendo así sus propios seguidores en los Estados Unidos. Con Mickie Most como productor, Donovan se “electrifica” en 1966 con

su tema “Sunshine Superman” y graba muchos extravagantes hits como “There Is A Mountain”, “Jennifer Juniper” y su éxito norteamericano “To Susan On The West Coast Waiting”. Para ese tiempo Donovan es identificado como el lider no-oficial del movimiento flower power inglés. En 1968 ayudó a Lennon y McCartney a completar su “Yellow Submarine” y Paul puede ser escuchado como acompañante en la canción de Donovan “Mellow Yellow”. “Barabajagal” de 1969, fue su último single exitoso en la Gran Bretaña, producido en colaboración con el guitarrista Jeff Beck. En los 70 no logró grandes sucesos a excepción de “7 tease” y el aporte a la música para la película “Brother Sun and Sister Moon”, sobre la vida de San Francisco de Asís. Sus canciones retuvieron la inocencia de la era hippie y aún sigue produciendo.

Donovan brilló en los 60 llevando un mensaje sencillo. Fue visto por sus pares como un ingenuo, tal vez porque sus canciones eran demasiado optimistas, pero eran temas completos, con un gran aporte instrumental y una voz que recordaba a los trovadores de la edad caballeresca.

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Folk Rock El matrimonio, aparentemente imposible, entre el folk y el rock vió nacer el “folkrock”. Este movimiento artístico, fue el invento de dos productores: Tom Wilson (uno de los que “electrificó” a Bob Dylan y a Simon & Garfunkel) y Terry Melcher (el que “electrificó” a los Byrds), el punto de partida fue la controvertida presentación de Bob Dylan en el Festival Folk de Newport en 1965, cuando el sonido de las guitarras eléctricas escandalizó al propio Bob Seeger y el público abucheó a Dylan tratándolo de traidor y vendido. Lo que sucedía era que el rock and roll era considerado por los “folkies” como algo puramente comercial, que no decía nada importante, a pesar de eso, muchos músicos consideraron esta opción de electrificar el folk como una nueva brisa. El folk-rock era una manera de interpretar el espíritu (sin reproducir el sonido) de las bandas del Mersey-beat en un contexto americano. Los Beau Brummels en San Francisco y los Byrds en Los Angeles fueron los pioneros del sonido “jinglejangle”, un frenético acompañamiento de guitarras eléctricas a las melodías folk, que ocasionalmente eran cantadas con armonías vocales múltiples al estilo Beach Boys).

THE BYRDS La omnipresente guitarra de McGuinn además de las complejas armonías vocales, dieron el sonido característico a los Byrds.

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The Byrds fueron la banda que co-desarrolló (y popularizó) el folk-rock, acidrock, raga-rock y el country-rock, siendo responsables más que ningun otro de crear el sonido “Americano” y más específicamente, el sonido “California” de mediados de los 60. Se formaron a comienzos de la década en Los Angeles durante la llamada “invasión británica” en 1964 y estaba integrado por Roger McGuinn (guitarra y

voz), Gene Clark (voz y percusión), David Crosby (guitarra y voz), Chris Hillman (bajo y voz) y Michael Clark (batería). Al principio eran los Jet Set que solían tocar en la escena folk, pero luego vieron un puente entre los Beatles y Dylan, que cruzaron para crear un nuevo concepto. Firmaron contrato con Elektra como los Beefeaters, pero fue cuando firmaron con Columbia que se quedaron definitivamente con The Byrds. Ya que el grupo The Animals había tenido éxito con temas de Dylan, se les propuso grabar una versión de “Mr. Tambourine Man”. Sus melódicas armonías vocales y el reconocimiento instantáneo de la guitarra eléctrica de 12 cuerdas de McGuinn les dió sus primeros dos números 1 en los USA, “Mr Tambourine Man” y “Turn Turn Turn” en 1965. Se pueden diferenciar tres épocas de los Byrds: la época folk-rock, representada por “Feel A Whole Lot Better” (1965) y sobretodo por los covers de Dylan (“Tambourine Man”); la era psicodélica, anunciada por “Fifth Dimension” (1966) uno de los primeros álbumes psicodélicos, y perfeccionada por “Younger Than Yesterday” (1967), que era más compleja y erudita que lo común, prestando elementos del free-jazz y la música hindú (“Eight Miles High” inventó el raga-rock). Cuando David Crosby dejó el grupo y vino Gram Parsons en su lugar, el sonido

se volvió hacia el viejo estilo de Nashville. “Notorious Byrd Brothers” (1968) era todavía una excéntrica mezcla de acid, raga, pop y country, pero “Sweetheart Of The Rodeo” (1968) fue uno de los dos álbumes acreditados como inventores del country-rock. Todas estas épocas tienen en común la guitarra de Roger McGuinn. Disputas internas produjeron una serie de cambios en la formación durante el resto de la década, Crosby los dejó para formar Crosby, Stills & Nash, Hillman y Gram Parsons, que formaron parte de los Byrds desde 1968, dejaron el grupo para formar los Flying Burrito Brothers, y Gene Clark se hizo solista. Para 1970, McGuinn era el único miembro original que quedaba, así, con el guitarrista Clarence White y el baterista Gene Parsons (no era pariente de Gram), continuaron los Byrds hasta 1973. En 1973 Gram Parsons murió por abuso con las drogas y White murió en un accidente automovilístico. Se hicieron varios intentos de reunión a lo largo de los 70 pero de corta vida. Aún así los Byrds ya tienen el estatus de pioneros del folk-rock, la psicodelia y el country-rock. Gene Clark falleció en 1991, Crosby aún toca junto a Stills y Nash, y Hillman tiene una exitosa carrera como solista de country con su grupo Desert Rose Band. McGuinn continúa solo, pero a veces suele actuar junto a Tom Petty & The Heartbreakers.

El álbum “Sweetheart of the Rodeo” de 1968 es uno de los álbumes acreditados como inventores del Country-Rock, gracias a la intervención de Gram Parsons y la genial guitarra de McGuinn 341

LA ERA DEL ROCK

LOVIN’ SPOONFUL A comienzos de 1965 cuando la “invasión británica” dominaba la escena musical norteamericana, dos rockeros de Long Island, Steve Boone y Joe Butler, hicieron equipo con dos “folkies” del Greenwich Village, John Sebastian y Zal Yanovsky, para formar los Lovin’ Spoonful y empezar a grabar y cantar algunas de las canciones que llegaron a dominar los charts, estableciéndolos como uno de los grandes grupos de la época. John Sebastian era miembro de la Even Dozen Jug Band. Era maestro de la armónica y un maravilloso escritor de canciones. Zal Yanovsky era miembro 342

de los Mugwumps (que tenía entonces a dos cantantes desconocidos, Cass Elliot y Denny Doherty, que luego formarían parte de Mamas and Papas). John le dijo a Zal que quería formar una banda americana que no sonara como los británicos. John quedó muy impresionado con la interpretación de Zal en la guitarra y su forma de disfrutar el escenario. Steve Boone y Joe Butler le dieron al dúo la sección rítmica que faltaba. Pero Steve también tenía gran talento para componer y Joe una gran voz para acompañamiento vocal (llegó a ser voz líder en varias de las mejores canciones de los Spoonful). Grabaron cuatro canciones para Electra Records. Además eran un número habitual en el Nite Owl Cafe en Greenwich Village. Su primera grabación “Do You Believe in Magic?” casi fue producida por Phil Spector, pero Sebastian pensaba que él era demasiado para el grupo. La canción salió en agosto de 1965 y llegó al Top 10. El álbum llegó a entrar entre los Top 40. Varios exitosos singles y álbumes le siguieron. “Daydream” fue número 2 en 1966 y “Summer In The City” logró el éxito a fines de ese año. Pero no todo era perfecto para los Lovin’ Spoonful. En 1967 comenzaron las rencillas entre Sebastian y Yanovsky, luego Steve Boone y Zal fueron arrestados por posesión de marihuana. Zal casi fue deportado por que era canadiense, pero logró zafarse de la condena. Los Spoonful fueron los “malditos” para los demás músicos contemporáneos. Finalmente Zal dejó el grupo siendo reemplazado por Jerry Yester para grabar el álbum “Everything Playing” de 1967. El futuro del grupo ya estaba sentenciado. Zal Yanovsky hizo algunas grabaciones durante los 70, pero se dedicó a su restaurant en Ontario, hasta su muerte en 2002 a los 57 años. Los Lovin’ Spoonful se separaron definitivamente en 1968.

John Sebastian continuó su carrera solista, grabando varios álbumes. Apareció como invitado en el Festival de Woodstock (y en la película) de 1969. Además acompaño a Jim Morrison y los Doors en el estudio, grabando las partes de armónica en la canción “Roadhouse Blues”. Pero fue su “Welcome Back” de 1976 el que le dió su mayor éxito, llegando al puesto número 1. Jerry Yester, Steve Boone y Joe Butler todavía están de gira como los “Lovin’ Spoonful”. Los cuatro originales aparecieron en escena para recibir su premio en el Rock and Roll Hall of Fame en 2000.

BUFFALO SPRINGFIELD Otra banda clásica de los Angeles con sus bases instrumentales y de guitarras casi neuróticas, eran los heraldos de una nueva era para el folk-rock. El grupo es-

taba formado por Richie Furay (guitarra y voz), Stephen Stills (guitarra y voz), Neil Young (guitarra y voz), Dewey Martin (batería) y Bruce Palmer (bajo). Stills, que venía de fallar en la audición para los Monkees, conoce a Furay en New York en un club “a go-go” y se inspiraron en los Beatles para hacer un grupo pop en 1965. Young, Palmer y Martin, todos canadienses, se unieron al dúo cuando se mudaron a Los Angeles. En aquel momento sus managers eran Sonny & Cher, quienes le consiguieron un contrato de grabación para Atlantic en 1966. La canción “For What It’s Worth” cantada por Furay e inspirada en la brutalidad policíaca en una marcha estudiantil, fue su primer éxito, llegando al número 7 en 1967. Palmer fue reemplazado entonces por Jim Messina. Pero la banda no era lo suficientemente grande para manejar a tres grandísimos talentos juntos, por lo que “Last Time Around”

Buffalo Springfield fue una banda capital en la evolución del folk-rock y del countryrock, además de que contaba con grandes personalidades del rock como Richie Furay, Stephen Stills, Neil Young o Jim Messina.

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LA ERA DEL ROCK

(1968) y el álbum “Buffalo Springfield Again” fueron grabados individualmente. El grupo se desintegró: Young se fue luego de que la banda se presentó en el festival de Monterey, David Crosby lo reemplazó temporalmente. Después de la separación final en 1968, Furay y Messina forman Poco, mientras Young y Stills se reagrupan con Graham Nash y David Crosby en 1969 para mezclar guitarras acústicas y eléctricas además de sus portentosas armonías vocales y recibir el beneplácito del público.

BEAU BRUMMELS

Los Brummels fueron una gran banda, a la altura de los Byrds o los Spoonful, pero no pudieron conseguir el éxito comercial. 344

Liderados por el talentoso compositor y guitarrista Ron Elliott y el fenomenal cantante Sal Valentino, consiguieron introducir en sus temas pop, influencias beat, elementos sonoros del folk o el country, convirtiéndose en pioneros (tanto como The Byrds, Lovin’ Spoonful o Buffalo Springfield) aunque poco reconocidos en la historia del rock. Influenciados por los Beatles y los Searchers, los Beau Brummels se formaron en la ciudad de San Francisco cuando Sal Valentino (Sal Spampinato)

se unió al guitarrista Ron Elliott, al bajista Ron Meagher y al batería John Peterson, los tres componentes de The Sparklers. A éstos, se añadió poco después un segundo guitarrista, Declan Mulligan, con quien conformaron el quinteto que adoptó finalmente el nombre de Beau Brummels. Comenzaron su carrera actuando en diversos locales de la ciudad californiana, tocando temas de la ola británica que estaba haciendo furor en esa época. En uno de estos conciertos fueron descubiertos por el empresario y disc-jockey Tom Donahue, quien les ofreció un contrato con su compañía de discos Autumn Records, en donde publicaron su álbum debut “Introducing The Beau Brummels” (1965), un excelente disco con trazos de los Fab Four. Los magistrales singles “Laugh, Laugh” y “Just a little” demostraban la gran calidad del grupo que les llevó a cosechar muy buenos resultados en ventas, alcanzando los puestos número 15 y 8 respectivamente en las listas de éxito. Su segundo LP, “Volume 2” (1965), contenía los sencillos “You tell me why” y “Don’t talk to strangers”, que a pesar de mantener la calidad no obtendrían los provechos comerciales de sus trabajos previos. Los problemas financieros

THE MAMAS & THE PAPAS

de Autumn Records y la imposibilidad de que Ron Elliott, pudiera salir de gira regularmente con la banda por padecer diabetes, hizo que los Beau Brummels sufrieran un período de incertidumbre en el que Mulligan abandonó la formación. Su segunda etapa se iniciaría en el sello Warner, que absorbió a su antigua compañía. En la Warner y con la incorporación del nuevo guitarrista Don Irving, debutaron con “Beau Brummels 66” (1966), un álbum de covers que el sello les obligó a grabar en contra de sus deseos. Este disco fue realizado con el objetivo de intentar atraer ventas a través de hits populares de la época, la estrategia salió mal y resultó un descomunal fracaso, lo que provocó la marcha del baterista John Peterson y del guitarrista Irving. El trío restante sorprendió sin embargo con “Triangle” (1967), un álbum con toques de psicodelia y mucho más experimental. A pesar de la calidad del LP, los Beau Brummels no lograron el éxito merecido. Los dos claves de la banda, Valentino y Elliott, prosiguieron como dúo y publicaron “Bradley’s Barm” (1968), lleno de gran country-rock que se alejaba de sus trabajos anteriores. A pesar de todo el esfuerzo, sólo cosecharon frías críticas y escasas ventas por lo que el dúo decidió separarse para proseguir en solitario. En 1974 los originales intentaron nuevamente sin éxito la recuperación de la banda.

Este original grupo formado por Michelle Gilliam, “Mama” Cass Elliot, John Phillips y Denny Doherty venían de las bohemias playas californianas. Sus perfectas armonías vocales, arregladas por John, se desarrollarían cuando los cuatro se encontraron de vacaciones en las Islas Vírgenes en 1964. Phillips trabajaba entonces en New York como músico folk, pero como tenía muchas conexiones en compañias disqueras en Los Angeles, decidió mudarse.

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The Mamas & The Papas fue una agrupación fundamental para el folk-rock de mediados de los 60. Intérpretes de verdaderos himnos de la época dorada del “flower power” como “California Dreamin” o “Monday Monday”.

Acompañados por músicos de sesión, el cuarteto realizó sus primeros dos singles “California Dreamin” y “Monday Monday” en 1966, ambos temas se convertirían en su marca registrada y la banda sonora de una época. Estos clásicos inmediatos fueron seguidos por otros éxitos internacionales como, “I Saw her Again”, “Dedicated To The One I Love” y “Creeque Alley” este último muy popular en Los Angeles, por tratarse de historias cortas muy reales del mundo farandulero. Phillips fue uno de los que organizó el Monterey Pop Festival de 1967, seguro de que la performance de The Mamas & The Papas en el evento haría crecer su reputación. Pero el divorcio de Phillips y Gilliam, además del uso y abuso de drogas por parte del grupo, finalmente terminó por separarlos en 1968. Los cuatro sin embargo siguieron en el negocio del entretenimiento, Michelle Phillips se hizo actriz, pero sólo “Mama” Cass Elliot tuvo éxitos musicales, principalmente en

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Inglaterra, donde murió en 1974. Doce años después, Doherty y un más saludable Phillips, con McKenzie Phillips (la hija de John y Michelle) además de Spanky McFarlane como vocalistas femeninas, hicieron una nueva versión del grupo para actuar en números nostálgicos en una serie de conciertos. Luego Doherty fue reemplazado por Scott McKenzie, que era recordado por su enorme éxito con uno de los himnos de la “flower power” “San Francisco (Be Sure To Wear Flowers In Your Hair)”, que había sido escrita por John Phillips.

SONNY & CHER Muchos me preguntarán qué hacen Sonny & Cher en estas páginas. Lo cierto es que son un poco inclasificables, hicieron tanto folk como rock and roll, música de variedades y comedia, finalmente hasta política (sin mencionar que fueron managers de Buffalo Springfield). Pero

la verdad es que estas “almas gemelas” son todo un símbolo de ésta época y su aporte a la música pop y al mundo del espectáculo como lo conocemos hoy es grandísimo. Sonny Bono (Salvatore Bono) y Cher (Cherilyn Sarkasian LaPierre) se conocieron cuando Bono era asistente de Phil Spector y Cher estaba probando como acompañante vocal de las Ronettes en 1963. Bono era escritor y productor y así fue que tomó control de la carrera musical de Cher, con quien se casó en 1964. Después de unos retoques salío a la venta su primer single “I Got You Baby” en 1965, convirtiéndose en un transatlántico número 1. De la noche a la mañana se hicieron superestrellas, siguieron la racha con una serie de hits, grabando como dúo o como solistas. Con los cambios que ocurrían en la música, decidieron probar con el cine, pensando que su éxito en la música les traería idéntica suerte, pero no

fue así, el fracaso en el cine les lleva por otro camino. Hacia 1967 deciden dedicarse al entretenimiento en los circuitos de cabaret de Los Ángeles y Las Vegas. Su simpatía y originalidad les valió una oferta para tener su propio programa televisivo de tono cómico-familiar-musical y de variedades a principios de los 70, su gran profesionalismo les valió un enorme éxito, además de sentar precedentes de cómo debería ser un programa como ése. Cher por su parte logró tener tres singles en el primer puesto entre 1971 y 1973. En 1974 la pareja se divorcia pero siguen trabajando juntos en un revival de su show televisivo en 1976. Sonny Bono deja el espectáculo para dedicarse a la política, consiguiendo el cargo de alcalde de Palm Springs y luego el de senador republicano, murió en 1998. Cher siguió dedicándose a la música junto a su nuevo marido, el rockero Greg Allman, pero sin mucho suceso hasta que “Take Me Home” logra un

Sonny & Cher, lejos de representar el triunfo del comercialismo, demostraron ser altamente profesionales. Su simpatía, originalidad y calidad musical les valió un puesto especial en la historia de la música popular y del espectáculo en general.

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hit en 1979. Durante los 80, decide poner prioridad a su carrera de actuación y gana un oscar en 1987 por “Hechizo de Luna”. Regresa a la música en 1989 con el álbum “Heart Of Stone” que fué un éxito en USA y GB, y su “If I Could Turn Back Time” alcanzó entrar entre los Top 10. Cher continuó de gira durante todos los 90, realizando un inmenso espectáculo de despedida en el 2004.

THE GRASS ROOTS Unas de las voces más escuchadas en la radio a mediados de los 60 hasta principios de los 70 pertenecían a los Grass Roots liderados por el vocalista Rob Grill. Rob era nativo de Hollywood, California, poco después de terminar la escuela comenzó a trabajar en los estudios de la American Recording con algunos amigos músicos; Cory Wells y John Kay, quienes más tarde formaron parte de Three Dog Night y Steppenwolf respectivamente. Convencidos de empezar su propia banda forman The Grass

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Roots. Con el apoyo del exitoso productor Steve Barri (Mamas & Papas, Tommy Roe, Four Tops y Dusty Springfield). Su primer single exitoso “Where Were You When I Needed You” es un gran éxito en 1966. Luego hacen un canto a la libertad con “Let’s Live For Today” en marzo del 67 y vuelven al comericalismo con “Bella Linda” en 1969. Los Grass Roots metieron en los charts 29 singles, 13 de los cuales llegaron a disco de oro, seguidos por 2 álbumes de oro y 1 de platino, vendiendo más de 20 millones de discos en todo el mundo.

LOVE Banda mítica del rock, formado en Los Angeles en 1965 por Arthur Lee (guitarra y voz), Bryan McLean (guitarra y voz), John Echols (guitarra), Ken Forssi (bajo) y Alban Pfisterer (batería). Hicieron su álbum debut en 1966, que pasó sin mucho suceso. Para el segundo álbum, Michael Stuart se unió como baterista; Pfsisterer se encargó de los teclados y el saxo an-

tes de salirse de la banda. Su original sonido folk-rock, híbrido entre los Rolling Stones y los Byrds, se fue desarrollando incluyendo rock y jazz, culminando en el excelente “Forever Changes” (1967), álbum de culto del que todo rockero que se precie debería hacerse con una copia.

Changes” no tuvo en su momento el éxito esperado en los USA, y apenas logró entrar entre los Top 30 en la Gran Bretaña.

Su estilo se asentaba sobre un combinado de influencias, con elementos de rock and roll, rock de garage, folk y psicodelia. En aquel año dorado, todos los críticos coincidieron en citar el álbum como una de las piezas maestras de la temporada. Aquel registro era una especie de suite de canciones en las que se utilizaban con extraordinaria sensatez guitarras acústicas, cuerdas y metales, con un resultado que se hace difícil de catalogar. Una de las canciones más representativas de aquel proyecto fue una composición del desaparecido Bryan MacLean, “Alone Again Or”, que llegó a editarse como disco sencillo. A pesar de su excelencia, “Forever

Dos años después, el álbum “Four Sail” salió a la calle, en el cual sólo había participado el cantante Arthur Lee de la formación original. Tras otro álbum fallido, una nueva formación realiza “False Start” en 1970, donde Jimmi Hendrix toca como invitado. Lee, influenciado por el toque de Hendrix realiza “Vindicator” y luego aparece “Reel To Real” en 1974, ya con otra nueva formación. Desde ahí empieza el declive; en 1982 la disquera MCA en un intento de relanzar Love, saca a la venta un álbum mitad en vivo, mitad en estudio de temas raros y no publicados anteriormente desde 1970, pero tuvo una escasa acogida. En 1992, Lee regresa con un álbum solista “Arthur Lee & Love” y lo promociona ampliamente en un tour por Europa.

El tercer álbum del grupo Love, “Forever Changes” es una de las obras maestras del rock hippie, álbum de culto que no debería faltar en la colección de todo buen rockero.

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THE TURTLES “Happy Together”, “She’d Rather Be With Me” y “Eleonore” Eran canciones de celebración de una nueva cultura, la cultura joven y les dieron a los Turtles éxitos internacionales durante 1967 y 1968, pero no pudieron repetir el suceso en el mercado de los álbumes.

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Otro grupo californiano que empezó originalmente como una banda de surf rock llamada The Crossfires from the Planet Mars; fue fundada en 1965 en Westchester (Los Angeles) por Howard Kaylan y Mark Volman. Con la ayuda del DJ y propietario del club Reb Foster, The Crossfires firmaron un contrato con White Whale Records. Pero decidieron dejar el surf-rock para aprovechar la tendencia musical del momento, se conviertieron en un grupo de folk-rock llamado ahora “The Tyrtles”, con un error de ortografía intencional inspirado en “The Byrds”. Pero ese “error” lo corrigieron muy pronto. Lanzaron su primer single “It

Aint’t Me Baby”, un cover de Bob Dylan, alcanzando el puesto número 10 en los charts en el verano de 1965 siendo éste el sencillo principal del primer álbum de la banda el cual llevaba el mismo nombre. The Turtles estaba formado por Howard Kaylan (después Kaplan), Mark Volman, Al Nichol, Chuck Portz, Jim Tucker y Don Murray. Siguieron en la corriente con un tema de P.F. Sloan “Let Me Be” (1966) que llego a ocupar un lugar dentro de las Top 30 durante el otoño. Su tercer hit, “You Baby” (escrito por P.F. Sloan y Steve Barri), estuvo en los Top 20 a principios de 1966. A pricipios de 1967, la gira tan extenuante y la falta de éxitos en las listas de popularidad, motivaron un cambio de integrantes: el baterista Don Murray y más tarde el bajista Chuck Portz dejaron la banda y fueron reemplazados por John Barbata en la batería y Chip Douglas tomó el lugar del bajista. El primer sencillo clave para su carrera (compuestos por Garry Bonner y Alan Gordon) “Happy Together” fue rechazado por diversos grupos, pero The Turtles lo grabaron. Los arreglos de la canción corrieron a cargo de Chip Douglas. Sin lugar a dudas esta es la canción más emblemática y decisiva del grupo, convirtiéndose también en una fiel representante de los 1960. Esta canción desbancó a la canción de los Beatles

“Penny Lane” en el primer lugar de la lista Billboard en la primavera de 1967. Su primer y único número 1 se mantuvo en ese puesto por 3 semanas. Otros singles como “She’s My Girl”, “You Don’t Have To Walk In The Rain” y “Love In The City” eran igualmente impresionantes, pero largamente ignorados. Luego realizaron el álbum “Turtle Soup” producido por Ray Davies de los Kinks, que tuvo un mejor recibimiento en Gran Bretaña. Debido a las diferente visión musical, los Turtles se separan a fines de la década. Kaplan y Volman (como Flo & Eddie) se unieron a la banda The Mothers Of Invention de Frank Zappa.

FAIRPORT CONVENTION La banda comenzó como sexteto en 1967. En su primera conformación estaba integrada por la cantante Judy Dyble, el cantante Ian Matthews, el guitarrista y cantante Richard Thompson, el guitarrista y vocalista Simon Nicol, el bajista Ashley Hutchings y el batería Martin Lamble. Tras lograr un notable grupo de seguidores en sus actuaciones en directo en clubes londinenses, el grupo hizo su

debut discográfico con “Fairport Convention” (1968), producido por Joe Boyd y editado en el sello Polydor Records. Este fenomenal disco, empieza con la versión de Merry-Go-Round “Time will show the wiser” y prosigue con temas valiosos como “Decameron” o “Sun Shade”. Después de este álbum, que no fue un éxito comercial, Judy Dyble dejaría el grupo para formar Trader Horne. Su puesto sería ocupado por Sandy Denny. Esta incorporación sería clave para que el grupo acreciente su popularidad. El primer trabajo con Sandy fue su debut en el sello Island, “What we did on our holidays” (1968), una excelente colección de canciones folk-rock que incluía temas como “Fotheringay”, “Meet on the ledge” y versiones de Joni Mitchell y Bob Dylan. Tras este álbum y en plena grabación de su tercer trabajo,

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LA ERA DEL ROCK

en cuarteto estaba formado por Simon Nicol, Dave Mattacks, Dave Swarbrick y Dave Pegg. Ellos grabarían el conceptual “Babbacombe Lee” (1971), uno de los preferidos para muchos seguidores del grupo. Siendo toda una institución dentro del folk británico, el grupo perdería a Nicol tras este disco. Las constantes idas y venidas se sucedieron. Lo que afectó en la originalidad y ventas de sus siguientes álbumes. Con posterioridad la banda, con el constante cambio de , proseguiría editando discos pero sin el interés inicial.

JOHNNY RIVERS Fairport Convention ha sido uno de los grupos más importantes en la historia del folk-rock británico, con un acercamiento sonoro a los grupos de la Costa Oeste estadounidense pero sin perder sus raíces que se confunden con el folklore celta.

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“Unhalfbricking” (1969) el grupo perdió a Ian Matthews, descontento con el sonido menos rockero y muy tradicional. “Unhalfbricking” es uno de sus trabajos más inspirados y uno de sus discos mejor vendidos al alcanzar el puesto número 12 en las listas del Reino Unido. “A sailor’s life”, pieza contenida en el LP, fue escrita por Richard Thompson, es una de las mejores canciones de su discografía. Para reemplazar a Matthews llegaría el cantante y violinista Dave Swarbrick, quien tocaría en “Leige and lief” (1969), otro destacado vinilo folk. Luego de este disco hubo cambios en la formación, Sandy Denny y Ashley Hutchings decidieron dejar la banda. Aún así en 1970 graban el sobresaliente “Full House” y el directo “Live at the L.A. Troubadour” (1970), un álbum que no aparecería editado hasta seis años después de su grabación. Poco después Richard Thompson, uno de los líderes de la banda, también sale. A pesar de esta pérdida, el grupo no perdió su atractivo comercial sino todo lo contrario, su siguiente álbum “Angel Delight” (1971) llegó al 8º puesto de las listas y se convirtió en su LP de mayor éxito comercial en el Reino Unido. Fairport Convention, ahora convertido

Uno de los cantantes solistas más exitosos de los sesenta fue Johnny Rivers, armado con una serie de éxitos del rock, con los que vendió más de 30 millones de discos. Se distinguía por su tono de voz agudo y nasal, y una guitarra llena de sentimiento con fuerte influencia del blues sureño. Su trabajo tenía una rara consistencia y versatilidad, desde sus comienzos con clásicos del R&B hasta sus trabajos propios. John Henry Ramistella nació en noviembre de 1942 en New York. Cuando tenía cinco años el padre de John perdió el empleo y se mudaron a Louisiana. Allí tuvo su primer o con el rhythm and blues. Ya en la secundaria formó su primer grupo The Spades en 1956, tocando temas de Fast Domino, Little Richard, Larry Williams y otros. Llegaron a ser bastante populares e hicieron giras por varios estados del sur, además de grabar un single de éxito “Hey Little Girl”. En 1957, John voló a New York a pasar las vacaciones escolares en la casa de una tía, pero con la idea de conocer al locutor Alan Freed. Cuando tuvo la oportunidad, se presentó ante el famoso DJ, contándole de su grupo y sus giras.

Alan quedó bastante impresionado con el joven, así que le dió una cita en sus oficinas en el Brill Building en Broadway. John se presentó con su manager Jack Hooke y tocó cuatro o cinco canciones en la prueba. Hooke llamó al dueño de Gone End Records, quien tenía sus oficinas en el mismo edificio, y le ofrecieron a John un contrato de grabación. El legendario compositor Otis Blackwell, autor de “Don’t Be Cruel” y “Great Balls Of Fire” arregló el debut de John con “Baby Come Back” y “Long Long Walk”. Alan Freed además le sugirió al muchacho un nuevo nombre, hablando de su vida en Louisiana cerca del río Mississippi, se les ocurrió el nombre de Johnny Rivers. “Baby Come Back” salió en marzo de 1958, luego grabó “Your First And Last Love” y más tarde “You’re The One” en 1959, pero ninguno tuvo éxito. Ese año regresa a su casa en Baton Rouge al sur, donde Rivers empieza a realizar giras en solitario y con el comediante Dave Gardner. En Alabama conoce a la viuda de Hank Williams y ésta le consigue un contrato de grabación en Nashville, pero el éxito se le vuelve a escapar. Alrrededor de 1960 consigue actuar con Ricky Nelson en una pequeña gira y lo sigue a Los Angeles donde se radica en 1962, allí consigue trabajar en un concurrido club nocturno donde empieza a ser conocido. En 1964 el dueño del entonces nuevo y famoso club “Whisky A Go-Go”, ubicado en el Sunset Strip, le ofrece a Rivers y su banda un contrato de actuación. Allí por fín le sonríe la fortuna y comienzan sus éxitos con el sello Dunhill e Imperial Records. Su debut discográfico “Johnny Rivers Live at the Whisky-a-Go-Go” (1964) incluyó los éxitos de Chuck Berry “Maybelline” y “Memphis” que llegó al puesto número 2. Al año siguiente vuelve a grabar en vivo en el club otro álbum, incluyendo su exitosa versión de “Seventh

Son” y el tradicional “Midnight Special”. En los dos años siguientes, Rivers siguió cosechando lugares en las listas de éxito, gracias a temas como “Secret Agent Man” de la serie televisiva sobre espías; la elegía “Poor Side of Town” (co-escrita con Lou Adler) y un par de covers de Motown “Baby I Need Your Lovin” y “The Tracks of My Tears”. Pero luego del exito de “Summer Rain”, permaneció entre los Top 40 por el resto de la década. Durante los 70 vuelve a sus raíces, recobrando el éxito con “Rockin’ Pneumonia and the Boogie Woogie Flu” en 1972 y la hermosa balada rock “Swayin’ To The Music (Slow Dancing)” llega al Top 10 en 1977. En los 80 deja de lado las grabaciones para dedicarse a las giras, hasta entrados los 90. En 1998 vuelve a los estudios con un nuevo álbum “Last Train To Memphis”. 353

LA ERA DEL ROCK

El Acid-Folk y Los “Freaks” de la Contracultura THE FUGS

Los Fugs eran poetas de la generacion beat, que decidieron ponerse a tocar rock. Su primer disco es bastante amateur, pero lleno de sátira mordaz contra el gobeirno, el “american way of living” y el conservadurismo. Los Fugs fueron la primer banda verdaderamente underground de la historia al hacer sus presentaciones en sotanos de librerías, cines y teatros en Nueva York.

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Eran la quintaescencia de los grupos satíricos-políticos de los años sesenta, los más grandes parodistas del Establishment y defensores de la contracultura. Sus obscenas y agitadoras viñetas renovaron la tradición que databa de las historias de Chuck Berry y preparando el terreno a las operetas de Frank Zappa. Ed Sanders era dueño de una librería y editor de la revísta de poesía “Fuck You”, junto a su vecino y escritor beat Tuli Kupferberg solían escuchar a los Beatles y las Shangri-Las, lo que les despertó las ganas de participar de ello. No eran precisamente jovencitos, rayando los 40 años y sin mucha formación decidieron formar los Fugs junto a Ken Weaver, quien era compositor, baterista y cantante (años más tarde trabajó como traductor de ruso para la CIA). Eran unos provocadores, quienes junto al poe-

ta Allen Ginsberg desafiaron al sistema estadounidense, exorcizando incluso al Pentágono. Grabaron canciones que iban desde lo extremadamente literario de “Swinburne Stomp” hasta la exaltación del placer carnal en “Supergirl”. El uso y abuso de repeticiones constantes de una frase o sílaba y “collages musicales” iban mucho más allá de su tiempo. En 1966, graban su segundo álbum “Virgin Fugs”: nunca nadie había pensado en usar el estudio para crear lo que era una pura tontería sonora. No sabían cantar, no sabían tocar, sus grotescas y anárquicas composiciones eran melódicamente penosas, pero las mismas están llenas de rabia, radicalidad, irreverencia, sarcasmo y un elevado sentido del humor. Sonidos folkies y rock’n’roll realizados por músicos amateurs que eran mas bien poetas de la escena beat, ubicados en una librería de New York, que deseaban pasarla bien y expulsar sus sátiras sociales y políticas mientras rasgaban mal una guitarra y tocaban la pandereta. Este disco, en el que están apoyados musicalmente por de The Holy Modal Rounders, está compuesto de tomas desechadas de

su primer trabajo “The Fugs” (1965) y es un devaneo contínuo de temas divertidos como “New amphetamine shriek”, “Hallucination horrors”, “C.I.A. Man”, “Coca Cola Douche”, “Caca Rock” o “I saw the best minds of my generation rot”, una canción que contenía texto de Allen Ginsberg. Los Fugs pudieron transformar luego eso en una sorpresiva mejora musical, encontrando suficiente inspiración para sostener su “It Crawled Into My Hands” (1968) y sobre todo “Tenderness Junction” (1968), que es un álbum no convencional, muy liberal, ya que combina letras de alto contenido poético con baladas country, cantos gregorianos, rock’n’roll y psicodélica. “Tenderness Junction” es uno de los grandes discos de todos los tiempos, desastre absoluto, psiocdélia pura y locura beatnik. Los Fugs serían responsables de influir a futuros grupos como los mismos Velvet Underground y los Mothers of Invention.

HOLY MODAL ROUNDERS Steve Weber y Peter Stampfel, amigos de los Fugs, saltan al ruedo como los Holy Modal Rounders en 1963, en el Greenwich Village de New York. Su audiencia era pequeña, ya que su música era demasiado extraña, lejos de lo que oyentes comunes pudieran disfrutar o entender. Su intención era renovar el viejo folk con un espíritu contemporáneo. Comienzan a tocar como dúo en clubes y cofee-houses por todo el norte

del estado y graban varios discos. En 1967 se unen al pianista Richard Tyler y al baterista Sam Shepard, y graban el LP “Indian War Whoop” que contiene el single “If You Want To Be A Bird” para Elektra Records. El tema es incluído en la película “Easy Ryder”, resultando en un millón de copias vendidas. En 1970, Robin Remailly y Dave Reisch se unen a la banda y se mudan a Boston, adicio-nando a Ted Deane, Roger North y Jeff “Skunk” Baxter (quien después tocaría con Steely Dan y con The Doobie Brothers). Seguían de gira por toda la Costa Este, donde conocen la comuna hippie “Wavy Gravy and The Hog Farm”. Cuando la comuna es invitada a Estocolmo a una conferencia sobre medioambiente, los Rounders aprovechan para tocar como “músicos de la casa” y hacen una gira por Europa. De regreso a los USA, se consiguen un bus y se van nuevamente de gira durante seis años por los estados del sur de Canadá y se radican en Portland, Oregon, hasta su final separación en 1979. 355

LA ERA DEL ROCK

FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION El genio supremo de la contracultura de Los Angeles, era el compositor, arreglador, loco, impertinente y bromista Frank Vincent Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore (Maryland), en el seno de una familia de ascendencia griega y siciliana. Su padre, amante de la guitarra, le inculcó la pasión melómana, que cultivó desde niño, escuchando todo tipo de sonidos, desde música clásica, rock’n’roll, dwo wop y R&B. Era más que un brillante y prolífico compositor. Era una nueva clase de compositor, uno que no tenía barreras estilísticas: tocaba rock, pop, rhythm and blues y jazz así como música clásica. Zappa co-inventó el álbum concepto (llegó a realizar un doble álbum cuando muchos de los rockeros recién empezaban a hacer LPs), la ópera rock y el rock

Uno de los grandes de la historia del rock. Con elevadas ansias de experimentación sonora, un punzante sentido del humor y un apego a eclécticas formas músicales, que viajan desde el rock psicodélico, a la música clásica, el doo wop, el jazz o el pop, la productiva carrera de Frank Zappa constituye uno de los pilares más interesantes y vanguardistas de la música moderna del siglo XX. 356

progresivo. El fué el primer músico de rock que utilizó el estudio como un instrumento y no hacía ninguna distinción entre los comerciales de TV, Doo-wop, música de salón, ballet clásico, improvisación jazz o música disonante. Para mejor o peor, poseía una desigual pasión por las letras satíricas. Siempre veía a su arte primeramente como un instrumento satírico, y su música estaba repleta de eso. Su víctima favorita era la hipocresía de la sociedad, los televangelistas, corporaciones, políticos, y aún la gente común, como las “chicas católicas”, las “princesas judías” o los “tontos” que iban a bailar. No mostraba misericordia por la especie humana, exponiendo sus vicios y perversiones. Frank Zappa & The Mothers of Invention debutaron con tres piezas maestras, que ponían de cabeza los estilos populares: el álbum concepto “Freak Out” (1966), la operetta rock “Absolutely

Free” (1967) y el collage experimental de “We’re Only In It For The Money” (1967), éste álbum satirizaba el mundo hippie, el flower-power, las drogas (Zappa estaba contra el consumo de cualquier estupefaciente) y contaba con una portada creada por Cal Schenkel, la cual parodiaba la del Sgt. Peppers de los Beatles. Es uno de sus trabajos más satisfactorios y uno de los de mayor éxito comercial, convirtiendoles en ídolos de la contracultura y abanderados de los freaks californianos. En el momento en que los Estados Unidos entraba de lleno en la guerra de Vietnam, Zappa y su grupo abiertamente desafiaban la ley, llamando a los jóvenes a ignorar las cartillas de reclutamiento. Pero la vena satírica no sólo estaba dirigida al gobierno, “We’re Only In It For The Money’, era una cínica expresión de su punto de vista de la asimilación de los valores hippies con el negocio del entretenimiento. Pero las aguas se calmaron y Zappa se volvió más orquestal con “Lumpy Gravy” (1968), un disco instrumental influenciado por Igor Stravinsky y Edgard Varèse, firmado en solitario y grabado junto a la Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra. Este trabajó ensanchó sus posturas avant-gardé. Reafirmó esa idea con “Uncle Meat” (1969) y el tema de la película “King Kong” (1970). Zappa probó que podía ejecutar melódicos temas con una banda de jazz en “Hot Rats” (1969), disco que supuso su segunda incursión en solitario, con un clásico tema (“Willie The Pimp”) en el que aparecía su amigo Captain Beefheart. En esta obra se cimentaban sus posturas más jazzísticas,

The Mothers of Invention en 1966: Frank Zappa, Elliot Ingber, Ray Collins, Jimmy Carl Black y Roy Estrada.

que desarrollarían en trabajos posteriores. El excelente “Burnt Weeny Sandwich” (1970) y “Weasels Ripped My Flesh” (1970) fueron los últimos discos (de predominio instrumental) grabados con la primera formación de The Mothers of Invention, antes de incorporarse a la formación Mark Volman y Howard Kaylan (conocidos como Flo & Eddie), los dos ex integrantes del grupo Turtles. Junto a ellos se unieron a los Mothers el baterista Aynsley Dunbar, el bajista Jim Pons y los multiinstrumentistas Ian Underwood y George Duke. Junto a su propio grupo, Frank Zappa también mantenía sus sellos independientes Bizarre y Straight Records, donde impulsó las carreras de gente como Alice Cooper, Captain Beefheart y Tim Buckley. “Chunga’s revenge” (1970) fue el primer disco con los ex Turtles, en el que 357

LA ERA DEL ROCK

“We’re Only Here For The Money” parodiaba el Sgt. Peppers de los Beatles. Es uno de sus trabajos más satisfactorios y uno de los de mayor éxito comercial, convirtiendoles en ídolos de la contracultura y abanderados de los freaks californianos.

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acentuó su posición cómica. El álbum en vivo “Fillmore East, June 1971” (1971) y la banda sonora de su película “200 Motels” (1971) fueron sus trabajos previos a un grave accidente que le provocó el novio celoso de una fan del genial artista, el cual, saltó al escenario en el Rainbow Theatre de Londres y empujó a Zappa, ocasionándole diferentes heridas y fracturas que le obligaron a postrarse durante nueve meses. Los trabajos publicados tras este accidente fueron “Waka/Jawaka” (1972) y “The Grand Wazzo” (1972), dos discos de fusión jazz-rock. Posteriormente aparecería el imprescindible “Over-nite Sensation” (1973), un disco de mayores tendencias rockeras. “Apostrophe” (1974) y el directo “Roxy & Elsewhere” (1974) continuaron la senda previa y lograron excelentes ventas. Su mezcla de rock y jazz alcanza uno de sus mejores momentos en “One Size Fits All” (1975), que contiene grandes temas como “San

Ber’dino”, “Inca Roads”, “Sofa nº1”, “Sofa nº2” o “Andy”. En “Bongo Fury” (1975) incluía temas en directo con Captain Beefheart. Tras la grabación del interesante “Zoot Allures” (1976), Zappa rompió relaciones con Herb Cohen y con la Warner, debido a diferencias contractuales. Para cumplir con su contrato les terminó cuatro discos: “Zappa In New York” (1978), un disco en directo con actuaciones realizadas dos años antes, “Studio Tan” (1978), “Sleep Dirt” (1979) y “Orchestral Favorites” (1979). Son trabajos bastante mediocres que la Warner publicó sin consentimiento de Zappa. El músico intentó en su día publicar los cuatro discos juntos bajo el nombre de “Lather”, pero no pudo llevarse a cabo en su tiempo. Apareció póstumamente en 1996. Tras encontrar nuevos para su banda grabó “Sheik Yerbouti” (1979), un Lp que incluía el hit “Bobby Brown goes down” y que se erigió como una de las mejores obras del Zappa de los 70. El siguiente proyecto de Frank Zappa fue la ambiciosa opera-rock de tres discos “Joe’s Garage” (1979), en donde el hábil compositor daba rienda suelta a su talento

en la guitarra, mientras narraba la historia de Joe, un músico de rock que intenta desarrollar sus ansias melómanas en un lugar en el que la música está prohibida. Con la llegada de la década de los 80 se incorporó al grupo el fantástico guitarrista Steve Vai y el cantante Ray White. El irregular directo “Tinsel Town Rebellion” (1981) fue continuado por “Shut up ‘n play yer guitar” (1981) tres discos con sus solos de guitarra, auténtico disfrute para los amantes e intérpretes de la seis cuerdas, que los podían conseguir en su época sólo por correo, a través de su sello Barking Pumpkin. Ese mismo año también presentó el magnífico “You are what you is” (1981), un doble Lp en el que enfatizaba sus posturas satíricas con la sociedad estadounidense. “Ship arriving too late to save a drowning witch” (1983) contenía el tema “Valley Girl”, una canción de moderado éxito en la cual participaba su hija Moon Zappa. Otra pieza importante del disco es “Teen-age Prostitute”. Por esa época comenzaría a experimentar con la música digital y el synclavier, con el que grabaría “sco Zappa” (1984), un disco basado en música escrita por un supuesto antepasado de Zappa en el siglo XVIII, contemporáneo de Mozart. En 1985 se inició una fuerte campaña en contra de las letras del rock, intentando censurar textos con contenido pornográfico o presuntamente violento. Frank Zappa, que testificó ante un comité del Senado estadounidense no se quedó con la boca callada y levantó su voz crítica ante este tipo de censura, y publicó “Frank Zappa meets The Mothers Of Prevention” (1985), una burla a todo este embrollo político con el protagonismo del synclavier. Sus ambiciones orquestales, presente en buena parte de su obra, las colmó con su colaboración con la Orquesta Sinfónica de Londres en varios Lps durante la década de los 80.

Este genial artista de espíritu experimental e innovador, revolucionario y contestatario, fallecería a causa de un cáncer de próstata el 4 de diciembre de 1993 en la ciudad de Los Angeles. Tenía 52 años.

CAPTAIN BEEFHEART Posiblemente el más grande rockero de todos los tiempos y ciertamente el más original e influyente genio del siglo 20 fue Don Van Vliet, más conocido como el Captain Beefheart, borró completamente todos los dogmas musicales y simplemente reinventó la música en sus propios términos. Formalmente, su estilo unía el Delta blues, free-jazz, avant-garde y rock and roll, pero lo que es único en la música de Van Vliet es su oblícua, maníaca, impredecible y demencial estructura de sus composiciones. El desierto de Mojave donde creció, puede ser la clave para entender su arte más que cualquier otra influencia. Van Vliet también creó uno de los más originales estilos vocales. Sus gruñidos hacían más que expresar un estado de mente, más bien redefinía el estado de mente. El canto de Van Vliet era una fuerza de la naturaleza.

El “capitán” con su tétrico estilo durante una actuación en San Francisco en 1973. 359

LA ERA DEL ROCK

“Trout Mask Replica” (1969) es uno de los mejores álbumes del Captain Beefheart y no es coincidencia que él haya ido a la misma escuela que Frank Zappa. El tema estrella del álbum: “Neon Meat Dream of a Octafish”.

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Van Vliet que en su momento llegó a grabar con Frank Zappa y tomó el nombre de ese proyecto fallido “Captain Beefheart Meets The Grunt People”. Formó después la Magic Band en 1964 y sacó un single “Diddy Wah Diddy” de Bo Diddley con el sello A&M. El remarcable “Safe As Milk” (1967) grabado en Buddah Records, presentó su lado dadaísta tomado del blues. Al año siguiente saca “Mirror Man” pero no se publicaría hasta 1970. Luego de “Strictly Personal” (1968), un álbum más “ácido” arruinado por el productor, Van Vliet compuso el álbum que más contribuyó a la música rock, “Trout Mask Replica” (1969). Esta obra maestra, realizada con Frank Zappa, era la más salvaje y excéntrica de su época, y la música era sólo el reflejo de lo que ocurría dentro de la mente del compositor, eran 28 canciones grabadas en 8 horas, lo que en algunas partes se notaba. La crítica lo aclamó nuevamente gracias a “Lick My Decals Off, Baby” de 1970. Se hizo más accesible con “Clear Spot” y “The Spotlight Kid” los dos de 1972, pero no fueron muy populares. “Uncon-

ditionally Guaranteed” y “Bluejeans An Moonbeams” continúo esa línea. Luego, produjo al menos dos álbumes brillantes, “Shiny Beast (Bat Chain Puller)” (1978) retornó a sus raíces. Entró en la nueva década con “Doc At The Radar Station” (1980) y “Ice Cream For Crow” (1982), pero problemas con la industria hizo que eventualmente desaparecería de la escena musical para dedicarse a la escultura y la pintura en su desierto natal. Dicen los que saben que la distancia que había entre el Captain Beefheart y el resto de la música rock es la misma distancia que hay entre Beethoven y los otros sinfonistas de su época.

THE VELVET UNDERGROUND Tachados en su época como mera banda sonora para las excéntricas puestas en escena del artista Andy Warhol, The Velvet Underground fue un auténtico ensayo sobre la vanguardia musical que demandó su lugar como alternativa a la cultura del flower-power de finales de la década de los 60, reivindicando la angustia de las grandes urbes.

Grupo de culto, más potentes en directo que en estudio, Velvet reivindicaba la calle, los sucios callejones de la ciudad de Nueva York, chocando frontalmente con las comunas campestres de los hippies de la costa oeste. Lou Reed era tan aficionado al rock and roll que sus padres le ingresaron en un centro psiquiátrico para que recibiera tratamiento de electroshock, para que “olvidara” la música del diablo. Con su amigo Sterling Morrison, asistía a la Universidad de Syracuse, los dos eran amantes del rock y estaban ansiosos de formar un grupo. Allí conocen a John Cale, nacido en Gales quien tocaba la guitarra desde niño. Lou y Sterling le propusieron formar una banda y John aceptó de inmediato.

En el verano de 1965 ya tenían grabada una cinta con cuatro temas de Lou Reed, entre los cuáles estaban la erótica “Venus In Furs” y el clásico “Heroin”. Los tres, junto a la batería Maureen Tucker, debutaron por primera vez bajo el nombre de The Velvet Underground en noviembre de 1965. Un mes después, ya estaban tocando de diez de la noche a dos de la mañana en el Café Bizarre, sitio frecuentado por artistas bohemios, entre los cuales se encontraba Andy Warhol. El pintor albino vio en el grupo el acompañamiento perfecto para sus ideas, con lo que el cuarteto pasó a formar parte de “The Factory”, el lugar de trabajo de Warhol. Sólo existía un pequeño inconveniente Andy quería estrenar

“La Velvet”, la banda que tomó seriamente el camino del rock experimental a finales de los 60. Quizás no tengan una abundante discografía o hayan cosechado fortunas en ventas, pero su influencia es legendaria desde el punk hasta el grunge. 361

LA ERA DEL ROCK

a una cantante asidua a The Factory de origen alemán llamada Nico. La banda entró a formar parte del espectáculo warholiano llamado “Exploding Plastic Inevitable”, donde la música, el cine y la danza se mezclaba en un ambiente psicodélico. La puesta en escena tuvo una importante repercusión en el underground neoyorquino y en marzo de 1967 se lanzaba “The Velvet Underground & Nico”, el primer álbum de la banda (el de la banana en la portada). La nula publicidad por parte de la compañía, la música demasiado revolucionaria y anticomercial (excepto los temas cantados por Nico), le dieron poca repercusión al disco. Finalmente, Reed y Cale se cansaron de las extravagancias de Andy

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Warhol, salieron de la Factory y viajaron a Boston para actuar en el Festival Tea Party y buscar nuevos horizontes. El álbum “White Light / White Heat” (1967) ya sin Nico, fue grabado en tan sólo tres días y ha pasado a la historia como su trabajo más creativo y el más influyente. El disco pasó prácticamente desapercibido, y la colaboración entre Lou Reed y John Cale se deterioró considerablemente, sobre todo debido a la adicción a las drogas de Lou. El disco contenía la que para muchos es la mejor canción de The Velvet Underground, “Sister Ray” que duraba 17 minutos, una extravagancia que llevaría al rock a nuevos extremos. Velvet estuvo a punto de ser contratados por Brian Epstein, el manager de The Beatles, pero su repentina muerte truncó las aspiraciones del cuarteto. En septiembre de 1968 John Cale deja el grupo, él opinaba que Lou Reed perseguía el estrellato con canciones demasiado comerciales, fue sustituido por Doug Yule. En Marzo de 1969 salió el tercer álbum de la banda, que se llamó simplemente “The Velvet Underground”, el cambio fue bastante radical debido a la sencillez y a las suaves melodías de Lou Reed que se incluían. Durante los conciertos de presentación, se grabó material para un disco en vivo que aparecería en 1974. En diciembre de 1970 salió a la venta “Loaded”, el cuarto disco, el más accesible y el que contenía las dos canciones más populares del grupo: “Sweet Jane” y “Rock & Roll”. La marcha de Lou Reed y de Sterling Morrison causó la desaparición de The Velvet Underground. Lou Reed sin embargo regresó a los escenarios y se convirtió en uno de los compositores más aclamados de las últimas tres décadas. Irónicamente los Velvets nunca fueron reconocidos “oficialmente” como una de las bandas de rock más influyentes de la historia.

CAPITULO 12

Rock Around the World El rock en todo el mundo...

Al arribar a lejanos puertos de todo el mundo los primeros discos de Bill Halley, Elvis Presley, Chuck Berry y tantos otros, la juventud de esos lugares los absorbe como si fuera el combustible que estaban esperando desesperadamente. No podríamos explayarnos sobre cada grupo o moda que surgió en cada país del mundo, pero no podemos dejar de lado el hecho de que el fenómeno del rock and roll, no ocurrió solamente en los EE.UU. o Gran Bretaña, no se cantaba solamente en inglés, ni tampoco fué un fenómeno meramente occidental.

Rock en Español No podemos dejar pasar esos maravillosos años donde el Rock and Roll aprendió a hablar castellano. El Rock and Roll llegó a México entre 1956 y 1957 y provocó la pasión de varios jóvenes que formaron los primeros grupos que a la postre fueron los pioneros del Rock and Roll en español. Al principio estos grupos se limitaban a tocar versiones de los éxitos en inglés, pero poco a poco se fueron animando a utilizar su propio idioma. Entre los meses de febrero y abril de 1960 salieron al mercado los primeros cuatro discos de este movimiento, “La Batalla de Jericó” de Los Camisas Negras, “Yo no soy rebelde” de los Locos del Ritmo, “La Hiedra Venenosa” de Los Rebeldes del Rock y “Rock de la Cárcel” de Los Teen Tops. Estos discos tuvieron una respuesta explosiva que cautivó de inmediato a toda la juventud mexicana cansada de los chachachá, rumbas, y mariachis. Tras estos grupos aparecieron muchos más como: Los Hoolligans, Los Sinners, Los Boppers, Las Blue Caps, Los Juniors, Los Jockers, Los Hermanos Carrión, Los Apson, Crazy Boys, Los Gibson Boys, Los Rogers, Los Loud Jets y los Spuntnicks, entre otros. Este movimiento se extendió a todos las países de habla española y en cada lugar el Rock and Roll mexicano, dio la pauta para que surgieran artistas locales y gestaran su propio movimiento juvenil. 363

LA ERA DEL ROCK

El Rock explota en México La cultura estadounidense siempre ha sido una influencia de movimientos en boga para los mexicanos tanto por su cercanía con el país, así como por ser una potencia mundial. El nacimiento de los grupos de Rock and Roll en Estados Unidos, sirve de inspiración para que jóvenes que tenían a esa cultura tomen el estandarte del rock mexicano y salgan a demostrar su música. La primera agrupación mexicana a la cual podemos considerar como absolutamente rocanrolera se llamó “Los Espontáneos” y surgió en 1956. Se trataba de un dueto conformado por Sergio Martell en la armónica (ya fallecido) y Roberto Figueroa (voz). Con tan poca instrumentación, se presentaron en el programa de televisión Teleclub Deportivo que transmitía el canal 4, todos los

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dias al mediodía. Su repertorio estaba integrado por “Rock Around the Clock” y “See You Later Alligator”. Tocaban, además, “Dieciséis toneladas”. Al poco tiempo los hermanos Tena (quienes más tarde formarían los Rebeldes del Rock) se unieron a este pionerísimo grupo de rock mexicano. En ese entonces (1958), surge otro grupo conocido como los Locos Del Ritmo que interpretaban la canción “Yo no soy un Rebelde” que sirvió de estandarte de una época. Junto a ellos nacieron los Teen Tops, los Rebeldes del Rock, Los Blackjeans, Los Crazy Boys, Los Hermanos Carrión, Los Boppers y los Sinners entre otros, que solían tocar los covers de grupos estadounidenses pero con las letras traducidas al español, esto ya implicaba una parte de la creatividad en la traducción de las canciones y su adaptación. Después surgirían otros grupos, salidos de concursos, como Los Hooligans y Los Rogers.

La compañía Orfeon tuvo en 1961 un gran acierto, al iniciar el programa televisivo más importante de los años sesenta: ‘Premier Orfeón’, luego ‘Orfeón A Gogo’, donde todos los días y durante diez años, presentó a sus artistas de moda. Contando con este escaparate, la compañía de discos colocó en el mercado muchísimos discos de intérpretes juveniles de rock and roll, algunos con mucha promoción y gran demanda, y otros con popularidad breve y explosiva como sucedió con Los Glidders (“La rebeldona”), Los Beatniks (“Jinetes en el cielo”), Los Vicking Boys (“La Rebeldita”), Los Sinners (“La novia de mi mejor amigo”), Los Rogers (“Noche y dia perdidos”), y finalmente, otros que pasaron a formar parte de los experimentos de Discos Orfeón.

Los Locos del Ritmo Hacia 1958 el cantante Antonio de la Villa, el pianista Pepe Negrete, el guitarrista Jesús González, el baterista Rafael Acosta y el bajista Mario Sanabria, organizan una banda filarmónica de aficionados que intentaba interpretar canciones que por ese entonces eran éxitos en los Estados Unidos, como la contagiosa “C’mon Everybody” de Eddie Cochran, traducida y adaptada por ellos bajo el título de “Aviéntense todos”, o la explosiva “Tallahassee Lassie”, mejor conocida como “La chica alborotada”. Sin embargo, estos alegres muchachos también escribian sus propias composiciones, caso de la romanticona “Tus ojos” de Rafa Acosta y de “Yo no soy rebelde”, todo un himno generacional salida de la rockanrolera inspiración de Jesús González. “Pepe y sus Locos del Ritmo” en 1958 ganan el concurso de “La hora internacional del aficionado” en el canal 2 de la TV mexicana, en parte gracias a la hinchada que llevaron. Como premio fueron a Nueva York a concursar al show

Los Locos del Ritmo en los estudios de Orfeon. Aunque los historiadores no se ponen de acuerdo si fueron éstos el primer grupo de rock mexicano, podemos decir sin temor a equivocarnos que fueron el grupo con más ritmo, energía y originalidad.

de Ted Mack donde obtuvieron el 2º lugar. Entre las piezas que interpretaban había covers como “Rip it up”, “High School confidential” y composiciones originales como “Pipapirapau” y “What to do” (Chucho’s guitar). Entre diciembre de 1958 y enero de 1959 grabaron un LP para el sello Dimsa, el cual salió a la venta en 1960, cuando se vió que el rock & roll era buen negocio. “Los Locos del Ritmo” contenía 12 piezas, de las cuales seis eran composiciones propias, otra era “La Cucaracha” y cinco eran arreglos de canciones norteamericanas. En 1962 salió su tercer disco basado en el twist, nuevo “ritmo de moda” grabado en Venezuela, contenía “Tengo una Novia”, “La Cucaracha Twist”, “La Bamba twist” y “Voy a buscarte”, composición propia. En 1963 su cuarta grabación tenía 11 versiones y una sola canción original. De ahí en adelante se siguió la tendencia de privilegiar las versiones, al igual que el resto de los grupos rockanroleros en México. Una 365

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de las causas fue la muerte de su cantante, Toño de la Villa, a los 21 años de edad. Su voz cantando “Tus ojos” (composición de Rafael Acosta) y “Yo no soy rebelde” (de Jesús González), han quedado como los clásicos de clásicos de la primera época del rock mexicano y de buena parte del siglo XX. Como muchos otros grupos de esta era, los Locos del Ritmo siguen actuando, probando que lo bueno no tiene tiempo.

Enrique Guzmán y los Teen Tops Quizás no fueron el primer grupo de rock en español, pero sí el que más influyó e hizo que adolescentes en todos los países de habla hispana se decidieran a hacer Rock and Roll en su idioma. Los Teen Tops lo formaron en 1959 tres jóvenes amigos que se conocieron en el Club Deportivo Chapultepec, Jesus “Tuti” Martinez (requinto), su hermano Armando “Many” Martinez (batería y canto, autor de la mayoría de las letras del grupo), y Enrique Guzmán (bajo). A

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ellos se sumó Sergio Martel (piano), que venía de integrar el dúo Los Espontáneos. Era tal su gusto y afición por el Rock and Roll que dedicaron todo su tiempo libre a la formación de su grupo musical. En un principio todo fue estudiar y ensayar. Poco a poco, conforme fueron haciendo repertorio, empezaron a presentarse en fiestas familiares. Cantaban en inglés y obtuvieron cierto suceso, lo que les brindó la oportunidad de realizar una prueba en un programa radial llamado “La Hora Americana”. El día fijado Many se enfermó de la garganta, por lo que cantó Enrique Guzmán con tan buen desempeño que quedó confirmado como vocalista, incorporándose como bajista Rogelio Tenorio. Para completar los cambios, el grupo comenzó a interpretar temas en castellano. Todo el año de 1959 fue de estudio, ensayo, radio y cada vez mas presentaciones en bailes y fiestas. A fin de ese año hicieron una grabación de muestra (demo) para llevarla los hermanos Martínez a Estados Unidos a donde viajaban de vacaciones. En los Angeles recorrieron todas las grabadoras importantes sin recibir ninguna oferta, hasta que llegaron a Liberty Records con Snuff Garret, quien se interesó por el grupo y les propuso de inmediato un contrato de grabación y un programa muy importante de promoción, pero los padres de los cuatro no les permitieron ir a radicar a Estados Unidos, pues apenas tenían entre 15 y 18 años de edad. Continuaron sus actividades en México, hasta el mes de abril que fueron buscados por Discos Columbia e invitados a hacer una prueba. Al término de la audición el señor André Toffel se dirigió al grupo y en tono de crítica preguntó: “¿Es todo lo que saben hacer?” Armando contestó: “Nosotros no los buscamos, ustedes nos mandaron llamar, y sí, lo único que hacemos es tocar Rock and Roll”. José de Jesús Hinojosa, Jefe de Promo-

ción Radial intervino, diciendo: “Esto va a pegar muy fuerte, así que si no aceptan contratarlos, yo los grabo por mi cuenta y me lo descuentan de mi sueldo”. Así que aceptaron contratarlos y varios días después grabaron “Rock de la Cárcel”, “Confidente de Secundaria”, “La Plaga” y “Buen Rock esta Noche”. Hasta la fecha siempre habían cantado en inglés, así que les pusieron letra en español a estos números para grabarlos. Su primer sencillo fue “Rock de la Cárcel” y “Confidente de Secundaria”, se empezó a escuchar de inmediato. De ahí a fin de año salieron cinco sencillos más para completar su primer LP del cual las 12 canciones fueron éxitos. A principios de año siguiente lanzaron su segundo LP con éxitos como: “Rock Nena Linda”, “Presumida”, “Anoche no Dormí”, “Pensaba en ti”, “Rock del Río Rojo” y “Bailando Twist”. A fin de ese año salió el LP, encabezado por “La Suegra” (Mother in Law), “Quien puso el Bomp” y “Popotitos”, que fue el último que hicieron con Enrique Guzmán. Por decisión de la compañía grabadora, Enrique Guzmán se alejó del grupo para iniciar su exitosa carrera solista. La movida fue muy positiva para el cantante, pero marcó el comienzo del fin para Los Teen Tops. En 1963 hicieron su último LP “Los Teen Tops”, mas para llenar la demanda internacional en España y Latinoamérica que la mexicana. El contenido fueron refritos de otros grupos rocanroleros del país cuyas versiones eran desconocidas allá. El acetato les permitió un poco mas de popularidad fuera del país pero localmente fue un fracaso y la popularidad discográfica del conjunto se agotó. En toda su carrera grabaron cinco LP’s de los cuales tres fueron con la voz de Enrique Guzmán, los demás con Gastón Garcés y algunas canciones con Julio Carranza. Sin embargo, desde el retiro de su primer vocalista en 1962, la popularidad del grupo

se redujo drásticamente a pesar de los intentos por mantener la imágen. Tres medianos sucesos musicales cerraron su notable discografía: “Rascacielos”, “El Héroe Juan” y “Vueltas y Vueltas”. Con los años, el Rock and Roll en español se ha convertido en un ritmo clásico en México, no hay fiesta en la que no se baile Rock and Roll, sobre todo “La Plaga”, “Rock de la Cárcel”, “Presumida” y “Popotitos”. Y los Teen Tops tienen ahora tanta demanda en los espectáculos como en sus primeros años. 367

LA ERA DEL ROCK

Los Rebeldes del Rock El grupo comienza a fraguarse hacia 1957, los iniciadores de esto fueron Toño de la Villa quien después sería cantante de “Los locos del ritmo”; Guillermo Américo Tena requinto del grupo y Paco Dominguez pianista del mismo. En los inicios se llamaron “Los Reyes del Rock” y en octubre de 1959 cambian a “Los Rebeldes del Rock”. Los originales de este grupo fueron: Johnny Laboriel vocalista, Waldo Tena guitarra de acompañamiento, Guillermo Tena guitarra líder, Polo Tena bajo, José María Silva Batería y Paco Domínguez teclados. A principios de 1960 graban su primer LP gracias a la oportunidad que les dio Wille Samperio, éste contenía: “La hiedra venenosa”, “Recuerdas cuando”, “Un tonto como yo”, “Dulces tonterías”, “Danielito”, “Melodía de amor”, “Rock del angelito”, “Siluetas” y “Kansas City”. La mayoría de las letras fueron hechas por los propios . Este LP en su

momento fue todo un éxito que perdura hasta ahora, a los ocho días de haber sido grabado ya era un suceso en ventas. Posteriormente grabaron otros cuatro LP, en el último figura “Muévanse todos”, que fue cantado por otro de sus grandes cantantes, Baby Moreno. Los Rebeldes del Rock en estos cinco LP obtienen 45 éxitos, que han vendido millones de discos y han participado en 7 películas alternado con los artistas más representativos de todo este tiempo. En 1996 participan en un evento de rock and roll en la Plaza México teniendo una audiencia de 36.000 personas, esto habla del arraigo que siguen teniendo con la gente. Uno de los puntos importantes es que “Los rebeldes del rock” siguen conservando el sonido y estilo que les hiciera famosos desde un principio. Su público no los olvida.

Los Black Jeans/Camisas Negras y Los Hermanos Carrión Diego de Cossio, pionero del rock en español, fué integrante fundador del conjunto de rock mexicano Los Black Jeans (más tarde castellanizaron el nombre como “Los Camisas Negras”) en 1958 junto a los Locos del Ritmo y los Teen Tops fueron los grupos iniciadores del rock en México. Los integrantes de los Camisas Negras eran Diego en la 1º guitarra, Cesar Costa 1ª voz y 2ª guitarra, Carlos Loftus en el bajo y en la bateria su hermano Juan Manuel de Cossio. Actuan por primera vez en la estación de radio XERC de México, D.F., donde interpretan piezas instrumentales como “Tequila”, “La chica de los Ojazos” y “De buen humor”. Ya con el grupo bien organizado empiezan a actuar en fiestas, bailes, radio y T.V. En 1960 graban para la compañia Peerless “La Cucaracha” y “La Batalla de Jericó” pero aunque el disco salió a la

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venta, esta grabadora no les dió el impulso necesario y ellos se vieron obligados a cambiar de sello. Fué el sello Musart quien los lanzó a la popularidad como “Los Camisas Negras” con su primera grabación “El Tigre”, a esta le siguieron muchas otras exitosas grabaciones (“La Marcha de los Santos”, “Ahora o Nunca” y “Tu me perteneces”) y muchos contratos haciendo una exitosa gira en el puerto de Mazatlán (México). Al finalizar el año 60 debido principalmente a que su cantante Cesar Costa inicia su carrera solista, el grupo se separa, pasando Diego a tocar la 1º guitarra con Los Sinners por poco tiempo, pues al finalizar 1961 se une a Ricardo (Bajo), Lalo y Hector Carrión (Primeras voces y guitarras acompañamiento) para formar los Hermanos Carrión en los que toca la bateria Ricardo Escasena (cubano de nacimiento). Se inicia aquí una carrera de grandes éxitos a traves de muchos años juntos (“Las cerezas”, “Que Inhumano”, “Niñas Niñas”, “Viva Lalo”, “Magia Blanca”, “Creo estar soñando” y “Fugitiva”, entre otras). Siempre se le daba lugar a Diego para intercalar en los shows entre las melodías cantadas algunas instrumentales. Así, apoyado por los Carrión que le permiten seguir en el conjunto hace su debut como solista en 1962 grabando en dicho año su primer LP en el sello Orfeón-México, su segundo LP sale en 1965. Entre las innumerables giras que realizaron dentro y fuera de México sobresale la relizada a Argentina en 1964 en donde actuaron en los bailes de la organización “Escala Musical” que incluía actuaciones en TV en el Canal 13 de la Capital Federal, siendo con los Teen Tops y Los Locos del Ritmo quienes llevaron el rock and roll es castellano a tierras porteñas. Ya separado de los Carrión, Diego de Cossio forma en 1968 el conjunto Los Barrocks con los que graba en dicho año un EP con Orfeón. Todavía sigue en carrera. 369

LA ERA DEL ROCK

Los Loud Jets

Los Loud Jets se formaron en 1959 y surgieron a la fama en un concurso organizado por Radio Exitos en el D.F. en 1960. Desde 1962 se mantuvieron haciendo giras artisticas en el extranjero durante 15 años presentandose inclusive con el nombre de ‘Mexican Jets’.

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Fue en la Escuela Nacional Preparatoria No. 6 de la Ciudad de México donde se formaron Los Loud Jets, otro de los grupos consentidos de los años 60’s. Comenzaron tocando en fiestas, tardeadas y reuniones familiares con guitarras eléctricas fabricadas por ellos mismos; originalmente el grupo estaba integrado por los siguientes elementos: EDUARDO MUNGUIA CASTELLO (1ª guitarra y voz); ALEJANDRO MUNGUIA CASTELLO (2ª guitarra y voz); FRANCISCO GASTELLUM FLORES (Bajo); ALFREDO GARCIA PEREZ (Saxofón) y SERGIO BALDERAS CRESPO (Batería). En sus inicios estuvieron acompañados del gruitarrista Víctor Constantino, quien al separarse de ellos fue requinto y cantante de ‘Los Playboys’. Después, eventualmente acompañó a músicos de la talla de Chuck Berry o Bill Halley (ha sido el único músico mexicano que lo ha hecho). En noviembre de 1960 participan en un concurso organizado por Radio Éxitos y discos CBS Columbia al lado de los Blue Caps, los Hooligans, los Sparks, y los Spitfires. Para los Loud Jets, 1961 fue

un año de éxitos discográficos. Con sus versiones a “Agítese, haga ruido y ruede”, “Hermosa Laura” y “Nena, ¿jugamos a la casita?” hicieron escuela de la que varios grupos tomaron sus modelos de interpretación, por su gran profesionalismo. Al año siguiente logran nuevos hits con “El Mosquito del Twist”, “Dulces a mi Nena” y “Chatanooga Choo Choo”. A partir del 31 de marzo de 1962 inician una larga gira, al principio acompañados por las Mary Jets, quienes regresaron al cabo de dos años, recorriendo distintos países de Centro, Sudamérica y el Caribe, así como algunas ciudades de Estados Unidos donde alternaron en los importantes shows televisivos de Ed Sullivan y Johnny Carson con figuras de la talla de Pat Boone, Sammy Davis Jr., Maurice Chavalier, Johnny Mathis, Dean Martín, Tom Jones, Frank Sinatra, Peggy Lee, The Supremes, Rick Nelson, etc. Durante esos años grabaron para varias compañías disqueras e incluso para la marca Roulette de Nueva York bajo distintos nombres como: The Jumping Beans, The Mexican Jets y desde luego Los Loud Jets. En su gira internacional que duró varios años los mantuvo alejados de su patria, por lo que quedaron un poco relegados en la escena local, pero a su regreso en 1968 lanzaron nuevas grabaciones que los volvieron a colocar en las listas mexicanas, especialmente con el tema “Ya no como bananas”. A su regreso definitivo a México en 1979, se presentan en los más reconocidos centros nocturnos y hoteles de las ciudades de México, Guadalajara y Acapulco. Los años siguientes se mantuvieron activos hasta la muerte de Eduardo Munguia ocurrida en el 2002. Actualmente la titularidad del nombre pertenece a su manager Gabriel Pardo Arzate, una figura de gran relevancia en toda la carrera artística de Los Loud Jets.

Los Hooligans La carrera de Los Hooligans inicia en Noviembre de 1960 cuando ganan un concurso organizado por Radio Éxitos y Discos Columbia. Originalmente estaban integrados por: RICARDO ROEL (voz), HUMBERTO CISNEROS (guitarra), ENRIQUE AMPUDIA (bajo), LUIS FELIPE CISNEROS (batería) y JAVIER DE LA CUEVA (piano). Del mismo concurso, surgieron también otros grandes grupos del rock’n roll como: Los Loud Jets, Los Spitfires, Los Sparks y Los Blue Caps.Teniendo este triunfo como base musical, sus grabaciones subsecuentes encontraron pronta demanda de los amantes del rock and roll; y cuando realizan la histórica grabación de “AGUJETAS DE COLOR DE ROSA” (Pink shoe laces) empezó a ser tocada en todas
A partir de 1963 el grupo entra en su segunda etapa y firma contrato con Discos Orfeón, ingresa también Micky Salas en la batería y nuevamente se colocan en los primeros lugares con Johnny Ortega como vocalista. “Despeinada”, “Bat Masterson” y “Para cuando Joven” son sus primeros hits de este periodo; les siguieron “El Secreto” (1964), “El Gato Loco” (1965), “Juanita Banana” (1966) y “Judy con Disfraz” (1968). Los Hooligans participaron en varias películas como “La Edad de la Violencia” y algunas otras, así como en innumerables programas de televisión destacando el legendario Discoteque Orfeón a Go Go. A lo largo de su vida artística desfilaron varios otros músicos en el grupo como John Richards (bajo), Jorge Vargas (acompañamiento), Adolfo Fito Girón (vocalista) y otros que hicieron del grupo uno de los favoritos en aquellos años maravillosos gracias a su perfecta interpretación y a su alegría en el escenario.

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la fecha, Los Novels siguen tocando después de 38 años de su fundación y han grabado dos CD’s en Discos Denver.

Los Boopers

Los Novels Carlos Castillo, Sergio Ruiz y el creador del nombre del grupo, Jaime Martín, forman los Novels, y empezaron a tocar en todos los lugares donde se podía; a estos, se unieron tiempo después Toño Cisneros como 2º guitarra y Jorge Triana en la guitarra requinto. Esta fue la etapa más solida del grupo. Como eran amigos del grupo Los Hooligans, ensayaban en el mismo local y empezaron a buscar canciones de rock/pop español (de España) para cantarlas en México; así Los Novels estuvieron ensayando “Un sorbito de Champagne” y “Renacerá” de los Brincos, las cuales iban a ser sus “éxitos” pero los Hooligans se les adelantaron y de repente ya estaban sonando en el radio. Esto ocasionó que se pelearan y buscaran otro local para ensayar. Infortunadamente de ese mismo local que encontraron se robaron todos los instrumentos posteriormente, motivo por el cual el grupo se deshizo en 1967. Debido a todo esto, Toño se tuvo que ir del país y murió en un accidente de automovil en Perú. Muchas canciones grabadas en Orfeón se quedaron enlatadas y fue imposible volver a reunir al grupo por la posterior muerte de Toño Cisneros. A 372

Son Los Boppers quienes tienen el dudoso honor de haber preparado, ensayado y grabado un disco de larga duración en solo nueve horas. Esto sucedió en 1960 cuando grupo se inicio con una pequeña marca discográfica llamada Coro, afortunadamente para ellos a partir de 1961 se conectaron con la compañía Peerles y empiezan sus éxitos discográficos. El grupo lo integraron Paco Cañedo (vocalista), Javier de la Cueva (Piano), Julio Cesar (Requinto), José López (bajo), Eduardo Sánchez (batería) y el líder, fundador, trompetista y pianista del grupo German González, quien cinco años después se integraría al grupo “El Clan” y posteriormente a “ La Fresa Ácida”. Su mejor cación: “Saco sport y un clavel rosado”. Después de dos discos, Paco Cañedo siguió su carrera como solista.

Los BlueCaps El grupo de “Los Blue Caps” no habiendo grabado ningún disco de larga duración y con un solo sencillo original de su bajista Armando Trejo y en la voz de Rene Ferrer, la inmortal “Vuelve primavera” de 1961, lograron uno de los éxitos mas fuertes del año, llegando inclusive a colocarse en los primeros lugares de Súdamerica, jamás tendrían otro éxito semejante, ni tampoco lo necesitarían para ser recordados hasta la fecha. El grupo se disolvió durante ese mismo año, Alberto Camilli el pianista y Tito Ahumada el baterista regresaron a la vida privada; el requintista Jorge Gutiérrez Michell se integraría posteriormente a “Los Ovnis”, Armando Trejo formaría a el grupo “Los Blue Kings”, y posteriormente al disol-

Los Blue Caps tuvieron una efímera carrera juntos, pero crearon uno de los clásicos del Rock en castellano: “Vuelve Primavera”.

verse este cambiaria el Rock & Roll por larga carrera de interprete en guitarra de canciones folklóricas; Rene Ferrer paso a formar parte del grupo norteño “Los Playboys”. Entre sus canciones están: “Tu y el Rock” (original del grupo), una excelente versión de “Patrulla americana/De buen humor” y “Por que te quiero tanto” (cover de “Why do I love you so?”).

El Rock sigue hacia el sur: Argentina y Chile En Argentina el rock and roll hizo su primera aparición hacia 1958 con los primeros discos de Bill Halley, Elvis Presley y sus películas, encontrando cierta resistencia en un público acostumbrado al folklore con los Chalchaleros, el mambo de Amelita Vargas, tangos, orquestas y boleros. Hacia 1960 los primeros “rocks” en castellano vienen de México, con los Teen Tops con sus hits “La Plaga” y “Popotitos”. Con ellos vinieron toda una serie de grupos del sello CBS (hoy Sony), que dominaba el mercado. RCA (hoy BMG) era su mayor competencia, en los USA tenía a Elvis, pero no irían a desdeñar este nuevo mercado. Hacia 1962 reclutó a una serie de jóvenes artistas locales, que su subsidiaria VIK cata-

logó como “Nueva Ola”. Este verdadero fenómeno musical joven unió los gustos de todo público, algo que definían como “música para niños de 3 a 80 años”. El nuevo “sonido adolescente” atrajo a nuevas figuras criollas como Eddie Pequenino y Sandro y Los de fuego que hacían un rock and roll más agresivo, Billy Cafaro con un rock más suave y divertido, y una docena de cantantes y grupos que lograron notoriedad a través de programas televisivos como “La cantina de la guardia nueva”, “Ritmo y Juventud” en canal 11 y “El Club del Clan” en canal 13. Al año siguiente se pusieron de moda las playas como la de Villa Gesell y Mar del Plata como centros de encuentro juvenil, algo así como “la dolce vita” a semejanza de los italianos y ses. El twist también pegó de lleno con el “Limbo Rock” interpretado por el Indio Gasparino (conocido luego como Facundo Cabral) y sobre todo Palito Ortega y su “Despeinada”. El folklore nacional y los tangos estaban siendo dejados a un lado, sobre todo por el vasto segmento juvenil argentino.

Roberto Vicente Sánchez, Sandro, hizo su debut en 1961, usaba un look muy particular, con el pelo revuelto, campera negra, cuello levantado, botas de punta metálica y jeans ajustados. En 1962 se une al grupo Los de Fuego para grabar “Hay mucha agitación” que desató el éxito, grabaron juntos hasta 1966, año en que se decidió nuevamente como solista y cambiaría su orientación musical.

Billy Cafaro Después de una juventud dura y con muchos sinsabores, llegó el éxito para Luis María Cafaro (verdadero nombre de

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LA ERA DEL ROCK

Billy), y en 1959 dió un impulso decisivo a la música “moderna” en el país. Antes de que Columbia lo contratara, había cantado Jazz, baladas y algunos tangos, con la orquesta “Jazz Club” que dirigía en Zárate su primo Virgilio Expósito.   Su primer simple en Columbia incluyó “Pity Pity” y “Tú eres”, editado en los dos formatos de discos, el viejo “78” de pasta y el nuevo “33 irrompible”. La respuesta del público superó todo lo esperado, con una venta de casi 300.000 copias.  Esta cifra se incrementó con sus siguientes éxitos: “Personalidad”, “Marcianita”, “Un Telegrama”, incluidos luego en el LP mencionado. Cada presentación suya en un club, en alguna radio o en la TV movía gran número de seguidores que cortaban las calles para ver a su ídolo.   Su segundo LP incluía dos temas compuestos por Lucio Milena para la película “La Patota”: “Bésame Pepita” y “Viento, Viento”. Entre otros temas hay también versiones castellanas de temas italianos, como la hermosa “Mira que Luna”, “Baby Rock” y “Clarito de  Luna”. En ese tiempo, en Italia la versión de Marino Marini de “Kriminal Tango”, de autores alemanes era un rotundo éxito. Este tipo de tangos europeizados estaba muy de moda, pero cuando Billy grabó la versión castellana generó grandes polémicas en Argentina, en plena época de rechazo a la innovadora música de Astor Piazzolla por los amantes del tango tradicional. Hubo incluso algunos incidentes, lo que afectó las ventas de su tercer LP “OK Billy”. Los temas de Billy se vendian bien en España, lo que motivó que en 1962 se radicara en ese país. Si bien llegó a grabar varios EP, no alcanzó el éxito deseado, y su regreso a Buenos Aires pasó desapercibido ante el auge del “Club del Clan”, donde alguna vez se presentó como invitado. Algunos fans hablaban 374

en ese entonces de una “conspiración” de las discográficas para mantenerlo alejado de las grabaciones. Durante unos años volvió a España, donde registró sus últimos EP entre 1965 y 1967. En los 90 Billy reapareció en espectáculos nostálgicos, cantando boleros y tangos. Aún hoy sigue plenamente activo.

Los Teen Agers Grupo cordobés formado en 1961. Tuvo su origen en un trío que formaban los guitarristas Oscar Santa Cruz y Guillermo Horacio Araújo y el baterista Julio Roberto Rampoldi, jóvenes estudiantes de alrededor de 16 años, que residían en un barrio residencial de la ciudad de Córdoba. El locutor y animador más conocido de programas para la juventud cordobesa, Enrique Del Campo, pasó casualmente y los escuchó ensayando. Por consejo suyo incorporaron a otros dos integrantes: el pianista Miguel Ángel Costerg y otro guitarrista y vocalista, Pedro Raúl Surdo. Del Campo estaba a cargo también de las relaciones públicas de Vértice Musical, principal comercio disquero cordobés, y tenía os con CBS, por lo que consiguió que viajaran a Buenos Aires y grabaran sus primeros temas. Hasta entonces cantaban en inglés, pero la grabadora prefirió que lo hicieran en castellano.  El primer LP, “Club de Baile”, editado en 1963, incluyó versiones en castellano de “Hermosos Ojos Azules” (“Pretty

Blue Eyes”); “Pera Madura”, de Pino Donaggio, y del éxito de The Cascades “El Ritmo de la Lluvia” (“Rhythm Of The Rain”); el resto de los temas eran de Guillermo Araujo (“Mi Corazón Agradecido”, “Mabel”, “Enamorado de Tí”), de Pedro Surdo (“Tú Eres mi Bombón”, “Matemáticas”, “El Último Tren”, “Twist en Blue Jeans”, “Liliana”) y una colaboración entre ambos (“No te Voy a Mentir”).  En 1964 apareció el segundo LP, “De Buen Humor”, con este tema clásico (el famoso “In the Mood” que popularizó Glenn Miller). Incluía además versiones en español de “Estoy Caminando”  (“I’am  Walking”, éxito de Fats Domino); “Surf City”, de los Beach Boys; “Que Tonto es el Amor (“Fools Rush In”) y “Buscando el Amor”. En esta época ingresaron Carlos Constantino y Alberto Boero en reemplazo de Costerg y Araújo.  Se disolvieron en 1966, pero no sin antes grabar varios simples y EP. Surdo falleció en 1992. Costerg se dedicó a la abogacía; Santa Cruz y Constantino a la ingeniería. Un irador del grupo, Julio Bruzzone, reflotó Los Teen Agers, pero de los originales solamente participó en ocasiones Guillermo Araújo, hasta que debió alejarse por una enfermedad, que causó su muerte en 2002.

Los Pick-Ups Fueron uno de los grupos más destacados de la primera mitad de los sesenta en la Argentina. Lo integraban Alberto Comte en la primera guitarra, Horacio Ascheri como cantante y segunda guitarra, Basilio Uhryniuk en bajo, Manuel Antonio López en teclados y Nestor Luis Trozzi en batería. Grabaron en Music Hall durante 1962 y 1963 los LP “Es la Locura”, “Con Todo” y “Buscados”. En 1964 Ascheri inició su carrera como solista, reemplazándolo Juan Manuel ‘Tony’ González, que venía de The Wonderful’s. También

se alejó Uhryniuk e ingresó en bajo Tonino Armentano. Esta formación grabó en 1964 el LP “Al Abordaje”, último del grupo. Posteriormente hubo nuevos cambios de cantante, incorporándose Cacho Barguini (o Borghini). Además de los temas incluidos en los LP, grabaron “La Pecosita”, “Palabras”, “Un Lugar en el Sol”, “Date Cuenta”, “Nunca Nadie Como Tú”, “Re Bueno”, “Es un Rayo”, “Ahora Sé que No”, “Tan Solo un Niño”, “Repican las Campanas”, “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Podemos Solucionarlo”, “Loco por las Muchachas”, “Así Como Yo”, “Los Muchachos Lloran”, “Musica de Rock And Roll”, y “He de Volver a Verte”.

Los Jets - Jackie y Los Ciclones Excelente grupo, uno de los mejores de la década de 1960. Precursores en la grabación de temas de The Beatles en

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Los Jets: Memmo Campione, Guillermo Fuertes, “Jackie”, Héctor Ziblat y Martín ‘Chivo’ Etchemendy

JACKIE Y LOS CICLONES, grupo al estilo de los Teen Tops mexicanos, liderado por el cantante Jorge ‘Jackie’ Álvarez, que había sido el primer vocalista de Los Jets. Cantaban en castellano éxitos americanos: “Corre González”, “Lección de Twist”, “Susy la Coqueta”, “Limbo Rock”, “Okey Chicas”. Jackie grabó posteriormente algunos discos como solista, mientras que algunos integrantes de Los Ciclones continuaron como grupo instrumental con el nombre de Les Eiffel.

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Argentina. También fueron los primeros de su estilo en presentarse en Brasil. El grupo tuvo su origen en el barrio de Flores y sus aledaños, donde Héctor Ziblat y Jorge ‘Jackie’ Álvarez formaron parte del grupo The Big Rockers, mientras Guillermo Fuertes con un hermano y un primo integraban The Young Hearts. Coincidieron entre Octubre de 1960 y Mayo de 1961 en Los Callejeros, integrado por Jackie (voz principal y trompeta), Héctor (contrabajo), Guillermo (guitarra y voz), Oscar ‘Chiche’ Tortoriello (piano), Leonardo Peusner (primera guitarra, precursor en el uso de la Fender Stratocaster en Argentina) y Héctor ‘Memmo’ Campione (batería). No llegaron a grabar comercialmente, registrando solo uno o dos acetatos. Disueltos Los Callejeros, en Junio de 1961 surgieron Los Jets, con Jackie (voz), Héctor (bajo), Guillermo (guitarra y voz) y Memmo (batería). En Noviembre de ese año incorporaron a otro gran baterista, Martín ‘Chivo’ Etchemendy, y

durante más de dos años el grupo contó con la característica única de utilizar dos baterías, instrumento al que dieron en las grabaciones un lugar mucho más destacado que el habitual en la época.  Grabaron en el sello Opus cuatro temas: “La Paloma”, con Guillermo como primera voz; “Multiplicación” y “Lección de Twist”, cantando Jackie como primera voz, y “Okey Muchachos”, en el que se alternaron en el canto Guillermo, Jackie y el trío que ambos formaban con Héctor.  “La Paloma”, “Lección de Twist” y “Okey Muchachos” fueron incluidos en el primer LP de Los Jets, “La Pecosita”, editado por Opus. El resto de los temas fue grabado por una nueva formación, dado que en Septiembre de 1962 Jackie abandonó el grupo para formar Jackie y Los Ciclones, ingresando como vocalista Jorge Omar Vidal. El LP salió a la venta en Julio de 1963. En su mejor momento, Los

Jets sumaron a las habituales presentaciones en clubes, actuaciones en televisión y giras por el interior: Córdoba, Santa Fé, Mendoza, La Pampa, Mar del Plata, Bahía Blanca y frecuentes presentaciones en Rosario. Se presentaron en São Paulo, en la sala de teatro de TV Globo, como artistas principales de un espectáculo de música juvenil que fué transmitido por televisión en directo. Además actuaron en la boite Oasis de esa ciudad. En 1964 formaron parte del estelar elenco de “Buenas Noches Buenos Aires”, en el Teatro Astral de Buenos  Aires.   El alejamiento de Memmo Campione, en Abril de 1964, dejó a Martín como único baterista. Esta formación registró para Odeón el segundo LP del grupo, “Twist y Gritos”, que apareció a mediados de 1964. El disco incluyó “Ámame”; una linda versión del clásico “Allá en el Rancho Grande”, en la que los “bluyines” reemplazan a los calzones del original; “Quiero Tener tu Mano”; “Cocodrilo”; “Juana Luisa Valdez”; “Te han Visto el Domingo a la Noche”; “Las Mañanitas”; “Lana”; “Shuripep”; “Twist y Gritos”; “Total”; “Chin Chin”; “Sentirás Amor” y “El Torcido”. Un tercer LP fue grabado por Los Jets en Odeón, pero lamentablemente no salió a la venta y la grabación fue posteriormente borrada. Solo apareció un simple con “Niñito” y “Te Conseguiré”. En estas grabaciones se agregó como guitarrista Oscar Islas, ex-integrante de Los Ciclones. Posteriormente, en Mayo de 1965, Jorge Vidal dejó el grupo, incorporándose en forma estable Oscar, mientras que Guillermo pasó a ser la voz principal hasta la disolución de Los Jets, en Febrero de 1966.  

y musicos para crear un programa de TV que revolucionaría todo lo conocido hasta entonces. Fue la fábrica de música comercial juvenil más importante del momento. El show se emitía por canal 13 los sábados a las 20:30 hs. Se moldeaban a los artistas de acuerdo a su imagen y el tipo de música que interpretarían. Se llamó el “Club del Clan” y el show arrasó. En esa época, antes de salir los sábados a la noche, religiosamente se encendía la TV para ver el programa. En cada casa se interrumpían los bailes, las comidas, los problemas, los amores, y se sintonizaba la ola que arrastraba al papá, la mamá, el hermanito y la abuela. En el “Club del Clan” hacía su aparición Johnny Tedesco, el ídolo joven y rubio, réplica de Elvis, cantando las canciones en castellano como “Presumida” (de los Teen Tops) y ostentando un pullover llamativo, el cual incluso le tejían sus iradoras. Luego estaba Nick Jones, un bajito de aspecto japonés, con camisas floreadas y guirnaldas de flores en el cuello, conocido como el “hawaiano”. Supo explotar su faceta cómica in-

Rocky Pontoni hacía temas de Paul Anka y Neil Sedaka en castellano, era “el feo de la voz linda”.

El “Club del Clan” Para capitalizar esta nueva corriente musical, directivos de la disquera RCA de Argentina, forman un núcleo de técnicos 377

LA ERA DEL ROCK

Fotos autografiadas de EL CLUB DEL CLAN del año 1963. Palito Ortega, Perico Gómez, Jolly Land, Raúl Lavié, Johny Tedesco, Violeta Rivas, Nicky Jones, Lalo Fransen, Los Red Caps y Chico Novarro.

Cachita Galán hacía música tropical, su verdadero nombre era Leticia Noemí De León. 378

terpretando “Sr. Contrabajo”, “Soy Popeye”, “Papa Om Mow Mow”, haciendo alarde de su ejecución del bajo en sus canciones. Lalo Fransen quien románticamente cantaba “El pañuelo manchado de rouge” y la “Media medalla”, y quien también se había retratado descalzo para la tapa de su LP (cosa inusual en la época), se convirtió en el “playboy” del grupo. También en la línea romántica estaba Raúl Lavié, que dejó el tango para dar la nota melódica y seria. Chico Novarro, dejó el dúo Los Novarro para encargarse del infaltable “toque tropical” omnipresente en la música popular. Alternaba cumbias y merengues con boleros de primera. Su indiscutible talento se canalizaba hacia los temas más pegadizos como “El Camaleón”. Entre las chicas, figuraban a la cabeza, Jolly Land, rubia y simpática, mostrando una imagen a la vez ingénua y provocativa al estilo Brigitte Bardot, con temas como “Mi perro pequinés”, “Una cebra a pintitas”, “Renato”, y como broche coqueteaba con Chico y Raúl. Violeta Rivas cantaba “Nadie estará estrujando la flor de mi boca” y se dedicó a hacer temas

traducidos del italiano, especialmente de Mina y luego de Rita Pavone. El Club se completaba con otros artistas como Rocky Pontoni, que se especializaba en hacer temas de Neil Sedaka en español, Cachita Galán hacía música tropical, Galo Cárdenas que con su bel-canto hacía las veces del Mario Lanza del grupo. También aparecían Horacio Molina y sus boleros, Perico Gómez, Raúl Cobian “Tanguito”, Pino Valenti y por supuesto Palito Ortega. Palito Ortega ya interpretaba rock and roll bajo el nombre de Nery Nelson, pero cambió de nombre e imagen al ingresar al Club del Clan. Al principio estuvo a la sombra de Johnny Tedesco, con su cara triste y seria, cantando canciones con letras cotidianas, muchas co-escritas con Dino Ramos. Pronto pasó a primer plano. A partir de “Camelia” siguió con innumerables éxitos que le dieron fama internacional. En ese momento se une a Johnny, Lalo y Nicky para formar Los Red Caps (siguiendo la “onda grupera” que se veía a nivel mundial). Juntos graban “La mantequilla” (“Move-it” de Cliff Richard). Palito se convirtió en el ídolo masculino indiscutido del grupo. Pese a que la figura de Jolly Land

era muy promocionada e interpretaba los temas más pegadizos (dicen las malas lenguas que por ser esposa del director). En una ausencia de Jolly, Violeta Rivas tuvo la oportunidad de demostrar sus dotes artísticas superiores y comparable a la famosa Estela Raval de los 5 Latinos. Su gran talento contribuyó a su enorme éxito. Así, Palito y la “Viole” eran los ídolos del momento, pero su imagen no era precisamente de “superestrellas” sino más bien de chicos como cualquier otro, como el “vecino de al lado”. El golpe que produjo el “Club del Clan” tuvo mucho que ver con la promoción que hacía la RCA y el hecho de sacar a la venta los LP del programa a un precio mucho más accesible que los otros discos... todos tenían el suyo. El éxito continuó hasta que los principales exponentes, Palito, Johnny, Lalo, Nicky, Chico y Violeta se mudaron al canal 9 para hacer “Sábados Continuados” en 1964. Aunque se intentó reflotar el “Club del Clan” varias veces, incluso en los años 70, su éxito ya no fue el mismo.

La competencia y el mensaje En la mejor época del “Club del Clan”, ninguno de los otros canales pudieron desbancar el emporio formado

por la RCA. Entre tanto otros artistas como Tony Vilar, Ricky y los Solitarios, Los Wonderfulls, Los Five Rockers, Los Flamantes, The Lonely Boys, Los Jaque Mate, Sósimo y los Demonios, etc. se disputaban el resto del público, sólo Juan Ramón en Disc Jockey conseguía imponerse, para luego ser absorbido por la RCA y desaparecer de la popularidad. El sello CBS lanzó sin embargo el competidor más serio de Palito Ortega: Leopoldo Dante Tévez, natural de un pueblito de Santiago del Estero. Con el nombre de Leo Dan, comenzó a sacar a partir de “Celia” una serie de canciones con nombre de mujer que tuvo muchísimo éxito. Poco a poco el “Club del Clan“ se volvió tan popular que muchos jóvenes argentinos comenzaron a calificar al programa y a sus adeptos de “mersas” o sea gente de baja clase social y altamente consumista. Para 1964 con el embate de los Beatles y los Rolling Stones un gran segmento de la juventud se cansó de estos artistas considerados prefabricados y muy comerciales y empezaron a buscar otro tipo de sonido, más duro, más realista, más acorde con la realidad que vivían los jóvenes del momento. No es que esas canciones no hablaran de los temas juveniles, sino que los matices eran distintos, en los primeros años

Leo Dan surgió como una de las respuestas más efectivas a los ídolos del Club del Clan, con temas inolvidables como “Como te extraño” y “Celia”.

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LA ERA DEL ROCK

Pero poco a poco la onda inglesa se iba filtrando y vendrían los discos de los Beatles, Rolling Stones, Los Hollies, Dave Clark Five y los flequillos, botitas y pantalones ajustados ya se veían en Buenos Aires.

Fuiste mía un verano, Ella ya me olvidó, Quiero aprender de memoria, Y quizás le regale una rosa, todos temas que reventaron en la radio y TV, a cargo de otro de los cantantes y actores más reconocidos de la época que no eran del CLub del Clan, Leonardo Favio.

Los jovenes se van a la costa

60 la población gozaba de una bonanza económica, los jóvenes sólo se preocupaban de salir y bailar. Temas como “De qué me sirve el latín”, “Qué Suerte” de Violeta Rivas o “Twist del Recluta”, “Sabor a Nada” de Palito Ortega y los Red Caps se centraban en la escuela, el servicio militar, la familia, el hogar y por supuesto el amor. Pero después de 1965 con el auge de los Beatles y los Rolling Stones el gusto juvenil comenzaría a cambiar.

El nuevo sonido “beat”

Los Beatniks, grupo pionero del movimiento rockero argentino.

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Pasando el tiempo, se empezaba a escuchar rumores de cuatro muchachos ingleses, aparecía alguna foto por ahí, se decía que en Inglaterra las faldas dejaban ver las rodillas, y que estos muchachos usaban flequillo...¡¡flequillo, que horror!!. El sello EMI-Odeón lanzó un LP “El monstruo despierta” presentándolos como “Los grillos” y el canal 9 se comprometía a traerlos al país. Al final hubo que aclarar que se trataba de los “American Beetles”, la gente aún no le prestaba mucha atención, seguía con Paul Anka, Neil Sedaka, Trini López y Rita Pavone.

Corre aproximadamente el año 1964 época en que muchos jóvenes de pelo largo se vuelcan hacia las playas más desconocidas y salvajes como una forma de reencuentro con la naturaleza para algunos o siguiendo alguna línea intelectual llegada desde el exterior, para otros, lo importante es que la juventud comienza a tomar partido por un cambio de vida. Una de las playas más visitadas es Villa Gesell, lugar que sin proponérselo se volvería un referente juvenil, por allí deambulaba Pajarito Zagurí y sus canciones de protesta, lo que le traería problemas con el comisario de Villa Gesell. También por allí andaba Mauricio Birabent, conocido después como Moris, quien había puesto una boîte llamada Juan Sebastian Bar, allí tocaba ya con el baterista Javier Martinez (futuro fundador de Manal). Moris, Javier, Rocky Rodríguez e Iván hacen la primera formación de Los Beatniks. Cantan canciones de los Beatles y algunos temas en castellano como el clásico “Rebelde”. Cuando termina el verano de 1965 los Beatniks se separan, Moris y Javier se van para Buenos Aires a seguir caminos distintos. Como reflejo de la Beatlemanía, los pelos largos comenzaron a aparecer y la imagen sufrió cambios notables. Pero el gran cambio no pasaba simplemente por el aspecto: en bares, plazas, pensiones y otros puntos de encuentro, el rock en castellano comenzaba a ser una realidad. En 1965 llegan desde el Uruguay Los Shakers, de los hermanos Fattorusso, quienes cantaban en inglés covers de

los Beatles y también temas propios. La EMI los contrató y su fama rápidamente traspasó las fronteras, contagiando a los jóvenes argentinos.

De vuelta a Buenos Aires Poco a poco todos los músicos atraídos por esta nueva corriente comenzaron a converger en “arotus”, la hoy recordada Cueva de la avenida Pueyrredón seguía siendo un lugar sólo para aquellos fanáticos del Jazz ó músicos de este género. Las reuniones que un par de años después serían tan comunes, por estos días solo se daba entre los músicos de Jazz como Bernardo Baraj, Ricardo Lew, Jorge Navarro, el “gordo” Cáceres y Nestor Astarita. Junto con la Perla de Once, Plaza Francia, el Instituto Di Tella y algunos otros pocos sitios marginales o casi desconocidos fueron el centro del incipiente movimiento. En ese pequeño antro con espacio para poco más de 50 personas, que olía mal, donde el sonido era malo y el whisky era peor, se empiezan a juntar “los naufragos” del rock: Moris, Pajarito, Javier Martínez, Pipo Lernoud, Billy Bond y otros. Las primeras épocas fueron realmente duras: carentes de medios, perseguidos por la policía, ignorados por los productores y radios, incomprendidos por la prensa escrita y por el resto de los jóvenes. En ese entonces aparece en escena Miguel Peralta, que venía del interior cantando folklore con su hermana, pronto trabó amistad con Lernoud y se asomó un día por La Cueva. Aceptó como desafío y a modo de repudio cantar “Vidala del angelito”. Lo aplaudieron a reventar. Muy pronto se haría llamar Miguel Abuelo. Pero Buenos Aires no era el único lugar con jovenes inquietos que veían en la música una forma de llevar su mensaje a la gente. En Rosario, provincia de

Moris fue uno de los pioneros del rock argentino y precursor de grupos como Los Beatniks y más tarde de toda la corriente rockera. Se consagró como autor de clásicos como “El oso”, “Ayer Nomás”y “De nada sirve”.

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LA ERA DEL ROCK

Los “WILD CATS”, Ricardo Bellini, Guillermo Romero, Juan Ciro Fogliatta, Ruben Rojas y Juan Carlos Pueblas. En la foto junto a Ambar La Fox, Maurice Jouvet y Tito Veliz. (Agosto de 1963).

Los Seasons con Moris. 382

né el colegio para dedicarme a la música. Había en Rosario muchos conjuntos (como en todos lados) influenciados por grupos Mexicanos de rock and roll. Aquí lo comercial eran los Pick Ups, Jackie y Los Ciclones... y tenía para elegir entre eso y las canciones de Enrique Guzmán con los Teen Tops. Los Wild Cats precisaban un cantante, pero yo no era lo que ellos esperaban, querian que modulara como Elvis Presley o Gene Vincent... Pero finalmente Ciro Fogliatta me vino hablar y me metí con ellos, me volví loco porque ese era el conjunto número 1 de Rosario.” Santa Fé, a unos 300 kms de Buenos Aires, ya había una fuerte banda de músicos, que contaba con seguidores propios. Ellos eran los Wild Cats, la banda número uno de Rosario, que jugaría un importante papel en la formación de un compositor y músico con experiencia, pero muy joven todavía, tenía solo trece años, se llamaba Litto Nebbia y lo que más deseaba era pertenecer a los Wild Cats, Litto lo cuenta así: “... Yo empecé a laburar profesionalmente a los 8 años, con mis viejos. Cantábamos boleros de la época de Agustín Lara y tangos melódicos viejísimos y a los 13 años abando-

Las primeras grabaciones Esa época de experimentación y búsqueda miraba a la música como un estilo de vida, pensar en grabar era como un sueño lejano, pero muy pronto empresarios avispados se dieron cuenta de que esta era la posta. Comienza 1965 y Moris se reencuentra con su viejo amigo Pajarito Zaguri, a quién conoce desde hace más de una década. En la pensión Norte (hoy demolida), Moris y algunos músicos de Jazz de La Cueva habían aceptado integrar una nueva versión de Los Beatniks,

se preparan ensayando para un futuro regreso. Su consigna era: PAZ, AMOR LIBRE Y ANTI-MILITARISMO. Ahora eso es muy común, pero en ese momento atrajeron a revistas, gente y medios a ver que había ahí, quienes eran estos tipos que cantaban canciones de protesta y de amor libre. Decía Moris: “Era raro, la gente no hablaba de eso. Nosotros queríamos vivir la vida, hacer nuestra la experiencia y no teníamos ninguna idea de grabar, tener éxito o dar entrevistas... era todo muy novedoso y aparte no éramos copia de los Beatles ni de los Rolling Stones, teníamos el pelo corto y nos vestíamos con sandalias, camperas de plástico negro y pantalones de corderoy”. Por ese tiempo aparece Pipo Lernoud, que se dedicaba a la poesía y a la escritura (el primer poeta del rock argentino), fue él quién le alcanza a Morís el bosquejo musical y la letra del tema “Ayer Nomás”, tiempo después sería partícipe en la formación de Los Abuelos de la Nada. Mientras tanto Moris y Pajarito después de mucha insistencia consiguen entrevistar al “Capo” de la CBS, uno de los sellos discográficos mas importantes de esos días. De esta reunión consiguen un apoyo leve de parte de la compañía para la salida de su primer simple en 1966, hoy piedra fundamental del Rock Argentino, con los temas “No finjas más” y “Rebelde” que en su letra decía: “Porque la gente quiere luchar aproximando la guerra nuclear / Cambien las armas por el amor / Y haremos un mundo mejor / Rebelde me llama la gente / Rebelde es mi corazón / Soy libre y quieren hacerme esclavo de la tradición / Todo se hace por interés porque este mundo esta al revés”. Después de algunas discusiones en el seno de los Beatniks, unos querían dejar los temas de protesta y Moris quería ir mas lejos aún. Todo esto sumado a

que las ventas no fueron muy buenas, apenas 200 copias, termina por quebrar al grupo y se separa después de un ciclo de recitales en el teatro del Altillo. Moris se decanta por seguir su carrera en solitario. Los Seasons fueron otro de los tantos grupos argentinos que tocaba canciones de los Beatles, allá por 1966. Con la formación de Alejandro Medina (futuro Manal), Carlos Mellino (con los seudónimos Max y Rodney, para aparentar ser ingleses) y un baterista llamado Freddy, llegaron a registrar una placa con covers, titulada “Liverpool at B.A.” (1966). Por su parte Miguel Abuelo y Pipo Lernoud deciden crear Los Abuelos de la Nada. En realidad, recorrieron el camino inverso que cualquiera de las bandas de la época. Abuelo acompañó a Lernoud a la compañía discográfica y, repentinamente, el manager le preguntó si él tenía algún grupo. Ahí nomás, Abuelo inventó el nombre y acordó grabar a los tres meses con la CBS. Debió, entonces, encontrar los músicos que lo secundaran: El guitarrista Claudio Gabis no aceptó unirse a Los Abuelos, pero sí accedió a grabar con ellos. Luego entraría un joven loco por el blues, Norberto “Pappo” Napolitano como guitarrista estable. Esa primera formación quedaría integrada, entonces, con Miguel Abuelo (voz), Héctor “Pomo” Lorenzo (batería), Alberto Lara (bajo), Micky Lara (guitarra), Eduardo “Mayoneso” Fanacoa (teclados) y Pappo (guitarra). El simple que lograron grabar incluía “Diana Divaga” y “Tema en flu sobre el planeta”, pero el disco no se editó, sino que solamente tuvo alguna pobre difusión en radios. Logran grabar un LP y la CBS se prepara para lanzar a “Los Beatles Argentinos”, la campaña previa fue muy movida, pero los Abuelos se disolvieron al poco tiempo.

“SOLO ME IMPORTA TENER PARA EL SUBTE CUANDO NO TENGO PARA EL TAXI”. Así resumía su filosofía de vida, “Pajarito” Zaguri, integrante del conjunto “La barra de choclolate”, autor de canciones de gran éxito como “Gigante”, “Alza la voz” y “Llámala”, es un ídolo de los jóvenes de Buenos Aires, líder de “La barra de chocolate”, no cree que la fama sea importante y ira a George Harrison y a Elvis Presley.

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LA ERA DEL ROCK

A fines de 1966 y principios de 1967 se reunían en La Perla de Once, Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Tanguito, Alejandro Medina, Javier Martínez, Pipo Lernoud, Moris, El Gordo Martínez (manager de Los Gatos) Ciro Fogliatta, Pajarito Zaguri, Hernán Pujó (autor de la letra de “Amor de primavera) y Miguel Grimberg. Se juntaban a tocar y a cantar en el baño de caballeros porque decían que la acústica del lugar era excelente. Venían de “La Cueva”, donde se vivía el ambiente bohemio y musical de la época. En La Perla fueron compuestos, además de “La Balsa”, “Jugo de tomate frío”, “Todo el día me pregunto” (ambos de Javier Martínez, Manal), “Madre escúchame”, “El vagabundo” y “El rey lloró” (Los Gatos).

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La Cueva cambia A todo esto otro personaje llamado Billy Bond (Giuliano Canterini) comienza a hacer de las suyas en La Cueva: “Cuando Los Guantes Negros (banda imitación de los Beatles formada por Ricardo Lew, Willy Verdaguer Walde y Billy Bond) estaban en lo mejor época de su suceso, yo frecuentaba un lugar en la calle Pueyrredón que se llamaba “La Cueva de arotus”, que era un lugar donde se encontraban los músicos de Jazz. En una de esas idas conocí al encargado del lugar, de nombre Bravo, entonces con él, Carlitos Carnaza, que era bajista de Las Sombras y con un peluquero amigo mío que no tenía nada que ver con nada, hicimos una especie de sociedad

para explotar ese lugar y hacer una Cueva Beat. Ahí reformamos La Cueva entera, pasamos papel en las paredes, las pintamos, etc. Carnaza y este chico amigo decidieron traerlo a Sandro para que viniera a frecuentar el lugar y Sandro se hizo amigo nuestro. Nosotros hacíamos eso porque como Sandro era famoso, conseguíamos notas. Ahí viene la famosa historia de que Sandro era dueño de La Cueva y se sacó unas fotos allá. Al principio de La Cueva tocaban Las Sombras y Sandro. Empiezan a venir Los Shakers, Pajarito Zaguri, Morís, Javier Martínez, etc. Terminábamos de tocar a eso de las 5, 6 de la matina. Tanguito también aparecía, pero no entraba mucho a La Cueva porque era menor de edad. Llegó un momento que la policía venía todos los días, se puso insoportable y los chicos, en vez de parar en la esquina empezaron a encontrarse en La Perla del Once (pizzeria que se encontraba frente a la estación de tren Miserere)”.

Empiezan a ganar espacios Otra leyenda de la primera época del Rock Argentino es sin dudas “Tanguito” cuyo verdadero nombre era José Alberto Iglesias, conocido también con otros seudónimos (Donovan y Ramsés VII). Dejó el colegio temprano, lo suyo era la guitarra y el divague. La oportunidad le llegó en 1963 cuando entró a cantar al grupo Los Dukers a los 18 años. Al año siguiente, su amigo Horacio Martínez obtiene un o en la RCA Victor; con la esperanza de grabar un disco solista deja a los Dukers, pero el disco no llega a realizarse. Luego gracias a Martínez hace su primer o con la gente de la Cueva de arotus. Allí traba inmediatamente amistad con los abitués del lugar, pero como era menor de edad no siempre le permitían entrar al club. La onda creativa casi mesiánica que había lo atrapó com-

pletamente, en la Cueva y la pizzería de Once compone sus más famosos temas, de todos los cuales “La Balsa” es el más célebre. El 18 de enero de 1968, en días en que “La Balsa” era la canción más difundida y vendida del verano, Tanguito grabó dos temas propios en los estudios RCA, acompañado por la orquesta de Horacio Malvicino. “La princesa dorada”, escrita en colaboración con Pipo Lernoud, y “El hombre restante”, coautoría con Javier Martínez, fueron los únicos que realizó profesionalmente como solista. El 4 de abril fue editado el simple de Ramsés VII por el sello RCA Víctor. Pero sin apoyo de difusión de la compañía, y sin interés visible de su responsable, la edición tuvo poco vuelo y fue un fracaso comercial. En ese momento podría ubicarse el final de sus días buenos. Un pequeño hito en esta historia lo pone Miguel Grinberg, periodista, crítico musical y poeta, conoce a Moris y Pajarito luego de uno de los recitales de los Beatniks en el Altillo. Por medio de éstos llega a la Cueva y toma o con Tanguito y Los Seasons; entusiasmado decide rentar el Teatro la Fábula para organizar una serie de presentaciones llamadas “Aquí, allá y en todas partes”. Los días 7, 12 y 14 de diciembre de 1966, Moris, Tanguito y Los Seasons, se unieron a un músico argentino que vivía en los USA, Bob Vincent, que hacía temas de Dylan y Susana una cantante con voz muy dulce que hacía temas de Facundo Cabral al estilo de Joan Baez. En ese espectáculo, se contaba la historia del rock and roll y lo que se sabía, Tanguito, bajo el nombre de “Donovan el Protestón”, cantaba en un inglés inventado, dos temas ya clásicos del primer rock’n’roll, “Tutti Frutti” y “Perro Feroz” popularizados por Elvis Presley. Aunque no tuvo casi ningún apoyo de la prensa, logró abrir una nueva brecha para el movimiento y comienzan a ganar nuevos espacios.

LOS GATOS transforman todo 1966 sería el año de la separación de Los Gatos Salvajes, debemos tener en cuenta que el grupo era usado al máximo, con mas de 30 representaciones por mes. Y todo por el mismo sueldo. Ya habían editado varios simples con temas propios y como lados ‘B’ versiones de The Animals, The Beatles y The Hollies. Tras la separación Litto Nebbia y Ciro Fogliatta, deciden quedarse en Buenos Aires para probar suerte y comienzan viviendo en una pensión, ganándose la vida como músicos de acompañamiento en pequeños clubes. Es en este momento que llega a oído de Litto los comentarios, sobre un lugar especial donde relacionarse con jóvenes que tenían ideas muy distintas al resto y se podía escuchar buena música, sí estamos hablando de La Cueva, allí conoce a todos los personajes del ambiente y pasa a la onda bohemia. Al poco tiempo le piden a Litto que arme un grupo para tocar todos los jueves con la posibilidad de cobrar un pequeño sueldo. Para lo cual Litto tuvo que llamar a Rosario pidiendo refuerzos para poder armar la banda, y bajan de Rosario Oscar Moro y Kay Galiffi, quienes junto a Ciro Fogliatta quedará conformada la formación de “Los Gatos”. Esta nueva chance de trabajo les durará unos 7 u 8 meses. El sueldo por

Los Gatos Salvajes en 1965, al año siguiente se separan y de sus cenizas renacerán “Los Gatos” con Litto Nebbia y Ciro Fogliatta; uno de los grupos fundamentales del Rock Argentino. 385

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El hito definitivo del rock argentino fue el grupo Los Gatos, banda que creó su propio material. Después de tocar en «La cueva» durante un par de meses, la banda lanzó el 3 de julio de 1967 un simple: «La balsa», una canción compuesta por Tanguito y Lito Nebbia, en el Lado A y «Ayer no más», en el Lado B. El disco fue un éxito masivo y vendió en torno a las 250.000 copias. Al año siguiente se publicó el primer número de la revista de rock Pinap, y se fundó el primer sello discográfico argentino de rock: Mandioca.

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tocar en La Cueva, no era muy bueno pero la posibilidad de tocar y zapar todas las noches no la tenía cualquier grupo. El problema mayor se sucedió cuando a raíz de distintos hechos violentos como la explosión de un par de bombas de estruendo en el lugar, sumado al acoso policial que todas las noches vienen a llevarse preso a alguien, terminará por decidir al dueño a cerrar el local. De los ensayos en la Cueva y la amistad con Moris y Tanguito, saldrán los temas que serán éxitos rotundos. Pero el éxito no llegaría de no ser por la mediación y la insistencia del “gordo” Martínez para hacer una prueba en la RCA. En 1967, Los Gatos graban “La Balsa” (compuesta originalmente por Tanguito y luego completada por Nebbia) y “Ayer nomás” (compuesta por Pipo Lernoud y Moris, pero con algunos cambios en la letra) en dos canales en los estudios TNT, se imprimieron solo 500 copias porque los directivos no tenían fe en el producto. A los 5 meses y gracias a la difusión del simple se comienza a vender en forma totalmente impensada 5.000, 10.000 y hasta llegar a las 200.000 copias. El rock argentino tenía así su primer

éxito masivo, y entonces el movimiento cobró fuerza. Comenzaron los festivales, los productores prestaron mayor atención al fenómeno, apareció la revista “Pinap” y la legión de jóvenes se engrosó considerablemente, nuevos músicos se atrevieron a mostrar lo suyo. Ese mismo año Los Gatos editan sus dos primeros LP: “Los Gatos” (1967) y “Viento dile a la lluvia” (1968). Previamente, se editó como simple un adelanto del segundo LP: “Viento dile a la lluvia”, que alcazó a vender cerca de 100.000 copias. Esta banda, si bien aún con inocencia y timidez, comenzó a delinear un lenguaje propio para el rock argentino. “Ninguno de nosotros se dio cuenta en ese momento de que éramos el nacimiento de un movimiento”, reconoce Oscar Moro. “Jamás pensamos que el tema podía pegar tanto y que íbamos a ser uno de los grupos pilares del rock de acá. No nos dábamos cuenta, lo vivíamos de otra manera; nunca pensamos que se podría convertir en algo tan grande”. En septiembre de 1968 salieron de gira por Sudamérica: Paraguay, Bolivia, Uruguay y el Festival de la Canción de Río de Janeiro. Allí presentaron “Seremos amigos”, el tema que daría nombre al tercer disco (1968), más moderno, rozando casi con lo psicodélico. Paralelamente los primeros hippies comienzan a mostrarse en Córdoba, Rosario, y en Buenos Aires, plaza Francia se transforma en centro de reunión. Los jóvenes de pelo muy largo, pantalones vaqueros, sandalias, etc, ya no era un fenómeno exclusivo de los USA. A comienzos de 1969 la banda se separó momentáneamente. Durante nueve meses, todos los integrantes de la banda, con excepción de Nebbia, viajaron por Estados Unidos, conociendo la música local y escuchando a los “grandes del momento”. En el interín, Nebbia inició su carrera solista, filmando la película “El extraño de pelo largo” y lanzando su primer LP. Los Gatos retomarían el cami-

no al año siguiente con “Beat Nº1”, con Pappo Napolitano en el lugar de Kay. En este álbum se notan claramente los dos estilos: el melódico de Litto (en “Sueña y corre”) y el rockero que imponía Pappo (“Hogar”). “Rock de la mujer podrida” era el título para el siguiente LP, pero por problemas de la censura sería cambiado por “Rock de la mujer perdida” (1970). Este último será el álbum más rockero y, para muchos, el mejor. A mediados de 1970 Pappo ya abandonó la agrupación para formar su propia banda. Nebbia pasará a tocar el bajo y Toth ocupará el lugar del guitarrista. Sin embargo un disco simple de baja repercusión y una serie de recitales sin la fuerza acostumbrada consignaron el adios definitivo a Los Gatos. A partir de ese momento, Litto Nebbia continuaría su exitosa carrera como solista, explorando otros estilos musicales, incluyendo el folklore, el jazz y el tango.

Lo “beat” se vuelve comercial Paralelamente al movimiento underground, el rock argentino todavía

era denominado “Música Beat” y con el ejemplo del éxito de Los Gatos, los empresarios aprovechan la oportunidad para introducir nuevos productos al mercado para el consumo masivo, alejado del idealismo de sus primeros cultores. El grupo La Joven Guardia hizo un himno del tema “El extraño de pelo largo” que incluso fue tema para una película, interpretada por Litto Nebbia. Otros grupos que traducían o hacían sus versiones en inglés eran Los In, Carlos Bisso y su Conexión Nº5, Pintura Fresca, Los Walkers, Trocha Angosta, Los Tíos Queridos, Solvente, etc. Acompañando a estos surgían programas radiales como “Modart en la Noche”, “Música con Tompson y Williams” y por TV, “Sótano Beat”, “Alta Tensión” o “Música en Libertad”, donde los jóvenes bailaban y disfrutaban de los éxitos del momento y donde no se hacía mucha diferencia entre lo pop, rock o progresivo, todo era “beat”, pero sentando las bases de lo que sería considerado después como “Pop” para diferenciarlo del “Rock”. En lo comercial surgieron nuevas figuras para todos los gustos, entre los

En 1969 Los Gatos toman un rumbo musical más rockero con la adición de “Pappo” Napolitano, pero no duraron mucho juntos. Para mediados de 1970 la agrupación se disolvió definitivamente. Pappo se va para formar el mítico “Pappo’s Blues”

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que se destacaban Donald y su “Tiritando”; Tormenta con “Cebando mate”; Quique Villanueva con “Dime linda chiquilina”’, Barbara y Dick, Juan y Juan, Sabu, y otros. Los medios impresos no se quedaron atrás; aparecen revistas especializadas como “JV”, “Pinap” (que organizó el primer festival de la canción beat y pop en 1969) y la revista “Pelo”. El “beat” tuvo su apogeo con Francis Smith, productor de la CBS, que con sus discos copó totalmente el mercado comercial, desplazando a la RCA. Su reinado se extendió incluso hasta 1972, con una larga cadena de éxitos puramente bailables con grupos como Los Náufragos (“Zapatos rotos”, “Tequiero ver bailar”, “De boliche en boliche”), Safari (“Estoy hecho un demonio”), Industria Nacional (“La tarde que te amé”), Katunga (“El que no baila es un aburrido”), etc.

MANAL que cae de arriba Otro grupo pilar del movimiento rockero argentino fue sin dudas Manal, formado por Javier Martínez (batería, voz), Claudio Gabis (guitarra) y Alejandro Me388

dina (bajo), allá por 1967. Originariamente bautizados “Ricota”, este trío interpretaba un blues marcadamente influenciado por Cream (el grupo de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce) y se presentaban casi diariamente en La Cueva. Javier Martínez venía de tocar batería y componer canciones en Villa Gesell, junto a Moris integró fugazmente los primeros Beatniks y luego se mudó a Buenos Aires, formando parte de los “náufragos de La Cueva de arotus”. Precisamente allí traba amistad con Alejandro Medina que formaba parte del grupo Los Seasons. Por su parte Claudio Gabis había formado su primer grupo (“Bubblin Awe”) en 1967 a los 18 años, con el que participó en los happenings del Instituto Di Tella, epicentro del movimiento vanguardista de los Sesenta, allí conoce a Javier Martínez y comparten su amor por el blues, un género que en argentina era como “extraterrestre”, símplemente no se conocía. Los tres deciden poner en marcha el proyecto Manal. Ante varios rechazos de demos, fue necesario que Jorge Álvarez (un famoso productor de la época y amigo de la ban-

Manal, trío fundamental del Rock Argentino, cultores de un blues urbano original y con letras que reflejaban la vida de obreros y gente común de las grandes ciudades. Con temas como “Jugo de Tomate”y “Avellaneda Blues” probaron al mundo que se puede hacer buen blues en castellano.

da) creara junto a Pedro Pujó su propia compañía discográfica, el sello Mandioca, para que Manal pudiera sacar el primer simple: “Qué pena me das” / “Para ser un hombre más” (1968). Las primeras presentaciones del trío tuvieron lugar en la sala Apolo. Junto a la primera formación de Los Abuelos de la Nada tocaron en Mar del Plata en el verano de 1969. Pappo participó como segunda guitarra en algunos shows. El segundo simple fue “No pibe” / “Necesito un amor”. La consagración fue el Festival Pinap, organizado para fines de 1969. Ese año la banda se había presentado casi a diario, con lo que habían logrado una justeza instrumental irable. “Fue el día más glorioso de mi vida artística”, recuerda Gabis, “A Javier se le rompió la batería, a Alejandro se le rompió el bajo, a mí se me rompió no se qué, pero seguimos tocando y la gente deliraba. Terminamos los tres cantando en un micrófono: Alejandro con la guitarra, Javier con los palillos y yo con la armónica y la gente delirando. Manal se consagró ese día, se

hizo un grupo grande. Ese día entró a la historia”. Con “Manal”, su primer LP (1970), rompió con el tabú que no se podía hacer blues y rhythm & blues en castellano, “Jugo de tomate” y “Avellaneda Blues” son una prueba de ello. Una gran oferta de la RCA convenció a Martínez de emigrar a una discográfica “comercial”, y fracasaron con el segundo disco, “El león” (1971), que no produjo la misma sensación que el anterior. La poca calidad de los subsiguientes trabajos y la baja considerable en las ventas terminó de zanjar las diferencias entre los integrantes del trío (especialmente entre Martínez y Gabis) y los condujeron a la separación final. Ante el éxito obtenido por Almendra y su retorno tantos años después, Manal siguió el mismo camino, en 1980. “Todo lo inició Almendra, recuerda Alejandro, los pro389

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ductores decidieron que si ellos se reunían, Manal tenía que hacer lo mismo, y así fue que nos llamaron”. Realizaron cuatro presentaciones en el estadio de Obras, editaron el LP “Reunión” (1981) con material nuevo, giraron por las ciudades más importantes del interior del país para culminar nuevamente en Obras con “Chau Manal”, recitales que fueron posteriormente editados como “Manal en Obras” (1981). El grupo apareció fugazmente en el panorama local nuevament en agosto de 1987, bajo el mando de Javier Martínez, pero sin Claudio Gabis. “La idea es formar un nuevo Manal, que no sea un mero revival. Que mantenga el espíritu del viejo Manal, pero que tenga constancia, que perdure en el tiempo”, decía Martínez. Al baterista y a Medina se le sumaron Claudio Rodríguez en guitarra y Carlos Vidal en teclados.

ALMENDRA: El tercer pilar Los cuatro integrantes de la banda eran compañeros del Instituto San Román. De la unión de las bandas Los Sbirros y Los Larkings (formadas por compañeros de distintas divisiones) nació Almendra allá por 1967. Integrada por Emilio Del Guercio en bajo y coros, Rodolfo García en batería, Edelmiro Molinari en guitarra y coros, y Luis Alberto Spinetta en guitarra y voz principal. Este grupo es considerado miembro de la trilogía inicial del rock argentino, junto a Los Gatos y a Manal. Su primer simple, “Tema de Pototo” / “El mundo entre las manos”, fue lanzado en septiembre de 1968 con el sello VIK, subsidiaria de la RCA. La repercusión inmediata provino del estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, que contrastaban con los estribillos del beat de moda. Los primeros shows fueron en 390

Rosario y Córdoba, acompañando a Johnny Tedesco. “Nos mandaban a tocar a clubes donde la gente quería ver a Los Iracundos o a Jolly Land y nosotros ibamos vestidos con camisetas, cuando los otros tipos iban con trajecitos y corbatita. Para nosotros era como una cruzada abriendo orejas”, relata Del Guercio. El “Tema de Pototo” (“Para saber como es la soledad”) tuvo mejor rédito para Leonardo Favio que lo incluyó en su álbum debut. El segundo simple de Almendra, “Hoy todo es hielo en la ciudad” tampoco tuvo demasiado impacto en su momento. En 1969 llegó la consagración, con innumerables presentaciones en vivo, entre las cuales sobresalen la temporada veraniega en Mar del Plata, el Festival de la Canción de Lima, Perú, y el Festival Pinap, organizado por la revista homónima. Todo este éxito los catapultó a grabar el primer LP (“Almendra”, 1969, hoy antológico y objeto de culto.) y, casi inmediatamente, el segundo disco, de doble duración, en 1970. Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows, que desgastaron la relación entre los músicos.

Motivados por obras conceptuales y la ópera rock de los Who “Tommy”, Spinetta y el grupo empezaron a trabajar en su propia ópera rock, que lamentablemente no llegó a ver la luz, pues a fines de 1970, Almendra se disolvía. Sin embargo, el éxito del primer LP y la cantidad de material grabado, motivó a la compañía disquera para lanzar un nuevo álbum de Almendra conocido como el “álbum doble”. Una de sus últimas presentaciones fue en el B.A.Rock de 1970, ante 10.000 personas. Luego de la separación, Spinetta vagó sin rumbo fijo durante un tiempo, participó en numerosas bandas como La Pesada del Rock and Roll que dirigía Billy Bond, luego tocó con los futuros Color Humano y Aquelarre. Después de una temporada en Europa, regresa con renovadas ideas y da forma a otros grupos no menos importantes como Pescado Rabioso junto a David Lebón e Invisible junto al bajista Macci y el baterista Pomo. En 1977 arma la banda “Spinetta” y graba uno de sus álbumes más celebrados “A 18 minutos del sol”. En diciembre de 1979 se produjo el reencuentro. A ins-

tancias del productor Alberto Ohanián se organizaron dos presentaciones en el estadio de Obras (en los cuales se registró un disco en vivo y se filmó para una película que nunca llegó a lanzarse) y una gira nacional que abarcó las grandes ciudades del interior. La prensa especializada calificó despectivamente al regreso de Almendra como “comercial”. Almendra tuvo un segundo regreso hacia fines de 1980, cuando grabaron “El valle interior” y lo presentaron en el estadio de Obras los días 7 y 8 de diciembre como prólogo a una gira nacional que resultó verdaderamente apoteósica. La última presentación fue en el Festival de La Falda, el 15 de febrero de 1981, todo registrado en un álbum doble. Después forma Spinetta-Jade y tras su disolución intenta un trabajo en conjunto con Charly García, del que sobrevive “Rezo por Vos”. En 1986 trabaja en otro proyecto con Fito Páez “La la lá” y nuevamente se embarca en solitario. A partir de allí graba cinco álbumes excelentes incluyendo la trilogía “Privé”, “Téster de Violencia” y “Pelusón of Milk”. Todavía sigue en carrera.

Luis Alberto Spinetta “El Flaco”, nació el 23 de Enero de 1950 en la Capital Federal. Comenzará tempranamente a cantar y a tocar la guitarra, debutando en TV a los 14 años, pero el descubrimiento de los Beatles cambiará su vida. Hacia 1967, junto con otros compañeros de escuela, formó Almendra, banda en la cual volcaría su enorme caudal poético y musical. Este grupo marcaría a fuego la historia del rock argentino.

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El rock en Chile antes de la “nueva ola”

Los primeros discos que traían los marineros chilenos eran Long Plays con temas recopilados de varios artistas, con éxitos del momento.

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Los orígenes del rock en Chile son imprecisos. Si bien los primeros discos del género circularon a mediados de la década de 1950, en la interpretación de Elvis Presley, el primer hito significativo fue la exhibición en este país de la película “Semilla de maldad” (Blackboard jungle), que incorporó en su banda sonora un tema de rock and roll: “Rock around the clock”, interpretado por Bill Haley y sus Cometas. El sonido y la imagen de este nuevo ritmo se transformaron, paulatinamente, en la preferencia musical de los jóvenes chilenos. Sergio “Pirincho” Cárcamo, quien fuera uno de los primeros presentadores de videos musicales en “The midnight special”, y locutor de radio Futuro, fue uno de los afortunados que estuvo presente en la Plaza Victoria, el día en que el rock nació en Chile. Cuenta que

una tarde de 1956, la Plaza Victoria de Valparaíso (ciudad portuaria y pionera en muchos avances técnicos y sociales para Chile) estaba llena de padres e hijos que buscaban pasar un buen momento de entretención. Varios números de variedades para la familia pasaron por un escenario montado en el lugar, antes que William Red and The Roll Kings, tomaran posición sobre la tarima y comenzaran a hacer historia, al tocar los primeros compases de un ritmo aún desconocido en el país. La banda tocó el hoy universalmente famoso “Rock around the clock”, junto a otros títulos de Bill Haley y sus Cometas. Antes que los ánimos volvieran a calmarse, Harry Show & The Rock Times también tocaron sus temas; ambos formaban la incipiente escena, en donde el rock & roll había sido otro bien llegado a estas tierras como contrabando de marinos mercantes y de guerra. “Pirincho” cuenta que los primeros discos en arribar a puerto, más que los pequeños vinilos de 45 revoluciones por minuto, eran unos larga duración recopilatorios de

grandes éxitos. Estos elepés contenían todos los hits que sonaban en Estados Unidos y fueron la base que utilizaron los pioneros locales para sacar, de oído, su repertorio, tocándolos una y otra vez en los tocadiscos. La radio fue otro medio de difusión del nuevo ritmo. En esto destacó radio Portales, en donde hubo algunos programas que tocaban las canciones de Bill Haley, Elvis Presley y otras estrellas de los primeros años del rock. Con el tiempo, el rock y sus variantes evolucionarían notablemente en la región, aportando nombres fundamentales para el movimiento nacional, como Los Mac’s, Los Jaivas, Congreso, Álvaro Peña Rojas, Tryo, Belial, Ocho Bolas o La Floripondio, entre varias bandas y solistas que proyectarían a lo largo de casi 50 años, el impulso de aquel día en que los pioneros de la Plaza Victoria le regalaron el rock a Chile, casi al mismo tiempo que en las grandes urbes de la Tierra. En 1961 llega a Chile, Bill Halley y sus Cometas, con todos sus éxitos. El volumen y la puesta en escena dejó una marca profunda en los jóvenes chilenos y en especial a los músicos que fueron a verlo y a absorver todo lo que podían.

sentó en Santiago y Concepción, además de Valparaíso. El primer disco de Elvis editado en el país es una historia muy curiosa. Fernández era muy amigo de “Don Roy”, alias de Rodrigo Martínez, un vasco que era el director artístico de la RCA. Roy le confesó que le había llegado un disco de un cantante nuevo llamado Elvis, pero que “no pensaba sacarlo porque ese señor era la antimúsica.” El sencillo de 45 RPM correspondía a “Heartbreak Hotel” y “That’s all right mama” en el reverso. Fernández le manifestó a Roy que Elvis era una locura en Estados Unidos y que era el niño mimado de la RCA, a lo que Don Roy le respondió que eso era “envenenar musicalmente a la juventud de acá”. Sin embargo, fueron tantas las presiones desde la sede del sello, que Don Roy terminó editando un single con su cantante favorito Perry Como, con “Somebody up like me”, y con “Heartbraker Hotel” de Elvis al reverso. Esa gracia significó que hoy los coleccionistas lleguen a pagar “fácilmente los 50 mil dólares”

Peter Rock, de padres austriacos, fue el primer rocker chileno en grabar éxitos de Elvis.

Elvis reina en Chile   “Santiago vive en estos momentos el impacto del rock & roll y el cha-cha-cha. Fuerza irresistible que arrasa con todas las edades y condiciones sociales de los que se sienten impelidos de danzar con gestos malabarísticos y desenfrenados”, comentaba la desaparecida revista Zig Zag en 1956, cuando la fiebre del rock invadía al país. Según el productor musical y mentor de la Nueva Ola, Camilo Fernández, una de las “influencias más grandes que hubo en Chile fue la de Elvis Presley. Como uno de los fundadores de radio Portales, también fue responsable de la venida de Bill Haley, quien se pre393

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por esa rareza. Otro dato no menos importante es que la Nueva Ola se inició con Presley, cuando Peter Rock llegó a la radio Agricultura vestido de negro y la guitarra en bandolera. Peter Rock fue el primer artista chileno en grabar un disco de rock con un cover de Elvis.

Rock & Roll made in Chile

Peter Rock en 1958.

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Elvis Presley, Bill Haley y otros le gritaban al mundo: ¡el rock se canta sólo en inglés! Las disqueras en Latinoamérica, obviamente en Chile también, obedecieron. Pensar en un rock en español

era considerado casi un pecado mortal. En Chile la onda Elvis Presley pisó fuerte. El primer nacional en imitarlo fue un estudiante del colegio Lastarria, Peter Mociulski von Remenjik, que se hizo llamar Peter Rock. Sus temas más fuertes eran “Baby I don’t care” y “Love me tender”. Pero la decisión de ser doble de un famoso no fue fácil. Corría 1959, el promisorio cantante era parte de la agrupación Peter Rock y Los Lyons, que lideraba Jorge Pedreros. El periodista Camilo Fernández y el ingeniero en sonido Luis Torrejón le ofrecieron a este descendiente austríaco el proyecto solista. Peter Rock se arriesgó. ¡Fue todo un éxito!. En 1962 comenzó a cantar en castellano, “Entre la arena y el mar”, un bolero de Pedreros arreglado en forma de rock ‘n’ roll. Actualmente organiza los conciertos nostálgicos de “El Clan de la Nueva Ola”, en los que se presenta con otros intérpretes de los sesenta. Como su reemplazo, llegó a la banda un joven del San Pedro Nolasco, ¿su nombre? Luis Dimas, al que luego sucedió un argentino, Nery Nelson, quien más tarde sería conocido como “Palito” Ortega. El rock en inglés made in Chile ya era toda una fuerza propia. Todos los artistas elegían nombres gringos: Javier Astudillo fue “Danny Chilean”; Reynaldo Rojas, “Larry Wilson”; Ricardo Toro, “Buddy Richard” y Patricio Nuñez, “Pat Henry”. Luis Dimas y Los Twisters. Luis Misle Troncoso, conocido como Luis Dimas “El Rey del Twist”. Nació el 11 de Diciembre de 1943. Se inició como cantante en el grupo The Lyons, del que se había alejado tiempo antes Peter Rock para cantar como solista. The Lyons modificaron su nombre a Los Twisters y realizaron con Luis una exitosa carrera. Comenzó grabando para Philips temas en inglés, siendo sus primeros éxitos “The Twist” y “Let’s Twist Again”. En 1963 empezó a registrar temas de autores chilenos como

Jorge Pedreros (“Caprichitos”, “Sueña”, “Ser”, “Como una Sombra”), Fernando Allende (“Me Recordarás”, “Confidencias”) y de su propia autoría (“Penas Juveniles”, “Señorita Desconocida”, “Amiga Mía”, “Éxito”, “Mirando las Estrellas”, “Ese Cantante”, “Historia de un Bohemio”), además de versiones castellanas de éxitos internacionales: “Llévame Volando a la Luna”, “Muñequita”, “No Te Comparto”, “Escándalo en la Familia”, “Mi Chaqueta Blanca”, “Zum-Zum”, “Cuando Murió el Poeta”. En 1965 se radicó en Buenos Aires, donde se presentó en televisión y grabó para Music Hall. Los Twisters se disolvieron en 1966, por lo que fue acompañado en su última etapa en Argentina por las orquestas de Roberto Lar y Marito Cosentino. Regresó a Chile en 1967, pero dos años después volvió a marcharse, primero a Perú, luego a Canadá y USA. Volvió a su país en 1984 y actualmente incursiona en política, sin abandonar sus actuaciones en espectáculos dedicados a la música nuevaolera. Danny Chilean, Su nombre real es Javier Astudillo. Llegó a Santiago en 1961, procedente de Antofagasta, donde había comenzado su carrera en radios locales. Su primer gran éxito fue “Verónica”, y a partir de allí siguió una serie de temas como “Norma”, “Josefina”, “Susy o Lucy”, “Corina, Corina”, “Rita... que linda eres” incluidos entre las doce canciones con nombres de mujer (antes que Leo Dan hiciera lo mismo en Argentina) que incluía su primer LP, que llevó el nombre de “Cuál de Ellas?”. Realizó exitosas presentaciones en Buenos Aires a partir de 1962. Continúa activo, realizando frecuentes presentaciones en Chile y en otros paises.

Ahora se entiende lo que dicen Llegó el año del Mundial en Chile, 1962. Germán Casas y Los Ramblers

le daban duro con el tema “El rock del mundial”. La canción rotó una y otra vez en las radios chilenas. Los expertos, los que juraban que el rock era sólo en inglés se callaron, porque en sólo meses el disco single -con el tema en ambos lados- alcanzó ventas cercanas al millón de unidades. Todo un récord para la época, especialmente para una letra en castellano. Paralelamente, también en 1962, Peter Rock grabó “Entre la arena y el mar”, un bolero compuesto por Jorge Pedreros pero interpretado al estilo rock & roll. También se arriesgaron con esto de cantar en castellano, los Carr Twins con “Vida mía” y “Verónica” de Danny Chilean. LOS CARR TWINS, fue el dúo formado por los mellizos Juan y Carlos Ca-

Luis Dimas con Los Twisters en 1965.

Danny Chilean, 1962 395

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empapelaban las habitaciones con fotos de sus estrellas, que les cantaban al oído en castellano y las hacían bailar.

Los Carr Twins, dos hermanos que aprovecharon el primer impulso del rock cantado en castellano.

La “nueva ola” inmortal

rrasco Martínez. Se iniciaron en 1959 cantando en inglés, hasta que en 1962, impulsados por el éxito de “El Rock del Mundial” de Los Ramblers, comenzaron a interpretar temas en castellano, con éxitos como “Dedicado”, “Vida Mía” y “Chiquilla Revoltosa”. En Argentina tuvieron varios éxitos en 1964/65 con “Un Gran Amor” (identificado con la curiosa denominación de Twist-Malambo), “Okey”, “Lo Que Siento” y “Mi Confesión”, uno de sus mayores sucesos. Entre 1962 y 1966, los cantantes criollos dominaron a su gusto la escena musical. Luis Dimas, Pat Henry, Danny Chilean o los hermanos Zabaleta convertían todas la canciones que les entregaban creadores como Jorge Pedreros, Gustavo Arriagada y Hugo Ramírez en éxitos. Entre las mujeres, voces privilegiadas y personalidades carismáticas como Gloria Benavides, Luz Eliana, Cecilia y Fresia Soto lograban y se turnaban en las preferencias del público, que las elevó a la categoría de “ídolos”. Ellas rompían los corazones de sus seguidores. Muchos les declaraban por carta su amor eterno. Cuando se las escuchaba cantar, no había quién no delirara. En cuanto a los rockers masculinos, eran el sueño de miles de adolescentes que 396

Al iniciar los sesentas, cuando los padres disfrutaban de la voz de Lucho Gatica, un puñado de algo más de 50 intérpretes, entre grupos y solistas, inundaban el mercado disquero criollo, copaban la programación de las radios, realizaban exitosas giras y se convirtieron, sin darse cuenta, en ídolos. Sus seguidores, en especial las mujeres (que la prensa bautizó como “calcetineras”, porque se arrojaban a los pies de los artistas) eran capaces de cualquier sacrificio por tocarlos, saludarlos, besarlos y conseguir el mayor trofeo: un autógrafo. La revista “Ritmo” llenaba sus páginas con chismes de los artistas de la Nueva Ola. Sus portadas se convertían casi siempre, en tapas de cuadernos y posters de los fieles compradores que deliraban al saber algún detalle íntimo de sus ídolos. La locura era total. A mediados de los sesentas figuras como Lalo Valenzuela, Cecilia, Fresia Soto, Gloria Aguirre, Luis Dimas, Sergio Inostrosa y Carlos González disputaban palmo a palmo, y hasta ganaban, los primeros lugares de las listas de popularidad y ventas a extranjeros de la talla de Los Beatles, Elvis Presley, Neil Sedaka y Paul Anka. Los sellos discográficos no lo podían creer. Sus apuestas locales les llenaban los bolsillos de monedas. En los estudios de la desaparecida RCA, se concentraba la mayor parte de la grabaciones de la Nueva Ola. Las sesiones de grabación eran en vivo y de corrido: había que tratar de no equivocarse. Sin dudarlo la radio y las revistas juveniles (especialmente “Ritmo”) fueron pilares importantes de la Nueva Ola. Ambos medios se convirtieron en verdaderos portavoces de los cantantes que

dejaban loquitas y loquitos a los jóvenes de la época. Las páginas de las publicaciones escarbaban en los aspectos más íntimos de la vida de los famosos, convirtiéndolos en figuras tan grandes como las lejanas estrellas de Hollywood. Uno de los grandes acontecimientos sociales que cubrió en exclusiva Revista Ritmo fue el matrimonio entre Gloria Benavides y Pat Henry. También organizó campeonatos de fútbol, paseos y fiestas con famosos y afortunadas lectoras. Por su parte, las radios emitían a los cuatro vientos los últimos éxitos y chismes de la Nueva Ola. Las emisoras se disputaban los derechos de transmitir en exclusiva los temas recién salidos de los estudios de grabación. Y no se quedaban sólo ahí. Las emisoras como Portales, Corporación y Minería en sus estudios gigantes, organizaban presentaciones en vivo en las que el público tenía o directo con sus astros. También producían giras por todo el país y los bailes de fin de semana. Para todos estos eventos las colas eran muy largas y se formaban, generalmente, uno o dos días antes. Por las ondas de la amplitud modulaba, la voz de Raúl Matas con su exitoso programa Discomanía -en que se presentaban los mayores éxitos musicales del mundo- hacía retumbar el corazón y el alma de sus fieles auditores a través de Radio Minería. En cualquier discoteca chilena hasta el día de hoy se puede escuchar entre los temas actuales alguna composición de la Nueva Ola. Puede ser “Caramelo de menta”, “Caprichito”, “Twist del recluta”, “El rock del mundial” o “Muñequita”, entre otras. Además del éxito de emisoras radiales especializadas en esta época y su éxito en festivales nostálgicos. Es que hoy, cuando ya han pasado cerca de 40 años desde que fueron éxito, siguen teniendo la misma fuerza. ¿La razón? Letras romanticonas, fáciles de aprender,

mezcladas con algún grado de humor, picardía y sobre todo, un ritmo bien pegadizo. Los sellos se preocuparon de tener en su elenco a estos nóveles intérpretes de gran arrastre; el disco se transformó en un bien preciado, dependiendo del contenido sonoro y de la foto de su carátula, y, el propio movimiento superó su naturaleza musical para transformarse en un verdadero fenómeno social. Hacia fines de la década de 1960, el rock chileno comenzó a asumir características contestatarias y rebeldes. Muchos jóvenes empezaron a usar ropas estrafalarias, dejarse el pelo largo y a cantar agresivamente y con estruendosos sonidos sobre el escenario. El meloso rock de la Nueva Ola daba paso a la rebelde sicodelia, a la propuesta pop contracultural y agresiva, representada en conjuntos como Los Jockers. Pero aún el movimiento no asumía, completamente, una identidad propia.

Luz Eliana arriba y Fresia Soto arrancaban los suspiros de los jóvenes chilenos seguidores de la Nueva Ola.

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Sin duda, uno de los más importantes grupos chilenos, si no el más grande fueron Los Jaivas. Combinando el rock progresivo, los ritmos del norte, centro y sur de chile e incluso el new wave, crearon un sonido único que los hace inmediatamente reconocibles. Si bien en el aspecto técnico no son muy pulcros, en vivo tenían una energía envidiable que hacía, literalmente, bailar a toda la concurrencia.

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El año 1970 fue un hito en este sentido. En primer lugar, un grupo proveniente de Valparaíso editó su primer disco larga duración; Los Jaivas lanzaron al mercado su LP “El Volantín”, con mínima difusión y donde mezclaban instrumentos y ritmos chilenos y latinoamericanos, con las variables propias de la música rock anglosajona. Fue el inicio de la carrera discográfica del más célebre de los grupos de rock chileno, y el paradigma del rock con identidad nacional. En segundo lugar, el mismo año se realizó en Santiago el “Festival de Piedra Roja”, evento multitudinario y juvenil que perfiló al rock chileno como una realidad social efectiva, digna de prestarle atención. La proliferación de grupos durante los primeros años de la década de 1970 fue notable. Sin embargo, el proceso tuvo su quiebre con el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973. La represión significó el fin de espectáculos nocturnos, de reuniones masivas y el deterioro creciente de la industria discográfica nacional. Si bien siguieron existiendo

conjuntos, su difusión fue mínima y su impacto en el país, prácticamente nulo. La escena era subterránea, underground. El resurgimiento evidente comenzó a partir de la década de 1980. La industria musical chilena, a veces con reticencia, empezó a dar cabida a distintos grupos de jóvenes cuyo emblema lo constituyeron Los Prisioneros. Se construyó así un nuevo movimiento, bautizado por la misma industria como pop latino.

El rock se expande por sudamérica Uruguay, domina el sonido “beat” Uno de los primeros grupos uruguayos que ganó notoriedad fueron LOS MOCKERS, formado por Jorge Fernández (primera guitarra), Esteban Hirschfield (teclados y armónica), Julio Montero (bajo), Alberto ‘Beto’ Freigeda (batería) y Jorge ‘Polo’ Pereyra (vocalista y segunda guitarra). Comenzaron a tocar juntos hacia 1962 en el Instituto Zorrilla de Montevideo. Con el nombre de Teddy Boys interpretaron hasta 1965 temas de Elvis Presley, Little Richard, The Shadows y The Beatles. Luego cambiaron su nombre a Los Encadenados, hasta que en 1966 adoptaron su denominación definitiva. Obtuvieron cierto éxito en Argentina grabando para EMI y Microfón hasta 1968. Luego estaban LOS DELFINES, formado en 1962 por Julio ‘July’ Fontenla y Jorge ‘Coyo’ Abuchalia en guitarras, Mario Aguerre en bajo, Esteban Hirschfeld en órgano y Jorge´’Chocho’ Vila en batería. Comenzaron cantando en inglés (“You Gotta Do It”), después lo hicieron también en castellano, generalmente temas originales de July Fontenla.  Pero el grupo que “rompió con todo” fueron LOS SHAKERS, grupo liderado

por los hermanos Hugo y Osvaldo Fattorusso (guitarras y voz), Roberto ‘Pelin’ Capobianco (bajo) y Carlos ‘Caio’ Vila (batería). Formado en Montevideo en 1963, copiaron de los Beatles su vestimenta, estilo musical y hasta el corte de pelo, pero se caracterizaron por interpretar temas propios en inglés. El primer tema que registraron fue “My Bonnie”, el que Tony Sheridan cantó con The Beatles, entre tanto la agrupación hacía un promedio de 15 shows por semana, con mucho éxito en su país. El grupo se consagró en 1965 con un simple editado en Argentina por EMI Odeón, “Rompan Todo” (Break it all) y “Mas”, temas propios cantados en inglés, al que siguió otro muy exitoso con “Sigue buscando” y “Solo en tus Ojos”. Su primer LP “Los Shakers” también se grabó en Argentina, pero con nuevas técnicas de sonido aún no exploradas en el país. Para el segundo LP se nota una evolución, cierto estilo propio: “nosotros en el comienzo eramos una consecuencia de The Beatles. Luego, con el tiempo, fuimos adquiriendo nuestra propia personalidad con las composiciones nuestras”, recuerda Caio. Luego de un receso se edita lo que es considerada su obra cumbre: “La conferencia secreta del Toto’s Bar” (1969). El Toto’s Bar era el equivalente a La Cueva, pero en Punta del Este. Inspirada en “Sgt. Pepper’s” de los Beatles, la obra presenta arreglos instrumentales inéditos. En realidad, el material había sido grabado a mediados del año anterior, con la separación del grupo ya decidida. Si bien la placa no contó con apoyo de la discográfica y las ventas, por consiguiente, fueron escasas, los especialistas de la época la definieron como “el Sgt. Peppers del Río de la Plata”. Se separaron en 1970. Los hermanos Fattorusso se radicaron en USA, Pelín en Brasil y Caio en Venezuela, permaneciendo siempre vinculados a

las actividades musicales.  El sello inglés Big Beat publicó en 2000 el CD “Por Favor!”, excelente compilación con 32 temas. LOS BULLDOGS, formados por Nengo (guitarra líder), Kano (segunda guitarra y voz), Jorge (bajo), Ricardo (batería). Grabaron en 1964 con el nombre de The Epsilons un single en el sello Clave de Montevideo y luego cambiaron su nombre a Los Bulldogs. Se radicaron en Buenos Aires, donde realizaron varios simples con covers en inglés, como “Black is Black”, de Los Bravos, incluido en “Los 16 Hits

Los Shakers fueron el grupo uruguayo “beat”más famoso de los sesenta. Aunque demasiado parecidos, no cantaban temas de los Beatles, sino de su propia autoría, eso sí, cantaban en inglés.

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del Momento”, un LP de varios intérpretes de RCA en 1966. Después de grabar dos LP comenzaron a presentarse como Kano y los Bulldogs, obteniendo cierto éxito con “Sobre Un Vidrio Mojado” en 1969. Problemas internos forzaron al grupo a dividirse y retornar al Uruguay, donde editaron para Sondor su último LP (“Carita con Carita”) en 1972. LOS IRACUNDOS: Empezaron como todos, haciendo covers de grupos mexicanos y traducciones de temas en inglés. Hacia 1961 se hacían llamar Blue Kings, pero para 1963, época en que sale su primer disco ya eran conocidos como Los Iracundos. Sus integrantes al inicio de la carrera del grupo fueron Eduardo Franco, cantante y compositor de muchos temas de la banda, Jesús María Febrero (Febro) en los teclados, Juan Bosco a cargo de la segunda guitarra, Leonardo Franco se ocupaba de la primera guitarra, Juan Carlos Velázquez en la batería y Hugo Maria Burgeño en el bajo. Gracias a su estilo personal, rapidamente llamaron la atención y fueron contratados para realizar numerosas presentaciones en vivo y se presentaron en una cadena radial de Montevideo, donde

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miles de espectadores los esperaban para conocerlos. Después de presentarse en la radio aparecieron en el Festival De La Canción De Parque Del Plata, un certamen de verdadera importancia pues allí se presentaban artistas de nombre reconocido. Viajaron por Argentina invitados por Palito Ortega y mas tarde con RCA- Victor obtuvieron un disco de oro en seis meses. El primer trabajo incluyo temas como “Despierta Lorenzo” y “Caravana” e inmediatamente se volvió un éxito. El disco se vendía como pan caliente y entonces radicados en Buenos Aires comenzaron las giras nacionales y en 1964 aparece el segundo trabajo que llevaba el titulo de “Sin Palabras” que era instrumental. En este disco aparecieron “El Hombre Del Brazo De Oro” y “Serenata A La Luz De La Luna” entre otros. El tiempo transcurría y el éxito iba en aumento y en 1965 otro disco nuevo y su primera aparición en el cine, en la película “Una Ventana Al Éxito”. A continuación el primer viaje a Europa, donde conocieron artistas de la talla de Aznavour quien le cedió el tema “Reten La Noche”, Mina, Rita Pavone, Morandi y Celentano entre otros y además grabaron un disco en Italia. Su estilo rockero fue dejado de lado por uno más “tranquilo”, en especial se hicieron fuertes con temas románticos al gusto del gran público. Empezaron a recorrer varios países llevando su música, Ecuador, Colombia, Chile y Perú entre otros, y tambien acompañaron a grandes artistas de la época como Charles Aznavour, Gianni Morandi y otros muchos mas en sus presentaciones en Uruguay. Regresan una vez mas a la Argentina y continúan las giras y grabaciones y es cuando aparece el tema “Puerto Montt” del disco “La Lluvia Terminó” (1969) y que fue disco de oro. “Puerto Mont” su tema más recordado, fue escrito por Eduardo Franco, cantante del grupo fallecido en 1989. 1967 y

Definitivamente la importancia de Los Iracundos dentro de la música de los sesenta y setenta ha sido de gran valor para los seguidores de esta música y por supuesto para Latinoamérica.

que recibió reconocimiento mundial y en la década de los 70 fue la agrupación más popular en America del Sur y Central, ellos trascendieron fronteras con un abrumador éxito y aún hoy al reaparecer todos los recuerdan con la misma aceptación que en sus inicios.

Colombia, entre la cumbia y el rock

1970 fue una etapa de mucha importancia para ellos y también participaron una vez mas en el cine en este caso fue en “Este Loco Verano” y aquí aparece el tema “Chiquilina”. Su popularidad ya se había extendido por Ecuador, Colombia, Perú y el resto de Latinoamérica. Su carrera continuó con mucho éxito en las décadas siguientes y en 1989 ya llebavan publicados 40 discos. Un año antes habian contratado a Jorge Gato que se ocupaba de remplazar a Eduardo cuando este estaba enfermo y no podia actuar. Los Iracundos son la única banda uruguaya

El rock llega a Bogotá, como a las demás ciudades latinoamericanas, a través de los medios de comunicación (cine, prensa, radio y televisión) subordinados a la industria cultural norteamericana. Como manifestación de rebeldía juvenil, el rock encuentra un terreno abonado por la presencia de los movimientos políticos de izquierda, principalmente entre los universitarios, y por el nadaísmo, de corte intelectual y literario. La radio fue la plataforma de lanzamiento para el rock en Colombia. En 1957 lo presentó por vez primera Carlos Pinzón en su programa de radio Monitor de Caracol, con el éxito “Rock around the clock” (Rock al compás del reloj) de Bill Haley y sus Cometas. La película de esta canción se estrenó poco después del 401

LA ERA DEL ROCK

lanzamiento del disco, en el teatro El Cid de Bogotá, inaugurando de paso todo el alboroto y destrozos de vidrios y butacas que habrían de sobrevenir. A finales de los 50 llega el rock en español de los Teen Tops con Enrique Guzmán quienes llegaron con gran éxito a todo el continente y a España. Esa corriente inspiró a gente de los medios de comunicación, como Alfonso Lizarazo y Carlos Pinzón, quienes convirtieron la Radio 15 de Caracol en la emisora de moda entre la juventud, dedicada a los nuevos ritmos. Radio 15 organizó festivales que alcanzaron una gran popularidad entre los jóvenes de las clases medias y bajas de la ciudad, y que fueron plataforma de lanzamiento para cantantes como Harold (“Mickey Mouse”) y Oscar Golden (“Cabellos largos”, ideas cortas”, “Boca de chicle” y “Zapatos pompón”). En Colombia, debido a sus fuertes raíces folklóricas y al éxito nacional e internacional de grupos como Cuarteto Imperial o La Sonora Dinamita, el rock and roll tardó un poco en afianzarse, y es difícil decir cuál fue el primer disco

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de rock colombiano, aunque podríamos remontarnos al “Very, very well” de Antonio Fuentes (finales de los 50) y éxitos como “El twist del esqueleto” y “El twist del guayabo” de los Golden Boys (comienzos de los 60), que hicieron furor en medio del auge de la cumbia; y el no menos importante merecumbé-rock’n’roll apropiadamente titulado “Carlos Pinzón” de Lucho Bermúdez; en un sentido estricto, el primer disco colombiano de rock apareció en 1965: un sencillo de 78 RPM de los Speakers, editado por Discos Vergara, con “La Bamba” y “El golpe del pájaro” (tema de surf de los Trashmen, banda de Minneapolis). Ya bien entrados los sesentas, surgen otros grupos como los DANGER TWIST y los TEEN AGERS, grupo formado en Medellín por el guitarrista Juan José Vélez y su hermano Hernán, acompañados por Luis Jaramillo, Francisco Zapata, Enrique Aguilar y el vocalista Gustavo ‘El Loco’ Quinteros. Más tarde llega también la onda británica con la que surgen THE YOUNG BEATS, formado en 1965. Su repertorio incluía versiones de temas de The Animals, Gerry & The Pacemakers, Dave Clark Five, The Rolling Stones, Bob Dylan y Them. Llamaron la atención de Alfonzo Lisarazo, que los contrató para su programa “Juventud Moderna”, en TV Nacional. Se presentaron además en las principales discotecas de Bogotá. En 1966 sacan “Ellos Estan Cambiando Los Tiempos”. Fueron identificados como los Rolling Stones colombianos, para diferenciarlos de Los Flippers y

The Speakers, más identificados con los Beatles. The Young Beats se acabó en 1967, porque los tiempos cambiaron, eran más propicios para otras ideas que agitaban la escena musical mundial. LOS FLIPPERS, con Arturo Astudillo, Carlos Martinez, Miguel Durier y Edgar Dueñas. Grabaron dos LP para el sello Zeida: “Discotheque” (1966) y “Psychodelicyas” (1967), con temas propios, covers en inglés y versiones en castellano de temas de The Beatles como “Sargento Flippers” y “La Ayuda de la Amistad”. THE SPEAKERS, quinteto formado por Rodrigo García, Humberto Monroy, Oswaldo Fernández, Luis Dueñas y Fernando Latorre. Se iniciaron en 1965 en el sello Vergara, con un LP que llevó el nombre del grupo. Al año siguiente firmaron para Bambuco, donde registraron ese año “La Casa del Sol Naciente” y “Tuercas, Tornillos y Alicates”, modificando en este último su nombre a Los Speakers, que fue también el título de un LP de 1967. En Colombia, el Club del Clan empezó como programa radial en 1966, era una versión del programa televisivo argentino, impulsado por Guillermo Hinestroza, de Todelar. Fue la emisora popular por

excelencia, de donde surgirían estrellas como Las Mellizas, César Augusto, Jaime Alonso, Mariluz y Vicky, figuras que al lado de otros y de Radio 15, generaron lo que se llamó la generación del “ye-ye” y el “go-go”, que tenían como superéxitos las mismas canciones del programa argentino, que se convirtieron en himnos de la primera generación rockera de nuestro país. El Club del Clan no fue sólo radio sino también televisión. Se emitía cuatro veces a la semana en el horario cuando hay más personas viendo la tele. Fue uno de los dos primeros programas de música juvenil en la TV colombiana, el otro era “Juventud Moderna”, dirigido por Alfonso Lizarazo. El primero era la prolongación del cuerpo de El Club del

Los Speakers, grupo colombiano que marcó época.

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LA ERA DEL ROCK

Clan Radio, y el otro, era el equivalente de Radio 15 llevado a la televisión. El nuevo canal local TV9 Tele-Bogotá (más conocido como Teletigre) competía con Shinding, programa de una hora de programación semanal donde melenudos cantantes de rock-and-roll y de twist se sucedían unos a otros. Luego vendría Ye Ye Teletigre, en 1967. Fue tal la importancia que tuvo El Club del Clan en el nacimiento del sonido rockero en el país, que además de la radio y la televisión, tuvo una revista bautizada con el mismo nombre. La ola go-go pasó rápidamente al olvido, ante la invasión de la psicodelia y el hippismo.

Venezuela busca sonido propio 1965, la cultura Pop ha tomado el mundo. La beatlemanía es un hecho y comienza la diversificación de géneros dentro del universo Rock. Venezuela poco a poco se va poniendo al día. Se estrena en Caracas ‘A Hard Days Night’ el primer film de los Beatles. El título que se le dio aquí fue: “Yeah, yeah, yeah, Paul, John, George y Ringo”. Eduardo Morell se adelantó a la fiebre Beatles en

Los Darts en el Show de Renny (Renny Ottolina). 404

el país, radiando entre el 1964-65 ‘She Loves You’. En un espacio tan distinguido como lo fue el Teatro Municipal se logró concentar lo más destacado del movimiento juvenil: Los Supersónicos, Los Dangers, Los Impala y Los Dinámicos. La televisión local multiplicó la presencia juvenil y su música. Cada planta de televisión tuvo su programa dirigido a la juventud. Desde esos tempranos 60 la feroz competencia tomó partido: Venevisión propuso un programa conducido por el joven Gilberto Correa, ‘Ritmo y Juventud’. También estuvieron allí como animadores Franklin Vallenilla, Edgar Jiménez y Winston Vallenilla, quien un año mas tarde sacó su propio programa ‘Al compás de lo nuevo’. Radio Caracas Televisión lanzó ‘El Club Músical’ de Alfredo José Mena. La estación de Los Ruices, VTV, no se quedó atrás y ‘los pavos’ Richard Herd y José Hernández-llamados Los Brothers-, más ‘la pavita’ Rosario Prieto asumieron la responsabilidad de ‘El Club del Clan’. Valencia en esos tiempos tuvo su canal identificado con el número 13 y pasó un enlatado ‘Hollywood a Go Go’ presentado por los nacionales Winston Vallenilla y Capy Donzella. Sigue

Los Impala, grupo fundamental del rock venezolano en 1966.

la invasión de los enlatados juveniles y Radio Caracas Televisión metió en programación semanal ‘Shinding’, uno de los programas vitales de la cultura pop de los 60. Por allí pasaron todos los artistas importantes del momento y gracias a él se pudo ver en Venezuela la actualidad de la música Pop. Al igual que en Hollywood a Go Go, Shinding llevó una presentación nacional que estaba en manos del desaparecido hombre de TV, Oscar Martínez. Posiblemente éste fue uno de los mejores momentos del Rock en cuanto a su presencia en TV. Todos los canales tuvieron su segmento juvenil y en ese momento Rock (llámese Nueva Ola, Surf o Go-Go y Ye-Ye) fue sinónimo de juventud. El Show de Renny presentó en este período histórico al Rey del Rock español, Miguel Ríos, y también a Brenda Lee, según la prensa especializada norteamericana ‘la mejor cantante pop del mundo’. El programa Gran Casino animado por Luis Turmero logró transmitir

imágenes de los Beatles durante varias emisiones. El año 1965 representó el despegue difinitivo de la ‘Era Dorada del Pop en Venezuela’. Existió un posicionamiento del segmento juvenil en la TV y en las radios. Fue normal observar grupos POP y Rock en TV, como Los Impala, Los Supersónicos, Los Dinámicos, Los Clippers, Los Dangers, Los Claners. Reventó el boom de los solistas dentro de una línea de Nueva Ola o música moderna: Nancy Ramos, Cherry Navarro, Trino Mora (que tuvo pasantía por la banda Los Duendes), Diego Bolaños, Andrés Trigo, Miosotti, Tania, Armando Biart, El Eéctrico Luque (más adelante ‘El Zigui’), etc. Y tambén estuvieron los grupos vocales como Los Diones o Los Hermanos O’Brien (posteriormente Las Cuatro Monedas). 405

LA ERA DEL ROCK

Perú tuvo su “Nueva Ola”

Los Doltons, grupo pionero de rock and roll peruano, en sus dos épocas.

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En términos musicales, la Nueva Ola Peruana significó la llegada de una nueva tendencia; la aparición de gran número de cantantes y conjuntos que rápidamente se ganaron el aprecio del público y se convirtieron en ídolos juveniles. En este contexto aparecen Los Doltons, el grupo que con el correr de los años se convertiría en el más importante de la década de los 60, y cuyas canciones aún se escuchan en las radios locales. LOS DOLTONS, grupo formado en el barrio limeño de Breña por Walter Bolarte en primera guitarra, Roberto Andía en guitarra rítmica y Javier Román en bajo. Incorporaron al baterista Fernando Bolarte, primo de Walter, y más adelante al cantante Gerardo Rojas (conocido como Gerardo Manuel), pero este se alejó para formar parte de Los Shain’s. Lo reemplazó César Ychikawa, ídolo de una generación, porque a partir de la presencia de este cantante nissei, el grupo comenzó su carrera ascendente hasta conseguir el ansiado renombre. Con la producción del músico argentino Enrique Lynch, director artístico de Sono Radio, lograron su primer suceso con “Visión de Otoño”. En los dos años siguientes tuvieron varios éxitos: “La Ventana”, “Gloria”, “Espérame”, “No puede ser”, “Teresa”, “Tema: El Amor”, “Hombre Solitario”, “Negro es Negro” y especialmente “El

Último Beso”.  El éxito alcanzado con los discos se constituyeron en peldaños hacia una carrera promisoria e inmediatamente hizo que sus vidas cambiaran. Comenzaron a ser reconocidos y en el escenario se hizo una costumbre escuchar los gritos de la gente proferidos por sus iradoras. Las visitas a los programas radiales de Brani Zavala en Radio Atalaya y Enrique Llamosas en Radio Miraflores se multiplicaron, la gente que los escuchaba quería conocerlos y recogiendo el clamor popular, el conjunto comenzó a presentarse en los programas “Cancionísima” con la conducción del recordado Pablo de Madalengoita y la “Revista de los Sábados”. La popularidad del conjunto subió como la espuma, al punto que Panamericana Televisión los contrató como artistas exclusivos por dos años. Pero no sólo cantaron en español. Uno de sus temas, “Estrella en la Noche”, fue una adaptación de la canción japonesa “Umi Sono Ai” del popular cantante Yuzo Kayama. Cuando la escucharon, Los Doltons decidieron presentarla a Enrique Lynch quien dio el visto bueno para su grabación. El producto final fue un tema, mitad en japonés y la otra en castellano. Los Doltons se separaron en 1968, cuando acordaron poner fin a una actividad que había comenzado como hobby, pero que los iba absorbiendo demasiado. Dieron prioridad a sus estudios univer-

sitarios, aún cuando siguen ligados a la música. La “Nueva Ola” peruana empezó con Enrique Lynch músico argentino radicado en Perú, quien ocupó el cargo de director artístico de Sono Radio. Desde esa posición, introdujo al país ese estilo tan particular y popular de música para todo público, descubriendo e impulsando la carrera de varios intérpretes como DANNY VALDY (Miguel Dennis Falvy Valdivieso), quien logró su primer gran éxito con “Sácate los Ruleros” / “Muchachita de Ojos Azules”, grabado en el sello Sono Radio en 1964. En 1965 registró para la disquera El Virrey su único LP, obteniendo un nuevo hit con “Se te Corre la Media”, tema tan popular que incluso se utilizó para un comercial. JIMMY SANTY, Santiago Rogelio Farfán Holguín, “El Muchacho de la Eterna Sonrisa” lanzó su primer simple en julio de 1963, con la orquesta del Maestro Enrique Lynch, incluyendo “Mira Cómo Me Balanceo” y “Donde Nace la Vida”. Su segundo simple contuvo su primer éxito, “Sabor a Sal”. Después de grabar dos LP, en 1966 fue contratado junto con su pareja sentimental, la vedette argentina Mabel Luna, para presentarse en México, donde obtuvo gran suceso. GIUSEPPE ‘PEPE’ CIPOLLA nació en Nápoles, y llegó al Perú siendo un niño. En 1963 se consagró en “Cancionísima”, programa del Canal 13 Panamericana TV, interpretando el éxito “La Balada del Hombre sin Rumbo”. Promocionado como el “teenager” de la Nueva Ola Peruana, de la que fué el más joven integrante, firmó contrato con Odeón, donde grabó entre otros temas “Carolina Bésame”, “Escalera al Cielo”, “Te Daré Platita” y “Marisa”. Posteriormente pasó a “El Clan del 4”. Después de la decadencia del movimiento nuevaolero, Pepe se destacó como actor teatral y protagonizó, en los años ochenta, varias telenovelas, murió en 1992.

PEPE MIRANDA, “El Rey de la Nueva Ola Peruana” nacido, en Lima. Integró como cantante el cuarteto “Los KitKat’s”. A fines del año 62 triunfó como solista en el certamen “Buscando al Ídolo de la Nueva Ola 63”. Firmó contrato con la disquera El Virrey, grabando el simple “Dame Felicidad” / “Te has Quedado Sola”. Su segundo disco, “La Pera Madura”, le dio la consagración definitiva, coincidiendo con su presentación en “Cancionísima”, en el Canal 13. Grabó algunos LP de gran suceso y viajó a Buenos Aires, donde se presentó en el “Tropicana Club” de Canal 9. Grabó para CBS Argentina. Regresó a Lima después de cuatro años y continuó con su actividad discográfica. RULLI RENDO: Julio Edgardo Barrera Larriega, se inició en el canto siendo un niño. En 1964 Raúl del Mar, director artístico de la disquera El Virrey, creó el seudónimo que lo acompaña hasta el presente, uniendo los apellidos de dos jugadores argentinos de la época (Juan Carlos Rulli y Alberto Rendo). Fue figura destacada de la Nueva Ola peruana, con temas como “Pagarás”, “Qué te Mate el Tren”, “La Duda” y especialmente “Dile que la Quiero” (versión castellana de “Tell Laura I Love Her”). YOLY, Rosa Yolanda Gutiérrez Matos, limeña, nacida en 1950, se destacó desde niña en las fiestas escolares. En 1966 se inició como cantante y conductora de “Ritmo en el 4”, programa nuevaolero del que surgieron entre otros Kela Gates y Claudio Fabbri. Excelente bailarina y comediante, grabó para Odeon sus grandes éxitos: “Señor Disc-Jockey”, “Chica Ye Ye”, “Romeo y Julieta”, “Playboy”. En 1969, trabajó en el programa sabatino “El Botón”, con la dirección musical del recordado maestro Jaime Delgado Aparicio. Se casó en Marzo de 1970, y su segunda hija siguió sus pasos.

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En Paraguay se impusieron los bailes

Neneco Norton, líder de los Caballeros del Ritmo, era uno de los personajes más recordados de las noches paraguayas.

Muchos abuelos movieron el esqueleto al ritmo de los Big Boys Serenaders, con Nery Bedoya como cantante, allá por principios de los años 60.

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En el Paraguay la llegada de las nuevas olas tardó un poco más. A principios de los años 50 lideran el mundo de las fiestas las Orquestas Típicas como la de Florentín Giménez, la Típica Barreto, Lorenzo Alvarez y su Orquesta, la Típica Orrego o la de Neneco Norton y los Caballeros del Ritmo. Luego con la proliferación de radioemisoras y la difusión de ritmos internacionales hizo que aparecieran las orquestas mixtas “Típica y Jazz”. En la Típica -dice el maestro Luis Szarán- utilizaban violines, bandoneones, piano vertical, contrabajo y cantante. Al pasar a grupo de Jazz, que eran los mismos músicos, se cambiaban de indumentaria y se incorporaban trompetas, saxo o clarinetes, piano eléctrico, guitarra eléctrica, batería y bajo eléctrico, como la Casablanca Jazz de Carlos Villagra, Athos Bernal y sus Estrellas Paraguayas del Jazz, la Orquesta de Jazz de Kurt Lewinson, Alberto Evans, los Yesterboys, Papi Barreto, Thide Smith y sus Cinco. También son recordados la San Louis de Rodolfo Vázquez, The Jokers, de Luis A. Torreani; la Big Boys Serenaders (Los Jóvenes Grandes Serenateros) de Benjamín Benza, con Nery Bedoya como cantante, el guitarrista Edgar “Chongo” Báez Recalde, el compositor, arreglador y tecladista Antonio Medina Boselli y el saxofonista / flautista Ernesto “Chulo” Bigordá. La Big Boys Serenaders fue creada por Politeo “Thide” Smith y tuvo varias conformaciones, entre quienes están los ya mencionados y otros como el Dr. Milciades “Pequeco” Cabrera, el también doctor Carlos “Baby” Báez Rehnfeld y Gumersindo “Piteca” Rojas, quienes actuaban de fines de los cincuenta e inicios de los sesenta en los mejores salones de Asunción. Kike Krona también formó parte del grupo como

cantante en su última época. El gran violinista Lorenzo Alvarez y su Orquesta de Ritmos Internacionales, innovó el repertorio al crear las selecciones de polkas, logrando imprimir un toque vibrante y emotivo en sus exitosas presentaciones a lo largo y ancho del país a principio de los 60. A estos siguieron otras agrupaciones como Los Latinos, The Premiers, el Columbia Jazz, Los Teenagers, Los Ritmos del Caribe, Los Estudiantes, Ambassador, La Baby Jazz de Rudy Heyn, era la banda de twist formada por niños en la que Riolo Alvarenga con 10 años tocaba la batería y Gerkin Daniel de 8 hicieron sus primeras armas en la música. Hacia fines de la década del 60 las orquestas comienzan a introducir los primeros instrumentos electrónicos, con el primer órgano electrónico incorporado por los Hobbies de Werner Förster, y la nueva tendencia de interpretar las canciones en inglés. Se dió comienzo así a una especie de “guerra tecnológica” en la que los principales grupos que animaban fiestas, debían contar con los equipos más sofisticados, instrumentos y sistemas de amplificación de última generación. Similar situación se presentó con el repertorio, llegándose al extremo de que aquellos grupos que imitaban mejor las versiones originales, resultaban ser los más cotizados. En ese clima en el año 1970 se logra realizar el “Primer Festival Beat del Paraguay”. Toda la movida musical pop se aprestó a participar de esta primera manifestación masiva de la música beat y pop en el Paraguay; el festival se realizó en el viejo estadio Comuneros y estaba dirigido por el conocido locutor Arturo Rubín. Participaron 30 grupos nacionales, entre orquestas y grupos de la escena underground, de donde saldría años después toda la movida rockera. El primer lugar se lo llevó The Vips, un cuarteto que en las noches tocaba en la conocida discoteca Mau Mau (una especie de “la Cue-

va” paraguaya). El grupo tocaba éxitos de Creedence, Stones, Beatles, Animals y algunas canciones propias. El segundo lugar se lo llevaron Los Aftermad’s que eran el preferido del público y los medios de prensa. Y eso fue todo, tras el festival Los Vips se desmembraron y la escena beat dio paso a otros estilos. Pero para salvar del olvido a este hito histórico del rock nacional, se logró editar un LP en el sello RCA de Argentina en agosto de 1970. Se incluyó a ocho de los mejores grupos, entre los que figuraban The Vips (“Date prisa”), Aftermad’s (“Reflejos del Silencio” y “Espacios de Ilusión”), Les Escarbots (“Queriendo Olvidar”), Los Mau Mau (“Hippie Soy Yo”), Los Relámpagos (“Un nuevo día”), Super Equipo 87, Los Harmonys y Los Topos.

Club Alemán, el Sajonia o el Centenario, con gran aceptación en la gente joven de todo el país. Aunque muchos “rockeros” de hoy menosprecian a estas agrupaciones por ser “ultracomerciales”, son sin duda la base fundamental del rock nacional, no sólo por ser uno de los eslabones importantes de nuestra música popular sino por la gran calidad de los músicos que participaron en ellas. Con el nombre de The Ravens, nació en 1966 una orquesta formada por José Marín, Jorge Larán, Andrés Alsina y Carlos Báez, a quienes se sumaron en 1967, Raúl Fusilo y Pastor Centurión. Ese año también adoptaron una nueva denominación con la que pasaron a la historia, The Aftermads, aunque sus actuaciones no iban más allá de fiestas domiciliarias y cumpleaños. En 1968, se retiraron nuevamente Fusilo y Centurión, siendo reemplazados por Ricardo Candia y John Balwin, y empezaron a actuar en clubes como el Mau-Mau, muy de moda entonces, y a participar del Primer Festival de Música Beat, realizado en el estadio Comuneros, en el cual consiguieron un debatido segundo puesto, ya que al jurado les convenció más Los Vips. En 1973 se sumó al grupo

Los Aftermads en 1980.

Las Orquestas “bailables” Hacia finales de los años 60 y principios de los 70 el panorama musical en el Paraguay se vería ampliado y la gran mayoría del público joven se sintió más identificada con el pop extranjero y bailable que con el jazz o las orquestas folklóricas, así nacen las legendarias orquestas de baile. Dichos grupos tenían un repertorio propio, pero combinaban con éxitos pop de grupos en boga para animar fiestas en clubes y colegios, como el 409

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Los bailes en los clubes sociales como el Alemán, el Sajonia o el Centenario, era la forma en que la juventud se sentía libre de las ataduras de una sociedad apática y autoritaria. (fotos de abc color).

Los Hobbies en los años 70. (foto abc color). 410

Lobito Martínez y Candia y Balwin fueron reemplazados por Oscar Elizeche y Fernando Velázquez. También formó parte del plantel el recordado compositor y vocalista Rodolfo Kramer, recientemente desaparecido. Algunos de sus temas más recordados son: “Siembra de abril”, “Días” y “Color de universo”. Luego de varios simples, lanzaron su primer LP en enero de 1978, “After the Battle”. Luego publicaron “Vivamos el Show” (1979), “Sensaciones reales” (1981), “Honey”, entre otros discos. Otra importante orquesta de esa época fue Los Hobbies, conjunto musical formado en 1964 y que tomó ese nombre porque sus componentes se reunían a tocar música por “hobby”, todos los sábados a la noche, en el Club Alemán. Los componentes originales de esta orquesta fueron Werner Förster, Gerardo Müller, Carlos Fingst y Fritz Vollrath, a quienes luego se sumaron Carlos Strubing, Alfredo Wentzensen, Juan Carlos Facetti, Ernesto Britos Bray, Oscar Cabrera y Nino Pereira. Con el correr de los años, los músicos originales fueron siendo reemplazados por otros, hacia 1974 se formó con Emiliano Aiud (guitarra), Víctor D’Stefano (batería), Fredy

Pérez (bajo) y Emilio García (cantante); posteriormente se sumaron Luis Alvarez, Tommy Centurión y Juan Carlos Rojas (tecladista). También formaron parte de Los Hobbies uno de los mejorers bajistas del país, Nene Salerno; Riolo Alvarenga, Charly Meyer y Cachito Verdecchia, entre otros. Algunos de sus discos son “Gaviota”, “Soledad”, “Qué se hizo de ti”, “Jesucristo”, entre otros, pero sus temas más recordados son de la década del 80 como son “San Bernardino”, “Mi Paraguay”, “Una estúpida idea”, “Yo quiero el corazón de María” o “Ni frío ni calor”. Los Hobbies se separaron en 1999. Otro grupo con repercusión fueron Los Foxies (ex Relámpagos) con Julio Centeno (guitarra), Abillio Rolón (teclados), “Pompe” (bateria), “Yagua Piru” Fernandez (cantante) y Gustavo Díaz (bajo). El Super Equipo 87, llamado así porque desde los Estados Unidos habían venido 87 instrumentos y rios destinados al grupo. Adolfo Monges, en aquel entonces músico de la banda, sugirió a los demás ponerle ese nombre, ya que tenían contrato, pero no nombre para promocionar en las fiestas. Los otros integrantes originales del grupo fueron Ricardo Orrego y Tito Orrego, Rubén Antonio Gómez, Lucho Brosa, Adolfo Monges y Riolo Alvarenga. Los Tommy’s Superstars contaban con uno de los mejores bateristas nacionales, Victor “Toti” Morel (también tocó en Equipo 87), también el gran showman Dany Durand como voz principal, el genial guitarrista Carlos Candia y José Carlos Mendoza, en teclados; la cantante Valencia también pasó por los Tommys como cantante hacia 1977-78, antes estuvo en otra recordada orquesta Shamba Show conformada por Lobo Martínez, Gerkin Daniel y Jorge Cáceres. Abraxas era un grupo más “under” orientado hacia el rock de Led Zeppelin o Deep Purple, incluía a Pecos Sandoval en guitarra, Gustavo “Cheval” Caballero

también en guitarra y Corbeta en batería; Los Pussycats de los hermanos Barreto, formó escuela. Los Búfalos, formados en 1968 con Luis Almada, en primera voz y segunda guitarra, Félix Mendieta, en primera guitarra y segunda voz, Luis Mendieta, en bajo, y Nicolás Duarte, en batería. El nombre del grupo surgió de un recuerdo que tuvo Félix cuando la revolución de Santo Domingo en 1958, vinieron a llevar “prestados” a soldaditos paraguayos, que eran llevados en aviones Hércules y Búfalos. El grupo tiene 36 años de actividad haciendo rock clásico, además de composiciones de su propia autoría dentro del mismo género. Otros recordados grupos fueron los Underground, los Tauros de Caacupé, los Gypsys, Los Freedom, Los Bravos, que lo integraban Alcides “Rock” Parodi (Alcy Rock) y Ramón Domínguez (Rando); y por supuesto Los Jokers, quienes además de música bailable y divertida, hacían una excelente fusión de Afro Soul, Jazz, Rock y Pop. Se habían iniciado en 1962, con el doctor Telmo Aquino, Lovera y Palito Miranda. Por aquella época Kike Krona entró como baterista y cantante. Gladis Cañete cantaba en el grupo, pero ella se estaba retirando, por una cuestión particular. En ese entonces los Jokers lo conformaban Hugo Nacimiento, en la guitarra; Angel Fanego en batería,

Harry Arriola en la trompeta, en el bajo Hugo Lonjaric y piano Coco Vera. Muchos otros pasaron por los Jokers: Kuki Rey, Lobito Martínez, en teclados; Lobo Martínez, Oscar Fernández, Fernando Granada, que era todo un showman, etc. Los Jokers incrementaron su fama con la entrada de Miguel Angel Bernardes, allá por 1968, con su “Aeropuerto”, lo que les llevó a entrar en uno de los exclusivos clubes capitalinos, prácticamente como orquesta estable. Los años 60, 70 y 80 fueron la época de oro de las orquestas. Después del año 1980 incursionaron las discotecas con sus correspondientes Disc Jockeys, así aparecieron: Disc Jockey Show (de Rubén Rodríguez), Fantasía ( de Ricardo Rodas Vil), Hola Música, con Bruno Masi, Lennon Record, de Mario Ferreiro, Metropolis Sounders, Stylus, etc... Esa situación obligó a las orquestas a buscar actividades alternativas. Hoy en díalas orquestas de baile siguen animando espectáculos nostálgicos y llevando su alegría y diversión a las nuevas generaciones, uno de los grupos que precisamente llevan esa consigna es la Retroband, formada hacia el año 2000, esa integrado por Nene Salerno (bajo), Luis Alvarez (teclados y dirección 411

LA ERA DEL ROCK

Los Teenagers paraguayos, hacia 1959 hacían bailar a los asuncenos al ritmo del rock and roll y luego del twist.

Los Tres Sudamericanos en 1959, presentandose en Radio Comuneros.

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musical), Emilio García (voz y guitarra), Zenón Vidaurre (guitarra), César Cipolla (batería) y como invitado Kike Krona, vocalista.

tuno. En 1969 modificaron su nombre a Team Agers y firmaron con Music Hall, obteniendo gran éxito en Argentina con “La Piba del Minishort”.

Grupos y Personajes

LOS 3 SUDAMERICANOS: Trío formado en 1959 por Alma María Vaesken, Casto Darío Martínez y Johnny Torales. Este último había sido enviado siendo niño por su familia a Buenos Aires, para que cursara sus estudios. Comenzó allí su carrera musical y regresó luego a Asunción. Grabó como solista un par de LP, uno con la orquesta de Lucio Milena y otro con la Orquesta Nóvel, para el sello Guarania. Cantaba temas paraguayos en guaraní y castellano, y también versiones en inglés de temas popularizados por Frank Sinatra y Bing Crosby. Casto Darío se destacó desde niño como intérprete de armónica y luego se volvió a la guitarra. En 1956 integró en Asunción el quinteto The Harmony Club. El grupo debió disolverse por oposición de los padres de sus integrantes, y cuatro de ellos volvieron a sus estudios. Darío, en cambio, se decidió por la música. Alma María era una quinceañera estudiante de magisterio, conocida de Darío, que solía tocar el piano y cantar en fiestas familiares. Darío la presentó a Johnny Torales y pronto se inició un romance entre Alma María y Johnny. Los tres grabaron un acetato para regalar a un tío de Alma, con “Las Mañanitas” y “Nochecita Enamorada”. Johnny llevó una copia a una radio y comenzaron a sonar los temas en las emisoras asuncenas. Aún el trío no tenía nombre, y la gente comenzó a conocerlo como “El Trío Fantasma”. El nombre de “Los 3 Sudamericanos” lo adoptaron cuando fueron convocados por Columbia Argentina para grabar en Buenos Aires un LP, con gran suceso, aunque en Paraguay recibió algunas críticas porque los temas tradicionales paraguayos fueron interpretados con arre-

LOS TEENAGERS paraguayos, el grupo formado en 1959 por Lucho Brossard (guitarra), Juan Carlos Avila (voz), Adolfo Monges (teclados), Carlos Alvarenga (saxo), Gustavo Barrios (bajo) y Ruben Antonio Gomes Achón (bateria y voz). Se separaron después de grabar un LP para Disc Jockey en 1964, en el que interpretaban clásicos como “El Rock de la Carcel” o “Angelito”, temas de The Beatles y polcas paraguayas. Regresaron en 1967 para un nuevo LP, en el sello Nep-

glos modernizados. Decidieron radicarse en Argentina, pero antes de viajar Alma y Johnny debieron casarse, ya que ella era menor de edad. Ya instalados en Buenos Aires se presentaron en teatros, radios y televisión, y registraron varios LP, entre ellos “El Cantar de Sudamérica”, que incluía una versión cantada de “Pájaro Campana” (tema instrumental tradicional al que Eduardo Rayo compuso una letra especialmente para el trío). Los temas de Los 3 Sudamericanos se difundieron por toda América y tuvieron muy buena repercusión en España. Después de tres años en Argentina el trío firmó un contrato para tres meses de actuación en España, adonde arribaron a mediados de 1962. Rivalizaron con otros conjuntos y solistas por hacerse con un puesto privilegiado en las listas de éxitos, y lo consiguieron. El éxito que lograron fue tan grande que desde entonces han residido en ese país, grabando hasta 1964 para CBS y luego para Belter. Casto Darío regresó al Paraguay en 1985, reemplazado por Daniel Barrera y desde 1990 al presente por Dioni Velázquez.

se dedicó a la música popular. En 1965 fundó en Asunción el conjunto Los Blue Caps, agrupación que alcanzó los más altos niveles de popularidad, en Buenos Aires, Argentina donde se estableció por más de una década. Se presentaban periódicamente en clubes y boites, combinando temas propios con covers y cantaban en castellano. Música para bailar sin mayores pretensiones, con la formación característica del beat: bajo, batería, guitarra y órgano. Entre sus integrantes figuraban: Rodolfo “Rudy” Heyn Micheletto en piano, Carlos “Charly” Gómez Solalinde en guitarra, Gustavo “Panchi” López Moreira en bajo, Rolando Percy en voz, Kuky Caggia en batería y por supuesto Aníbal Riveros en guitarra. Editan tres LPs con una docena de temas cada uno. “Dejame Mirate” en 1969, “Cuando te Miro” en 1970 y “Sensacional eres tú” en 1971. Disuelto el conjunto, Aníbal Riveros integró varias agrupaciones, y en 1978 fundó el sello

LOS BLUE CAPS: Aníbal Riveros, compositor y arreglador, nació en Paraguarí el 1 de abril de 1945. Desde muy joven 413

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discográfico Blue Caps. Es autor de unas 50 composiciones, la mayoría, canciones de éxito como: “Volverás mi amor”, “Déjame mirarte”, “Pronto te arrepentirás”, “Sensacional eres tú”, y otras.

“Rudy” Heyn en su juventud militó en varios grupos y fue el primero en construir una guitarra eléctrica en el Paraguay.

“Papi” Barreto, fue uno de los baluartes del jazz y maestro de numerosos músicos paraguayos.

RUDY HEYN: Nació en Villeta en 1929. Su verdadero nombre es Rodolfo Heyn Cartes. En 1945 se inició profesionalmente como integrante del conjunto folklórico de Andrés Filippi Costa. A los 14 años formó parte del Coro Polifónico del maestro Herminio Giménez y al año siguiente organizó su primer conjunto. Luego se sumó a la orquesta de Galeano Morel con la que estrenó la primera guitarra eléctrica fabricada en el Paraguay. Durante la revolución de 1947, viajó a la Argentina, como integrante del conjunto de Diosnel Chase. Regresó al Paraguay en 1949 y se integró a la orquesta “Los Caballeros del Ritmo” de Neneco Norton. En 1951 formó el grupo “Rudy Heyn y su Conjunto de Jazz”, integrado en su primera época por Pedro Burián, Tyde Smith, Adolfo Vallejos, Paco Gómez y los cubanos Eugenio y Germán Cubas. En 1951 con su grupo Swing, consiguió 20 años de sucesos ininterrumpidos. En 1960 creó la célebre Baby Jazz, con Riolo Alvarenga, Gerkin Daniel, Zenón Vidaurre y Mickey Heyn. Es autor de las canciones premiadas: “Asómate” y “Sueño Fugaz”, además de “Con M de Madre”, “Amor que se fué”, “La nube y tu vida”, “Ven a mí”, “Tuyo” y otras. En los últimos años se dedica a la docencia, formando a centenares de guitarristas y publicó varios volúmenes con su método de guitarra. LOS IODIS: Dirk y Jörn Wenger: Este duo de hermanos, hijos de alemanes, se hicieron llamar IODI por las iniciales de sus nombres. Fueron pioneros en Paraguay al armar un estudio de grabación donde ellos sobregraban los intrumentos

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y sus voces, usaban sintetizadores mini moog, toda una novedad para la época. No pertenecían a la onda “under” ni tampoco conformaron una orquesta “bailable”, pero sí eran respetados en el ambiente musical. No hacían presentaciones en vivo pero si grabaron bastante material, en su propio estudio y también en Argentina, donde fueron contratados por el sello EMI-Odeon. Vivían en Asunción y solo viajaban para grabar. Su primer material aparece en 1971, un single con el nombre de “Iodi” y empiezan a grabar sus canciones en películas de 16 mm, al modo de los modernos video-clips. Entre otros, publican los simples “Despierta”, “Luna Amarilla”, “Bonjour Tristesse”, “Besa primero a la madre”, etc. Mas tarde se publica su primer LP “Pops de Vanguardia”, editado por Philips/Phonogram de Argentina, compuesta integramente de temas propios y en inglés, pues la intención era impulsarlo para las ventas afuera del país. Hacia 1974 cambian al sello EMI y lanzan su simple más exitoso, la balada pop “Yo pienso en tí” / “Dime porqué”. PAPI BARRETO: Wladimir Barreto, más conocido por todos como “Papi” nació en Asunción en 1933. Trompetista, compositor, arreglista y director de or-

questa, Papi marcó su paso en el ambiente, como uno de los grandes referentes en los años de gloria de las orquestas bailables y el jazz. Hijo de padre músico, Papi integró la Típica Barreto (dirigida por su padre Fortu-i Barreto) y fue, junto con su hermano, el baterista “Nene”, uno de los grandes difusores del jazz. Tocó con Neneco Norton y fundó la Habana Jazz. Dirigió a las Estrellas Paraguayas del Jazz, y se instaló en Buenos Aires, donde se perfeccionó e integró varias agrupaciones. A su regreso en 1971 creó la “Orquesta Papi Barreto y Los Millonarios”, y luego a “Los Pussycats” de gran trayectoria en el campo de la música bailable y por donde pasaron Toti Resquín, Juan Carlos Facetti y Zenón Vidaurre, entre otros. Los Pussycats era como una escuela de música, porque el que entraba ahí iba a aprender. Papi siempre sobresalió en el ambiente de las orquestas y del jazz, fue muy renombrado en su tiempo, de una categoría de primera. Siempre se hablaba de Papi Barreto y Los Millonarios. Fue un paradigma de la música jazz, con su hermano Nene, lejos el mejor baterista que tuvo el Paraguay. En los últimos años enseñó en el Conservatorio Nacional de Música, falleció en 2005. ALMED: Alfonso Medina el popular “Almed” fue director de Los Impagables Angeles, grupo que tuvo mucho éxito entre los años sesenta y setenta. El grupo grabó un disco a mediados de los sesenta en el estudio de la antigua radio Chaco Boreal que dirigía Gerardo Torcida en aquella época. El grupo había grabado una serie de canciones en una noche, en forma directa, pero faltaba una para completar el disco. Entonces grabaron “Soy algo fácil de olvidar”, que originalmente es una canción norteamericana, a la que Roberto Yanés le daba su toque particular, y que Los Impagables hacían con sus

propios arreglos, más dentro del estilo beat de la época. Esa canción que entró de relleno se convirtió en el éxito del grupo. El tema fue rescatado hace unos años para ser incluido en la película “Miramenometokei” (2002) de Enrique Collar, y fue reversionada por Rolando Chaparro, en un formato más pop. Medina también es el primer luthier de guitarras eléctricas en Paraguay. Asimismo, se ha dedicado a la construcción de bajos y de baterías. En los años de oro de las orquestas, reparaba los instrumentos de los músicos, además de construir instrumentos sobre pedido. Hoy está retirado del mundo de la música.

El Rock & Roll en la Madre Patria El rock and roll arrasa España cuando llegan los discos mexicanos, especialmente de los Teen Tops, pero al contrario de lo que se cree, no es del todo cierto que los mexicanos fueran los primeros en cantar rock en español, ya antes lo habian hecho El Dúo Dinámico a finales de los 50 y a principios de los 60; Bruno Lomas con Los Milos y Los Pantalones Azules, estos dos de Valencia, ademas del rock and roll al estilo italiano con Los Pájaros Locos de Barcelona (pero la norma era que el rock se cantaba en inglés). Enseguida los españoles se pusieron a rockear en castellano, sorprendiendo a la masa juvenil con un nuevo ritmo y expresiones propias, enfrentando a la dura moral franquista.

El Dúo Dinámico El Dúo Dinámico, nace como tal en Barcelona en 1958 y eran dos adolescentes locos por la música y la ingeniería: Manuel de la Calva y Ramón Arcusa. La primera actuación ante público ocu415

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El Dúo Dinámico alcanzó un extraordinario éxito sin precedentes en España, sus discos y cualquier cosa que tuviera sus fotos se vendían como agua. Aquí vemos una postal donde aparece el Dúo junto a otra cantante española de gran éxito “Marisol”.

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rre en el programa “La comarca nos visita” de Radio Barcelona. Ellos quieren llamarse “THE DINAMIC BOYS” pero el presentador del programa, Enrique Fernández, dice no saber inglés y los presentará como “DÚO DINÁMICO”. Ellos aceptan el nombre y así queda. Ése día, firman los primeros autógrafos. Despúes de varias actuaciones en radios y shows, en el verano de 1959 reciben su primer contrato para cantar en un conocido restaurante. Al final del verano dejan su

trabajo en la empresa industrial para dedicarse por completo a la música. Graban su primer disco en el otoño de 1959, “Little Darling”, “Cowboy”, “Alone” y “Recordándote” forman un EP que rápidamente alcanza gran difusión en la radio y casi inmediatamente, grandes ventas. Las máximas ventas posibles, ya que en la España pobre de final de los 50 no habían casi tocadiscos. En el 2º disco que graban, su primera canción: “Linda muñeca”, obtendrá otro gran éxito. A partir de entonces, los nombres de De la Calva/Arcusa, ya como autores, figurarán en casi todos sus discos. El fenómeno de las fans está latente en todo el mundo. Elvis y Paul Anka en EE.UU. y Cliff Richard en el Reino Unido, despiertan la locura entre las chicas mas jóvenes. El Dúo tiene también suerte en eso. Cantan un tipo de canción con un estilo nuevo, casi revolucionario, dicen cosas para los jóvenes por primera vez en este país, su vestuario es informal, y los jóvenes se identifican con ellos. “Quince años tiene mi amor” hace estragos. Todas las “teenagers” del país tienen la fotografía o un póster del Dúo Dinámico en sus habitaciones. Los clubes de fans del DD se forman de una manera espontánea por toda la geografía, y allí por donde van a actuar, desatan las emociones de las colegialas y las iras de los padres, que no entienden lo que pasa. Más y más discos ocupan los primeros lugares de las listas de éxito con cada canción que graban. Salen en la portada de mas de 200 revistas. La editorial Bruguera, lanza un comic con el D.D. que alcanza la tirada de casi 100.000 ejemplares semanales. En giras por América actúan mano a mano con los grandes de entonces: Los Platters, Chubby Checker, Lucho Gatica... y filman cuatro películas como protagonistas. El Dúo se hace imprescindible en los festivales de canción que se prodigan por toda España.

La historia de Manuel de la Calva y Ramón Arcusa, el Dúo Dinámico, es sin duda, una historia fascinante y atípica. Hijos de familias humildes, (vascos y aragoneses respectivamente), encontraron en su Barcelona natal todo lo necesario para el éxito, que exportaron inmediatamente a toda España y Sudamérica.

Hacia 1972 el Dúo decide retirarse. El último disco grabado en Londres, con todos los medios posibles y hasta con la colaboración del productor de los Beatles, George Martin como asesor, no tiene el éxito de ventas al que estaban acostumbrados, y deciden dejar el negocio. La música va por otros derroteros. En España soplan los vientos de protesta, preludio natural de un cambio político, y nacen por doquier cantantes de música folk y de protesta. itiendo el cambio, y desplazada la música de diversión de su sitio, el Dúo Dinámico se va, pero no para siempre.

Miguel (Mike) Ríos Sin Miguel Ríos, es imposible entender el rock español. Nació en Granada en

1944. De adolescente encontró trabajo en el departamento de discos de unos grandes almacenes, donde se acercó a una música que nunca abandonaría: el rock and roll. Todo fue muy rápido. Se presenta en un programa de Radio Granada, graba una cinta de demostración como cantante y viaja a Madrid para realizar su primer disco. Era 1962, tenía 17 años y le dieron 3.000 pesetas. Era Mike Ríos, “el rey del twist”. En el disco, un rock: “Pera madura”, del italiano Pino Donaggio, comenzaba la historia del rock español. Una historia que continúa a comienzos de 1963, cuando debuta en las legendarias matinales del Circo Price junto a Los Relámpagos. Durante la década de los 60 llegaron canciones en clave rock como “Popoti417

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Miguel Ríos, figura fundamental de la historia del rock español. Su versatilidad le condujo por diversos caminos, desde el rock and roll de los inicios, coqueteos con el pop y el twist y la canción iberoamericana hasta volver a su gran amor, el rock.

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tos” (1962), “La pecosita” y “Da-do-ronron” (1963) o “El rock de la cárcel”, mezcladas con ritmos del momento (Twist, Madison, Locomotion), tendencias USA (Surf), canciones sas (“El ritmo de la lluvia”). También italianas (“Oh mi señor”), bandas sonoras de películas (“Serenata bajo el sol”), acercamientos a Los Beatles (“Yesterday”), versiones de clásicos (“Unchained melody”) y retor-

no a los orígenes (“Vuelvo a Granada”). Después de esto deja el rock para experimentar con la canción romántica, lo que no le será de mucho provecho durante años, hasta 1969. Ese año, Miguel Ríos publica el single “Himno a la alegría”, una adaptación del cuarto movimiento de la 9º Sinfonía de Beethoven dirigida por Waldo de los Ríos. En la cara B del single, una canción de Jimi Hendrix. Vendió siete millones de discos en todo el mundo, copando los primeros lugares de las listas de éxitos en Estados Unidos, Reino Unido, Francia, etc... También en 1969, Miguel Ríos publica su primer LP después de alcanzar un buen número de éxitos con sus EP y singles. En 1972, comienza a abrir brecha creando una nueva infraestructura para el rock español con sus “Conciertos de rock y amor”. En el repertorio de esta gira y del disco, clásicos como “Hound dog”, “Tutti frutti” y “Rock de la cárcel”. Miguel Ríos vuelve a los orígenes. En 1979, Miguel Ríos saca “Los viejos roqueros nunca mueren” y en 1980 con “Rocanroll bumerang” (disco de oro y “Santa Lucía” como canción tótem) y, sobre todo, el doble LP “Rock & Ríos” (1982), que vendió 400.000 ejemplares, situó el rock español en el ámbito internacional en todos los aspectos. Un año más tarde llegó “El rock de una noche de verano”, con vocación antinuclear y una gira de 32 conciertos multitudinarios. La vocación latinoamericana

Gracias a su talento y calidad Miguel Rios ha perdurado durante décadas, dando fundamento al dicho: “Los viejos rockeros nunca mueren”.

y solidaria de Miguel Ríos se puso de manifiesto en 1986 cuando organizó los primeros “Encuentros de Rock Iberoamericano”. Durante tres días, actuaron en el Palacio de los Deportes (Madrid) lo mejor del rock mexicano, argentino, chileno, brasileño, venezolano y español, ofreciendo por primera vez al público español la oportunidad de acercarse a artistas sepultados por el poderío económico del rock anglosajón. Fue una apuesta impagable por la identidad latina, que todavía hoy continúa dando frutos. En 1996 el artista granadino regresó con “Como si fuera la primera vez”, su primer disco para Virgin Records España, un producto irable lleno de frescura y de madurez interpretativa. En mayo de 1998 lanza Rock & Ríos Records, sello independiente que crea un espacio en el que respira el rock en todos sus mestizajes y estilos, siendo la latinidad su territorio. Este mismo año durante la gira con su Big-Band, grabó en el Teatro de la Maestranza de Sevilla su nuevo disco, BIG-BAND RIOS y realiza otra enorme gira por Latinoamérica en 1999. Miguel Ríos entra en el estudio después de cinco años para hacer un disco con algunos

compañeros que forman parte del firmamento del Rock Latino. “Miguel Ríos y las Estrellas del Rock Latino” es el título que lleva este nuevo álbum que contiene nueve colaboraciones con Joaquín Sabina, Manolo García, Rosendo, Fher (MANÁ), El Tri, Aterciopelados, La Ley, Charly García y Fito Páez además de tres temas inéditos.

The Rocking Boys Finalizando la década de los cincuenta, aparece uno de los grupos pioneros dentro de la nueva ola musical que se estaba desarrollando, The Rocking Boys, se originó en un pueblo cerca de Cádiz, en el Campo de GIbraltar. Después de muchos ensayos, José Gómez (guitarra y voz), Ricardo Oliveira (bajo y voz) -antes y por un breve período estuvo Pepe Belizón-, Carlos Jaime (piano y saxo) y Agustín Martínez (batería y voz solista), deciden lanzarse al ruedo musical y co419

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The Rocking Boys tocaban rock and roll y calypso, slow rock y otros géneros de moda a pincipios de los años 60. Tenían fama de dar un gran espectáculo. Saltaban a la pista y enseñaban a bailar a la audiencia los nuevos ritmos. Desbordaban simpatía y además, sonaban muy bien en directo. Como decían en “Twist Sensacional” -su primera grabación- “¡¡Hey, Rocky, os va bien este ritmo del twist!!”.

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mienzan sus  presentaciones por Andalucía, hasta que en una presentación en Ceuta, José Garzón (una especie de Coronel Parker andaluz) se convierte en su manager. Les ofrece un contrato y en 1961 aparecen en el “Primer Certamen Internacional de Conjuntos Españoles” en Madrid, logrando un honorable segundo lugar, junto a Nelo Costa, Los Pekenikes, Los Telco y otros. Ya con cierta experiencia, sus apariciones en Madrid y Barcelona son repetidas, viajan a Portugal, Francia y Marruecos y en 1962 la casa Belter decide ficharlos para sus primeras grabaciones. En la mitad de de la década de los sesenta, la disquera comenzó a imponerles temas y estilos que no ayudaban a mejorar su competitividad nacional; pero el grupo no se detuvo y con temas como “El Bicile” siguieron adelante con sus apariciones en festivales, cosa que los estaba condenando al fracaso, independientemente de su gran calidad y excelentes trabajos en vivo.  Después de varias formaciones, que crearon inestabilidad, la falta de una casa discográfica de envergadura y la carencia

de temas propios, pusieron punto final al grupo en octubre de 1968. Durante los años de trabajo dejaron sesenta y cuatro canciones, que se recogieron en dieciséis EP, hoy difíciles de encontrar. La formación inicial de la banda fue José Gómez, guitarra y voz, Ricardo Oliveira en el bajo y voz, Carlos Jaime en el piano y el saxo y Agustín Martínez batería y voz solista.

Los Pekenikes Los Pekenikes grupo pionero del pop en España, empezaron muy jóvenes, pues todos habían nacido alrededor de 1945 y solo contaban con quince años en sus inicios, por lo que les llamaban “peques” y de ahí el nombre de Pekenikes.     El grupo Los Pekenikes se formaron en Madrid, en Marzo de 1959 y ya para el siguiente año salio al mercado su primer trabajo donde incluyeron temas instrumentales como “Madrid” de Agustín Lara y “Apache” de Lordan. En 1962 apareció su segundo trabajo discográfico donde solo incluyeron covers, y no es hasta 1964 que apareció su primer trabajo vocal propio titulado “Eso Fue Tu Amor”. Este año también  con otro arreglo en este caso de un tema popular logran un disco de oro y fue con “Los Cuatro Muleros”. Este éxito fue un gran paso de avance para ellos. Esta fue su primera etapa discográfica aunque sus

Sin duda, Los Pekenikes, fueron los reyes de la música instrumental y de los pocos que se dedicaron a este trabajo junto a sus competidores más cercanos que fueron Los Relámpagos.

integrantes iniciales Eddie Guzmán vocalista y batería, Ignacio Martín Sequeros en el bajo, Lucas Sainz en la guitarra, Alfonso Sainz en el saxo y Tony Luz en la guitarra fueron de los mas estables, pues ya Juan Pardo, Junior, José Barranco y Pepe Nieto habían partido. Siempre trataron de mantener un vocalista, pero finalmente en su segunda etapa como instrumentistas también fueron excelentes. Esa etapa comenzó en 1966 y de ese año es su mejor tema “Hilo De Seda”, en o con el cine y fueron autores de temas musicales para películas como “Los Chicos Del Perú” en 1967,   y en 1970 “La Tonta Del Bote”. Esto les pareció poco y también crearon su sello discográfico bajo el nombre de “Guitarra”. Como otro dato de interés  en 1983 se realizó un concierto llamado “Ahí Viene La Plaga” con artistas formados en los primeros años del rock en España. En 1996 apareció el último CD de Los Pekenikes.

Los Bravos que se publicó incluso en Estados Unidos, México y en países de Europa llegando al numero uno.  Más tarde apareció “Sombras y Rejas”.  Los Pekenikes disfrutaron de gran fama hasta 1969; pero lograron sobrevivir hasta 1973 donde se agotó su formula y éxito y con “El Tiempo Vuela” dijeron adiós, dejando tras de si temas como “Frente A Palacio”, “Robin Hood”, “Hechizo”, “Nostalgia” y otros. El trabajo de Los Pekenikes no solo se centró en hacer su música, sino que también acompañaron a la cantante Karina e incluso para ella escribieron “Ya Verás” y “Amanecer”, además entraron

Se inició en 1966 con de agrupaciones existentes con anterioridad, como Los Sonor (Madrid) y Los Runaways (Mallorca) lo que significaba que sus ya gozaban de experiencia. Sus integrantes fueron: Mike Kennedy (Michael V. Kögel) como voz solista, esto dio un nuevo giro a la música en España, pues introdujeron una voz principal para cantar, además, Mike sabía inglés, era alemán y su figura rápidamente se convirtió en el centro; Manuel (Manolo) Fernández en el órgano, lo que era otra aportación en la música pop de España, pues hasta ese momen421

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Los Bravos se hicieron archi famosos con el tema “Black is Black”, aparecido en 1966, el cual no solo fue éxito en España, sino que además fue número 2 en Gran Bretaña y los USA, siendo el primer grupo de rock español en lograr esta hazaña.

to solo usaban guitarras y batería; Antonio (Tony) Martínez en la guitarra solista; Miguel Vicens en el bajo; y Pablo Sanhelli en la percusión. El grupo debuto con el tema “No se mi nombre”, que los productores utilizaron para lanzar una campaña para hallar el nombre para el grupo. Finalmente de los nombres enviados por los fanáticos se eligió “Los Bravos” El productor del grupo era Alain Milhaud, un francés con experiencia en el mercado musical que preparó una estrategia no usada con anterioridad en el país, pues el sueño de todos era entrar en el mercado anglosajón y lo logró con “Black Is Black” de 1966; pero no fue fácil, pues para esto viajó a Inglaterra y de allá trajo la letra, los arreglos y la música; Los Bravos entraron en el hit-parade inglés por primera vez, hazaña nunca lograda antes por un 422

conjunto no asociado a la lengua inglesa. El tema “Black is Black” se hizo rápidamente popular en España y desplazó a Los Brincos  con su tema “Un Sorbito De Champagne” del primer lugar, esto los condujo a una rivalidad que duró alrededor de un año y en Gran Bretaña y Estados Unidos logró llegar hasta el lugar número dos. Con este tema finalmente lograron disco de oro y platino en varios países y fue el principio y el fin del éxito. Del otro lado del disco apareció la versión inglesa de “No Se Mi Nombre”, bajo el nombre de “I Want A Name”. Ese año también graban el tema “La Moto”. En 1967 la carrera de Los Bravos comienza a sufrir tropiezos pero lanzan su segundo LP y la película “Los Chicos Con Las Chicas” donde se destacaron además del tema homónimo, con un toque melódico y romántico: “Al Ponerse El Sol”, “El Loco Soy Yo”, “Sympathy” y “Te Quiero Así”.   Después de algunos discos sin éxito, ocurre otra desgracia más, el suicidio del tecladista, tras el accidente sufrido la noche de bodas, donde falleció su compañera. Jesús Gluck ocupa el puesto de Manolo y entonces aparecen temas más orquestados, mayormente en inglés y de escasa aceptación que ayudan aun más al declive de la agrupación. En 1969 el golpe mortal lo da Mike al anunciar su salida del grupo.

Los Brincos Nacidos en 1964 fueron una copia de Los Beatles, pero con temas propios. Antes de integrarse en esta aventura musical, algunos de sus ya contaban con experiencia en grupos anteriores. Fernando provenía del grupo Los Estudiantes y Juan Pardo y Antonio (Júnior) Morales de Los Pekenikes. La productora Mariní Callejo no dudo al verlos y estaba convencida de que estos

muchachos podían lograr mucho, y aunque sus versiones inglesas, sas e italianas recorrieron Europa y gustaron, no alcanzaron el éxito de Los Bravos. El primer LP que editaron entre 1964 y 1965 mostró gran nivel musical, junto al conocimiento del pop y el arma fundamental de la agrupación, la calidad de las voces. En este disco aparecieron temas claves como “Cry” y “Flamenco”, donde realizaron una perfecta combinación del pop y la música española. En el año 1965 apareció otro LP de lujo  por dentro y por fuera. Aquí estaban “Walking Alone”, “Borracho”, tratando de repetir el éxito logrado con “Flamenco”, pues era en la misma tónica, “I Try To Find”, “Tu Me Dijiste Adiós”, balada-pop al estilo brinco, y “Mejor”, otro éxito dentro de su sonido clásico. Después de este disco Los Brincos ya estaban en la cima de su carrera en España y logrando éxitos menores en Europa. También dieron importancia al vestuario y en ocasiones para dar a entender su procedencia el uso de las capas fue parte infaltable de su vestimenta. En 1966, tras dos años de total éxito, editan “Un Sorbito De Champagne”, “Renacerá” y “Giuletta”, y aquí empiezan a surgir los primeros problemas internos. Hasta aquí llego una carrera increíble por el éxito logrado en tan corto tiempo. Juan y Júnior deciden tomar otro camino y forman un dúo; pero la inclusión de dos hermanos menores de Júnior, Miguel y Ricky que venían de Los Pekenikes, el grupo resurge con el tema “El Pasaporte” y después “Lola” que fue un éxito dentro de la línea de canción del verano. Con estos temas logran finalizar el tercer LP, titulado “Contrabando” esto ya en 1967. Desde 1967 hasta 1971 Los Brincos lograron mantenerse entre los conjuntos de primera con temas como “Amiga Mía”,

“Las Alegres Chicas De San Diego” y “Nadie Te Quiere Ya”. Otro gran tema antes de decir adiós fue “Vive La Realidad”. Aun no dispuestos a deshacer el grupo, se inscribieron dentro de la música progresiva de los 70 y editaron un nuevo disco en ingles “World, Evil And Body” y en español titulado “Mundo, Demonio y Carne”. Finalmente tras lograr doce temas en primer lugar, dijeron adiós y cada cual tomo su rumbo.

Los Estudiantes Los Estudiantes fueron uno de los primeros grupos que dominaron y adaptaron al gusto español los ritmos del “rock and roll”. En sus inicios, a finales de los 50, Jose Barranco y su amigo Alberto Gosalvez comienzan a hacer música emulando a su ídolo Elvis Presley. Durante 423

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una fiesta en la facultad de Medicina se les acerca Rafa Aracil al que no conocían y les ofrece su guitarra eléctrica para la actuación, instrumento nuevo para todos. Como José Barranco no estaba acostumbrado a las cuerdas de metal, termino la actuación con las manos ensangrentadas, pero el evento fue todo un éxito. Su primera actuación oficial tuvo lugar en Alicante en la sala El Palmeral, allí estuvieron dos meses tocando todas las noches cobrando 600 pesetas por show. Al volver a Madrid entra en el grupo Adolfo Abril que se hace cargo del contrabajo, adoptando así el nombre de

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Los Cuatro Estudiantes y participando en una película: “Pasa la Tuna”, tras la cual Adolfo Abril deja el grupo para seguir sus estudios. En el año 1959 se incorpora Fernando Arbex tocando la batería pasando Jose Alberto Gosalvez al bajo. También entra en el grupo Jose Luis Palacios con su curiosa guitarra en forma de ancla. Con esta formación pasaron a llamarse Los Estudiantes. Actuaron en el programa “Boite” de Radio Intercontinental, también lo hacen en “Cabalgata Fin de Semana”. Su repertorio estaba formado por temas de Chuck Berry, Buddy Holly, Elvis, etc. Cuando Rafa Aracil se va a Inglaterra, su puesto lo ocupa Luis Arbex hermano de Fernando. También en 1959 les surgió un contrato con el sello Philips, grabando así su primer disco, en sistema mono y en una pista. Dicho disco contenía 4 temas: “Ready Teddy”, “La Bamba”, “Whoo-hoo” y “Me Enamoré de un Ángel” un tema inspirado en un romance anónimo del siglo XII, idea de adaptación y letra original de los hermanos Arbex. Ruedan su segunda película, La Corista volviendo al grupo Rafa Aracil y entrando como segunda guitarra Luis Sartorius, y Luis Arbex pasa a tocar el bajo. Graban su segundo disco, que contiene: “It’ll Be Me”, “Guitarra Tango”, “Una Estrella Fugaz” y “Colette”, las dos últimas instrumentales compuestas por ellos mismos. El éxito parece sonreirles y continúan en giras por todo el país. Desgraciadamente poco antes de la Semana Santa de 1964 moría Luis Arbex mientras hacía el servicio militar. Otra desgracia azotó al grupo, Luis Sartorius que volvía a su casa en su Seat 600 tuvo un accidente contra una farola y murió. Así el grupo pionero del Rock and Roll español decidió dejarlo. Fernando comenzó a preparar otro grupo, y José Barranco se unió a Los Pekenikes.

Los Mustang Los Mustang que se habían iniciado en 1960 fueron pioneros de la música pop en España y aunque no lograron una posición preponderante, siempre fueron muy populares. El grupo lo componían Marco Rossi en la guitarra solista, Miguel Navarro con el bajo y Antonio Mercadé en la guitarra rítmica, luego se integran Santiago (Santy) Carulla como voz principal, quien más tarde se convertiría en el centro del quinteto debido a su imagen y profesionalismo. Finalmente la entrada de Antonio Mier en la batería redondeó la formación y ya para 1962 las grabaciones y  ventas lograron un ritmo casi inalcanzable. El primer disco que sacaron a la calle incluía entre lo mas destacado “Quinientas Millas”, una versión de  “500 Miles” de Peter, Paul and Mary. En 1963 destacó “Telestar”, un instrumental repleto de efectos sonoros, algo avanzado para la época, original de The Tornados. Las versiones de temas ses, ingleses e italianos de sus inicios tuvieron muy buena acogida, en esos años destacaron “Yo Que No Vivo Sin ti” (Donaggio), “Mi Vida” (Alain Barriere) y “El Mundo” (muchos consideran esta versión mejor que el original de Jimmy Fotana); pero donde realmente se lucieron fue con la discografía de The Beatles.   En 1964 sacan cuatro discos repletos de versiones de The Beatles y aquí podemos mencionar “Please, Please Me” y “Conocerte Mejor”. En el año siguiente mantuvieron la misma tónica, temas extranjeros convertidos a versiones en español, “Nadie Respondió”, “Un Billete Compró” (The Beatles) y “Capri Se Acabó” (Herve Vilard) entre otras. La versión que realizaron del tema “Submarino Amarillo” vendió 130 mil copias solo en España y eso fue una muestra de su acogida popular. Los Mustang continuaron

su camino de igual forma, acaparando versiones; pero ya comenzada la década de los 70 deciden arriesgar y apuestan fuerte con temas inéditos y dentro de la línea sicodélica, aquí apareció “Mustang, Reino Prohibido Del Himalaya” (partes I y II), estas son canciones conceptuales, donde hablan de civilizaciones avanzadas y anteriores a la nuestra, basándose en las teorías de Horbiger y Michael Peissel. En 1973 expira el contrato con la disquera EMI y ellos desaparecen; pero en la década de los 80 vuelven tras el revival del pop y graban un nuevo álbum donde incluyeron una vez mas a su estilo, versiones de “oldies” y así se han mantenido realizando presentaciones como la de 1998 junto a sus archirivales Los Sirex.  

En el Club San Carlos de Barcelona, se reunían los jóvenes músicos inspirados por la nueva ola musical, allí muchos grupos comenzaron dando sus primeros pasos, entre ellos Los Mustang, que alcanzaron éxito y popularidad gracias a sus excelentes versiones de temas ingleses, especialmente de los Beatles.

Los Sirex Los Sirex, como muchos grupos de Barcelona, nacieron tras darse a conocer en el Club San Carlos y aunque no llegaron a la popularidad deseada, tuvieron el honor de competir con Los Brincos hasta que Los Bravos hicieron su aparición. A pesar de que debutaron con versiones de temas extranjeros, rápidamente incorporaron sus propias composiciones, pues contaron con un compositor muy afortunado. 425

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El quinteto estuvo formado por Antonio (Leslie) Miguel Cervero, como vocalista, Luis Gomis en la batería, José Fontsere en la guitarra rítmica, Guillermo Rodríguez Holgado en el bajo y composición y Manolo Madruga en la guitarra solista, todos de Barcelona.  Junto a la aparición de versiones como “Si Yo Tuviera Un Martillo” (If I Had A Hammer), “Please, Please Me” y “Jambalaya”, aparecieron sus primeros trabajos como fue el caso de “Muchacha Bonita” y “San Carlos Club”, este ultimo dedicado al bastión musical de Barcelona, que era el equivalente a los existentes en Londres, donde la muchedumbre juvenil se apretujaba para ver en vivo y en directo actuar a sus músicos favoritos. Estas primeras grabaciones aparecieron en 1964. Al siguiente año con “La Escoba” y “Que Se Mueran Los Feos”, logran alcanzar su mayor popularidad, la que logran mantener con temas como “Yo Grito” y “Estrella Fugaz” en 1966.  El año 1967 fue otro de 426

buena fortuna para ellos y de esta época son “Brindis” y “Faldas Cortas, Piernas Largas”, un tema inspirado en la minifalda, muy de moda en esos años.     Algo muy destacable de Los Sirex fue que su música no era copia de nadie, pues todo su trabajo fue idea propia y en sus presentaciones en directo  no defraudaban a sus seguidores. A finales de 1967 la magia de Los Sirex comenzó a desaparecer volviendo a los temas extranjeros. De aquí son “Soy Tremendo”, “Fuego’ y “Judy Con Disfraz” versión del tema “Judy In Disguise (With Glasses)”, versiones de una calidad increíble; pero que no sirvieron para devolverlos a la cumbre y se vieron en la necesidad, después de entrar por la puerta ancha, salir por el fondo, despidiéndose con el tema “Soy La Hierba Que Tu Pisas”. En 1978, tras la reaparición de grupos como Los Gatos Negros o Los Mustang, Los Sirex decidieron regresar y hasta el momento han estado activos, presentándose en muchas ocasiones junto a Los Mustang e incluso realizando algunas grabaciones incluyendo nuevas composiciones.

Los Salvajes Hablar de Los Salvajes, es hablar de los Rolling Stones españoles, la respuesta dura, distinta, al sonido de los Brincos, los Mustang o los Sirex, es hablar de una banda que ha dejado alguno de los mejores temas que se escucharon durante aquellos maravillosos años. En 1962, Francisco Miralles (guitarra), su amigo Delfín Fernández (batería) y Gabriel Alegret, que empezó como guitarrista, y acabo siendo la voz, deciden formar un grupo. Poco después se integran Andy González y Enric Canals. Empezaron a tocar sin mucho exito por los clubes de Barcelona, bajo el nombre de The Savages. Finalmente, Enric Canals dejaría el bajo a Sebastián Sospedra.

Poco a poco el grupo empieza a despuntar y durante una de sus actuaciones, un cazatalentos alemán llamado Bernard Schram se fija en estos cinco chicos y les ofrece un contrato. En 1964 graban su primer disco, un EP que incluía “Hoy comienza la vida”, “Nada ha cambiado”, “Con el corazón” y una versión en castellano del tema de los Beatles, “Boys”. Este disco, por medio de Schram, les hizo introducirse en el mercado alemán, país donde estarán durante seis meses, actuando nada menos que en míticos clubes como el Star Club de Colonia, o el Star Palace de Kiel. Durante su primer viaje a Hamburgo, el batería Delfín quien sólo tenía 15 años, tuvo que marcharse y fué sustituido por un baterísta alemán. Al regresar a España, fueron contratados para actuar de teloneros de los Moody Blues en el Palacio de los Deportes, y es ahí, cuando la todopoderosa discográfica EMI los ficha. Los siguientes EP’s de Los Salvajes (ya editados por EMI Regal), fueron todo un éxito. En 1965 sacan un EP que incluía temas como “Siluetas”, versión del “Silhouettes” de los Herman’s Hermits, o “Goodbye my Love”. En 1965 llegó otro magnífico trabajo, el EP “Satisfacción”, que incluía la versión del “Satisfaction” de los Rolling Stones. En 1966, el fantástico grupo catalán sacaría al mercado tres EP’s. En éstos se incluyeron algunos de los grandes exitos del grupo, en el primero, destacan los temas “Todo Negro”, versión del “Paint it Black” de los Stones, “Una chica igual que tu”, de los Troggs, y “Es la edad”. El segundo EP, incluía entre otros, el tema instrumental “Al Capone”. El ter-

cer EP de 1966, estaba encabezado por otra versión de un éxito de los Rolling Stones, “La Neurastemia” (“19th Nervous Breakdown”), también incluía “Soy así”, uno de los himnos de la banda. Entramos en 1967, y encontramos un Ep que incluía otro tema legendario de la banda, “Mi bigote”, uno de sus primeros temas psicodélicos. En 1967, publican también su primer y único LP, donde incluyen lo mejor de lo mejor: “Vivir sin ti”, “Soy así”, “Al Capone”, la simpatica y psicodélica “Las Ovejitas”, “Mi Bigote” y “Todo Negro”.

Los Salvajes fueron la nota dura y tosca del rock español, se alejaron de la canción pop para dominar otro segmento de la juventud más identificada con los Rolling Stones, Los Who, Los Troggs, etc.

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Durante 1968, los siguientes simples de Los Salvajes tuvieron mucho éxito en Latinoamerica, como “Los Platillos Volantes”, “Vuelve Baby” o “Judy con disfraz”. Ya en 1969 publican su último single, “Nana” con “I need your Loving”. Con este ultimo single de Los Salvajes, se avecina el final del grupo, Andy debe ir al servicio militar (siendo sustituido por Fran Mercader), pero la cosa no parece tener solución. En abril de 1970 el grupo se disuelve, Sebastián se va a los Lone Star, Delfín y Andy dejaron la música, Miralles se fué a Los Jóvenes y Gaby se metió a promotor, productor y manager musical.

Micky y los Tonys No podemos dejar atrás los orígenes del rock en España sin mencionar a esta agrupación que si bien no alcanzó

Hablar de Micky y Los Tonys, es hacer referencia a uno de los grupos pioneros del panorama musical español de los 60. 428

la fama de los anteriores mencionados, dejó su huella indeleble. Los integrantes se conocen en el año 1960 en el Club Santiago Apóstol, su debut fue el 12 de Octubre de ese mismo año en el cine Alcalá de Madrid, teniendo siempre como figura estelar a Miguel Angel Carreño, alias Micky, que desde muy pronto es conocido como el “hombre de goma” por sus famosas contorsiones. La formación inicial de Los Tonys estaba compuesta por: Miguel Ángel Carreño ‘Micky’ (voz), Antonio del Corral ‘Tony’ (guitarra solista), Fernando Martín de Argenta (guitarra rítmica), Juan María Fuster (bajo) y Enrique Modolell (batería). Los primeros dos años se llamaban simplemente Los Tonys, pero Micky luego se convirtió, poco a poco, en líder de la banda por lo que el nombre cambió a Micky y Los Tonys. Lograron muy

pronto unos duraderos contratos en la parrilla del Hilton de Madrid y en la base de Torrejón. En 1963 graban su Primer LP, con la discográfica Zafiro, donde tocaron versiones en español de Billy J. Kramer & The Dakotas, una canción principal fue “No me dejes”, donde tuvieron un pequeño impacto en la escena española. En 1964, llegan a la fama con versiones en castellano de The Hollies y canciones propias como “la luna y el toro”. En 1965 siguen teniendo bastante éxito, no solo en España, sino fuera de sus fronteras y, aparte de música, también incursionaron en el cine. Interpretaron “Maratón ye-ye”, filme de Jesús Yagüe, y aquí comenzó su escalada. No sólo la

película es seguramente una de las notables de todo el cine pop español sino que además en ella Los Tonys interpretaron sus mejores temas: “Shala” y “Ya no estás”. Después vinieron “No se nadar”, “La gallina”, “No comprendemos como no somos millonarios” y otras ironías por el estilo. Con el paso del tiempo y las modas, el grupo comenzó a decaer, Micky se dedicaba más a cosas propias y en 1970 se deciden separar. Micky comenzó a ser solista, contratado por la RCA. Canciones como “El Chico De La Armónica” o “Soy Así”, fueron uno de sus primeros éxitos. Una de sus principales canciones “Bye, Bye Fraeulein”, se convirtió en numero uno en varios países de Europa.

ROCK ‘N’ SAMBA    Recién nacido en los USA, el rock and roll pegó de lleno a la juventud brasilera, como al resto del mundo, por sorpresa, pues hasta entonces los jóvenes no tenían un ritmo musical propio ni tenían a los grandes salones de baile, donde las mamás y los papás oían boleros, samba-canción, tangos y los más radicales oían a las Big Bands, Frank Sinatra y Doris Day. Así, cuando el rock and roll llegó al Brasil hacia 1955, comenzó a incendiar fiestitas y cines, presionando a las disqueras para realizar nuevos lanzamientos. Esto coincidió también con el boom del Bossa Nova, una de las mayores revoluciones musicales del Brasil. Era la música de la burguesía no de la clase trabajadora, también dejó atrás al submundo del Samba, que era más tradicional. De hecho el Bossanova rápidamente vino a ser el estilo favorito de la mayoría, y los que gustaban del Bossa, tildaban a los “rockeiros” de escuchar música inferior, facilona y sobre todo foránea.

Pioneros del rock brasilero Aunque el rock and roll era una música de adolescentes, quienes primero tocaron y cantaron el nuevo “alocado” ritmo fueron irónicamente las orquestas de jazz y cantantes tradicionales como Nora Ney, Cauby Peixoto o Carlos Gonzaga. Intérprete de sambas-canciones, Nora Ney cantó el primer rock (en inglés) “Ronda das Horas/Rock Around the Clock”, lanzado en noviembre de 1955, por el sello Continental, que inmediatamente pasa a ocupar el primer lugar de las listas de la “Revista do Rádio e TV”. La película “Ao Balanço das Horas” (Rock Around the Clock), que se pudo ver a fines de 1956 en las principales salas del país, se encargó de esparcir el nuevo género musical, provocando tamaña confusión, que llevó a diversas

“La sorpresa en el programa de César de Alencar, del otro día fue Nora Ney cantando en inglés una melodía que estaba siendo lanzada en un filme”, así decía la Revista Do Radio en su edición de noviembre de 1955. La “melodía” que menciona no es otra que ‘Rock Around The Clock’ lanzada por el sello Continental. En una semana ya ocupaba el primer lugar en las listas de éxito. Así nacía el primer rock grabado en Brasil, con la voz de Nora Ney, una cantante de samba y samba-canción de mucho éxito por entonces. 429

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Cauby Peixoto

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autoridades a pedir su prohibición. Para completar el cuadro tragicómico, el Juez de Menores de São Paulo, catalogó al filme como prohibido para menores de 18 años, argumentando, con irónica precisión que, “el nuevo ritmo divulgado por el americano Elvis Presley es excitante, frenético, alucinante y provocativo, que causa extrañas sensaciones y produce hechos exageradamente inmorales”. Al iniciar 1957, el hijo del violinista Josué Barros (descubridor y acompañante de Carmen Miranda), Betinho & Seu Conjunto, graba el primer rock con guitarra eléctrica, “Enrolando o Rock”, banda sonora del filme “Absolutamente Certo”. En la misma época, Miguel Gustavo (compositor del himno de la Copa del Mundo de 1970) compone el primer rock con letra en portugués “Rock and Roll em Copacabana”, interpretado por Cauby Peixoto, por entonces el cantante más popular del país. Siguiendo en 1957, el también popular cantante Agostinho dos Santos mete uno de los principales sucesos de la primera fase del rock brasilero, su versión de “Até Logo, Jacaré” (“See You Later, Alligator”, de Bill Haley, traducida por Júlio Nagib). La canción fue lanzada en enero por el sello Polydor. En mayo, Carlos Gonzaga graba “Meu Fingimento”, versión de “The Great Pretender” de los Platters.

En octubre la cantante Lana Bitencourt también consigue un éxito con “Little Darling” y, a inicios de 1958, Bolão e Seus Rockettes registran “Short Shorts”, inaugurando la fase instrumental. En junio de 1958, llega a las tiendas el histórico 78 RPM “Forgive Me / Handsome Boy” (compuesto por Mário Gennari Filho con letra de Celeste Novaes) interpretado por los hermanos Tony y Celly Campello, venidos del interior de São Paulo. A partir de la entrada en escena de los hermanos Campello, la historia del rock brasilero pasa a ganar identidad, abriendo espacios para el surgimiento de programas de radio y televisión, como “Crush em Hi-Fi”, conducido por los dos nuevos ídolos y por Sergio Murilo. Poco después, en São Paulo, nace el primer sello nacional de rock and roll, el sello Young, que lanza al grupo The Avalons, uno de los pioneros del rock instrumental en el Brasil. Celly Campello, nacida en 1942, alcanzó el éxito muy joven, sus primeros sucesos fueron “Estúpido Cupido” y “Banho de Lua”, versiones portuguesas del clásico de Neil Sedaka “Stupid Cupid” y el éxito italiano “Tintarella di Luna”. “Estupido Cupido” fue el título de su primer LP, salido en 1959. Le siguieron “Broto Certinho” y “A Bonequinha que Canta”, en 1960 y “Brotinho Encantador” y “A Graça de Celly e as Músicas de Paul Anka”, en 1961. Después de su casamiento en 1962 disminuyó su actividad, retirándose diez años después. Además de los grandes centros, en Rio Grande do Sul, por ejemplo, la ausencia de intérpretes juveniles locales también es suplida por orquestas de baile. Es el caso de Poposky & Seus Melódicos, que reproducía el estilo visual y musical de Bill Halley & His Comets. Hasta el final de la década del 50, surgen nuevos intérpretes como Demétrius, Sonia Delfino, Baby Santiago (“el Chuck

Los hermanos Tony y Celly Campello fueron los primeros “teen idols” del rock brasilero. Celly fue la respuesta local a la arrolladora aparición de Connie Francis y Brenda Lee.

Berry brasilero”), Wilson Miranda y Ronnie Cord entre otros, que se dividen el panteón de héroes de la primera fase del rock brasilero.

Los años del yé yé Los comienzos de la década del 60 estuvo marcada fuertemente por la presencia del rock instrumental y sus derivados, como el surf-music y el Hully Gully, influenciado por los Shadows ingleses y los Ventures norteamericanos, así surgen The Clevers (después Incríveis), The Jordans, The Jet Blacks, The Rebels, etc., quienes marcaron la escena musical preBeatles. El más famoso de estos grupos, The Clevers, era un quinteto formado en São Paulo en 1962 por Waldemar Mozena “Risonho” (Primera Guitarra), Domingos Orlando “Mingo” (guitarra rítmica), Dermeval Rodrigues “Neno” (Bajo), Luiz Franco Tomaz “Netinho” (Batería) y el español Antonio Rosas Sánchez “Manito” (Saxo). Fueron lanzados por el productor Antonio Aguilar en su programa “Ritmos Para a Juventude”, en Rádio Nacional de São Paulo e inmediatamente comenzaron a grabar para el sello Continental. Hacían principalmente temas instrumentales, aunque en ocasiones Mingo cantaba. En 1965 Nenê reemplazó a Neno y como existía un grupo americano llamado The Clevers debieron modificar su nombre, adoptando el de Os Incríveis, aunque mucha gente continuó llamándolos por su vieja denominación.

Mezclándose con el rock instrumental y el surf-music, el rock de tres acordes todavía contó con la incursión de artistas tan diversos como Ronnie Cord y el grupo carioca Luizinho e Seus Dinamites, con el álbum “Choque que Queima”, quienes ya promovían una especie de transición entre la fase puramente instrumental y el rock cantado entre 1961 y 1964. En otro aspecto el multifacético Jô Soares, también grabó el simple “Vampiro / Volks do Ronaldo” en 1963. A partir de 1964, La música jóven brasilera estaría marcada por dos corrientes principales, La “Jovem Guarda” y la “Tropicália”, ambos fundamentales para el desarrollo de un lenguaje musical joven en el país. La Jovem Guarda, era el reflejo de los nuevos sonidos derivados del rock and roll como el Twist

The Clevers, después Os Incríveis fue uno de los pioneros en el Brasil del rock and roll pre Beatles.

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y de la beatlemanía. Por su parte la Tropicália, más amplia, introdujo el discurso político y la búsqueda de nuevas sonoridades dentro de la música tradicional brasilera.

“A Jovem Guarda”

Ronnie Cord

Cuatro décadas después, el movimiento comandado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos y Wanderléa continúa siendo un fenómeno de público, llegando hasta la generación de la era digital. Discos son reeditados, espectáculos atraen multitudes y DVDs alcanzan ventas sorprendentes. Las músicas están en el corazón de la gente, siendo parte de sus vidas, romances y memorias de juventud.

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Con el surgimiento de los Beatles, el rock brasilero explotó con el movimiento llamado la Jovem Guarda, que se desbordó en programas de televisión, el más importante de todos ellos, en la TV Record. Liderada por Roberto Carlos, Wanderléa y Erasmo Carlos, el éxito de estos shows envolvió a la juventud de todo el Brasil, promoviendo el surgimiento de fuertes movimientos locales, especialmente en Porto Alegre, Belo Horizonte, Salvador, Brasília, y el Nordeste del país, fuera de

los grandes centros de São Paulo y Rio de Janeiro. Además de esos tres representantes más importantes de la Jovem Guarda, se destacaron también los grupos Renato e Seus Blues Caps, The Fevers, The Brazilian Bitles y The Sunshines, entre otros, y los dúos vocales y solistas como Os Vips, Deny & Dino, Albert Pavão, Jerry Adriani, Eduardo Araújo, Wanderley Cardoso y Sérgio Reis. ERASMO CARLOS, cuyo nombre real es Erasmo Esteves, nació en Río de Janeiro en 1941. Se inició en 1958 en el grupo The Sputniks, formado en Tijuca con Roberto Carlos, Tim Maia, Arlênio Lívio, Edson Trindade y China. Cuando Tim y Roberto iniciaron sus carreras solistas, el grupo pasó a llamarse The Snakes, que se disgregó finalmente cuando Erasmo

se integró a Renato e Seus Blue Caps. En 1964, ya solista, logró un gran suceso con “Festa de Arromba”, uno de los muchos éxitos que compuso con Roberto Carlos, con quien también condujo el programa de TV Jovem Guarda, acompañados por Wanderléa. En este programa comenzó a ser conocido como ‘O Tremendão’, sinónimo de lo más grande, lo mejor, seudónimo que le dió su amigo Roberto Carlos y que lo acompaña desde entonces. Grabó su primer LP en 1965, con el título de “A Pescaria con Erasmo Carlos”, que incluyó además versiones de “School Day” de Chuck Berry (“Dia de Escola”) y del clásico “Ain’t She Sweet” (“No Tempo da Vovó”). En 1966 apareció el LP “Você Me Acende”, pero más exitoso resultó su LP de 1967, “O Tremendão”, con la canción del mismo título. Durante 1969 y 1970 Erasmo acompañó a Roberto en films y grabó el LP “Erasmo Carlos e Os Tremendoes”.  La exitosa carrera de Erasmo ha proseguido sin interrupciones, dado que aun cuando comenzó a espaciar sus grabaciones no

En 1965, cinco jóvenes se juntaron e hicieron la Banda de Rock de mayor éxito en la década del 60 en Rio de Janeiro. Su programa en TV Excelcior los sábados, (con un 2º lugar en audiencia) se llamaba "Brazilian Bitles Club" y sirvió para lanzar a varios artistas y bandas al escenario nacional.

cesaron sus presentaciones en vivo y una fértil labor como compositor.   RENATO E SEUS BLUE CAPS, este grupo carioca, fue el más exitoso de la Jovem Guarda. Se especializaron en versiones de éxitos americanos e ingleses, 433

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entre ellos “Boogie do Bebê” (“Baby Sittin’ Boogie”), “O Lobo Mau” (“The Wanderer”), “Menina Linda” (“I Should Have Known Better”), “Não te Esquecerei” (“California Dreamin”), “Feche dos Olhos” (“All My Loving”), y grabaron también temas de autores brasileños (“Pra Sempre”, Memórias”, “Sexo Frágil”, “O Fogo Ainda Não Apagou”, “Sonhos de Amor”), muchos de ellos del propio Renato, que además tradujo y compuso para Roberto Carlos y otros intérpretes.  Empezaron a fines de los 50 y tras pasar una temporada de práctica, adoptaron el nombre con el que se consagraron, como homenaje a Gene Vincent & his Blue Caps. A partir de 1960 trabajaron para el sello Ciclone, acompañando al grupo vocal Os Adolescentes y a Tony Billy.  Llamaron la atención del productor Carlos Imperial, que los llevó al sello Copacabana, donde grabaron su primer LP, “Twist”, en 1962. El grupo estuvo formado en esa ocasión por Renato como primera guitarra, Edson en guitarra rítmica, Paulo Cézar en bajo, Roberto Simonal (hermano de Wilson) en saxo, Cláudio en batería, Iván en piano y Reynaldo Rayol y Cleide Alves como vocalistas. En algunos coros participaron Wilson Simonal,

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Roberto Carlos y Os Cariocas. Después del primer LP, Edson abandonó el grupo, iniciando su carrera solista como Ed Wilson. Para el segundo LP, que como la mayoría de los del grupo se llamó simplemente “Renato e Seus Blue Caps”, Imperial lo reemplazó con Erasmo Carlos. Erasmo tuvo a su cargo la guitarra rítmica y fue el vocalista, junto a Renato, Paulo Cézar, Roberto Simonal y el nuevo baterista Toni.  Con su primer LP en CBS (“Viva a Juventude” de 1965) se consolidó la formación que grabaría los cuatro LP siguientes, llevándolos a ser el grupo favorito de la Jovem Guarda. Ese mismo año apareció “Isto é Renato e Seus Blue Caps”, con varias versiones de temas de The Beatles. En 1966 alcanzaron su máximo nivel de ventas con “Um Embalo com Renato e Seus Blue Caps” y en 1967 mantuvieron su suceso con otro LP que llevó el nombre del grupo. Adecuándose a los nuevos estilos musicales, para el LP “Especial”, de 1968, se incorporó Mauro Motta en teclados. El disco fue el segundo más vendido del grupo, pero Paulo Cézar, Carlinhos y Motta se alejaron después de grabarlo, obligando a una modificación sustancial. Grabaron dos LP con el nombre de “Renato e Seus Blue Caps” en 1969 y 1970, manteniendo su buen nivel de ventas. En esa línea siguieron tocando durante los 70 y 80, hasta que con el resurgir de

la Jovem Guarda a mediados de los 90 motivó nuevas grabaciones, en las que reeditaron sus viejos éxitos con nuevos arreglos.   ROBERTO CARLOS, nació en Cachoeiro de Itapemirim, en el estado de Espírito Santo, el 19 de Abril de  1941. Su familia se radicó en Niterói en 1955, donde Roberto formó en 1957 el grupo “Os Sputniks” con sus amigos Tim Maia y Erasmo Carlos. El grupo participó en el programa Clube do Rock, de Carlos Imperial, que vió las condiciones de sus integrantes para lanzarlos como solistas. La primera grabación de Roberto fue en 1959 para Polydor, un 78 con dos temas de Carlos Imperial: “Fora do Tom” y “João e Maria”. El disco fracasó y puso fin a su vinculación con ese sello.  Pasó a Columbia, donde debutó en 1960 con otro 78, “Canção do Amor Nenhum” y “Brotinho Sem Juízo”. En 1961 grabó su primer LP, “Louco Por Voce”, un excelente disco con algunos temas de Carlos Imperial y varias canciones en castellano. Al año siguiente registró dos simples, uno con “Malena”, de Rossini Pinto, y “Fim de Amor” (versión portuguesa de “Run Around Sue”). El segundo incluyó un tema de su autoría, “Susie”, y “Triste e Abandonado”. Con “Splish Splash”, LP de 1963, inició una sucesión de grabaciones que continúa hasta el presente.   En 1964 ganó gran popularidad conduciendo con Erasmo y Wanderléa el programa televisivo “Jovem Guarda”, título también de un exitoso LP que grabó en 1965. Obtuvo varios éxitos durante los sesenta: “O Calhambeque”, “Eu Estou Apaixonado por Voce”, “É Proibido Fumar”, “Maria, Carnaval e Cinzas”, “Namoradinha de um Amigo Meu” y “Nossa Cançao”; estos dos últimos temas los grabó también en italiano. Su creciente prestigio hizo que fuera invitado al Festival de San Remo 1968, donde cantó

Roberto Carlos, ídolo indiscutido de la “Jovem Guarda”, supo mantener su calidad, convirtiéndose en un símbolo de la música popular del Brasil hasta hoy.

“Canzone per Te” obteniendo el primer puesto. A partir de esta época se volcó decididamente a las baladas románticas y su éxito fue indetenible. WANDERLÉA: La “Reina de la Jovem Guarda”, Wanderléa Salim, nació en el estado de Minas Gerais en 1946. La familia se radicó en 1948 en la ciudad mineira, Lavras, donde Wanderléa inició su 435

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con romances promocionales incluidos. Entre 1965 y 1968 los tres condujeron el programa dominical de la TV paulista “Jovem Guarda”, mientras se sucedían los éxitos discográficos: “Ternura” (del que surgió su apodo “Ternurinha”), “Boneca de Cera, Boneca de Pano”, “Boa Noite, Meu Bem”, “Pare o Casamento”, “Prova de Fogo” y muchos más. Hasta 1970 continuó en la cima del éxito. Luego se retiró del mundo del espectáculo para dedicarse a su familia.

Wanderléa en 1962 logra la consagración.

Una nueva revolución

actividad artística con solo tres años. Se hizo conocida por su hermosa y potente voz y se convirtió en una pequeña estrella local. En 1952 los Salim se trasladaron a Río de Janeiro, donde Wanderléa ganó varios concursos de aficionados y apareció con frecuencia en programas radiales y televisivos. Su primer disco apareció en 1962 con “Meu Anjo da Guarda” y un tema en inglés, “Tell me How Long”. Este último era el favorito de la cantante, pero “Meu Anjo da Guarda” fue el que la consagró. Ese mismo año apareció el segundo simple, con “Ao Nascer do Sol”, versión de “Cuando Calienta el Sol”, que era un gran éxito en todos los países de habla hispana.    En Enero de 1963 apareció su primer LP, “Wanderléa” y en su segundo LP “Quero Você”, de 1964, contó con el acompañamiento de Renato e seus Blue Caps. Para ese entonces ya era “A Rainha de Juventude” y había comenzado sus giras y presentaciones con sus compañeros de sello Roberto y Erasmo Carlos, 436

Por influencia del movimiento hippie, las corrientes psicodélicas y progresivas pasaron a ocupar su espacio, produciendo numerosos grupos como Liverpool, Spectrum, Módulo 1000, Moto Perpétuo, Vímana, Som Imaginário, A Tribo, A Barca do Sol, etc., abriendo nuevos caminos sonoros en la consolidación de una identidad propia. Pero fue el movimiento conocido como “Tropicália” el que alcanza a ser una verdadera revolución. Al final de la década, por un lado estaban los músicos populares, herederos

del bossa nova y por el otro, los jóvenes traductores del “yé yé”, la música extranjera. Al electrificar la MPB (música popular brasilera), el Tropicalismo superó los conflictos entre esas dos facciones. Los tropicalistas deglutieron el pop internacional, aprovechando las informaciones culturales más avanzadas para la fabricación de un producto nacional nuevo y original, de exportación. El movimiento tropicalista nace en el Festival de Musica Popular Brasileira (MPB) de 1967. “Alegría Alegría” de Caetano Veloso y “Domingo no Parque” de Gilberto Gil, redefinen las convenciones de la música brasilera. El nuevo movimiento rápidamente expande sus ideales hacia la poesía, la pintura, el teatro y el cine. Las tres reinas del pop brasilero también son influenciadas por esta nueva generación de músicos y poetas: Gal Costa, Maria Bethania y Elis Regina se suman al incipiente grupo. Fue en ese clima de revolución estética que sale en julio de 1968 el LP colectivo del movimiento tropicalista y que marcaría un antes y un después en la música brasilera, “Tropicália ou Panis et circensis”. El disco reunió a todos los participantes del movimiento: Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa, Tom Zé, Os Mutantes y Nara Leão. Además del maestro Rogério Duprat, quien

junto a Júlio Medaglia y Damiano Cozzella, componen el trío de arregladores de vanguardia de las grabaciones tropicalistas. Y los letristas Torquato Netto, Capinan y Rogério Duarte, integran el elenco de pensadores. Los tropicalistas buscaban actualizar y universalizar la cultura en el Brasil, Gilberto Gil y Caetano Veloso se volvieron los principales agentes de esa modernización. Hacia finales de 1968, la canción “Divino, maravilhoso” compuesta por los dos artistas e interpretada por Gal Costa gana popularidad y sirve de título para el primer programa televisivo del grupo tropicalista en la TV Tupi, para el escándalo de los conservadores. Infelizmente, los osados experimentos televisivos de Caetano, Gil y compañía, no van lejos y para la navidad de 1968, “Divino, maravilhoso” es cortado. Era el prelúdio de algo peor, pues la dictadura militar cortó las libertades de artistas, intelectuales y ciudadanos en general. La colorida mañana que resplandeciente se levantaba para los tropicalistas, cayó en oscuridad por la dictadura. Pero pasados los peores momentos, la Tropicália, terminó por unificar todas las tendencias musicales juveniles nacionales y extranjeras, con una fuerza que ha permanecido hasta hoy. Por su parte, la psicodélia jugó también un importante papel dentro del revolucionario movimiento, explorado prinalmente por el grupo Os Mutantes, conjunto vocal e instrumental formado en 1966 en São Paulo, por Arnaldo Dias Batista en piano y contrabajo, Sérgio Dias Batista en guitarra y Rita Lee en flauta y arpa, comezó

Hacia 1966 nada hacía parecer que dos nuevos artistas, Gilberto Gil y Gal Costa, serían parte de uno de los movimientos musicales más influyentes de la música brasilera de este siglo.

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LA ERA DEL ROCK

Hacia 1968, los tropicalistas fusionaron la música popular brasilera con las nuevas corrientes internacionales, creando una revolución que se hace sentir aún hoy. En estas imágenes vemos a sus representantes más importantes, Gilberto Gil, Os Mutantes (con Rita Lee), Caetano Veloso y Gal Costa

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con el nombre de Wooden Faces, pasando más tarde a llamarse Six Sided Rockers, con seis integrantes. Se presentaron en programas de televisión, como Astros do Disco y Jovem Guarda. Com la salida de tres integrantes, el grupo cambió su nombre a O Conjunto, y más tarde a Os Mutantes, estrenándose con ese nombre en el programa O Pequeno Mundo de Ronnie Von, en 1966. Después de esa experiencia, fueron invitados para acompañar a Gilberto Gil en el tema “Domingo no parque” en 1967. Ese mismo año, lanzan por la Polydor su primer simple “O relógio”, y en 1968 participan del LP “Tropicália ou Panis et circensis”. Poco después graban su primer LP “Mutantes”, con composiciones de Gil y Caetano además de las propias. A partir de 1970 se vuelven más crí-

ticos con el tema “Ando meio desligado” donde exponen la violencia dictatorial y además integran a la música efectos de disparos y explosiones. En 1972 con la salida de Rita Lee para seguir su carrera solista, el grupo se vuelca a un sonido más progresivo y poco a poco su popularidad irá decreciendo, manteniendose en la escena musical a través de reuniones, conciertos nostálgicos, homenajes y relanzamientos de sus viejos éxitos.

PARÍS SE REBELA La tradición cultural e intelectual del arte francés mantuvo al rock relegado por considerarse simplista e incluso degradante, pero con el arribo de artistas como Gene Vincent o Vince Taylor, a comienzos de los 60, se desató la locura. Con ellos tocan y surgen los primeros grupos de rock and roll y twist como Les Playboys, Les Champions o Les Sunlights. Pero son Johnny Hallyday, Dick Rivers (con los Chats Sauvages) y Eddy Mitchell (con los Chaussettes Noires), el legendario trío de cantantes ses que en los sesentas popularizaron la mezcla del rock and roll de Elvis y Gene Vincent con la lengua de Moliére. Johnny Hallyday (Jean Phillipe Smet) fue la primera super estrella del rock en Francia, y lo ha sido durante treinta años. La duración de su carrera ha sorprendido a más de uno, especialmente considerando la casi carencia de repertorio original. El hecho es que, cuando al otro lado del Atlántico existían cientos de estrellas de rock más interesantes, Johnny se mantenía como la única auténticamente sa, el único artista que tenía a sus fans en la palma de la mano como los teen idols del otro continente. En 1960 mientras el rock and roll se va diluyendo en los USA, en Francia surge con fuerza. Johnny Hallyday se da a conocer principalmente a través de una emisión radial de Paris Cocktail y varios simples con adaptaciones de éxitos de rock norteamericano. Rubio, bien parecido, de aspecto salvaje, con voz potente y peleón, el Rey del rock and roll francés, introduce a los jóvenes ses los clásicos de Chuck Berry, Elvis, Eddie Cochran o Ricky Nelson, traducidos a su idioma, incluso antes de que los originales sean escuchados, contribuyendo fuertemente a la penetración del rock and roll en Francia. Se convirtió en líder de una rebelión de camperas de

cuero negro, motos, conciertos-peleas, escándalos privados, etc. Pero al poco tiempo el sistema comercial lo amansó, casándose con la estrella femenina del movimiento “yé yé” (tipo “Nueva Ola”) Sylvie Vartan, se vuelve a las películas sosas y a la música de variedades, provocando el declive de su éxito. Resurge recién en los 80 con una carrera más original y seria, que le han permitido reconquistar el aprecio de nuevas generaciones.

Gene Vincent con Les Champions, 1962

Johnny Hallyday, el Rey del rock francés. Introdujo el rock and roll clásico en Francia y fue una de las estrellas recurrentes del famoso programa radial “Salut Les Compains” de la estación Europe 1. 439

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En 1960, en Nice, Hervé Fornieri (conocido después como Dick Rivers, nombre que llevaba Elvis en el filme “Loving You”), con sus amigos Jean-Claude y Gérard Roboly, guitarristas, y Gérard Jacquemus al bajo, forman el grupo llamado Les Chats Sauvages. Al año siguiente, el grupo se va a París y después de subidas y bajadas logran grabar su primer single con el sello Pathe Marconi. Éxitos como “Ma petite amie est vache”, “Twist à Saint-Tropez” y “Est-ce que tu le sais”, introducen una nueva etapa más original del rock francés y su estrellato se acrecienta con cientos de conciertos a lleno total. A pesar del éxito del grupo, Dick Rivers quizo embarcarse en Menos famoso que Johnny Hallyday o que Eddie Mitchell, Dick Rivers ha mantenido una exitosa carrera en solitario por más de treinta años, marcando su nombre con un indiluído y auténtico rock, sin haberse apartado nunca de su primer amor.

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una carrera en solitario. En el otoño de 1962 realiza el single “Baby John” y logra vender 200.000 copias. Llegó al tope de las listas y se mantuvo durante semanas. Ahora tenía un nuevo grupo acompañante, los Krewcats y para fin de año ya tenía en la calle su primer LP. Acentuando su imagen de crooner rockero, consigue varios éxitos durante 1963 y en 1964 lanza su primer LP con material original, “Rien que toi”, con tremendo suceso. Para 1965 ya había puesto sus ojos en Canadá y en 1967 recibe un disco de oro por “Viens me faire oublier”. Después de vender más de cinco millones de discos, Dick Rivers se va a los USA en 1967 para grabar su mejor álbum del período “Dick Rivers Story” con algunos de los mejores músicos de rhythm‘n’blues. A fines de los sesentas, la onda yé yé se había ido y el movimiento hippie en plena expansión, forzó a músicos como Rivers a quedarse al margen. Pero su popularidad en Canadá le ayudó a mantener su carrera a flote durante los 70s. El tercer pilar de la primera oleada de rock francés fue Eddy Mitchell (Claude Moine) al frente de Les Chaussettes Noires, estableció su carrera musical gracias a una de sus famosas composiciones y el estilo de Nashville.

El amado Monsieur Eddy ha sido inspiración para muchos músicos a ambos lados del Atlántico, mientras él generalmente está con la música country de los USA, el cantante sigue firmemente atado a la tradición de la “chanson” sa. A fines de los años cincuenta, Claude descubre el nuevo rock and roll que llega de norteamérica. Sus estrellas favoritas eran Bill Halley y Gene Vincent. La juventud en París estaba abierta a escuchar la nueva música, en clubes como el ahora legendario Le Golf Drout, abierto en 1956. Claude, quien era conocido como “Schmoll”, deja su trabajo de ordenanza en el Crédit Lyonnais, y con su amigo Jean-Pierre Chicheportiche y dos músicos más crean su primer grupo. Después de un tiempo de ensayos y actuaciones en el Golf Drout, empezaron a buscar un sello discográfico. Para finales de 1960, Claude Moine se convierte en Eddy Mitchell y su grupo Les Chaussettes Noires, su nombre era un tributo a Eddy Constantine y el grupo fue inspirado por un comercial de calcetines Stemm, marca que los patrocinó con un primer contrato. Fueron un éxito instantáneo. En 1961, realizan seis singles y venden dos millones de discos, incluyendo 800.000 copias de “Daniela”. En marzo del 62, Mitchell es llamado al servicio militar, pero siempre encontró tiempo para seguir grabando y actuando con su grupo, al tiempo que el productor Jean Fernández ya tenía en mente la carrera en solitario de Eddy. Al finalizar su servicio militar, en agosto de 1963, estaba disponible para dedicarse de lleno a su prometedora carrera solista. En octubre viaja a Londres para grabar nuevo material con músicos ingleses (incluido un jovencísimo Jimmy Page). El resultado fue “Eddy In London”, un álbum con versiones de varios de sus héroes como Eddie Cochran, Elvis Presley, Gene Vincent y Bill Halley. En 1964 vuelve a grabar en Londres su segundo

álbum “Panorama”. Su tercer LP titulado “Toute la ville en parle, Eddy est en ville” sale ese mismo año y fue su primer material totalmente original, pues hasta el momento se había contentado con hacer versiones sas de temas en inglés. Después Eddy descubre el soul de James Brown y Otis Redding y cambia su dirección musical, en 1965 saca “Du rock ‘n’ roll au rhythm ‘n’ blues”. Aún se aferra sin embargo al movimiento yé yé, que cada vez va perdiendo notoriedad. A fines de los sesenta logra su sueño de grabar en los USA y su carrera se orienta hacia el country. En los setenta su pasión por la música norteamericana le cuesta la pérdida de su gran éxito inicial, pero aún así consiguió distinguirse en la escena sa gracias a varios discos muy elaborados y presentaciones en vivo impresionantes. Hoy es más que un superviviente, siendo toda una referencia en la historia del rock mundial.

El rubio Eddie Mitchell y sus Chaussettes Noires, son otro de los pilares fundamentales de la formación del rock and roll en Francia. Eddie Mitchel es una figura irremplazable que sigue brillando aún hoy.

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LA ERA DEL ROCK

Las Chicas Ye-Yé Fabricadas para las masas

Sylvie Vartan era el prototipo de las chicas ye-yé, nacida en Bulgaria, emigró con su familia a Francia donde apenas adolescente conquistó todo un continente con sus temas más recordados “La más bella del Baile y “Si yo canto”.

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Se tiene por hecho que el movimiento ye-yé tuvo sus orígenes en el programa de radio francés “Salut les copains”, creado por Lucien Morisse y presentado por Daniel Philipacci, que se empezó a emitir en la emisora Europe 1 en 1959. El programa resultó un éxito inmediato y una de sus secciones, “Le Chouchou de la Semaine” se convirtió en el punto de partida a una carrera exitosa para muchos ye-yés. Todas las canciones presentadas como “chouchous” iban directas a los primeros puestos en las listas. El fenómeno Salut les copains continuó con la publicación de una revista del mismo título, publicada por primera vez en Francia en 1962. Esta revista fue más tarde publicada también en Alema-

nia, España e Italia, con éxito similar. La emisión de radio era seguida por media Francia y la revista alcanzó una tirada de un millón de ejemplares mensuales. En la revista, las fotos de Jean Marie Périer ilustraban las últimas aventuras de Sylvie Vartan, Sheila y Françoise Hardy. Pronto, toda una serie de publicaciones la imitaron: Age Tendre, Bonjour Les Amis, Best, Formidable (RTL), Extra y Nous Les Garçons Et Les Filles. La nueva música sa estaba en su mejor momento. Había tanta demanda por esta música que sellos como Vogue, RCA o Philips comenzaron a fabricar en serie nuevos cantantes; para su repertorio, buscaban entre la vastísima producción Norteamericana y la adaptaban al contexto na-

El yé-yé es un estilo de música pop, popularizado en Francia y en España en la década de los 1960. Al principio, el origen de todo este fenómeno estaba claro: la nueva juventud sa. Pero la moda empezó a saltar fonteras rápidamente y para 1962, el género se empezaba a diversificar tanto que, casi cualquier

cional. El proceso era sencillo y barato: seleccionaban unas cuantas canciones relacionadas con el rock and roll y el soul, se hacían versiones con buenos músicos de estudio ses, se elegía a un chica (o un chico) con presencia atractiva y se realizaba una pequeña campaña publicitaria. Si había suerte, el disco vendía unos cuantos miles de copias y la artista volvía a grabar. Si no, se volvía a repetir el proceso con otra joven promesa. En Gran Bretaña y en otros países europeos se estaba haciendo lo mismo, e inclusive Australia, Nueva Zelanda y Japón se lanzaron a esta moda.

Las Chicas ye-yés en Francia El pop francés de 1958 a 1968 tuvo una identidad propia y dio lugar en Pa-

chica joven europea que cantase era considerada una “chica ye-yé”. Siempre había un productor artístico-manager a la sombra y las canciones estaban influenciadas por el soul, el pop y sobre todo por las girl groups (grupos de chicas) de Norteamérica, como The Ronettes, The Shirelles, The Shangri Las, etc...

rís a un joven, intenso e innovador movimiento cultural que giró en torno a la revista ‘Salut Les Copains’ y que abarcó música, cine y vida social. La música ye-yé supuso una novedad en muchos sentidos. Para empezar, fue el primer movimiento musical encabezado mayoritariamente por chicas: las jóvenes de la época se vieron reflejadas, por primera vez, en sus ídolos; las cantantes eran adolescentes como ellas, y las letras de las canciones hablaban de temas que les tocaban directamente. Esto supuso una renovación en la música europea (aunque tuvo también gran éxito en Canadá y en Japón; de hecho suele considerarse que la música yeyé forma parte del origen del Shibuya-kei (estilo de Shibuya), estilo musical surgido a finales de la década de los 80 y originario del distrito

Intérprete de suave voz y dotada compositora de inclinación sentimental, sofisticada y melancólica, Françoise Hardy es la gran diva en la historia del pop francés.

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LA ERA DEL ROCK

Las Chicas Ye-Yé

Tres divas inolvidables, Gall, Françoise Hardy y Sheila.

A parte de su carrera como modelo y actriz, Brigitte Bardot también incursionó en la música. 444

del mismo nombre en el que se mezclan jazz, pop y electropop con una estética sesentera. Las chicas ye-yés eran muy jóvenes ( Gall tenía sólo 14 años cuando grabó su primer disco) e inocentes; la mayoría de las canciones hablaban del primer amor como “Tous les garçons et les filles” de Françoise Hardy o “Un jour comme un autre” de Brigitte Bardot. Pero también tenían unas pequeñas dosis de sensualidad. Serge Gainsbourg denominaba a Gall “la Lolita sa”, y de hecho compuso para ella la canción “Les sucettes” (Las piruletas) como un medio para poner a prueba la ingenuidad de la cantante. Otra de las chicas ye-yés, Sylvie Vartan, alcanzó la fama tanto por su música como por su matrimonio con el rockero francés Johnny Halliday. Sin embargo, no supo evolucionar musicalmente y el fin de la época ye-yé supuso también para ella un declive progresivo en su carrera musical. Fue Françoise Hardy la que, desde que comenzó su carrera en el verano de 1962, se coló en las listas británicas, holandesas, alemanas e italianas. Y no deja

de ser curioso que así sucediera porque Françoise Hardy no se ajustaba al patrón de la chica yé - yé clásica, era otro tipo de artista más moderna, que componía sus propios temas. Pero el caso es que universalizó el género. A partir de ese momento, si una chica era europea, cantaba y estaba a la última moda, era una chica ye-yé de pleno derecho. Además de las mencionadas, otras exponentes de la música ye-yé en Francia fueron Clothilde, Jane Birkin, Stella, Ria Bartok y Anna Karina. En 1969, el programa Salut Les Copains dejó de emitirse, la música pop empezó a ser tomada demasiado en serio y a perder su componente lúdico y, en fin, las cantantes evolucionaron o, simplemente, se retiraron.

Las ye-yés en Europa El movimiento ye-yé, aunque nacido en Francia, se expandió por toda Europa. En Italia, Mina representó a un nuevo tipo de ye-yé: componía sus propias canciones y tenía influencias del rock y del jazz. Por su parte, Rita Pavone representaba a la chica ye-yé tradicional, con

Las Chicas Ye-Yé su rostro aniñado y sus éxitos cargados de ingenuidad como “Che m’importa del mondo” o “Come te non c’è nessuno”. En España, al principio la música ye-yé fue en cierto modo reprimida (se cuenta que en concierto de los Beatles en Madrid en 1967 multitud de chicas fueron amonestadas por la policía por “vestir provocativamente”), pero aun así alcanzó un gran éxito que duró incluso más que en el resto de los países, en 1968 Massiel ganó Eurovisión con “La, la, la”, compuesta por El Dúo Dinámico; Karina por su parte, con la canción “Me lo dijo Pérez”, gana el primer premio del II Festival Internacional de la Canción de Mallorca de 1965 y Mejor Cantante YeYé en 1966. Otras representates de la música yeyé en España fueron Marisol, Rosalía, Jeanette y Gelu.

Los chicos ye-yés Aunque el movimiento ye-yé estaba encabezado por chicas, también tuvo sus representantes masculinos; la ma-

Rita Pavone, la máxima representante italiana de las chicas ye-yé, logró llevar su simpatía y talento a casi todo el mundo.

yoría de las veces se trataba de chicos de aspecto romántico e inocente, como Jacques Dutronc, Richard Anthony, Michel Polnareff o el propio Johnny Halliday. Pero en cuanto a la música, los chicos no demostraban la actitud de dulzura en inocencia que caracterizaba a las chicas yeyés. En España el ye-yé masculino estuvo representado por grupos como Los Brincos, El Dúo Dinámico, Los Diablos o Fórmula V. Marisol empezó siendo niña en la música, al crecer se hizo estrella de cine. Karina era la chica y-yé española típica de finales de la décda y Gelu (María de los Ángeles Rodríguez), fue una de las primeras chicas ye-yé españolas de los años 60. Su mejor momento llegó en 1963 cuando grabó, junto a Los Mustang “El partido de fútbol”, traducción al castellano de la canción “La partita di pallone” de Rita Pavone. 445

LA ERA DEL ROCK

ROCK DEL LEJANO ORIENTE La explosión del rock and roll tuvo un rápido y masivo alcance, el lejano oriente (que incluía culturalmente al sudeste y este asiático), no fue la excepción. Los puertos libres de Singapur o Hong Kong eran lugares activos donde los viajeros y buques mercantes iban y venían, trayendo sus éxitos populares desde casa. Los soldados norteamericanos y británicos también trajeron su música a Vietnam y alrededores.

Malasia, Singapur y Hong Kong La escena local era un campo fértil, en Malasia y Singapur hubo una explosión de bandas instrumentales y cantantes. Algunos de los primeros grupos exitosos que cantaban en inglés fueron:

The Quests fueron el grupo de Singapur más exitoso de la década del 60 y comienzos del 70, su fama alcanzó casi todo el Sudeste asiático e influenció a cientos de bandas locales.

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Susan Lim & The Crescendos, Naomi & The Boys, Heather & The Thunderbirds, Shirley Nair & The Silver Strings, The Quests, The Jets y The Trailers. En particular, The Quests se llevan un reconocimiento especial por ser la banda más prolífica y exitosa. Aunque no estuvieron a la altura de la locura beatlemaníaca, tuvieron también su Questmanía!... la era dorada de los grupos locales. La formación clásica de The Quests fue: Reggie Verghese (guitarra líder), Jap Chong (guitarra rítmica), Henry Chua (bajo) y Lim Wee Guan (batería). Raymond Leong fue el líder original, pero no llegó a grabar con el grupo. The Quests firmaron con EMI en 1964 y el lado A del simple “Shanty” una canción instrumental original del grupo rápidamente trepó al número 1 en Singapur y Hong Kong, “La perla del Oriente”, ciudad donde decidieron asentarse. Cuando el vocalista Keith Locke, británico descendiente de jamaiquinos, se une al grupo graban una hermosa versión de “Don’t Play That Song (You Lied)” que dejó una marca indeleble en la escena musical local. La fama y fortuna de la banda continuó creciendo y con “Roller Coaster Man” alcanzaron los charts de Malasia, Brunei, Thailandia y Singapur, llegando al pináculo de su carrera local que siguió por muchos años. The Blue DIamonds fue el dueto, compuesto por Ruud (“Rudy”) y Riem de Wolff, representantes del Rock y del folklore Indonesio que en su momento fue designado con el nombre de Indo-Rock,

en la época en que todavía había reminiscencias de colonia holandesa. Cuando emigraron a Holanda, consiguieron colocar “Ramona”(1960), un tema que fue éxito en las listas de popularidad del mundo entero y el tema “Sukiyaki” (del cantante japonés Kyu Sakamoto) cantado en español los hizo conocidos en España y Latinoamérica. El éxito notable les llevo a efectuar actuaciones por toda Europa y parte de América y Oceanía en donde fueron considerados grandes figuras. La popularización de sus canciones en inglés les abrió la puerta para interpretarlos en otros idiomas. En Español grabaron para Discos Phillips una serie de discos long play que inmediatamente les

colocaron en el gusto de la juventud hispanoparlante, llegando a mantener en las distintas radioemisoras de habla hispana diversas canciones que pronto se convirtieron en clasicas de la programación musical.Hacia 1965 Ruddy contrajo matrimonio con la destacada cantante mexicana Leda Moreno, pero tiempo después se separarían. En el mes de diciembre del año 2000, Ruddy murió a causa de un mal cardiaco. Riem se retiro por breve tiempo de los escenarios. Pero fue en el año 2001 cuando debido a la petición de sus fans retomo el rumbo efectuando actuaciones y grabaciones al lado de su hijo Steffen creando “Los Nuevos Diamonds”.

The Blue Diamonds se consagraron primero en su patria Indonesia, influenciados por el rock and roll y el twist occidental, emigraron a Holanda y desde allí mostraron al mundo su arte, alcanzaron el éxito en Europa, Norteamérica y Latinoamérica, a quienes cantaban en su idioma, ya sea holandés, alemán, inglés o castellano. 447

LA ERA DEL ROCK

Dara Puspita (Flower Girls), fue una de las bandas formadas enteramente por chicas que sabían rockear, más exitosas de Indonesia. Comenzaron como grupo vocal acompañante de varios otros artistas, hasta que se lanzan como grupo independiente hacia 1964. A diferencia de cientos de farsantes, tocaban realmente sus instrumentos y escribían sus propias canciones. La banda estaba liderada por las hermanas Titiek Adji Rachman (Titiek A.R.) en guitarra y Lies Soetisnowati Adji Rachman (Lies A.R.) en bajo; también estaban Susy Nander en batería y Ani Kusuma en guitarra rítmica. En abril de 1965, Lies deja la banda para terminar el colegio y es remplazada por Titiek Hamzah en el bajo. Cuando Lies regresa toma el lugar de Ani y con esa formación Dara Puspita se dispuso a conquistar el mundo. Lo-

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graron el status de superestrellas en su país y su éxito alcanzó a toda la región, incluídos Tailandia y Malasia. El sonido de Dara Puspita, es realmente emocionante, tosco, con instrumentos tocados con fuerza y empleando altas dosis de fuzz y efectos de eco, verdaderas representantes del rock de garage. Aparece endulzado solo por las armonías vocales. El claro sonido de garage de Dara Puspita hubiera sido imposible de lograr si no hubieran sido “amateurs” con conocimientos muy básicos de ejcución. Estaban influenciadas por The Beatles y The Rolling Stones, y el movimiento de la British Invasion. En 1967 graban su material “A Go Go” que contiene un cover del clásico de The Bee Gees, “To love somebody”, en la versión más underground y plagada de fuzz que se ha escuchado. En 1968 deciden irse a Europa una temporada y estuvieron de exitosa gira por Inglaterra, Holanda, Francia, bélgica, España y Alemania. Llegaron a tocar incluso en Turquía e Irán. Mientras estaban en Europa grabaron dos singles en la CBS y otro para Philips en Holanda. A finales de 1971 la banda retorna a Indonesia y después de algunos conciertos a lleno total se separan definitivamente. The Fabulous Echoes, fueron una de las bandas más populares en Hong Kong, Singapur y Malasia a comienzos de los 60, con temas como “A Little Bit Of Soap,” “I Know,” “Dancing On The Moon,” y “The Wedding.” La formación clásica la integraban Tony Ruivivar (guitarra), Bert Sagum (voz, percusión), Terry Lucido (teclados), Stan Robertson (bajo), Danny Ruivivar (batería) y Cliff Foenander (voz líder). Gracias a su éxito consiguen un contrato para tocar en Las Vegas y son invitados al Show de Ed Sullivan. En 1968 cambian su nombre a Society of Seven y se mudan a Honolulu, Hawaii, donde permanecen tocando

hasta hoy, alternando con Las Vegas. The Crescendos & Susan Lim fueron otro de los grandes grupos seguidores del rock y el twist, quienes eran el ingrediente infaltable en todas las fiestas y conciertos. El cuarteto de cantantes estaba compuesto por Susan Lim, John Chee, Raymond Ho (voces rítmicas) y Leslie Chia (voz líder) al mejor estilo de los Platters. The Crescendos firman con Philips (Phonogram) en 1962, en la infancia de la escena musical local, tenían la originalidad que nadie aún había alcanzado. Su primer disco “Mr. Twister”, sorpresivamente se agotó aún antes que la versión de Connie Francis. Esto convenció a los sellos internacionales acerca del potencial comercial de los

artistas locales. Siguieron grabando y cosechando éxitos hasta 1970. Nancy Sit fue la teen idol más popular de los 60, conocida como la “Quinta Princesa” de la película adolescente “Las Siete Princesas Cantonesas” rodada en Hong Kong en 1965. Luego a los 17 años consigue su primer protagónico en el musical “Bunny Girl” (1967) y solidificó su fama con “Teddy Girls” en 1969. Nancy fue una popular chica A-GoGo (Hala Hala en Oriente), realizando una cadena de exitosos covers de temas populares ingleses como “Hippy hippy shake”, “Love potion #9”. “Hang on sloopy”, “Day tripper”, “Wooly Bully”, “I’m a believer” y otros.

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Petrina FUNG en 1967, una de las Princesas Cantonesas de la canción adolescente.

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Fung Po Po (Petrina Fung o Bobo Fung) fue la Shirley Temple y la Brenda Lee de Hong Kong. También estuvo en la película musical “Las Siete Princesas Cantonesas”, donde ella fue la séptima. A parte de su carrera en el cine fue también una gran cantante popular, interpretando éxitos occidentales en inglés y en chino, algunos de los más exitosos fueron: “Hanky panky”, “Hey Carrie Ann”, “I should have known better”, “San Francisco” y “My lonely heart”. Rocky Teoh, nacido en Taiping, fue mejor conocido como el Elvis Presley de Malasia, imitando a la perfección el estilo y actos del Rey. Rocky Teoh & The Fabulous Falcons, tuvieron gran éxito en Malasia, Singapur y Tailandia desde 1965 a 1967. En 1965, Rocky realiza su primer EP exitoso, dedicado a su novia de infancia que luego fue su esposa. “Jacqueline” llega al número 1 en los charts radiales locales. La canción estaba basada en una tonada popular china “Yeh lai siang”. Otros temas memorables de Rocky fueron “Selina“ y “Thinking of you”. Rocky también grabó con muchas otras bandas como The Voltaires (Jacqueline), The Castinos, The Mirages, Los Indians y otros. The Fabulous Falcons lo conformaban: Christopher Choong (guitarra líder), Thomas Ham

(guitarra ritmica), Tommy Ong (bajo) y Tony Lee (bateria).

China y Corea La escena pop en China también fue vibrante. Wong Ching Yian “el chico de oro” del pop y Maurice Patton & The Melodians pisaron fuerte; Maurice Patton & The Melodians influenciaron a toda una generación de musicos chinos y de otros países del Lejano Oriente. A parte de sus discos grabados en EMI, los Melodians actuaron de soporte para numerosos cantantes chinos. Maurice usaba el efecto de “eco” de una forma que practicamente creó un estilo beat chino copiado por muchos otros grupos. La influencia ye-yé que venía de Malasia floreció también en la milenaria China. Teddy Robin & The Playboys y numerosas bandas extranjeras hicieron base en Hong Kong (como The Fabulous Echoes) desde donde esparcían su rock and roll divertido y adolescente a toda Asia. Sakura Teng fue otra de las chicas A GoGo que grabó muchos éxitos pop ingleses traducidos al mandarín. Su primer single con “Like I do” y “Sad movie” fue un hit instantáneo. Así como Rita Chao, otra cantante de estilo y fama similar, se hacía acompañar por el grupo top de Singapur The Quests. Conocida

The Melodians eran una banda profesional que servían de acompañamiento a varios cantantes solistas, pero también tuvieron gran éxito como grupo independiente con la voz del baterista Simon Junior y fueron la gran influencia de los grupos chinos venideros.

por su “yodeling” al cantar, Sakura Teng cantó una serie de inolvidables versiones en mandarín de temas como “If tomorrow never come (The shepherd boy)”, “Lemon tree”, “Stupid cupid”, “My bonnie”, “Boom, boom”, “I need you”, “Party feve”r y “Morningtown ride”. Junto a Rita Chao cantaron numerosos duetos y fueron conocidas como “La pareja de Pájaros Cantores de Asia”. Sakura llegó a grabar con The Surfers y su repertorio multilingue incluía el mandarín, cantonés, inglés, japonés y malayo. Foo Soo Yin (Henry Fu), fue otro de los pioneros del rock en chino (mandarín) y uno de los ídolos pop de los 60. También hacía temas instrumentales promocionales para la subsidiaria de la

EMI en China, tocando y produciendo para las “A Go Go Queens” como Rita Chao y Sakura Teng. Suyin hizo carrera propia y alcanzó gran popularidad como cantante acompañado de The Quests. Algunos de sus hits incluían “Ramona”, “Green Green Grass Of Home”, “Love At First Sight”, “Lady Jane”, “House Of The Rising Sun”, “Yesterday”, entre otros. Corea del Sur, también siguió la corriente venida de China y sobre todo de Norteamérica. Luego de la guerra con el Norte, la presencia norteamericana fue una influencia muy fuerte en todas las áreas de la sociedad, incluyendo la música por supuesto. El rock llegó de

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Shin Jung Hyun, el “Padrino del Rock Coreano”, virtuoso de la guitarra eléctrica, formó el legendario Add4 y alcanzó la fama, mas tarde se volcó al rock psicodélico y sus hijos y nietos siguen sus pasos dejando huella en el rock de ese país. En los circuitos de bares y clubes del ejército norteamericano en Corea le conocían como “The Kinetic Jackie and His Electric Guitar”, por su rapidez y contorsiones al mas puro estilo Hendrix.

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seguro con los discos de la soldadesca y ahí estaba Shin Jung-Hyun, “el padrino del rock coreano” para absorber todo el rock and roll que pudo. Empezó su carrera a mitad de los años cincuenta y pronto estuvo tocando para los soldados americanos que se quedaron impresionados con su estilo dándole la posibilidad de grabar discos. Su primer trabajo data de 1959 y está compuesto íntegramente por versiones de canciones tradicionales coreanas. En 1962 forma los Add 4, la primera banda de rock propiamente dicho, con un estilo similar a The Ventures. Más tarde se pasará a la onda sicodélica, siendo otra vez pionero en su patria, su cover de “In-A-GaddaDa-Vida” de los Iron Butterfly es un disco legendario.

Japón En junio de 1966, los Beatles visitan Japón para realizar una serie de conciertos en el legendario Budokan Hall de Tokio. Como en el año anterior con la visita de The Ventures, se creó una excitación nacional entre los adolescentes y de la noche a la mañana empiezan a formar grupos, tocando sus instrumentos y adoptando las modas y estilos. Ciertamente la influencia de los Beatles y otros grupos ingleses ya llegaron antes de 1966 (había un grupo llamado The Tokyo Beatles, quienes grababan en japonés varias canciones de los Beatles desde 1964), pero la oportunidad de ver en vivo a sus ídolos fue la chispa que inició la explosión del rock en Japón. Esta nueva ola fue llamada “Group Sounds”, pues a los japoneses les resultaba muy difícil pronunciar correctamente “rock and roll”. El nuevo término fue acuñado supuestamente en el programa de Yuzo Kayama en 1964; debido a que la nueva música se pronunciaba “Lock ‘n’ Lorr”, Kayama sugirió “Porqué no lo podemos llamar Group Sounds?” A partir de ahí los medios y los fans de todo el Japón comenzaron a usar el nuevo término. El primer disco de los Group Sounds (GS) fue “Furi, Furi” (“Sacúdete”), realizado por Crown Records en mayo de 1965,

por un reciente grupo de “rockabiri” llamado The Spiders. Luego en marzo de 1966, el grupo Jackey Kichikawa and the Blue Comets realizan “Aoi Hitomi” (“Ojos Azules”) para la CBS, disco que eventualmente alcanzó la venta de un millón de copias. Estos dos discos tuvieron un gigantesco impacto en la escena rockera japonesa, así como en la industria de la música. Los Blue Comets, son aún hoy uno de los tesoros nacionales del Japón, y continúan tocando ocasionalmente en shows televisivos. Comenzaron hacia 1963 como grupo instrumental, pero añadieron también a cantantes como Akira Fuse en su hit “Let’s Do the Swim”. Los rostros sonrientes, el toque del flautista/saxofonista Tadao Inoue y el guitarrista Tasunaki Mihara permanecen como recuerdo inborrable de la época dorada del NHK-TV. Gracias a su tema “Blue Chateau” fueron invitados al show de Ed Sullivan en los USA donde cosecharon gran aclamación con una versión mitad en inglés y mitad japonés. The Spiders son conocidos también como pioneros de los Group Sounds, se formaron en 1961 de la mano del baterista Shochi Tanabe, quien llegó a trabajar como músico acompañante de varios grupos ingleses. En sus comienzos tocaban Country & Western, pero con

la adición del joven vocalista Jun Inoue, los Spiders comenzaron a tomar vuelo, gracias a su gran calidad musical. Para el año 1964, el grupo tenía, además de la batería, dos guitarristas, dos vocalistas (uno de ellos Masaaki Sakai, logró gran suceso en el cine y la TV) y un organista, adoptaron el estilo de las bandas británicas como The Animals, Beatles, Kinks y Rolling Stones, abriendo conciertos en tours de bandas como The Beach Boys, The Ventures, The Animals y The Astronauts. A partir de 1966 empiezan a sacar álbumes con composiciones propias y covers, entre las que destacan: “Chibi No Julie”, “Narebaii (Upside down)” y el hit “Nanntonaku Nantonaku”. En 1967, al más puro estilo Beatles/Monkeys, se

The Spiders fueron una de las tres mejores bandas de la era Group Sounds. Todos sus aún siguen activos en el mundo del espectáculo.

The Blue Comets 453

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dedican por completo a filmes musicales como “WILD SCHEME-A-GO-GO”, y en 1968 “GO FORWARD”, “THE ROAD TO BALI” y “BIG COMMOTION”. Para 1969 sin embargo la carrera de los Spiders con los Group Sounds llega a su final. Yuzo Kayama, es uno de los músicos y actores de cine y TV más populares del Japón, nacido en 1937, hijo de un famoso actor de los años 30 Ken Uehara, Yuzo se hizo una gran estrella en los 60 gracias a los filmes “Wakadaishô” y “Young Guy”. Como guitarrista, al mando de su grupo “The Launchers” (Osamu Kitajima, 2a. guitarra, Yuzo Watanabe, bajo y Ei Kitajima en batería), se inspiró en los Ventures y comenzó tocando surf rock con su toque personal y su querida guitarra Mosrite. Se paseaba por Osaka con su aire de surfista (incluida la tabla) aunque no estuviera cerca de la playa. Dos de sus grandes éxitos instrumentales “Black Sand Beach” y “Yozora No Hoshi” fueron grabados por los propios Ventures, dejando en claro la calidad del artista nipón. Yuzo Kayma es también acreditado como el que acuñó el término “Group Sounds (GS)” en un show televisivo en 1964. Como cantante es muy recordado en su patria por la balada “Kimi To Itsumademo” que salió en 1965 y vendió más de 3 millones de copias; además de otros grandes hits como “Boomerang Baby” (en inglés) y “Mafuya No Kaerimichi”. Sigue actuando a pesar de los años y recogiendo los aplausos como siempre. Kyu Sakamoto (“Kyu chan”) fue otro cantante que tiene la distinción de ser el único artista japonés en haber alcanzado un éxito internacional con la canción “Ue o muite aruko” (conocida en occidente como “Sukiyaki”), aunque cantado 454

completamente en japonés, llega al número 1 de los Billboards en 1963. La canción es la historia de un chico con el corazón roto, aunque en la canción no se menciona en ningún momento al “sukiyaki”, se necesitaba de un término pronunciable en el occidente y asociado con el Japón. Kyu viajó a los USA para presentarse en el famoso show televisivo de Steve Allen, donde presentó su tema y divirtió a la audiencia con su simpatía. En años posteriores, Kyu Sakamoto dedicó su vida a cuidar ancianos y minusválidos, alejándose de la música. Otra de sus recordadas canciones fue “Ashita ga Aru Sa” (”Siempre hay un mañana”), que fue elegida como tema principal de las Olimpiadas Especiales de Tokyo en 1964.

Emy Jackson, nació en Japón pero creció en Inglaterra, realizando el super exitoso “Crying in a storm” en 1966 con el que alcanzó la fama, en plena época de los Group Sounds. Le acompañaron en la grabación The Smashmen, quienes tocaban surf rock al estilo de The Ventures quienes fueron la gran influencia de los grupos japoneses. “Crying in a storm” tuvo tal éxito que fue versioneado por otras cantantes y grupos como la china Rita Chao y los tailandeses The Quests.

Previamente al surgimiento de los Group Sounds, los aspirantes a compositores debían firmar exclusivamente con compañías discográficas y sumirlos en agotadoras sesiones y prácticas con directores. Pero el escritor del éxito de los Blue Comets, Jun Hashimoto, era “freelance”, y con el éxito de su canción se rompieron las reglas establecidas en la industria musical japonesa. A partir de ahí, los grupos de GS comenzaron a desarrollar su propio estilo distintivo, caracterizado por disonantes melodías orientales y la tendencia de ir desde una suave balada a un enérgico pop, dejando de lado la mera imitación. En 1967, bandas con nombres “mod” como the Spiders, the Tempters, the Carnabeats, the Jaguars, y the Tigers, hacían sus primeras grabaciones. Estos llegaron al tope de la popularidad con sus correspondientes escenas salvajes de histeria a semejanza de la beatlemanía. También hicieron filmes orientados al público adolescente, similares a las películas de rock británicas y norteamericanas. “Wild Scheme A-Go-Go (1967), “Go Forward!” (1968), “Big Commotion! (1968) y “Hey You, Go! (1968), tenían sosos argumentos pero muy buenas can-

ciones. Los Spiders, incluso viajaron a los USA y Gran Bretaña para grabar y llegaron a actuar en el programa de TV británico “Ready, Steady, Go!”, pero aunque no logaron el éxito afuera, se hicieron de status en el Japón. Por el lado negativo, las bandas de GS eran muy controladas por sus productoras, una de las más grandes, Watanabe Productions, que tenía en su poder a The Tigers, utilizaba durísimas cláusulas y largísimos contratos. A pesar del hecho de que los mayores éxitos de las GS eran suaves tonadas románticas, sin canciones de tono político o social, las generaciones mayores veían con malos ojos a estos grupos, especialmente cuando los jóvenes se escapaban de sus casas y colegios para asistir a los conciertos de sus ídolos y creando escandalosas escenas de histeria colectiva. Durante 1967 y 1968, muchos colegios japoneses empezaron a expulsar a los alumnos que iban a los conciertos de los GS y las comunidades locales comenzaron a prohibir sus conciertos. Para finales de 1967, la NHK (entidad de control de grabaciones) censuró a los “pelilargos” de las ondas radiales. En un

The Tempters

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intento de congraciarse con la juventud, la NHK llegó a presentar al grupo Bluecomb como ejemplo de lo que debía ser una banda de GS, pelo corto, ropa conservadora, sin movimientos sugestivos, etc. Naturalmente, esto casi destruye la carrera del grupo, pues los jóvenes los consideraban traidores, llegando incluso a boicotear sus conciertos y discos. A pesar de los esfuerzos del “establishment” de erradicar la “amenaza”, hacia 1969 ya existían en Japón más de 2.000 bandas de GS y la competencia de las disqueras se volvió incontenible, reduciendo la calidad musical en favor del comercio. Fue entonces cuando los fans comenzaron a abandonar a las GS en favor de grupos mas “hard”, influenciados por Hendrix y Led Zeppelin, quienes practicaban el llamado “New Rock” o de melosos cantantes-compositores muy de moda en los primeros setentas. Para 1971 la mayoría de los grupos de GS se habían separado y muchos ex se dedicaron a la conducción de programas de variedades y actuaciones al más puro estilo de Las Vegas.

Bandas clave de Group Sounds

The Tigers fueron una de las bandas más grandes de la era “group sounds”, y fue el trampolín para la carrera del legendario entertainer Kenji Sawada.

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A parte de los ya mencionados anteriormente, hablaremos un poco de otras bandas no menos importantes de esta era dorada. The Tigers fueron la banda más popular de la era de los Group Sounds. El grupo incluyó al cantante y entertainer Kenji Sawada al cual el grupo le sirvió de trampolín a la fama cuando se dedicó a su carrera solista. Anteriormente se llamaban The Funnies, actuaban en cafés de jazz (jazz kissa) de Kyoto pero no consiguieron nada hasta mudarse a Osaka; allí consiguieron su primer contrato en 1966 con la poderosa Watanabe Productions lo que les dió el empujón que necesitaban. En su primera aparición televisiva en 1967 cam-

bian definitivamente su nombre a The Tigers. El 24 de enero de 1971 dan su último concierto en el Budokan Hall y se separan. Después de esto, Sawada forma el primer Super Grupo de rock japonés, PYG en 1971. The Golden Cups otra de las grandes bandas que estaban en la movida a fines de los 60. La banda que incluía al cantante Dave Hirao, al guitarrista Eddie Ban y al bajista Masayoshi “Mabo” Kabe, hacían un estilo bluesy un tanto diferente a otras bandas, consiguiendo varios exitosos singles, de los cuales el más notable es su versión de “Hey Joe” que apareció en varias recopilaciones y sigue cosechando iradores entre jóvenes músicos aún hoy, lo que explica el éxito en 2005 de un filme documental sobre los Golden Cups. The Mops fueron la banda representativa del sonido psicodélico y de garage japnés, activos desde finales de los 60 y principios de los 70. The Mops se formaron en 1966 por un grupo de compañeros de secundaria: Mikiharu Suzuki (batería), Taro Miyuki (guitarra), Masaru Hoshi (guitar), y Kaoru Murakami (bajo).

Comenzaron como grupo instrumental tipo The Ventures, pero cambiaron de estilo cuando entra como vocalista el hermano de Mikiharu, Hiromitsu Suzuki. El grupo se inclinó hacia el rock psicodélico al estilo de grupos hippie de San Francisco como Jefferson Airplane e inspirados en The Animals. En noviembre de 1967 lanzan su primer single “Asamade Matenai” que entra en los Top 40. En abril del 68 lanzan su primer álbum “Psychedelic Sound in Japan” con covers de Jefferson Airplane, The Animals y The Doors. No obtuvo gran éxito comercial, pero los medios de prensa le dedicaron mucha atención por ser el primer grupo psicodélico del Japón. En 1969 firman con Liberty/Toshiba/EMI y se embarcan hacia un sonido más blues rock, cosechando nuevos hits con “Gekko Kamen (Moonlight Mask)” y “Goiken Muyo (No Excuse)” ambos de 1971. Despupes de varios álbumes el grupo se separa en 1974. Después de la separación, Hoshi y Suzuki prosiguieron su carrera como arreglistas y productores musicales. The Carnabeats es otro de los grupos más conocidos de esta era, conocidos incluso fuera de sus fronteras por sus excelentes versiones japonesas de hits de

grupos como The Zombies, The Who o The Loving Spoonful. El núcleo de la banda era el baterista Ai Takano que por entonces tenía apenas 16 años, y su amigo, el guitarrista Jiro Kitamura, con quien comenzaron a tocar a comienzos de 1967 en Yokohama. Ambos no se decidían a unirse a ninuna banda profesional por lo que decidieron hacer la suya. Kitamura llama a sus amigos, el guitarrista Hiroshi Koshikawa y el cantante Keichi Usui de Nagoya; se les une más tarde Tadao Oka en el bajo. Deciden llamarse primeramente “Robin Hood”, pero luego adoptaron el nombre de Carnabeats, inspirados en la famosa calle londinense Carnaby Street. El repertorio consistía mayormente en covers, pero en 1967 consiguen su primer gran hit en lengua japonesa con “Sukisa, Sukisa, Sukisa (I Love You)”, cover de The Zombies. El single consigue un masivo suceso que catapulta al grupo a la fama. Su siguiente simple “Koioshiyoyo Jenny” también consigue gran éxito. Le siguieron “Suteki Ni Sandy” que llegó a aparecer en recopilados extranjeros como “I Love You

Los Carnabeats sólo se mantuvieron vigentes unos dos años y su sonido quizás suene muy kitsch hoy en día, pero no cabe duda que fueron uno de los grupos más conocidos y exitosos, incluso fuera del Japón.

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LA ERA DEL ROCK

Sandy” y un original “Chu! Chu! Chu! (Kiss, Kiss, Kiss)” que era un tema sin muchas pretensiones pero de todos modos fue otro gran suceso para la banda. Tras una seguidilla de éxitos vino el desbande y finalmente se separan en 1969 tras grabar un solo álbum. Después de ésto Takano se va a formar parte de The Golden Cups. The Tempters se formaron en un suburbio de Tokyo en 1965 gracias a dos amigos del colegio, el guitarrista Toshio Tanaka y el bajista Takaku Noburo. Empiezan a ensayar e invitan a otro guitarrista amigo, Yoshiharu Matsuzaki, con quien consiguen actuar en pequeños clubes, versioneando a The Ventures. En eso conocen al cantante Keizo Hagiwara, que luego adoptó el nombre artístico de Kennichi Hagiwara, conocido también con el sobrenombre de Shoken. Con un vocalista en la banda, expanden su estilo y modernizan su sonido, interpretando temas de los Rolling Stones. En 1967 firman con Spiduction (hoy Tanabe Agency), quienes manejaban a los Spiders. Ese año la alineación se completa con el baterista de 16 años

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Hiroshi Oguchi, con quien realizan su primer simple que fue todo un hit, “Wasureenu Kimi”/ “Kyo wo Ikiyo ( Let’s Live For Today)”. Su segundo simple “Kamisama Onegai”/ “Namida o Egaoni”, llega al puesto número 2 en las listas. Ambos temas fueron compuestos por Matsuzaki. Su primer número 1 lo consiguen con una balada a la cual no le tenían mucha fe: “Emerald - No Densetsu” (“Legend of the Emerald”), realizada en julio de 1968 se mantuvo en el primer puesto por dos semanas y se mantuvo en el Top 10 por otras 13 semanas, logrando ventas por más de un millón de copias. Ese año lanzan su primer LP, que también alcanza el éxito. En ese tiempo las bandas de Group Sounds estaban en la mira de los moralistas y eran considerados peligrosos. The Tempters intentan tranquilizar a las mamás con su tierna “Okaasan (Mi Mamá)”, pero cuyo lado B era un guiño a las hijas adolescentes “Himitsu no Aikotoba (Palabra Secreta)”. En 1969 graban dos álbumes más y un tercero lo realizan en diciembre en Memphis, EE.UU. Para diciembre de 1970 The Tempters dan el carpetazo y sus se reparten entre varias agrupaciones. Sus dos clave, Oguchi y Hagiwara son hoy actores de gran éxito. The Jaguars estaban formados originalmente por Yukio Miya (batería), Hisayuki Okitu (1a. guitarra), Koichi Miyazaki (2a. guitarra), Sin Okamoto (voz), Yasuji Sato (teclados), Mikio Morida (bajo). Los Jaguars fueron también muy queridos. Su debut lo hacen con “Want You See Again (Kimi ni Aitai)”, el primero de varios éxitos movidos y pegadizos. También incursionaron en el cine, protagonizando su propia película, “Jaguars Tekizen Jyouriku” en 1968, una comedia inspirada en “Help!” de los Beatles. A pesar del éxito, el líder y baterista Miya sale del grupo por conflictos internos y forma un nuevo grupo lla-

mado New Jaguars quienes hacen unos pocos singles sin mucha relevancia. Para 1971 las GS ya habían pasado de moda y los Jaguars así como otros grupos pasaron a otra cosa.

ROCKIN’ ROMA A fines de los 50 y comienzos de los 60, Italia estaba dominada por las baladas románticas, il canto popolare, el rock suave y profusamente orquestado de Paul Anka, Neil Sedaka (que incluso tenían sus versiones traducidas al italiano) y estilos como el de los Teen Idols, quienes en su mayoría eran descendientes de italianos venidos a los EE.UU. Así estaban Little Tony, quien se había iniciado cantando para los turistas norteamericanos, grabó éxitos como “Princess” o “Rock per Judy” hacia 1961; en una línea más orquestada y divertida estaba Giorgio Gaber e la sua Rolling Crew, pero ambos no se pasaban de revoluciones. Por esa época, reivindicando el sonido rockero italiano apareció el que sería el pionero de los cantantes-compositores de rock and roll, Piero Ciampi, quien se cambió luego a Piero Italiano en 1963. Pero el primer genuíno “rocker italiano” fue Adriano Celentano quien se consagró en el primer festival de Rock & Roll que se realizó en Italia, precisamente en el Palazzo del Ghiaccio de Milano, en 1957. En 1958 grabó sus primeros temas, clásicos del Rock & Roll que interpretaba en un inglés muy particular: “The Stroll”, “Jailhouse Rock”, “Blueberry Hill”, “Tutti Frutti”. En 1959 comenzó a interpretar temas propios y de otros autores italianos: “I Ragazzi del Juke Box”, “Il Tuo Bacio é Come un Rock”, “Movimento di Rock”, “Blue Jeans Rock” y “Personality”. Se presentó en 1961 en el  Festival de San Remo, obteniendo el segundo puesto con “24.000 Baci”, que vendió más de un millón de copias. Otros éxitos de

ese año fueron “Non Esiste L’ Amor” y “Buona Sera Signorina”. En 1962 fundó “Clan Celentano”, su propio sello grabador, y protagonizó su primera película, “I Frenetici”. Durante toda la década sigue colocando sus temas entre los más vendidos: “Si è Spento il Sole”, “Grazie, Prego, Scusi”, “Peppermint Twist”, “A New Orleans”, “Stai Lontana Da Me”, “Il ragazzo della via Gluck”, “Una Notte Vicino al Mare”, “Ciao ragazzi”, “Sabato Triste”, “Azzurro”. Siguió su carrera como cantante y artista de cine y TV.

En Italia, los años del “Ye Ye” etaban dominados por cantantes al estilo de Paul Anka o Neil Sedaka, pero también tuvieron sus rockers como Adriano Celentano, quien aparece en esta postal de 1960.

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LA ERA DEL ROCK

KRAUT ROCK

Gerd Böttcher dejó la jardinería por el rock y se convirtió en uno de los primeros ídolos adolescentes alemanes.

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El rock and roll propiamente dicho vino directamente de los USA a la Alemania Federal, por influencia principalmente de los soldados de los ejércitos de ocupación luego de la Segunda Guerra Mundial. La popularidad de bandas como Bill Halley y Sus Cometas lograron impulsar la formación de varios cantantes y grupos similares, hoy casi olvidados si no desconocidos. Entre los pioneros del rock and roll y twist alemán estaban Gerd Böttcher uno de los primeros “rockeros de secundaria”. Este profesional de la jardinería decidió tomar clases de canto, que alternaba con apariciones en una orquesta de baile de Berlín. El productor y director de orquesta de Werner Müller, le consiguió un contrato de grabación con Decca en 1960. Müller produjo con Böttcher hasta 1965 veintidós placas, incluyendo seis hits en los diez primeros lugares en el hit parade alemán. Sus primeras grabaciones fueron en su mayoría versiones en inglés de éxitos como Jambalaya, o “It’s now or Never” de Elvis. Böttcher consigue su mayor éxito en 1962 con “Geld wie Heu”, versión de “Johnny Will” de Pat Boone, se colocó en el tope de las listas por 25 semanas. A éste le siguió “Für Gabi tu ich alles” (número 4 y 23 semanas). En el otoño de 1967 fue la última vez que una de sus canciones lega a las listas. Grabaciones con otros sellos no tuvieron éxito, y a eso se sumó la adicción al alcohol y problemas fiscales. Aún así logró sobreponerse para regresar a mediados de los 80. El número total de su historial de

ventas ascendió a 8 millones de discos vendidos. Quizás más famoso aún era Ted Herold, quien hacia 1958 se convirtió en el Rey del Rock e ídolo para toda una generación. Harald Walter Bernhard Schubring comenzó a interesarse por la música de Elvis, Chuck Berry, Bill Halley y Buddy Holly estando en la secundaria. Allí convenció a un grupo de amigos para formar su primer banda. En 1958 consigue su primer contrato profesional con el sello Polydor y ese mismo año graba sus primeros dos singles, temas de Elvis en lengua alemana con el productor y director de orquesta Bert Kaempfert. Fue también en los estudios de Polydor en Hamburgo que cambia su nombre a “Ted Herold”. Grabó numerosos temas y participó en 15 películas para adolescentes desde 1958 hasta 1965 obteniendo el favor del público adolescente. “Moonlight” es una canción de culto y su mayor éxito. La convocatoria del Ejército fue el

Peter Kraus obtuvo su primer éxito con “Tutti Frutti” en 1957 y tras 50 años de carrera todavía sigue dando batalla compitiendo con bandas mucho más jóvenes. Otra ídola del rock adolescente fue Conny Froboess quien apareció en dos películas super taquilleras al lado de Peter Kraus y los convirtió a ambos en LA pareja del pop alemán.

final de su carrera. Con la reactivación de rock and roll de los años 80 Ted Herold ha tenido más éxito que nunca y es garantía de gran espectáculo en cada una de sus presentaciones hasta hoy. Otro de los ídolos incombustibles hasta nuestros dias es sin duda Peter Kraus, personaje que se encuentra en la conciencia colectiva alemana en un 90%. Cantante y actor, Peter Kraus fue apodado “el Elvis alemán”. Hijo del director austriaco y artista de cabaret Fred Kraus ya había tomado lecciones de canto y actuación durante su años de escuela. Después de su primer single, “Tutti Frutti” (1957) de Little Richard, se convirtió en el primer rock star adolescente. Entre 1957 y 1964 tuvo muchos éxitos incluyendo “Susi Rock” (1957), “Sugar Baby” (1958) y “Tigre” (1959). Desde entonces, sigue haciendo giras y discos como “Rock ‘n Roll is Back” (2004) y “I Love Rock and Roll” (2007). Peter Kraus vendió más de 17 millones de discos hasta la fecha. Otra de las estrellas alemanas de esa primera época del rock and roll, era Cor-

nelia Froboess, Conny para sus fans; cualquier similitud con la Connie Francis norteamericana no es pura coincidencia. “Die kleine Cornelia”, se convirtió en ídolo adolescente tras el éxito de “Diana” (de Paul Anka) que grabó en 1958 alcanzando el número 2 en los Hit Parades de Alemania Federal; más tarde se convertiría en una respetada actriz de cine, teatro y TV. Sus películas musicales con cantantes como Peter Alexander fueron satisfactorias. Pero sus comedias con Peter Kraus como “Wenn die Conny mit dem Peter” (1958) los convirtió en “la pareja soñada” del mundo musical alemán. Su “Conny und Peter machen Musik” (1960) fue el mayor éxito de taquilla de ese año. Se retiraría de la música hacia mediados de los 60 pero no del mundo artístico. Pasando esa primera ola de rock, el rock alemán fue evolucionando rápidamente y produjo bandas innovadoras e influyentes en diversos géneros como el New Wave, Electrónica, Heavy Metal, Punk e Industrial. 461

LA ERA DEL ROCK

DUTCH ROCK

El Indo-Rock es el género más conocido dentro del rock holandés, que floreció entre 1958 y 1963, y que fue introducido por inmigrantes de las ex colonias holandesas de Indonesia. Andy Tielman (Tielman Brothers), The Blue Diamonds y los Crazy Rockers, estaban en la punta. En esos días, docenas de singles fueron lanzados por las bandas de Indo-Rock con gran éxito en Holanda, Bélgica e incluso Alemania.

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En 1955 la escena rocanrolera de los USA emerge también en Holanda gracias a los discos que entraban por el puerto de Rotterdam, que es el más grande de Europa. Pero fue entre los años 1956 y 1957 cuando ocurrió la verdadera explosión; las Melody Sisters lanzan “Rock Around The Clock” de Bill Halley, las seguían Andy Field con “On The Beach Of Bali Bali / Oh Oh Marie”, De Jonkers & De Joffers con “Bellow’s Rock & roll”, The Bee Bee Sisters con “Rock And Roll Waltz / Dungaree Doll”, Cees de Lange con “Rock & Roll”, De Spelbrekers hicieron una versión en holandés de “Rock Around The Clock”, Eddy Christiani y su “Ik Fluit De Rock & Roll”, De Drie Kleine Kleuters con “Opa’s Rock And Roll”, Rudy Wairata & The Hawaiian Minstrels con “Rock And Roll And Breezes” y “Honolulu Rock-A Roll-A”. En 1958 ocurrió un gran cambio en la escena rockera holandesa. Hasta entonces quienes hacían ese alocado y humoristico ritmo eran adultos y profesionales de la música, pero a partir de ese año, despertó la conciencia adolescente (como en todos los otros países), ellos tomaron la escena por asalto, rempla-

zando los “novelty” por el “Highschool Rock and Roll”. También se crearon tres corrientes en la escena local: el rock “blanco”, hecho por holandeses naturales (“nederrock”); el “blue/black” rock & roll, hecho por inmigrantes de las ex colonias holandesas de Indonesia, más conocido como “Indo Rock” y el más pequeño “Surirock” de los jóvenes provenientes de Surinam, cuyos mayores representantes fueon Max Woiski Jr., Marius Monkau y Los Crazy Rockers, formados en 1960, liderados por Prakasha Rampersad quien invitó al excelente y reconocido guitarrista Woody Bruning (por entonces de 16 años) llevando al grupo a un estatus internacional. A The Tielman Brothers (indo rock) les corresponde el honor de ser los primeros holandeses en grabar un simple de rock and roll adolescente, “Rock Little Baby Of Mine / You’re Still The One” ambos temas propios, registrados en el sello Fernap Records de Bruselas en 1958. A partir de 1959 le siguieron la manada: Peter Koelewijn & Zijn Rockets, Ria Valk (la “Elvis” holandesa), The Black Dynamites, Fred Franken & The Rocking Diamonds, Shirley Zwerus (la Connie Francis holandesa), The Fouryo’s (primer grupo vocal adolescente), Lydia & The Melody Strings, Pim Maas (el Elvis de Holanda) & De Presley Cats, Rein de Vries y muchos otros... Pero fueron pocos los que lograron verdaderos hits: Peter Koelewijn con “Kom Van Dat Dak Af” (el primer hit en idioma holandés) y Ria Valk en 1960 con “Hou Je Echt Nog Van Mij Rocking Billy?”. Lydia (Tuinenburg) tuvo un masivo suceso en 1959 con una canción country pero al estilo Indo, “Send Me The Pillow”. Recién en 1960 la industria disquera holandesa (Philips, Decca, Fontana, Omega, Delta, CNR, Imperial) vio al rock and roll como negocio. Por esa época llegan los indonesios Blue Diamonds

arrasando con su hit “Ramona”, a ellos siguieron otra larga lista de rockers adolescentes como Harry Bliek, quien tuvo un éxito con un cover de Ricky Nelson “Hello Mary Lou”. A partir del 62 entran en escena los “Teen Idols” locales, Rob de Nijs (“Ritme Van De Regen”) y Johnny Lion. Mientras tanto muchos grupos se volcaban a tocar como los ingleses Shadows y Cliff Richard. Entre los más conocidos destacan René & The Alligators, The Jumping Jewels, Electric Johnny & The Skyrockets, Johnny & The Cellar Rockers y Willy & The Giants. Lentamente la escena “beat” iría desplazando al primigenio rock and roll, trayendo los aires beatlemaniacos para renovarlo. Esto fue más patente entre los grupos “blancos” (nederrock) quienes se sentían más identificados con el nue-

vo estilo, no así los del “indo rock”. Esto duró hasta 1966, cuando el último disco de rock and roll fue registrado y la escena musical local cambiaba con la época.

EUROPA DEL ESTE

Algunos representantes de las corrientes rockeras en Holanda: The Fouryo’s, Peter Koelewijn, The Crazy Rockers, Lydia & The Melody Strings, Willy & The Giants y The Torero’s.

Durante la Guerra Fría, la Cortina de Hierro, impuesta por los soviéticos, no impidió que el rock and roll penetrara también en los países del este de Europa, y otra vez son los puertos comerciales y los marineros quienes ayudaron involuntariamente (o no) a este fenómeno. Quizás tardó un poco más en llegar y los gobiernos comunistas evitaban por todos los medios la influencia capitalista, pero los jóvenes no dejaron pasar la oportunidad de expresarse de la única forma que podían. 463

LA ERA DEL ROCK

Checoslovaquia y Hungria

los Olympic fueron la banda top en la Checoslovaquia comunista.

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Como en otros países, quienes primero se prendieron al rock and roll y twist eran las orquestas de jazz, que amenizaban los bailes con su nuevo ritmo, destacaron en Checoslovquia bandas como Karel Vlach and His Orchestra, Gustav Brom, Ladyslav Bezubka and His Orchestra, Josef Vobruba Orchestra y sobre todo la Slàva Kunst Dance Orchestra dirigida por Sláva Kunst celebrado director de orquesta checo y que junto a su grupo acompañó a muchos cantantes en los 60; lograron grabar numerosos discos en los más variados estilos musicales, incluyendo rock and roll y twist, cosechando gran suceso en su país y en otros de la Europa del Este. El guitarrista Karel Duba destacó en la orquesta de Kunst y luego con su propio grupo como uno de los mejores instrumentistas de rock and roll de los 60. En otro ámbito, los Olympic fueron la banda top en la Checoslovaquia comunista. Comenzaron como una banda

de rock and roll, pero a fines de los 60 se vuelcan al rock progresivo. Otros checoslovacos fueron The Matadors y The Flamengo Group. Omega es una de las bandas de rock húngaras más exitosas. Formados en Budapest en 1962 por el trompetista y tecladista László Benks (“Laci”) y el guitarrista y cantante János Kóbor (“Mecky”). Empezaron haciendo covers de bandas inglesas y norteamericanas y cambiaron varias veces de . A partir de 1967 empiezan a crear sus propios temas y graban tres LP muy influenciados por los Beatles, pero con una mirada visionaria hacia el rock psicodélico y progresivo. Omega ha conseguido un gran éxito internacional a través de grabaciones en varios idiomas y de giras por Inglaterra y Alemania a finales de los 60 y principios de los 70. Su canción “Gyöngyhajú lány” (“Pearls In Her Hair”) de 1969, se convierte en un hit internacional y es versioneado en varias ocasiones, inclusive por los Scorpions en 1995. Siguieron tocando y grabaron 10 LP más hasta 1987. Después de varios años de inactividad vuelven a reunirse en 1994. Siguen saliendo de gira hasta hoy por toda Hungría, Eslovaquia, Alemania y Rumania. Por su parte países más cerrados a las influencias occidentales como Yugoslavia o Rumania tenían menos movimien-

Omega en 1967, banda húngara de culto formada en 1962. Alcanzaron la fama internacional en 1969 gracias a una gira por Inglaterra y Alemania Federal.

to rockero, la música occidental se dirigía más hacia el jazz e incluso al tango, pero aún así destacaron los yugoslavos Siluete con una onda Rolling Stones, los rockeros Crveni Koralji, Bijele Strijele y el cantante Matt Collins. En Rumania la tendencia rockera arrancó gracias al filme británico “The Young Ones (1961)” protagonizada por Cliff Richard. surgieron algunos grupos como Uranus (1961), Cometele (Los Cometas, 1962) y Entuziastii (Los Entusiastas en 1963). Estos eran parte

de lo que hacían llamar “Grupos de Guitarras Eléctricas” (Formatii de Chitare Electrice) porque en esa época en Rumania (como en otros países del Este) era prohibido y hasta peligroso llamar a esa música “rock and roll”.

Polonia El primer grupo polaco, que se arriesgó a la propagación del rock se llamó simplemente Rhythm and Blues, fue fundado en 1959 por Bogusław Wyrobek (voz y líder) y el papel de “cortina” lo hacía Marek Zielinski, cantando al estilo folklórico. El 24 de marzo de 1959 en el club “RUDY Kot” en Gdansk, se realizó el primer concierto en Polonia, de una banda de rock and roll. No tenían repertorio propio, cantaban temas de Elvis Presley, Bill Haley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka y Tommy Steele. A pesar de la aceptación del público, su existencia fue muy breve. Las actividades del grupo sólo duraron 7 meses e incluyó 39 eventos. Pero nadie dudaba de que sería sólo el comienzo. 465

LA ERA DEL ROCK

En la Polonia comunista de los sesenta dos grupos se alzaron con la popularidad juvenil Czerwono Czarni (rojos y negros) y Niebisko Czarni (azules y negros), ambos lograron destacarse a pesar de la dura represión, ya que alternaban el twist con música folklórica.

Czerwono Czarni (Los Rojos Negros) siguió la tradición y el repertorio del grupo Rhythm and Blues, pero con un nombre diferente para no llamar la atención de las autoridades. Dejaron también de utilizar el término “rock’n’roll” y los sustituyeron por “Big Beat” (Mocne Uderzenie). El primer concierto, anunciado por Jacek Fedorowicz, fue celebrado el 23 de julio de 1960 en el estudiantil Club Costa “JMS” en Gdansk, pero luego las autoridades culturales de la ciudad se endurecieron y siguiendo las instrucciones del gobierno, prefirieron no dar permiso para conciertos de rock’n’roll. Con todos los problemas, el grupo se disolvió, pero volvió a la carga en 1961 con gran éxito. El equipo ha cambiado con frecuencia de integrantes, y también

Otro grupo polaco que logró grabar era Dzikusy. 466

cambió la naturaleza de su música, pero durante muchos años el Czerwono Czarni tuvo una enorme popularidad tocando en Polonia, Alemania, Grecia, Checoslovaquia, Canadá e incluso los USA. En Polonia durante los 60 sucedía algo realmente extraño, la escena musical existía, pero sin discos. Por ese entonces había una sola compañía disquera controlada por el estado, Polskie Nagrania, que lanzaba los poquísimos discos bajo el nombre de Pronit o Muza. Poco a poco se fue abriendo el panorama con la introducción del sello Veriton (también estatal) que lanzó discos para adolescentes entre 1964 y 1966, impulsando (sin quererlo) a bandas beat como Dzikusy y Chocholy. Entre 1964-70, destacaron tres bandas de jóvenes “salvajes”. Uno de ellos actuaba bajo los auspicios del club HADES Empresas Municipales de Economía. Originalmente llamada Kawaliry, más tarde cambió su nombre por el de “Bach-elors luna”. El segundo grupo era Dzikusy (salvaje en polaco); El tercer equipo era más bluesero y se hacían llamar Blaszance. Otra de las grandes bandas polacas de los 60 fue Czerwone Gitary quienes dejaron su huella bien profunda en la juventud de su época. Jerzy Kossela inició el grupo en 1965 en la ciudad portuaria de Gdansk (el mayor

puerto de Polonia). Esa ciudad, a diferencia del resto del país, estaba siempre abierta a absorver nuevas ideas, por culpa (cuando no) de los marineros que viajaban por el mundo trayendo discos occidentales y reportando lo que ocurría del otro lado de la Cortina de Hierro. La formación clásica de Czerwone Gitary estaba compuesta por Jerzy Kossela, Krzysztof Klenczon (voz y guitarra), Bernard Dornowski (voz y guitarra), Seweryn Krajewski (bajo) y Jerzy Skrzypczyk (batería). Los dos últimos usaban nombres falsos porque en esa época aún estaban en el colegio y era prohibido que tocaran en una banda profesional. Juntos realizaron numerosos conciertos por toda la zona con el slogan “Somos los que tocamos y

cantamos más fuerte en toda Polonia” Su enorme popularidad le ayuda a que accedan al estudio para grabar un disco para las radios. En 1966 graban su primer EP (que era el formato estándard en Polonia en ese tiempo, los discos de 45 RPM eran mucho más raros que en occidente). El éxito fue tal que para finales de año ya tienen listo su primer LP, “To wlasnie my” lanzado en 1967. Su segundo album “2” logra vender 260.000 copias y la banda arrasa en todos los rankings y competencias. Su mayor influencia fueron desde luego los Beatles, en cuyo tren continuaron hasta la llegada de la psicodelia en 1969. A pesar del gran suceso alcanzado, Kossela deja la banda y lo mismo Klenczon se va en 1970 para formar Trzy Korony, un grupo mucho más hard. La banda continuó pero se alejó bastante del rock para finalmente terminar definitivamente en 1979. Otro destacado representante del beat polaco, originado en 1962 en Gdansk son los Niebiesko Czarni (Azules y Negros), compuesto por: Tadeusz Gluchowski (batería), Wojciech Korda (voz), Zbigniew Podgajny (teclados), Miroslaw Polarek (saxo tenor), Janusz Poplawski (guitarra), Krzysztof Potocki (bajo), Ada Rusowicz (voz) y Wieslaw Zakowicz (saxo alto). En su rica historia,

Maciej Kossowski uno de los mejores trompetistaa polacos y que militó en Czerwono-Czarni en 1966. Más tarde emigró a los USA donde tocó en numerosas bandas de jazz

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el grupo también incluye el cultivo del blues y del rhythm and blues. Los intentos de explotar estos estilos empezaron tímidamente en diciembre de 1964, cuando registran “Blues” una pista instrumental para la radio. Luego graban “I Alamost Lost My Mind” (sic) y, en el año siguiente, la canción “Powiedzcie jej (Dilo)”. “Alarm” sale en 1967, que situó al grupo y al blues en un alto status en Polonia. El grupo se disolvió en junio de 1976 tras el final de una larga gira por la Unión Soviética. En 1968 se hacía claro que Polonia necesitaba de un equipo capaz de salir de los límites y establecer o con el gran rock mundial, este equipo fue Breakout. Tadeusz Nalepa, talentoso compositor y músico, y Mira Kubasinska, de gran voz y experiencia, son los responsables y garantías de su éxito. El 27 de febrero 1968 se celebró en Varsovia, el debut oficial de la nueva formación y poco después consiguen realizar una gira por los Países Bajos, al lado de ban-

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das históricas como John Mayall, Frank Zappa, Jethro Thull, Blue Cheer, The Doors, Jefferson Airplane y Led Zeppelin. En noviembre del 68 tocan en Rotterdam y son elogiados por la prensa holandesa como superiores a los británicos Small Faces. Polonia hizo furor en un único gran esfuerzo que tenía letras originales, fuerza y expresión. Entre sus discos destaca el LP “Al otro lado del arco iris”, fue considerado “el álbum del año”. Tadeusz Nalepa también se ha ganado el título de “padre del blues polaco».

Alemania Oriental Después de la Segunda Guerra Mundial, muchas personas en el lado Este de Alemania (ocupada por los rusos), entraban a Berlín para conseguir discos de rock and roll de gente como Gene Vincent, Bill Haley, Jerry Lee Lewis y otros, pues sólo se conseguían en las grandes ciudades; aunque habían bandas locales no grababan discos y las tiendas orientales no poseían material “capitalista”. Después de 1963, cuando el infame muro de Berlín fue levantado, los jóvenes alemanes orientales no tenían ya más posibilidad que escuchar las radios FM “ilegales” del occidente. El rock era prohibido, secreto e ilegal, pero la presión de la juventud y algunas instituciones fue demasiado para el gobierno, por lo que se autorizó a lanzar algunos sencillos de

los Beatles bajo el sello Amiga, más tarde se lanzó un LP de los Fab Four. Y vino lo inevitable, la “nueva juventud” empezó a formar bandas y se abrieron clubes con típicos nombres socialistas hacia 1965, llamaban a su música “Big Beat” para evitar el nombre que recordaba demasiado al capitalismo. Aparecieron las primeras bandas como Die Sputniks, Franke-Eco Quintet, Die Butlers, Theo Schumann y otros, que tocaban versiones alocadas de los Ventures o los Shadows, con una mezcla de tonadas folkloricas. La banda más grande por aquellos días era sin dudas Die Sputniks, quienes lograron grabar algunos 45 RPM utilzando acompañamiento de voces conocidas en el ambiente. Die Sputniks cosechó muchos éxitos en la Alemania Oriental y se consideraron como “los Beatles de Oriente”. Grabaron también twist con Ruth Brandin en el sello Amiga, justo antes de la prohibición en la RDA, al tiempo en que esta banda totalmente inocua políticamente también fue prohibida. Otro músico recordado fue Theo Schumann quien también consiguió sacar varios discos, instrumentales en un 60%, con la pomposa frase de “música bailable para las nuevas generaciones”. A finales de 1965, por causa de ciertos escándalos protagonizados por los Rolling Stones, el gobierno se endureció contra los boliches rockeros, se cerraron locales y se quitaron las licencias a los músicos semi-profesionales (si, licencias para

tocar), por lo que la escena Beat estaba practicamente muerta. Hasta Theo Schumann tuvo que amoldarse y seguir su carrera como un nuevo pop star (vigilado) de la República Democrática Americana, RDA; así uno de sus peores temas vocales, “Es war ein Lacheln vor Dir” fue seleccionado como single y llegó a ser un gran hit en 1966. Todas las grabaciones posteriores (1966-69) fueron controladas por una comisión de control artístico. Aún así tenían fuerte influencia del beat occidental. Thomas Natschinski, líder de los Team Four, fue uno de los héroes de aquella oscura época, su único álbum “Die Strasse”, fue lanzado con muchas dificultades, hasta

Los Sputniks de la RDA haciendo twist con la cantante Ruth Brandin.

Theo Schumann y su Combo hacían un divertido rock and roll que sacudía los boliches de moda, hasta que llegó la prohibición. 469

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Thomas Natschinski y su grupo, originalmente llamados Team Four, tuvieron que agachar la cabeza y aceptar las condiciones del gobierno, pero aún así fueron héroes del movimiento rockero en la alemania comunista.

que fue boicoteado por que se utilizaba la palabra americana “Team”. El grupo no se amilanó y volvió a lanzar el mismo álbum bajo el nombre de “Thomas Natschinski und seine Gruppe”, consiguiendo ser uno de los más vendidos de la RDA. El álbum incluye un par de temas sosos de folk (cantadas por una chica) en un estilo Beatle/Byrds, pero también incluye el excelente “Ich hab lhr ins Gesicht gesehn” (que también fue el primer single de los Team Four), el tema cuenta la historia de un muchacho enamorado pero no correspondido, pero de repente la chica se fija en él... lógicamente la canción se convierte en una especie de himno para la juventud. Las armonías vocales son excelentes y los sonidos “nuevos” de las guitarras eléctricas suenan como los Beau Brummels, ¡mucho jingle-jangle!. Después de este éxito el grupo cambió su sonido a un pop mas diluído para desaparecer. Otro gran grupo fue The Satelliten from Gera. Un grupo de jóvenes, talentosos e inexpertos chicos que ganaron un concurso de aficionados y con ello la

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oportunidad de grabar dos canciones en los estudios de Amiga. ¡Y eso fue todo! Hubo un 45 en el mercado, pero es sorprendente que un año más tarde estas dos pistas se encontraron en un dico de compilación Orquestal, que no sería gran cosa si no fuera por la canción “Unheimliche Nacht” (“Scary Night”). Un increíblemente rápido ritmo de surf penetrado por un agresivo saxo. Probablemente no se les permitió grabar más, ya que podría haber sido demasiado bueno. De todos modos, en aquellos días después de 1965, las buenas bandas se convirtió en cosas raras, debido a las estrictas leyes, y que casi sumerge a la juventud de la RDA en un pop flojo y un falso sentimentalismo. Gracias a Dios que tienen sus vecinos dentro del telón de acero... El vecino comunista que tenía menos presión sobre sus artistas en los años 60, eran los checoslovacos The Matadors o The Olympics. Aunque la censura era completa en la RDA a finales de los años 60, sorprendentemente muchas bandas del vecino país tienen permisos para realizar conciertos en Alemania oriental. Solían tocar en la RDA y se les permitía cantar en Inglés, también (¡aunque a veces no se entendía una palabra!). Tras la apertura de las fronteras en 1989, algo realmente increíble sucedió: Todo el mundo quería deshacerse de su colección de discos locales, sólo los productos occidentales eran “buenos.” Tal vez cientos de miles de viejos 45 de Amiga y Lps simplemente se tiraron. Dos años más tarde, coleccionistas alemanes descubren la era “Big Beat”. A principios de los años 90, BMG adquirió la totalidad del repertorio del sello Amiga, incluyendo sus programas de radio inéditos. El primer CD fue lanzado a principios de 1993 por BMG, y de repente las viejas canciones de mediados de los años 60 fueron revalorizadas. Los Sputniks incluso se reformaron y registraron

un nuevo sencillo. También realizaron un par de conciertos y siguen en carrera.

Unión Soviética, folk y beat El Rock and roll llegó a la Unión Soviética después de el Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes realizado en 1957, pero pronto el Estado se dio cuenta de su “peligrosidad”. En la década de 1960 la música rock era subterránea, quedando una pequeña porción de pudientes que estableció o personal con el Occidente y tuvo la oportunidad de obtener un registro del rythm & blues y del beat británico, principalmente las de los Beatles y los Rolling Stones. Pero antes de eso, la música en la Unión Soviética estaba dividida en dos grupos: La música publicada por el sello Melodya y otros menores; y el segundo grupo lo componían los “bardos”, músicos y compositores folk underground. Estos bardos folkies como Vladimir Vysotsky y Bulat Okudzhava crearon un estilo que se llamó “avtorskaya pesnya” (canciones de autor), mucha de ella solo acompañada por una guitarra y caracterizada por un acento fuerte y líricas frecuentemente subversivas e inteligentes, que tomaba por sorpresa al gobierno y ganaba masiva popularidad. Mientras tanto el sello Melodya sacaba a la luz alguna de la música beat occidental. Así, a mediados de los años 60 aparecieron las primeras bandas beat de Rusia como Slavyane, Stranniki, Mify y Skomorokhi en Moscú; Avangard y Lesnye Bratya en San Petersburgo; y Pesnyary en Minsk. Para obtener un estado legítimo y el a público en general los primeros grupos de rock se disfrazaban como “Artistas Soviéticos de Variedades”, de esta manera llegó a existir decenas de conjuntos vocales e instrumentales, Vesyelye Rebyata, Poyushchie Gitary y el conjunto semi-folklórico

Pesnyary. Al mismo tiempo, la música rock se expandía, a través de intercambios culturales por el mundo socialista. A finales del decenio de 1960 el amor de juventud soviética por el beat Inglés y la música americana se convirtió en epidemia. En los colegios y universidades de las grandes ciudades existió un boom de grupos de rock de aficionados que tocaban las canciones de sus ídolos británicos, grupos americanos y europeos (por ejemplo, el super popular hit “Venus” del grupo de rock belga Shocking Blue). El primer festival propiamente de rock en este país se celebró en 1971 en la ciudad de Gorki (Nizhni Novgorod). Tuvo especial éxito Alexander Gradsky con su grupo Skomorokhi de Moscú y Ariel de Chelyabinsk. Estuvo también representada la variedad oficial soviética de rock en su etapa más superficial, como Chyorny Kot, Koroleva Krasoty, y otros.) La evolución continuó restringida hasta la llegada de la Perestroika en los 80 cuando el rock ruso empieza a salir de sus escondites para alcanzar la libertad tan esperada, pero esa ya es otra historia.

Vladimir Vysotsky fue uno de los “bardos” folkies más queridos de la ex Unión Soviética, sus canciones de protesta con letras inteligentes y atrevidas tomaba por sorpresa a las autoridades y cosechaba cientos de seguidores.

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CAPITULO 13

Haz el amor y la Guerra Flower power, psicodelia y los revivals

Es en este punto cuando los movimientos de protesta de los folkies y de los beatniks evolucionan al movimiento hippie, el de paz y amor, el del poder de la flor y no las armas. Una juventud más comprometida y consciente de las realidades, ellos creían que un mundo mejor era posible; Estados Unidos sin embargo ya tiene en Vietnam más de 400.000 soldados en una guerra no declarada. Miles de jóvenes buscaban otras experiencias a través de las drogas, la vida comunitaria, el desprecio por lo establecido y el amor libre. Surgen grupos como los Greateful Dead que no creían en el showbusiness, daban conciertos gratuitos y vivían en comunidad; otros como los Jefferson Airplane, protestaban contra la guerra y hablaban de las drogas abiertamente, pero también hubieron (cuando no) empresarios zagaces que vieron lo que se venía y convirtieron el sueño en negocio próspero. Este final de la década del 60 vió la aparente decadencia del rock hacia experimentaciones psicodélicas y su mezcla ya irreconocible con cuanto instrumento había para tocar. Pero también vió su resurgir como el ave Fénix, con toda su gloria y poder. Esta época es también la de los grandes conciertos al aire libre, comenzando ya por los históricos encuentros de folk en Newport y después con Monterey (con una “r” y no con dos como la ciudad mexicana), Woodstock, Isla de Wight, etc. Aquí se quiso vivir un sueño, mostrarles al mundo que era posible meter miles de personas en un sólo lugar y que pudieran disfrutar sin diferencias de ningún tipo de la naturaleza, del amor y sobre todo, de la música como elemento unificador. Pero la realidad era más dura y funesta de lo que los jóvenes pensaban. Con la llegada de la nueva década, el ideal se perdió, el sueño se desvaneció. Muchos héroes cayeron, víctimas de su propia filosofía y estilo de vida. Pero la juventud es un duro hueso de roer, pronto se volvería a levantar y luchar por nuevos ideales... 473

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San Francisco, cuna del Acido A finales de los años 50, el distrito Haight-Ashbury de San Francisco fue “colonizado” por los beatniks. El área, rodeada por la Haight Street y la Ashbury Street, estaba impregnada de una atmósfera bohemia, se decía que “incluso los policías no llevaban municiones, sino chalecos de punto a prueba de balas”. El escritor Ken Kesey se había asentado a comienzos de los 60 a disfrutar de los royalties de su obra “Atrapado sin salida” y fue uno de los primeros en convertirse a la causa del ácido lisérgico, más conocido como LSD. Kesey era un firme creyente en las propiedades del ácido de cambiar la vida. El veía a la droga como una llave mental, que abría las puertas de las percepciones, dandole al diferentes planos de la realidad. Para 1965 ya estaba rodeado de gente que creía lo mismo, formando un grupo de pensadores y experimentado-

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res llamado “Los Alegres Traviesos”, de entre los cuales el también escritor Jack Kerouac, se inspiró para crear la novela “On The Road”, que fue la “biblia” de los beatniks y de los amantes de la vida sin ningún tipo de ataduras. La misión de estos “Traviesos” consistía en predicar al mundo la revelación del ácido. Hacían enormes fiestas, donde todo era experimentación. En una de esas fiestas asistió un tal Augustus Owsley Stanley III, un genio químico que haría la primera producción en masa del LSD, la cual, en ese tiempo, era perfectamente legal. Kesey tenía en su círculo de amigos a un grupo musical aún poco conocido llamado The Grateful Dead. Los muchachos rápidamente se metieron en la corriente de los “Traviesos”, tocando en sus fiestas, happenings y organizando conciertos gratuitos. Con los larguísimos “jams” que hacían los Dead creaban un ambiente propicio para los shows psicodélicos, estos festivales al aire libre tuvieron un salvaje suceso y se generalizaron rapidamente.

Para finales de 1966, la bahía de San Francisco se convirtió en la meca de una rápida expansión del movimiento “hippie”, con Jerry Garcia y Bob Hunter liderando a los “deadheads” del Ashbury. El ácido no fue la primera droga que impulsaba un nuevo sonido; Charlie Parker y Miles Davies eran conocidos por sus exploraciones jazzísticas con la morfina, y las bandas británica solían usar ampliamente las anfetaminas, además de la marihuana que era por todos conocida, pero la expansión de la conciencia que lanzó el LSD los superó a todos. El ácido era el corazón de la filosofía hippie. “Turn on, tune in and drop out” era una frase popular de ese tiempo, y todos los hechos de la forma de vida capitalista eran cuestionados y desafiados. Para complicar las cosas, el gobierno de los Estados Unidos empezó a incrementar su participación militar en la guerra de Vietnam, pero todavía estaba indeciso y contradictorio en las cuestiones raciales y sociales. En este ambiente contestatario, la Costa Oeste lleva la delantera en la lucha contra el “sistema”. La protesta estudiantil nacida en la Universidad de

Berkeley (cerca de San Francisco) y desarticulada violentamente por la policía local, llevó las cosas a un estado de permanente tensión entre los que participaban y los que querían seguir con su estilo de vida. Entre los que despreciaban la guerra y quemaban sus cartillas de reclutamiento, y los que se callaban la boca.

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The Grateful Dead Patriarcas del Acid-Rock

“Los Grateful Dead somos, básicamente, una pandilla de bribones perversos” – Bob Weir

La leyenda de los Dead comenzó mucho antes de vender ningún disco, lo que es más, son uno de los pocos grupos, sino el único, que autoriza las grabaciones piratas de sus conciertos. Fue el grupo símbolo del “flower power” de San Francisco, integrada originalmente por Jerry Garcia (guitarra y voz), Ron “Pigpen” McKernan (teclados y voz), Bob Weir (guitarra y voz), Phil Lesh (Bajo y voz), Bill Kreutzmann (batería). Los Grateful Dead eran famosos por sus fanáticos y leales seguidores (los “deadheads”) y por sus larguísimos concier476

tos. Sus vivían en comunidad y siempre estaban al margen del sistema comercial, es decir no vendían nada. A comienzos de los años 60, Jerry García y Ron “Pigpen” McKernan, tocaban en una banda llamada The Zodiacs. Pigpen además tenía una tienda de música donde García enseñaba banjo. García y Pigpen conocieron a Bob Weir en Palo Alto, California y en el año nuevo de 1964 decidieron formar una “jug band”, banda tradicional de folk blues. Se llamaron Mother McCree’s Uptown Jug Champions. García tenía también un

amigo que tocaba la trompeta, un músico con perfecta entonación llamado Phil Lesh. Lo invitaron a aprender a tocar el bajo y a unirse a la banda. Le tomó sólo dos semanas. Poco después se unió Kreutzmann en la batería, definiendo la alineación del grupo. A comienzos de 1965 se hicieron llamar los Warlocks y conocen al escritor Ken Kesey, quien vivía cerca de ellos, en Palo Alto. En ese tiempo el LSD aún no era ilegal y el hospital estatal solía utilizar personas para experimentar con drogas alucinógenas; Kesey fue una de ellas, y Bob Hunter, un poeta amigo de García, que llegó a ser compositor principal de los Dead, era otra. García contaba: “Ellos le daban a Hunter psylocibina y mescalina y lo ponían en una pequeña pieza blanca para observarlo. Le pagaban para que se ponga a volar!” –decía Pigpen–. Kesey formó un grupo de bohemios y poetas llamados los “Merry Pranksters”, quienes empezaron a probar el ácido en Palo Alto en el verano de 1965. Hicieron una serie de fiestas donde los invitados podían “ponerse a volar” con el ácido y bailar toda la noche. García y sus amigos

tocaban más raro y más fuerte que cualquier otra banda de rock hasta ese momento. E hicieron un “gran trato” con el LSD. “De repente se rompió la caja de Mandala, era cualquier cosa que quisieras hacer. Sólo tomabas el LSD y de repente te encontrabas en otro plano de cosas, muchos otros planos, y la questión era extenderse hacia los límites, ir tan lejos como puedas. Probar el ácido significaba dejar atrás todo lo viejo, las viejas ideas, buscar algo nuevo”. Entonces el grupo descubrió que ya existía otro grupo llamado los Warlocks. García y Weir estando en casa de Phil, empezaron a pensar un nuevo nombre. García tomó un gran diccionario, que no era un objeto raro en la casa de Phil el académico, y encontró las palabras GRATEFUL y DEAD juntas. Era una extraña pero maravillosa juxtaposición que encantó a García, e hizo que lo tomaran para el nombre de la banda. “Yo pensé que las personas lo encontrarían muy mórbido” decía Weir. Pero García le dió otra vuelta de tuercas. De hecho es un término musicológico para las baladas folklóricas escocesas e ir-

Afiche de 1966, anunciando a los Dead en el Fillmore Auditorium de San Francisco.

Jerry García, Bob Weir y Phil Lesh en el Madison Square Garden, circa 1980.

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Jerry García durante la gira de los Grateful Dead por Gran Bretaña en 1972.

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landesas, tocadas cuando moría alguien, para limpiar el honor del fallecido. En 1966 se mudaron juntos a su famosa casa en el 710 del Ashbury Street. Desde allí salían a tocar en cuanto concierto había, incluso lo hacían gratuítamente, por el solo placer de tocar en público y de compartir la experiencia. Mickey Hart se unió a ellos en la batería en 1967, dejándolos tres años después, cuando su padre Lenny, dejó a la banda con una millonaria deuda. A fines de setiembre de 1970, Keith Godschaux comenzó a tocar el piano con el grupo, y en abril su esposa Donna subió al escenario con los Dead por primera vez. “Pigpen”, cuyo teclado Hammond fue el elemento característico del sonido del grupo, murió en marzo de 1973, la difícil misión de remplazarlo recayó sobre Godschaux. Los Dead tenían un estilo musical híbrido, que se centró en el countryrock a principios de los 70, con álbumes como “Working Man’s Dead” (1970) y “American Beauty” (1970). Después de “Wake Of The Flood” (1973). Una nueva visión creativa se ve aparentemente en “Blues For Allah” (1976), pero las carreras solistas de algunos amenazaba con destruir la unidad del grupo. Grateful Dead siguió grabando sin tener en cuenta su sello hasta que firmaron un nuevo trato con Arista Records. Con sus contínuas giras, siguieron ganando a nuevas generaciones de fans, tras la muerte de Godchaux, ingresó Brent Mydland, quien le dió al grupo un aspecto más comercial, ellos estaban probando, en palabras de su álbum “Built To Last” de 1989 que estaban hechos para durar. Jerry Garcia, el pariarca del rock, que había sobrevivido al ácido, la heroína y a un coma diabético, finalmente murió en agosto de 1995.

Jefferson Airplane Volando en las alas del Rock

La primera banda del área de la Bahía de San Francisco que recibió reconocimiento nacional fue Jefferson Airplane. Paul Kantner y Marty Balin nombraron al grupo en honor al legendario blo “Blind” Lemon Jefferson en 1965. Ellos fueron el centro de un círculo de músicos que incluía a ex- de Moby Grape, Quicksilver Messenger Service y otros. La banda estaba formada originalmente por Kantner y Balin, Jorma Kaukonen, Jack Casady y Spik Spence. Eran abiertamente influenciados por los Byrds, estando firmemente arraigados en la escena folk, pero se animaron a cruzar los límites entre el folk y el rock.

Anderson y Spence se retiraron tempranamente, y la vocalista Signe Toly Anderson tuvo que salir por causa de su embarazo. El baterista Spencer Dryden ingresó y la magnífica voz de Grace Slick fue el golpe maestro de Jefferson Airplane. Hicieron su álbum debut en 1966 sin mucho éxito. Pero consiguieron un contrato con la RCA Victor por 20.000 dólares, para realizar “White Rabbit” como su segundo single. “White Rabbit”, que hacía clara referencia a la droga, se convirtió en un éxito mudial instantáneo, cuando la tempestuosa voz de Slick, llevaba a la canción en un torbellino a su clímax. Su segundo álbum, “Surrealistic Pillow”

Con la entrada de Grace Slick a la banda, Jefferson Airplane alcanzó la fama internacional.

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El segundo álbum del grupo es considerado uno de los mejores discos de la época.

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(1967) contenía el excelente “White Rabbit”, convirtiéndo al álbum en un clásico del folk-rock de la Costa Oeste. Para el verano de 1967 la cultura alternativa de los hippies estaba en su apogeo. Las ropas se hicieron más holgadas y largas, con colores brillantes y patrones psicodélicos, los cabellos crecían y se dejaban ver largas barbas. Las flores eran el símbolo de los nuevos tiempos y “Paz y Amor” eran las palabras favoritas. De este año es también el otro famoso single “Somebody To Love” y su aplaudida y recordada participación en el Monterey Pop Festival. “After Bathing At Baxters” (1968), un ambicioso álbum-concepto, marcó la salida gradual de Balin de la banda. El hecho de que cada vez menos composiciones de Marty Balin se utilizaban, hizo que finalmente renunciara en 1970 después del rompedor “Volunteers” canción que se convirtió en todo un himno contra la guerra de Vietnam.

Durante un período de inactividad, Kaukonen y Casady forman la banda de blues-rock Hot Tuna y Dryden se retira. El baterista Joey Covington se une en 1971, año en que realizan el pobre álbum “Bark” (en cambio el álbum “Sunfighter” realizado por Slick y Kantner, fue muy superior). Después de un álbum en vivo bastante malo, la banda desaparece de la escena, para resurgir en 1974 como Jefferson Starship, liderados por Slick y Kantner. Su “Dragonfly” (1974) se vendío bastante bien, Balin llegó a contribuir con el álbum, aún cuando ya no formaba parte de la banda. Slick deja el grupo en 1978, pero Kantner siguió manteniéndolo vivo hasta 1985, cuando él mismo lo deja. Poco después Grace Slick retornó con una nueva versión de la banda, la llamó Starship, obteniendo un número 1 con el single “We Build This City” en 1985. Mientras tanto Kantner formó la KBC Band con Balin y Casady. En 1989 un reformado Airplane (con Slick, Kantner, Balin, Kaukonen y Casady) resurgió con un nuevo álbum, pero no fueron muy bien recibidos por la crítica y deshicieron la banda en 1990.

The Doors Las puertas de la experimentación La historia de uno de los grupos más importantes e influyentes de la historia del rock comienza con el nacimiento de James Douglas Morrison en la Florida el 8 de diciembre de 1943, desde muy joven se interesó el teatro y la lectura, su padre era oficial de la marina, por lo que siempre estuvo mudandose de una ciudad a otra. Tras unos años de búsqueda y de una pasada por la Universidad de Florida, finalmente viajó a California para estudiar teatro primero y luego cine en la UCLA, donde conoció al organista Ray Manzarek (nacido como Raymond

Daniel Manczarek en Chicago el 12 de febrero de 1939) quien en ese tiempo ya tenía una banda, formada junto a su hermano llamada Rick and The Ravens. Fue a fines del verano de 1965 en Venice Beach cuando Jim y Ray se encontraron una tarde; Jim le recitó unos poemas que había escrito incluyendo “Moonlight Drive”, con melodía, Ray quedó bastante impresionado y le dijo que deberían formar una banda de rock. Al poco tiempo Ray trajo a dos músicos más para que se unieran a la banda: John Densmore (n. 1 de diciembre

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Portada del primer LP del grupo, “The Doors” 1966.

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de 1944 en Santa Mónica) y Roby Krieger (nacido Robert Alan Krieger el 8 de enero de 1946 en Los Angeles), batería y guitarra respectivamente, quienes ya tocaron juntos en un grupo llamado The Psychedelic Rangers. Los cuatro se entendieron perfectamente, tanto en lo instrumental como en lo personal. Jim Morrison amaba los escritos de Aldous Huxley por lo que propuso el nombre The Doors por lo de “las puertas de la percepción”, todos aceptaron. Los Doors consiguieron su primer trabajo en 1966, tocando en el London Fog. Una noche Ronnie Haran, quien trabajaba en el Whisky A Go Go, fue a verles y les consiguió que actuasen en ese conocido club, donde aparecían estrellas como The Byrds, Turtles, Them, Captain Beefheart, Love y otros. Al tiempo que tocaban en el Whisky A Go Go, Jim y Ray habían presentado su demo a Billy James, de Columbia Records, consiguiendo un contrato de seis meses. Poco después Jac Holzman directivo de

Elektra fue a ver la actuación del grupo Love, pero quedó más impresionado con los Doors. Jim Morrison empezó a ver al escenario como un escaparate para desarrollar sus cualidades vocales y dar rienda suelta a la expresión corporal; comenzó a jugar con el público, a hipnotizarles y sorprenderles con cada actuación. Jim exploraba al máximo las nuevas experiencias con drogas y alcohol, encontrándose muchas veces demasiado borracho como para subirse al escenario. La música de los Doors era básicamente R&B clásico con toques jazzísticos de Manzarek, una guitarra muy rockera y bla de Krieger y el ritmo envolvente de Densmore que con la voz profunda, magnética y sexual de Morrison daban forma al distintivo sonido del grupo. Los Doors no tuvieron un bajista permanente, en realidad Manzarek tocaba el bajo con los teclados por lo que en ese aspecto también se separaban de las demás bandas de esa era en Los Angeles.

Los Doors durante su gira europea.

Para ese tiempo los demás del grupo comenzaban a acostumbrarse a las repentinas desapariciones y sorpresivas apariciones de Jim. Aún así seguían trabajando en el Whisky, pero una noche, interpretando “The End”, Jim cantó el famoso verso: “father I want to kill you, mother I want to fuck you”, produciendo un escándalo que hizo que el dueño del club los despidiera. También venció su contrato con Columbia sin haber editado nada. A pesar del mal momento, Holzman vuelve a aparecer para ofrecerles un nuevo trato que los Doors firmaron sin pensarlo dos veces.

LAS PUERTAS SE ABREN A los pocos días ya estaban en el estudio para grabar su primer álbum al que llamarían símplemente “The Doors”. En dos semanas ya habían grabado abundante material con Morrison en estado de vuelo la mayor parte del tiempo. El disco resultó una joya, un álbum lleno de energía y rock and roll. El grupo ya hacía meses que tocaban esos temas, asi que el productor Paul Rothchild sólo

tomó esa vibración y sonido propio y los puso en el disco. El LP incluía “Light My Fire” uno de sus temas más conocidos. También estaban la hermosa “The Crystal Ship”, el soberbio “Break on Through” y “The End” (con la letra cambiada para evitar problemas), todos ellos clásicos de los Doors. “Break On Through” destinada a ser single, era una incitación a probar el ácido, pero no era nada simple, pues la compleja instrumentación era una verdadera muestra de lo que el grupo era capaz de hacer. La disquera les obligó a cambiar la frase donde decía “She gets high” (ella se vuela) una frase demasiado explícita en cuanto al ácido, pero que en los conciertos en vivo, Morrison no dudaba en pronunciar. Lo mismo pasó con “The End”. En vivo, sus temas estaban en constante evolución, contínuamente improvisaban sobre ellos, añadiendo nuevos arreglos, etc. Manzarek asegura que nunca han tocado “The End” dos veces de la misma manera, esa era parte de su magia. Todo el grupo le tenía fe a “Break On Through” por lo que comenzaron

Robbie Krieger, el espíritu de los Doors.

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No toques la tierra No veas el sol No hay nada que hacer más que correr, correr, correr. Corramos. La casa en la colina La luna reposa tranquila las sombras de los árboles atestiguan la brisa salvaje. Ven, nena, corre conmigo. Corramos. Soy el Rey Lagarto Puedo hacer lo que quiera. (Frag. The Celebration of The Lizard King)

a llamar a las radios para que pasaran el tema, no hizo falta mucho esfuerzo, pues al poco tiempo de su lanzamiento ya había alcanzado el puesto número 11. En julio del 67 se lanza “Light My Fire” como segundo single del grupo, llegando enseguida al puesto número 7 y a las tres semanas al número 1. La fama había llegado y Morrison seguía siendo el mismo, sólo que ahora tenía más dinero para gastar. Ya no podían extenderse demasiado en los conciertos, por consejo de los managers, pero al final hacían lo que querían, 484

dejándose llevar por los devaneos de su vocalista. Morrison conoce en esos días a la periodista Gloria Staver, quien es la autora de las fotos de estudio más conocidas de Jim (que figuran en casi todos los posters).

DIAS EXTRAÑOS Todo había pasado muy rápido y casi sin darse cuenta ya estaban de vuelta en los estudios para grabar su segundo LP. A pesar del éxito obtenido, no habían salido aún de California y tocar en

los clubes pequeños al que estaban habituados ya no era posible. Muchos temas del segundo disco los compusieron en el propio estudio, aparte de algunos otros que ya tocaban desde hacía tiempo, como “Moonlight Drive”, en este disco figuran también “When The Music’s Over”, un tema larguísimo en la misma tónica que “The End”. El tema principal “Strange Days” era como su nombre lo indica una canción demasiado extraña para los oídos poco acostumbrados, por lo que no resultó demasiado exitosa. Así mismo “People Are Strange” también era fuera de lo común, con tonalidades del folk europeo. Pero “Love Me Two Times” si era más digerible y prácticamente salvó el disco. Ya en los últimos días de 1967, los Doors consiguieron un disco de oro por su primer LP y ventas de más de un millón de copias de “Light My Fire”. Cuando salió a la calle “Strange Days”, Morrison empezó a vestirse de cuero negro. Los Doors estaban en la cima y estaban haciendo una extensa gira por los Estados Unidos. En uno de los conciertos en New Heaven, Jim se había metido a los baños con Gloria Stavers, un policía los descubrió y sin saber quiénes eran empezaron a forcejear y Jim acabó rociado con spray picante. Morrison ya libre de su atacante, subió al escenario y contó la historia en medio de la canción “When The Music’s Over” sacándole la gorra a otro oficial, provocándo a la línea de policías que estaban al pie del escenario; se armó tal batalla que Jim acabó siendo detenido para salir recién al día siguiente. Los Doors fueron invitados entonces al conocido show de Ed Sullivan. En los camerinos, el encargado de la producción les pidió que cambiaran la controvertida frase de “Light My Fire”, “nena no podrías estár más volada”. Durante la transmisión en directo, Morrison no sólo cantó la canción sin cambiarla, sino que la enfatizó a propósito. El grupo nunca

más volvió a actuar en el show aunque tenían firmado un contrato por varias apariciones.

ESPERANDO POR EL SOL Mientras los Estados Unidos seguía enviando tropas a Vietnam, se lanzó “Unknown Soldier” un canto a la paz, como adelanto del tercer LP de los Doors. Este tema contenía toda la energía del rock, tonalidades latinas, partes tranquilas y hasta efectos sonoros (el pelotón de fusilamiento, obra de Densmore y Krieger). El single fue acompañado de una filmación realizada en Venice Beach al estilo de los “video clips” actuales. Los conciertos de los Doors eran toda una aventura, podían tocar en medio de

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“No hay nada más divertido que tocar ante un público, hay una bella tensión, hay libertad y al mismo tiempo obligación de hacerlo bien. Actuando me siento espiritual, actuar me da una máscara, un lugar para esconderme de mí mismo y donde encontrarme a mí mismo...”

John Densmore, el ritmo y latido de los Doors.

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una pelea, con un Morrison que sólo estaba interesado en causar emociones. No quería que nadie se quedara indiferente, aparte de cantar, bailaba, actuaba, recitaba poemas, hablaba con el público, hacía cosas que ningún otro vocalista había hecho jamás. Fue el primero en lanzarse al público desde el escenario. La grabación de “Waiting for the Sun” se hizo muy dificultosa, debido a las constantes borracheras de Morrison. Manzarek, Krieger y Densmore llegaron a contratar a Bobby Neuwrith para que fuera la sombra de Jim y evitar que llegara a estados lamentables. Jim ya era un alcohólico consumado, pero a pesar de sus problemas nunca dejó de escribir ni componer. Cualquiera supondría que debería estar todo el tiempo tirado en algún lugar sin hacer nada, pero no era así. El alcohol como cualquier droga habitúa a los adictos a sus efectos, por lo que cuando todos los demás se caían de borrachos, Morrison apenas estaba empezando a entonarse.

En julio de 1968 sale “Waiting For The Sun” que permaneció cuatro semanas en el número uno en los USA y la canción “Hello I Love You” logró otro tanto en la lista de singles. Ese año bastante agitado por los asesinatos de Martin Luther King y Malcolm X, las represiones raciales, los disturbios callejeros antibelicistas en los USA y en Europa, etc., vieron a Morrison convertirse en el cantante más popular de norteamérica. Tras el éxito del corto “Unknown Soldier”, los Doors recibieron una invitación de sus viejos compañeros de UCLA para filmar varios conciertos y los backstage para una película. Luego de unos conciertos más, Los Doors viajan a Europa para un tour con los Jefferson Airplane. Finalmente en Amsterdam tuvieron que tocar sin Jim porque éste había abusado del hachís y el alcohol teniendo que ser hospitalizado. Los médicos le recomendaron descanso, al día siguiente vuelven a los Estados Unidos, pero Jim se queda con su novia Pamela Courson en Londres, donde conoce al poeta Michael

McClure quien le anima a Morrison a publicar su primer libro de poemas. Ya en 1969, de vuelta en los USA, Los Doors empiezan a preparar su próximo LP, en el cual querían incluir “The Celebration of The Lizard King” pero que finalmente quedó como poema para la contraportada del disco. Actúan en el Madison Square Garden y reciben otra invitación para actuar en el Dinner Key Auditorium de Miami. Allí el grupo empieza su actuación ante un público apretujado y drogado, Jim como no, sube al escenario con varias copas de más. El grupo deja de tocar porque Morrison deja de cantar para hablarle a la audiencia, incitándoles a que se desnudaran y subieran al escenario...“no estoy hablando de revolución, estoy diciendo que la pasemos bien juntos...Hitler está vivo y anoche me lo encamé... todos son un puñado de esclavos” se dice que incluso llegó a bajarse los pantalones y a simular una felación a la guitarra de Krieger. Todo esto resultó en la detención de Morrison y una citación ante el jurado de la ciudad. Pero el mismo Manzarek dijo: “Jim no hizo nada en Miami que no hubiera hecho ya antes”. Tuvieron que suspender varias presentaciones y gastar millones en abogados. Sobre este concierto Jim declaró: “No hay reglas en un concierto de rock, todo es posible, en Miami intenté reducir el mito al absurdo, la gente no fue allí a escuchar música, hablé con cada uno de ellos y les pregunté lo que querían... creo que el juicio no me afectará porque no hice nada malo, la indignación ante eso no tiene sentido, estaba alimentando la imagen que se había creado a mi alrededor. Estaba probando los límites de la realidad, sentía curiosidad por ver qué pasaría, eso fue todo, pura curiosidad”. En aquellos meses saldrían a la venta sus libros “The Lords” y “The New Creatures”.

Ray Manzarek, la armonía y unidad de los Doors.

EL SUAVE DESFILE El single de su nueva producción lo presentaron en el programa televisivo Critique. “The Soft Parade” era un largo poema de Morrison que iba de una suave melancolía a un final muy rockero, con los cuatro cantando a voz en cuello. El tema estaba inspirado en los desfiles que se realizaban casi a diario en el Sunset Boulevard. El disco salió a la venta en julio de 1969, acompañado del sorprendente “Touch Me”, otra pieza de Krieger que llegaría al número 1. Para la gira de presentación del nuevo LP se encontraron con la sorpresa de tener que firmar una cláusula donde se estipulaba que se encargarían de cargar con los gastos de los desmanes que Jim Morrison llegara a ocasionar. Además del amplio despliegue policial que las ciudades montaban en cada presentación del grupo (y eso que el disco era livianito). Uno de los primeros conciertos de esta gira se realizaría en la Plaza Monumental de la ciudad de 487

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“Nuestra música volvió a la antigua forma, usando sólo cuatro instrumentos. Pensamos que habíamos ido demasiado lejos con la orquestación de “Soft Parade” y queríamos volver al formato básico original”.

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México, pero las autoridades represivas no veían con buenos ojos la presencia masiva de gente en un solo lugar, por lo que tuvieron que tocar en una sala pequeña. Después del concierto la banda permaneció en la ciudad durante una semana, donde Morrison se pasó leyendo y visitando museos, además de practicar el poco castellano que había aprendido años atrás. De vuelta en Los Angeles, Jim alquiló un departamento con una boutique en la planta baja para su novia Pam. Los dos seguían juntos a pesar de que mantenían relaciones con otros. Para la navidad, la disquera comenzó a presionar a la banda, querían un nuevo disco, pero no había problema, la banda aún tenía varios ases bajo la manga.

EL HOTEL MORRISON “Morrison Hotel”, la nueva producción de los Doors llegó al mercado cumpliendo con los pedidos de la disquera. El Hotel Morrison era un lugar real, una pensión barata que al grupo le cayó en gracia. Este magnífico álbum muestra a la banda en todo su esplendor, con los habituales ingredientes de blues, rock y poesía. Arrancaba con el espectacular funk de “Peace Frog”

y contiene además el genial “Roadhouse Blues”. Este disco alcanzó el millón de copias vendidas en los USA. Tras varias intentonas sin éxito de entrar al mundo cinematográfico, los Doors siguieron haciendo conciertos, y en enero de 1970, renuevan contrato con Elektra. Pero las presentaciones se hacían cada vez más esporádicas, pocos se atrevían a promover otro “Miami”, además la paciencia de Manzarek, Krieger y Densmore comenzaba a agotarse, acusando a Jim de estar arruinando su carrera; claro que sus carreras quizás no habrían sido posibles sin Jim. El sello Atlantic por su parte intentó hacer firmar a Morrison un acuerdo como solista, sin los Doors, cosa que rechazó de plano. Para colmo de males tuvo que enfrentar dos juicios por sus desmanes anteriores y enfrentar el hecho de que estaba gordo, barbudo y lejos de la creatividad que siempre le caracterizó. De hecho estaba viendo la decadencia de su estrellato. En julio de 1970 salió a la venta “Absolutely Live” una compilación de sus pocas presentaciones en los seis meses anteriores. Muchas bandas habían tenido éxito con discos en directo, pero para los Doors esto era síntoma de estancamiento. Aunque el productor Rothchild odiaba el disco, Morrison opinó: “Creo que es un buen documento real de nues-

tros conciertos. No es desquiciadamente bueno, pero sí es un fiel retrato de lo que solemos hacer durante una buena noche”. Entre tanto Pamela Courson estaba en el pozo de la heroína, acompañado por un Jim que se dedicaba todo el tiempo a drogarse, a beber y a comer en exceso. El 8 de diciembre, día de su 27 cumpleaños se pasó en el estudio seis horas grabando sus poemas mientras bebía una botella de whisky. Gran parte de este material daría forma al álbum “An American Prayer”.

MUJER DE LOS ANGELES Al comenzar 1971, los Doors se reunieron para trabajar sobre su nuevo álbum. La amistad de antaño ya no era la misma, estaban juntos sólo profesionalmente, aunque no perdieron el o ni llegaron a enemistarse. Rothchild, su productor de siempre no quiso hacer el disco después de escuchar las canciones, por lo que el grupo decidió producirlo por su cuenta, con la ayuda del ingeniero de sonido Bruce Botnick. El local donde ensayaban se convirtió en estudio, destinando un baño para aislar la voz de los demás instrumentos. Sin duda, grabaron otra obra maestra de la historia del rock. Hicieron “Raiders on the Storm” con efecto de tormenta en la que Morrison grabó dos versiones, una cantada normalmente y otra susurrada. Volvieron a sus raíces con “Love Her Madly” y un blues de John Lee Hooker “Crawling King Snake”, además de la magnífica experiencia musical que significa el tema que da título al álbum “L.A. Woman”. Durante la grabación del disco, varios de los ni siquiera se hablaban, pero al escuchar el resultado no tuvieron más que felicitarse y despedirse amistosamente. Luego de terminar el disco Jim y Pamela decidieron pasar una temporada en París. Después de pasar dos semanas

en un hotel, alquilaron un departamento cerca de La Bastilla. Pasaron los días visitando museos, cafés, cines y viajando. En ese tiempo Jim se afeitó la barba, perdió algo de peso y adoptó una apariencia más apacible; pero en París, tenía a su disposición más bares que en L.A. y clubes nocturnos donde corría la droga y la diversión sin límites. Cuentan que Jim amaneció varias veces en casas de gente que ni siquiera conocía y que llegaba a las tres botellas de whisky por día. Llegó a hablar con Densmore por teléfono y se mostró muy contento por las ventas de “L.A. Woman”, le contó que estaba escribiendo y preparando una ópera, pero todo era mentira, su estancamiento creativo le llevó a una intensa depresión. El día 2 de julio, Jim dijo a sus amigos que no se sentía bien (cosa muy extraña) y se retiró a su departamento. A la mañana siguiente Pamela descubrió a Jim Morrison muerto en la bañera con la cabeza recostada y una sonrisa en el rostro. Existen muchos

La decadencia de Jim.

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testimonios de la causa de la muerte y las circunstancias en que ocurrieron los hechos, pero es sabido por demás las exageradas experiencias de Jim con la heroína, la cocaína el ácido, el whisky y la comida, tal tremenda mezcla no podía sino pasarle la factura a su maltratado cuerpo tarde o temprano. Jim fue enterrado en el cementerio de Père-Lachaise de París. Pamela volvió a los Estados Unidos totalmente destrozada y culpándose por la muerte de su amado. Pam murió por sobredosis en 1974 sumida en la heroína y ejerciendo la prostitución. Cuentan que los últimos tiempos se sentaba por horas al teléfono diciendo que Jim estaba vivo y que la iba a llamar en cualquier momento.

THE DOORS SIN MORRISON A finales de 1971 el trio sobreviviente intenta mantener la leyenda de los Doors y lanza “Other Voices” con la voz de Ray Manzarek, pero apenas entran en

Robbie, Ray y John siguen actuando hoy con la misma chispa que sus años mozos, pero ya sin la energía de Jim Morrison. 490

los Top 40. Al año siguiente “Full Circle” se lanza con similar resultado. Pero la industria no deja pasar la oportunidad de obtener jugosos beneficios a través de la prensa, el merchandising, discos recopilatorios, videos, etc. llegando al tope con el lanzamiento del disco “An American Prayer” en 1978 con la musicalización de los Doors. Manzarek se dedicaría desde entonces a la producción de discos y videos musicales entre los cuales destaca el grupo new wave “X”, Densmore se dedicaría a la actuación y Krieger a tocar ocasionalmente como guitarrista de sesión y a un efímero grupo los Butts Band. En 1991 se lanza la exitosa película “The Doors” de Oliver Stone, con la actuación de Val Kilmer como Jim Morrison y Kyle McLachlan como Manzarek. Luego de más de 30 años de la desaparición de Jim Morrison, los Doors se han convertido en íconos del rock y la venta de sus discos, videos y merchandising están tan arriba como en sus mejores momentos.

Jimi Hendrix El extraterrestre que enseñó a tocar el rock

Jimi Hendrix es sin dudas el más importante instrumentista de la historia del rock, quien con su técnica innovadora para tocar la guitarra eléctrica, influenció todas las áreas de la música popular, aún a pesar de su prematura muerte en 1970. Desde los años 80, su habilidad como letrista también se revalorizó al mismo nivel que su calidad interpretativa. Cuando nació en Seattle, Washington en 1942, fue bautizado por su madre como John Allen Hendrix mientras su padre estaba en el ejército. Recién cuando terminó su servicio, éste rebautizó a su

primogénito como James Marshall Hendrix en 1946. Tenía sangre cherokee por parte de su madre y negra por su padre. De pequeño, James era conocido como “Buster” por sus familiares y amigos, nunca fue muy buen alumno en la escuela, así que su padre decidió que era mejor que trabajase para ayudar a la débil economía familiar; tuvo que pasar una niñez y adolescencia muy dura a causa de esto y las constantes peleas entre sus padres, quienes finalmente se separaron, quedando James y sus hermanitos a cargo de su padre, quebrantando aún más

Sin dudas, Jimi Hendrix, es el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos, su inspiración e imaginación llevó a su instrumento a nuevas dimensiones nunca antes exploradas.

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Mitch Mitchell, Jimi Hendrix y Noel Redding, forman The Jimmi Hendrix Experience en 1966, ofreciendo una explosiva fórmula que arrasó la escena rockera londinense de la época.

la ya pobre situación. Al pasar los años, la situación mejora un poco y a los 16 años, James recibe de regalo su primera guitarra eléctrica, con la cual ingresa en el mundo de la música. Hendrix toca en varias bandas locales como práctica hasta que ingresa al ejército en 1961. Según sus propias palabras, se alistó por no tener ni un centavo en el bolsillo (y porque tendría que cumplir el servicio tarde o temprano). Mientras se encontraba en el ejército, conoce a Billy Cox, un bajista de quien se hace amigo inmediatamente. Juntos forman The King Kasuals, grupo que siguió hasta que ambos cumplen su ser-

Hendrix con los King Kasuals en 1962 492

vicio en 1962. Hendrix tiene un espíritu inquieto y bastante desordenado, así que no se queda en un lugar por mucho tiempo, pero por la necesidad económica, comienza a tocar en cuanta banda consigue entrar. Así llega a formar parte de varias conocidas y desconocidas bandas del circuito de R&B y blues, llega a tocar con los Isley Brothers, Sam Cooke, Jackie Wilson, Curtis Manfield y el propio Little Richard, este último lo despidió por que llamaba demasiado la atención y por sus constantes desmanes con el horario y la férrea disciplina de la estrella. Pero Jimi no estaba contento, el lo que quería era tocar por su cuenta, no depender de ningún jefe que le diga como hacerlo, estaba cansado de tocar siempre la misma fórmula. En 1964 decide probar suerte en Nueva York, va directo al Greenwich Village, hogar de los intelectuales y freaks de la época. Allí consigue tocar en un garito underground donde el cantante Curtis Knight lo descubre y lo invita a formar parte de los Squires. Nuevamente está en un grupo y nuevamente lo deja al poco tiempo. Pero aquí ya era

un poco más libre y ya se perfilaba su estilo poco común. En 1966 vuelve a reencontrarse con su amigo Billy Cox y forma ahora su propia banda, Jimmy James & The Blue Flames. Mientras tocaba en el Greenwich Village hacia julio del 66, es escuchado por el bajista de los Animals, Chas Chandler, quien en ese tiempo hacía de cazatalentos, éste se ofreció como manager y a llevarlo a Inglaterra en busca de mejores horizontes. Como dato curioso, cuentan que en el pasaporte se transcribió por accidente su nombre a “Jimi” con el cual finalmente se quedó. Hendrix deja la banda y viaja a Londres con Chandler a fines de septiembre de 1966, y en cuestión de una semana forma The Jimi Hendrix Experience con el baterista Noel Redding y el bajista Mitch Mitchell. Hacen sus primeros pinitos en Francia como acto de soporte al rockero Johnny Halliday. A su regreso a la Gran Bretaña, arrasan como un huracán en los clubes de la escena londinense. El toque incendiario de Hendrix incluía el total contro de su instrumento. Guitarristas de la talla de Eric Clapton, Jeff Beck, Pete Townshend y Jimmy Page, se sintieron seriamente amenazados al verlo tocar. Nadie lo hacía como él. Realmente sacudió a toda la escena rockera de la época. En diciembre, The Experience lanza su primer single “Hey Joe/Stone Free” el cual entró en las listas británicas y llegó al puesto número 10, lo que le valió una invitación al popular programa Top of The Pops. Ringo Starr le alquila un departamento a Jimi para que deje los hoteles y allí se intala con Chas Chandler y las novias de ambos. Muchos de las estrellas de la escena londinense pasaron por ese apartamento, incluyendo a Brian Jones y John Lennon. En este punto Hendrix comienza a aficionarse al alcohol y al LSD. Llega 1967 y Hendrix sigue arrasando en los clubes londinenses, donde la gente

es avasallada con las ideas musicales de Jimi, pero no son muchos los que logran asimilar esta nueva música, y sí muchos la consideran otra extravagancia del rock psicodélico. A pesar de todo “Hey Joe” sigue ascendiendo y alcanza el puesto número 6. Hendrix no deja de aparecer en cuanto show televisivo es invitado, dejando ver otra cara, más “tranquila” del “Wild Man” como era conocido; tampoco deja las giras y las sesiones de grabación, tocando no sólo con su banda sino on un sinnúmero de músicos de sesión y estrellas consagradas. En esta serie de conciertos Jimi hace por primera vez su famoso acto de prender fuego a la guitarra; después de haber ejecutado uno de sus caraterísticos solos, de tocar con wha wha y distorsión al máximo, con los dientes, a la espalda, entre las piernas, después de llegar al límite de lo que se puede hacer con la guitarra, lo único que le faltaba era... prenderle fue-

El Festival de Monterey Pop de 1967 aseguró la vuelta triunfal de Jimi Hendrix a los USA.

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go. En mayo, la Jimi Hendrix Experience consigue otros dos números 10 con “Purple Haze” (que más tarde alcanza la tercera posición en las listas británicas) y “The Wind Cries Mary”. El primer álbum del grupo “Are You Experienced?” sale a la calle también en mayo de 1967. Éste es una increible mezcla de poderoso blues psicodélico con letras inspiradas en Dylan, no tarda en alcanzar el puesto número 2, donde permanece por 33 semanas. En Europa ya eran estrellas consagradas, pero en los Estados Unidos seguían siendo unos desconocidos, por lo que en junio cruzan el Atlántico para participar en el Monterey Pop Festival, donde ofrece una inspirada interpretación (un álbum de su actuación sale en 1986 como “Jimi Plays Monterey”). Esta experiencia le da su primer gran éxito en su patria. Una vez terminado el festival, deciden dar una gira por todo el país a fin de ser conocidos y aumentar 494

las ventas de sus materiales. Jimi además aprovecha para tocar con diversos músicos y grabar abundante material, solo o acompañado. Su música revolucionaria para la época que se estaba viviendo en norteamérica, fue recibida con diversa crítica, en algunos círculos folkies y hippies, la excesiva distorsión, la quema y destrucción de sus guitarras no fueron muy aceptadas, pero esto no amilanó las ganas del grupo de seguir adelante. Recién en octubre de ese año se editan materiales de la Experience, “Purple Haze” tuvo un recibimiento flojo, pero el álbum “Are You Experienced?” llegó al puesto número 5; al fín el público norteamericano se rendía ante la evidencia de la genialidad incomprendida. De vuelta en Inglaterra, la banda inmediatamente comienza a trabajar en su siguiente álbum: “Axis: Bold As Love” que aparecerá en diciembre de 1967. Este trabajo es un poco más experimental que el primero, además de poseer una tremenda carga de rock psicodélico, quizás muy influido por el LSD, droga que “abría la mente”; el disco contiene el tema “Little Wing” una pequeña joya venerada por todos los guitarristas de rock. Al terminar el año el grupo ya hizo más de 180 conciertos en Inglaterra y otros países, presentándose con grupos de la talla de The Who, The Move, Traffic, Eric Burdon & The Animals, Pink Floyd, Jeff Beck, etc, con lo que se colocaban en la cresta de la ola de la vanguardia musical. Llegó 1968, el año de las revoluciones sociales, represiones estudiantiles y el asesinato de dos grandes luchadores por la igualdad de derechos, Martin Luther King y Malcolm X. Precisamente, la Experience se hallaba tocando con B.B. King y Buddy Guy cuando ocurrió lo de Martin Luther King, causando una gran consternación en Jimi. El tercer álbum de la Experience, “Electric Ladyland” fue grabado en medio de

un intensivo tour por los Estados Unidos en 1968. Éste doble álbum, presenta una gran variedad de material, incluyendo la canción “All Along The Watchtower” compuesta por Bob Dylan, pero gracias a la tremenda versión de Hendrix, prácticamente la hace propia. Aún apesar del éxito, “Electric Ladyland”, vio el comienzo de la separación de la Experience; Hendrix era demasiado perfeccionista en las sesiones de grabación, haciendo que Mitchell y Redding estuvieran hartos de tantas tomas y tomas. Chas Chandler también renunció durante ese período, pero su influencia como productor hizo que Hendrix tomara total control de las sesiones. Finalmente el socio de Chandler, Mike Jeffrey se quedó como manager de Jimi. Jeffrey quería que continuara la fórmula ganadora, empujando al grupo a tomar un intenso tour europeo y luego por los Estados Unidos en la primera mitad de 1969. Hendrix comenzó a cansarse de tener que repetir siempre lo que el público esperaba de él, impidiendole ir más allá con su música. En junio de 1969 la Jimi Hendrix Experience se separa para siempre y Hendrix se muda a su país, asentándose en Nueva York, donde más tarde construiría su propio estudio, la Electric Ladyland Studio, donde se encerraría por días para experiementar con

sus revolucionarias ideas. Hendrix trabaja en New York con los más diversos artistas, incluyendo a su viejo amigo Cox y a Mitch Mitchell, formando una nueva banda para tocar en el festival de Woodstock en agosto de 1969. Su famosa actuación incluía su atrevida, ruidosa, electrificada y poco comprendida versión del Himno Nacional de los Estados Unidos; la lluvia de notas y distorsiones mezclada con las conocidas notas, simbolizaban las bombas y el sufrimiento de soldados y civiles en Vietnam. A su regreso del memorable concierto, funda Band of Gypsies, con Cox al bajo y Buddy Miles en la batería. Juntos hacen su primer concierto importante en el Fillmore East en la fiesta de fin de año.

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“Todo lo que quiero hacer es cantar y tocar la guitarra; quiero hacer música tan perfecta que se filtre a través del cuerpo y sea capaz de curar cualquier enfermedad.” – Jimi Hendrix

Hendrix también hace grabaciones para su viejo jefe Curtis Knight, con quien había firmado un contrato de grabación que nunca había cumplido y que le trajo problemas legales, Jimi no lo pensó mucho y grabó el LP para solucionar el problema. La Band of Gypsies duró lo suficiente como para grabar un disco más, pues el ambicioso Jeffrey soñaba con una reunión de la Experience y presionaba a Jimi para realizar más giras. Hendrix, Cox y Mitchell hicieron entonces otra cansadora gira por los Estados Unidos en 1970. Además Jimi siguió trabajando para otro doble álbum “First Rays Of The New Rising Sun”. El último concierto de Hendrix la tierra que le dió fama fue en agosto de 1970 como invitado especial en el festival de la Isla de Wight, una especie de Woodstock a lo británico, pero de condiciones mucho más caóticas, hacía mucho frío, el público desbordó el lugar y hubo muchos 496

incidentes violentos. Tras su deslucida actuación, se embarca en una desastrosa mini gira por Dinamarca, Alemania y Suecia, esta acabó abruptamente cuando el bajista Cox enfermó y tuvo que ir a desintoxicarse a los USA. Hendrix decidió entonces regresar a Londres. El día 16 de setiembre fue visto en público por última vez, tocando una jam junto a Eric Burdon en el club Ronnie Scott’s. Al día siguiente se encuentra en el departamento de su novia Monika Danemann para cenar. Conversan y escuchan música hasta la 1:00 de la mañana, Jimi entonces decide salir un rato a encontrarse con unos amigos, Monika se queda a esperarlo. Jimi vuelve a eso de las 3:00 y su novia le prepara un sandwich; juntos van a la cama, ella se toma una pastilla y se queda dormida, poco después Jimi también se toma varias pastillas para dormir. Domingo 18 de setiembre, Monika Despierta a eso de las 10:20 y lo ve a

Jimi con Noel en los estudios de Electric Ladyland.

Jimi profundamente dormido, pero nota que tiene rastros de vómito en su boca y nariz, al tratar de despertarlo no lo logra y llama a Chas Chandler para ver qué hacer. Una ambulancia llega cerca de las 11:20 y llevan a Jimi de urgencia al hospital, donde llega ya sin signos vitales. Los médicos encuentran grandes rastros de Seconol en su sangre pero no había razón para reportar un suicidio. Su deceso se habría producido por una explosiva mezcla de alcohol y pastillas para dormir, lo que hizo que se ahogara en su propio vómito. Jimi había estado bajo mucha presión por parte de Jeffrey que le pedía terminar el álbum y además que continuara con la Experience, pero Jimi quería seguir su propio camino, incluso su muerte fue un trágico accidente, pues según sus allegados en lo que menos pensaba era en morirse. Desde entonces no han dejado de aparecer discos con su música, mucha de ella del inconcluso “First Rays Of The New Rising Sun”, el cual salió publicado en dos

álbumes póstumos “Cry Of Love” y “Rainbow Bridge”. Otra serie de discos salieron después de estos, hasta que el productor Alan Douglas tomó las riendas de la fortuna de Hendrix en 1974. Douglas lanzó dos nuevos álbumes de Hendrix al mercado “Crash Landing” y “Midnight Lighting”, que consistían en material grabado durante varias sesiones entre 1969 y 1970, con agregados instrumentales. Aunque esos dos discos no tuvieron la fuerza deseada, el álbum “Nine To The Universe”, producida por Douglas, es una joya inestimable, una colección de magníficos jams instrumentales. Los discos en vivo “Concerts” y “Live At Winterland” y la caja de cuatro compactos “Stages” son un fino documento de los conciertos de Jimi, además de “Radio One”, una compilación de la Experience grabada en la BBC en 1967. La lista de discos inagotable sigue manteniendo viva la llama de este artista incomparable, además de reclutar miles de nuevos fans.

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Janis Joplin La Reina del Blues Psicodélico

Una de las legendarias estrellas del rock and roll, representa mejor que nadie el espíritu de los años sesenta pleno de excesos y ganas de experimentarlo todo. Logró trascender en un estilo tradicionalmente masculino; su espectacular estilo vocal, con sus gritos, gemidos y susurros además de su despliege en el escenario, su tormentosa vida y su prematura muerte a los 27 años la han elevado al estatus de mito. Janis Lyn Joplin nació en Port Arthur, una pequeña ciudad industrial de Texas, el 19 de enero de 1943. Su padre trabajaba como ingeniero en la Texaco y su madre era ama de casa, tuvo dos hermanos menores, Laura y Michael. Janis

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tuvo una infancia cómoda y felíz, pero su inteligencia precoz y su espíritu libre e inconformista siempre chocó con la cerrada sociedad tejana. De adolescente abrazó abiertamente las causas sociales en especial contra la segregación racial y adoptó una manera de vestir completamente diferente a los cánones de Port Arthur, lo que le valió el rechazo de sus compañeros de escuela y la incomodidad en su ciudad natal. Se refugió en el ambiente beatnik de su ciudad, con un grupo de cinco compañeros que gustaban de leer libros, escuchar jazz, hacer fiestas en la playa y beber muchísima cerveza. Su mente abierta y extremadamente inteligente le ayudaron a obtener excelentes calificaciones y a poder ingresar a la universidad, algo que estaba esperando con ansias para alejarse de aquella gente mezquina e intolerante. En el verano de 1961 luego de graduarse de la preparatoria viaja a Los Angeles donde toma o con los beatniks de la zona, gente de su condición en la vanguardia subterránea norteamericana, hecho que le dió un nuevo sentido de identidad a sus ideas y estilo de vida, dejándo de sentirse un bicho raro. A parte del jazz y el folk, siempre se rodeó de la música blues de Bessie Smith o Leadbelly, sintiéndose más cómoda al interpretar sus clásicos de blues, por lo que cantaba siempre que podía en clubes y bares de la zona de los Angeles. Volvió a Texas para estudiar arte en la universidad de Lamar y vivía con un grupo de compañeros a unas calles del campus. Fue precisamente en una de

"Los jóvenes de hoy buscan sinceridad y pasarlo bien. Quieren que la gente deje de mentirles, que cumplan sus promesas, no como los políticos y los padres.” – Janis Joplin las improvisadas fiestas que se hacían en el departamento donde Janis conoció a Chet Helms, un estudiante de ingeniería quien jugaría más tarde un papel fundamental en su carrera musical. En el 62 Janis comienza su carrera musical con el grupo de bluegrass The Waller Creek Boys, con repertorio de blues clásico y folk. También toma o con las drogas por primera vez, algo que la acom-

pañaría de una u otra forma durante su corta vida. De vuelta en Los Angeles trabaja como operadora telefónica y durante la noche canta en diversos clubes. Su estilo vocal desgarrado y profundamente sentimental comienza a ser conocido entre el público y músicos de la zona. Fue en esa época también en que empezó a beber considerablemente. 499

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“Ella era como una descarga histérica de la cabeza a los pies, un acto de total exterminio. Era como si una invisible garra hubiese brotado de su garganta, con sus talones alzados como para despedazar a toda la audiencia.” – Myra Friedman

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Tras una corta temporada en Nueva York y un vano intento por llevar una vida “normal” en la universidad de Lamar y en su hogar de Port Arthur, Janis es llamada por su amigo Chet Helms para unirse a un grupo de San Francisco, Big Brothers and The Holding Company en junio de 1966. El sonido ronco y salvaje de Big Brother ayudó a Janis a convertir su ya fuerte voz en un increiblemente poderoso rugido blo. El grupo se convirtió en una sensación en cada concierto, especialmente ganó fuerza después de su magnífica presentación en el Monterey Pop Festival de 1967 y de la grabación del segundo LP de la banda “Cheap Thrills”. La periodista musical Myra Friedman, amiga de Janis describe uno de esos memorables conciertos: “Alcancé la hilera posterior justo cuando los Big Brother comenzaban a ocupar sus lugares en un escenario oscuro apenas iluminado por una luz azulada. Janis se encontraba inmóvil frente al micrófono ignorando a un fan que giraba en torno a ella. De re-

pente se inclinó y yo salté conmocionada cuando todo el lugar se partió en un estallido. ¡Nunca antes había escuchado un sonido como ese!. Arremetió con “Catch Me Daddy” en un infierno de luces de colores, alaridos, gemidos, quejidos y chillidos, estrellándose contra la distorsión de un enjambre de zumbantes avispas amplificadas de los instrumentos de los Big Brother. Joplin se estremecía, se movía y se vapuleaba en cada canción, provocando toda una gama de emociones. Entre canción y canción descansaba jadeante, exhausta, pero eso no le impedía sonreir al recibir el pandemónium que estallaba en su honor. Cuatro veces Big Brother tuvo que repetir antes de que el público los dejase marchar, de pie en los asientos se resistían a irse, al final Janis volvió al escenario y dijo jadeando: Los amo chicos, pero ya no me queda para más!” Este memorable concierto en el Anderson Theatre dado el 17 de febrero de 1968 tuvo sus repercusiones en la prensa musical, donde los desbordados elogios convirtieron a Janis en la super estrella

que nunca pensó ser. Luego el grupo hizo una impresionante gira por Nueva York, Boston, Cambridge, Providence, Chicago y Detroit. Debido a la diferencia de renombre entre Janis y el resto del grupo, en setiembre del 68 acordaron separarse en términos amistosos. El guitarrista Sam Andrew la acompañaría en su nuevo proyecto. El 15 de noviembre Janis y Big Brother ofrecen un último concierto a modo de despedida en el Hunter College de Manhattan. Por esas fechas Janis comenzó a experimentar con la heroína para probar otras sustancias a parte de su amado whisky. En 1969 la Kozmic Blues Band fue el siguiente grupo de Janis, pero a diferencia de los Big Brother, este era un grupo de músicos que eran solamente sus acompañantes. Janis no había tocado con ninguno de sus músicos excepto por Sam Andrews. La Kozmic Blues Band estaba integrada por Janis Joplin como voz principal, Sam Andrews en guitarra, Brad Campbell en bajo, Roy Markowitz en batería, Terry Clements en saxo tenor, Snooky Flowers en saxo barítono, Luis Gasca en trompeta y Richard Kermode en el órgano. Después de dos semans y media de ensayo, la Kozmic tuvo su prueba de fuego el 11 de febrero del 69 en el Fillmore East de New York; Janis cayó sobre la audiencia como los cuatro jinetes del Apocalipsis, con el micrófono en mano. Sin embargo la sección de vientos chocaba con la clásica formación de rock. Junto al nuevo grupo, Janis grabaría su tercer disco, “I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!”, un fantástico dico lleno de sentidos y enérgicos blues, probablemente uno de los mejores discos de su carrera. En abril Janis y la Kozmic viajan por primera y única vez a Europa, donde ofrecen conciertos en Copenague, Estocolmo, Amsterdam, Frankfurt, París y Londres. La gira fue muy positiva para

Janis y el grupo, en especial por el cariñoso recibimiento. En agosto tuvo lugar uno de los acontecimientos más importantes en la historia del rock, el festival de Woodstock, el milagro hippie bajo el lema “tres días de paz y amor”. Por supuesto Janis Joplin no podía estar ausente. La actuación de Janis y su banda fue de las más aclamadas, pero Sam Andrews ya había sido remplazado por el guitarrista John Till. Luego de algunos incidentes con la policía en Florida, donde sus actuaciones fueron prohibidas por mal comportamiento, Janis tuvo que acudir al médico por la presión de algunos amigos que la veían muy maltratada por la heroína. En diciembre la Kozmic Blues Band dan un multitudinario concierto en el Madison Square Garden de New York, las entradas se agotaron de inmediato,

“Para mí es preferible tener diez años de un vivir pleno que llegar a los sesenta años sentada en un maldito sillón viendo la tele.”

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incluso se vendieron las localidades que se encontraban detrás del escenario. Luego de una temporada de vacaciones, en abril de 1970 Janis forma su tercera y última banda, la Full Tilt Boogie Band, formada por Brad Campbell y John Till de la anterior banda con la adición de Clarck Pierson en batería, Ken Pearson en órgano y Rick Bell en piano. El manager de Janis, Albert Grossman quedó encantado con la nueva banda, ella también estaba emocionada por la excelente conexión entre los músicos y su voz. Al poco tiempo comenzaron una exitosa gira por los Estados Unidos y Canadá. Janis no paraba

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de beber, pero se cuidaba para sus presentaciones. Los conciertos de esas giras fueron sencillamente maravillosos, gracias a la química con el grupo y la calidad de la voz de Janis. El 12 de agosto del 70 la Full Tilt dieron el último concierto de Janis en el Hardvard Stadium de Cambridge, Massachusetts. El 13 de agosto Janis regresa a Port Arthur para una reunión de su grupo de preparatoria, donde es acompañada por un séquito de periodistas para grabar todo lo que dijera en ese regreso triunfal a su ciudad natal. En setiembre se inició la grabación del que sería el último álbum de Janis, “Pearl” en los estudios Sunset Sound de Los Angeles. Pero ella ya no estaba bien, la palidez de su rostro evidenciaba que el alcohol y la heroína la estaban matando lentamente. El sábado 3 de octubre luego de haberse inyectado una poca cantidad de una heroína pura, fue a los estudios a escuchar cómo iba la parte instrumental de “Buried Alive in The Blues”, al anochecer salió a tomar unas copas con los amigos. A la mañana del domingo 4 de octubre de 1970 el asistente del productor Paul Rotchild, John Cooke fue a buscar a Janis para la grabación de la parte vocal, pero la encontró muerta en su habitación de hotel. El discreto funeral se realizó tres días después y sus cenizas fueron esparcidas en una playa de California. “Pearl” salió luego de la muerte de Janis, fue el disco más vendido en los Estados Unidos durante nueve semanas y el single “Me and Bobby McGee” obtuvo un póstumo número 1 en las listas. En 1971 aparece “Janis In Concert” un recopilatorio de sus actuaciones en vivo con los Big Brother, la Kozmic Blues Band y los Full Tilt Boogie. En 1974 se realizó “Janis” un film documental sobre su vida y en 1979 Bette Midler protagoniza la película biográfica sobre la carrera de Janis Joplin “The Rose”.

Psicodélicos hasta la médula Bandas que marcaron la época Los Charlatans fueron una fuerte influencia para el rock psicodélico, jugando un papel importante en la escena musical de San Francisco en los años 60. Su producción discográfica fue pequeña, y su primer álbum de distribución nacional, “The Charlatans” no se realizó hasta 1969, mucho después de que la banda se había separado. La banda también significó el lanzamiento de Dan Hicks.

The Charlatans Hacia 1964 en la época folk de San Francisco y en plena Invasión Británica, muchos músicos cambiaron sus guitarras acústicas por otras eléctricas, tal es el caso de George Hunter que decidió formar The Charlatans ese verano. Lo acompañaron Richard Olsen (bajo), Mike Wilhelm (guitarra líder), Mike Ferguson (teclados), y Sam Linde (batería). Linde sería remplazado poco después por Dan Hicks. The Charlatans son considerados como el primer grupo que tocó el ver-

dadero “Sonido de San Francisco”, otros los consideran la primera banda de rock-psicodélico, influenciando a bandas como Grateful Dead o Country Joe and the Fish. Pero ellos tocaban folk en sus primeros años, con acercamientos al fox-trot de los años 20. Esto fue lo que al principio les sacó público y aparecían muy poco. Pero hacia 1965 la fortuna del grupo cambiaría dramáticamente. En junio del 65 se mudan a Virginia City en Nevada y se vuelven la banda principal del club “Red Dog Saloon”, justo en la frontera norte de California. Esta permanencia de dos meses fue im503

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Dejando a un lado su escasísima discografía, The Charlatans se han ganado un sitial importante en la historia del Rock and Roll. Siendo la primera banda realmente underground del área de San Francisco a mediados de los 60, influenciando a muchas bandas que emergieron más tarde.

El afiche que diseñaron para promocionarse en el Red Dog Saloon se puede considerar como el primer poster sicodélico para un concierto de rock. Esta idea fue copiada después por otros grupos del área de San Francisco y se convirtió en todo un arte clásico de la época. 504

portante, los guitarristas Mike Ferguson y George Hunter producen y promocionan sus primeros conciertos de rock. El grupo también toma o con el LSD en ese club y sus performances se tornan alucinógenas. Otra característica del grupo era su forma de vestir, a la usansa del siglo 19 y portando armas y rios de la época de la Fiebre del Oro. The Charlatans regresan a San Francisco en el verano de 1965 y al inicio del año siguiente firman con la Warner Bros, donde empiezan a investigar las opciones de estudio. Pero el sello les quedaba grande y decidieron buscar otro, por lo que firman con Kama Sutra Records ese mismo año. El sello tenía a una de las primeras bandas folk-rock de éxito como lo eran The Lovin’ Spoonful. Los Charlatans pensaron que habían encontrado su lugar para explayar su música, pero luego de grabar 9 canciones, tuvieron una discusión con la disquera por el tema “Codine”, ellos querían lanzarlo como su primer single, pero el sello se negó a lanzarlo. Se van entonces a Kapp Records que realiza dos temas de las se-

siones anteriores, “The Shadow Knows” como el primer single de la banda (cuyo lado B era “32-20 Blues”). Pero el disco pasó totalmente desapercibido. Las otras siete canciones permanecieron guardadas hasta su lanzamiento en 1996, treinta años después de haberse grabado. Mike Ferguson fue despedido de la banda en 1967 y Dan Hicks pasó de la batería a la segunda guitarra, hasta que también se fue en 1968 para armar su propia banda, primero “Dan Hicks” y luego Hot Licks. El fundador de The Charlatans, George Hunter también sale, dejando a Richard Olsen y Mike Wilhelm con la carga de rehacer la banda. A pesar de dos audiciones promisorias en 1967 y 1968, el grupo no logra un contrato de grabación hasta 1969. El álbum resultante llamado simplemente “The Charlatans” (1969), fue realizado en el sello Philips Records. Desafortunadamente para esa época, el sonido de la banda ya estaba desfasado y la nueva alineación no tenía la presencia de la banda original, su mejor época ya había pasado y para 1970 se separaron definitivamente.

Quicksilver Messenger Service Fue una de las bandas originales del rock psicodélico en el área de San Francisco en los 60. Tipificaban el estilo, la actitud y el sonido de esa era. La banda estaba compuesta por el guitarrista Dino Valenti, John Cipollina, también en guitarra, David Freiberg en bajo y voz, Jim Murray en voz y armónica, y el baterista Casey Sonoban. Alexander ‘Skip’ Spence también tocó un tiempo con la banda, hasta que lo reclutaron como baterista en Jefferson Airplane. Poco después de iniciado el grupo Dino Valenti fue arrestado

por posesión de marihuana y pasó los dos mejores años del grupo en la cárcel. En 1965, la agrupación se fortalecería con la llegada del guitarrista Gary Duncan, y reemplazando a Sonoban, Greg Elmore. El grupo debutó a fines del 65 y tocaban en toda la área del West Coast californiano, se hicieron de una gran cantidad de seguidores, pero no pudieron conseguir un contrato de grabación. A fines de 1967, a pesar de que la banda tuvo un gran recibimiento en el festival de Monterey Pop, Murray renuncia para actuar en la película hippie “Revolution”. En ese período Quicksilver firma con la Capitol Records.

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Quicksilver en el estudio, hacia 1968.

Su excelente primer álbum llamado simplemente “Quicksilver Messenger Service” aparece en 1968 que fue seguido por la obra maestra del grupo, “Happy Trails”, hoy un clásico indiscutido y que incluía una versión en vivo de 25 minutos de la canción “Who Do You Love?” de Bob Diddley. 1969 trajo la partida de Duncan y la llegada del tecladista británico Nicky Hopkins, ex integrante de Steve Miller Band y de Jeff Beck Group. Su contribución trajo nueva vida para el tercer álbum del grupo “Shady Grove”. Duncan quien había salido para trabajar con Valenti, retornó con el a Quicksilver para su cuarto álbum “Just For Love” también de 1969, pero el declive del grupo ya era evidente. En 1970 los conflictos personales hicieron resquebrajarse al grupo y tuvieron varios cambios de personal. A pesar de que “What About Me?” se convirtió en el cuarto álbum consecutivo en alcanzar los Top 30, la chispa se había apagado. El grupo finalmente se desintegra, pero las piezas las recoge Dino Valenti y sigue con una nueva formación 506

bajo el nombre de Quicksilver, lanzando algunos álbumes más como “Quicksilver” (1971) y “Coming Thru” (1972). En 1973 sale una recopilación, “Anthology” y en 1975 hace su último esfuerzo en “Solid Silver”. John Cipollina falleció el 29 de mayo de 1989, el gran Nicky Hopkins nos dejó en septiembre de 1994 y Dino Valenti en noviembre del mismo año.

Big Brother & The Holding Company Dentro de la escena rockera de San Francisco a mediados de los 60, Big Brother estaba al frente del movimiento psicodélico musical. La banda fue formada por Peter Albin, Sam Andrew, James Gurley y Chuck Jonesen, en una vieja mansión del High Ashbury de San Francisco, propiedad del tío de Peter. Originalmente se llamaron Blue Yard Hill, con varios otros entrando y saliendo, Big Brother se convirtió en realidad

en setiembre de 1965. El nombre fue seleccionado por el promotor de conciertos Chet Helms de una lista de nombres que la banda tenía considerados. Tocaron su primer concierto oficial en enero de 1966 en el Open Theater de Berkeley, a partir de ahí comenzaron a desarrollarse una serie de leales seguidores. Su música era descripta por el propio Sam Andrew como un “progresivo-regresivo huracán de blues”. Algunos temas resaltan en esos primeros años, “Coo Coo”, “That’s How Strong My Love Is” y “Hall Of The Mountain King” con Peter Albin como vocalista, Peter también cantó en las primeras versiones de “Down On Me”, y “Summertime”. En el invierno de 1966 Chuck Jones deja la banda y es remplazado por Dave Getz. La banda también decide buscar una voz principal femenina al estilo de los Jefferson Airplane y otras bandas de San Francisco. Chet Helms sugirió a Janis

Joplin, quien solía cantar en el área de la bahía antes de regresar a su casa en Texas. La banda decidió incluir a Janis poco después de regreso a San Francisco y luego de haberla escuchado en un par de canciones. Joplin debutó con Big Brother el 10 de junio de 1966 en el Avalon Ballroom. La mayoría de los seguidores de la banda aprovaron a la nueva integrante y Janis se convirtió en un éxito instantáneo. Con Janis, la dirección musical de la banda empezó a cambiar. Anteriormente tocaban extensas improvisaciones, plenas de delicados vuelos. Ahora con Janis, el formato se volvió más estructurado para acomodar a la vocalista. En agosto del 66, Big Brother van a Chicago para tocar en el Mother Blues, uno de los mayores clubes de blues-rock. Allí logran su primer contrato con Mainstream Records. Casi un año después sale su primer álbum “Big Brother & The

"Big Brother and the Holding Company fue el primer ejemplo de una banda donde la química fue correcta, donde el todo era mejor que la suma de sus partes. No se podría manufacturar el “feeling” natural que tenía la banda. Los Big Brother tocaban desde el alma y corazón yendo a conectarse directamente con su público.” - Sam Andrew

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Holding Company”, su popularidad y audiencia continúan creciendo. En junio de 1967 la banda es invitada a participar del Monterey Pop Festival, donde la portentosa y sexual voz de Janis, y la performance del grupo, le dan éxito nacional. Después del festival, Big Brother consigue un mejor trato con Columbia Records y su segundo álbum “Cheap Thrills” alcanza un tremendo suceso, monopolizando el número uno de las listas por ocho semanas. La musicalidad del álbum no tiene paralelo. James Gurley, es llamado “el padre de la guitarra psicodélica” por la revista Guitar Player, y Sam Andrew lleva el duelo guitarrero a nuevas alturas. Rick Clark, en el libro “All Music Book” decía: “Nadie puede decir que los Guns N’ Roses son los maestros de la guitarra eléctrica del blues-grunge si no ha escuchado a James Gurley y Sam Houston Andrew de los Big Brother en 508

canciones como ‘Ball And Chain’, ‘Summertime’ y ‘Combination Of The Two’.” A fines de 1968, Janis Joplin decide dejar la banda. Sam Andrew se une a ella en su nuevo proyecto llamado Kozmic Blues Band, Peter Albin y David Getz se van también para unirse a Country Joe & The Fish. Big Brother deja de existir por unos meses; pero en el otoño de 1969 la banda resucita. Peter, Sam, Dave y James se vuelven a juntar reclutando a otros integrantes como David Schallock (guitarra y voz), Nick Gravenites (voz), y Kathi McDonald (voz). Graban dos álbumes más en Columbia, “Be A Brother” (1970), y “How Hard It Is” (1971). Eventos y situaciones de esa época eventualmente llevaron a la banda a separarse nuevamente. Sus siguieron siendo amigos e incluso llegaron a tocar juntos en otras bandas y proyectos musicales. Entre 1971 y 1978 Big Brother se volvió a juntar sólo una vez para participar de un show organizado por Chet Helms en octubre de 1978 en el Greek Theatre de Berkeley. La resurrección de la banda ocurrió casi diez años después, coincidiendo con el 20 aniversario del Verano de Amor en 1987. Las audiciones para una vocalista femenina comenzaron en julio y comenzaron a tocar públicamente en agosto con la cantante Michel Bastian. Desde su reunión, Big Brother ha despertado nuevamente el entusiasmo de su audiencia en todo el mundo. Los duelos guitarrísticos entre Andrew y Gurley, el rítmico bajo de Albin y la solida batería de Getz hizo a los críticos proclamar que sus sonido hoy es tan fresco como hace treinta años atrás. Lisa Battle entró en la banda por dos años y en 1997 ingresó Tom Finch en la guitarra. En 1998 Big Brother and The Holding Company lanzan un nuevo álbum “Do What You Love”, el cual es imprescindible en cualquier colección completa.

Thirteen Floor Elevators Los 13th Floor Elevators fueron una banda underground, ampliamente reconocida como la primera banda realmente psicodélica. Originalemente formada en Texas por Roky Erickson, Dan Galindo, Ronnie Leatherman, Benny Thurman, Stacy Sutherland, Tommy Hall, John Ike Walton y Danny Thomas. Erickson era el vocalista, guitarrista y principal compositor del grupo, mientras que Hall daba el toque más famoso y distinguible de la banda con su amplificado “electric jug”. Su sonido de garage reorientado al acid-rock, explota con el trepidante vigor de “You’re Gonna Miss Me”, dando un nuevo frescor al sonido moderno del rock y su primer hit al grupo. En 1966, sale su primer y más popular álbum, “The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators”, que marca la primera aparición de la palabra “psicodélica” en el título de un LP. Este disco es un gran ejemplo del uso apropiado de la batería en el rock, el baterista no puede ser remplazado por un

metrónomo por más complejo que éste sea. La contribución de Hall y Erickson en increíbles canciones como “Fire Engine,” “Splash 1” y “Reverberation” son únicas. ¿Son un hato de lunáticos? se preguntaban los “bienpensantes”, en parte, pero sólo en un buen sentido, los 13th Floor Elevators definitivamente tenían un complejo y coherente propósito para su extrema energía. El siguiente trabajo fue “Easter Everywhere (1967), una experiencia musical integrada, pero no era precisamente un álbum concepto. Problemas con las drogas y con la ley, forzaron a la banda a separarse y a Erickson a internarse en un hospital mental a finales de la década. Después de un periodo de silencio, Erickson se recupera y continúa grabando esporádicamente hasta hoy. Los 13th Floor Elevators todavía se consideraron importantes como para aparecer en un del festival musical SXSW del 2005. 509

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Strawberry Alarm Clock En lo mejor de la era del “Flower Power” y la música psicodélica de mediados de los sesenta, Strawberry Alarm Clock nos dejó uno de los momentos clásicos del rock con la memorable “Incense and Peppermints” de 1967. Originalmente conocidos como The Sixpence, este grupo californiano estaba formado por Ed King (guitarra líder), Lee Freeman (guitarra rítmica), Gary Lovetro (bajo), Mark Weitz (órgano), y Randy Seol (batería).

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El primer LP realizado por la banda, “Incense and Peppermints” es el único que impacta en las listas de álbumes llegando al puesto 11. El excelente disco contiene grandes pasajes instrumentales y delicadas armonías. El single “Incense and Peppermints” estaba destinado originalmente como lado B y el vocalista era un amigo del grupo, Greg Munford, de 16 años, quien no era miembro regular de la banda, pero terminó cantando la canción que se disparó al número 1 en las listas norteamericanas y vendió más de un millón de copias. A pesar del éxito Munford no volvió a integrarse al grupo. Después de grabar este primer álbum, la banda agrega un segundo bajista, George Bunnell, quien además era un consumado letrista, cuya contribución realzó el estilo, uniendo los adornos hippies con encantadoras melodías e imaginativa instrumentación. En el verano de 1967, el grupo contribuye con su música al filme “PsychOut”, además de aparecer en él. Strawberry comenzó a salir de gira por los USA, siendo uno de los más grandes shows de la época, pero la pobre dirigencia y la disención entre los comenzó a hacer decaer al grupo. El bajista Gary Lovetro se vá después de grabar el segundo álbum “Wake Up It’s Tomorrow” que también salió en 1967. Un segundo simple “Tomorrow” entró en los Top 20 en 1968. Entre el álbum de 1968, “The World In A Seashell” y “Good Morning Starshine” de 1969, la banda pasa por varios cambios en su alineación e hizo que su música vaya por caminos indeterminados. Para colmo, el manager del grupo les lleva un doble registro, lo cual ocasiona severos problemas legales. Aún así Strawberry Alarm Clock permanece en pie hasta 1971, lanzan otro single, “Sit With The Guru” pero ya no alcanzan la anterior popularidad.

VANILLA FUDGE Vanilla Fudge fue uno de los pocos puentes norteamericanos extendidos entre la psicodelia y lo que sería el Heavy Metal. Mientras la banda grababa material original, eras más conocidos por su ruidosos y pesados arreglos de pop contemporáneo, explotándolos hasta épicas proporciones. En 1967 América del Norte veía nacer un grupo psicadélico más. Los Vanilla Fudge entraban en escena y traían una nueva perspectiva al panorama musical americano. El grupo, constituido por Mark Stein (voz, teclados), Vince Martell (voz, guitarra), Carmine Appice (voz, batería), y Tim Bogert (voz, bajo), escojieron el nombre Vanilla Fudge basado en una sugerencia de una amiga de la banda que era apasionada de los helados de vainilla. Entre tanto, el sonido del grupo estaba lejos de ser un helado de vainilla, mas bien era un conjunto de sabores inciertos, misteriosos y místicos. La idea de los cuatro músicos era transformar canciones convencionales en largos épicos instrumentales, jugando con el contraste entre tonos suaves y ambientes ameanazadores. Originalmente, Vanilla Fudge era un grupo de soul blanco llamados Electric Pigeons, formados en Long Island, New York en 1965. El organista Mark Stein, el bajista Tim Bogert y el baterista Joey Brennan acortaron su nombre a Pigeons al tiempo que aderían al grupo al guitarrista Vince Martell. Consiguieron muchos seguidores en sus conciertos por la Costa Este, además de conseguir dinero acompañando a diversos grupos de chicas. A comienzos de 1966, el grupo grabó una serie de demos que fueron lanzados varios años después como “While the Whole World Was Eating Vanilla Fudge”, acreditado a nombre de Mark Stein & The Pigeons.

Inspirados por los Vagrants, otra banda de las que había en el circuito de clubes, liderada por el guitarrista Leslie West, futuro Mountain, los Pigeons comenzaron a poner más esfuerzo en los arreglos de covers que hacían. Llegaron a ser muy elaborados y para fines de año el baterista Brennan fue remplazado por el más técnico Carmine Appice. A principios de 1967, el manager del grupo convence al productor George “Shadow” Morton (que había producido a las Shangri-Las y a artistas folk) para grabarlos en vivo. Impresionado por su dura y pesada versión de “You Keep Me

Todos los grupos de rock progresivo y sinfónico de los años 70 y 80 le deben mucho a la gran contribución de Vanilla Fudge.

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Hangin’ On” de las Supremes, Morton les ofrece grabar un single; el resultado fue la firma con Atco, subsidiaria de Atlantic Records, que pidió al grupo un cambio de nombre. La banda se cambia a Vanilla Fudge, por ser su sabor de helado favorito. La banda graba su album debut “Vanilla Fudge”, conteniendo sus característicos covers, y acompañandolos con giras, lo que eventualmente amplió la cantidad de seguidores. Las cosas comenzaron a salir bien a comienzos de 1968, tocando como atracción principal en el Fillmore West con la Steve Miller Band, tocando “You Keep Me Hangin’ On” en el Ed Sullivan Show, y realizan su segundo álbum, “The Beat Goes On”. El álbum trepa a los Top 20. En el verano, Atco relanza “You Keep Me Hangin’ On” que esta vez alcanza los Top Ten. Este fue seguido por “Renaissance”, uno de

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los mejores álbumes de Vanilla Fudge, el cual también entra en los Top 20. La banda hace de telonera para Jimmi Hendrix y para los conciertos de despedida de Cream, además del naciente Led Zeppelin a finales de año. En 1969, la banda se mantiene en giras y realizan su primer álbum sin Morton, el expansivo y sinfónico “Near The Beginning”. Antes, parte de la banda tocó uno de los éxitos comerciales de Jeff Beck, con la idea de formar un “power-trio” al estilo de Cream. Extenuados por las contínuas giras, la banda decide que el tour por Europa de 1969 sería el último. Seguido de la grabación de su álbum final “Rock and Roll”, Vanilla Fudge tocó unas pocas fechas más hasta su disolución en 1970. La corta carrera del grupo terminaría apenas cuatro años después de haber comenzado. La decisión fue en parte influenciada por el constante ritmo de desacuerdos, y por otro lado, debido a la cresciente popularidad del hard-rock, algo que llevó a Bogert y Appice a buscar otros proyectos. Después de la separación, Bogert y Appice primero forman el grupo de hard rock Cactus y después se unen a Jeff Beck y forman Beck, Bogert & Appice. Al fallar la formación, Appice se convierte en un activo músico de sesión, trabajando para numerosos artistas de rock. Vanilla Fudge se vuelve a reunir en 1984 para el pobremente recibido “Mystery” y varios conciertos nostálgicos.

Pink Floyd A la vanguardia de la psicodelia

El movimiento psicodélico no era exclusivo de los hippies del Ashbury Street de San Francisco, en las discotecas londinenses desde el 67 sonaban acordes similares, la experimentación visual, sonora y física era la norma, en escena los grupos actuaban rodeados de un juego de luces de colores y formas realmente alucinógenas. La moda también jugaba un papel fundamental, lejos de los andrajosos hippies, los jóvenes londinenses se vestían con la última moda, trajes de satén, botitas de medio caño bien lustrosas, camisas con bolados, collares, etc, y toda la parafrenalia posible existente en el Swinging London. Aquí surge el grupo psicodélico por antonomasia, se trata de Pink Floyd. Primer grupo psicodélico inglés, crearon

un estilo totalmente anticonvencional de tocar y sus puestas en escena con luces dirigidas, trasparencias, humo y objetos colgantes que parecían volar, además del uso de los primeros sintetizadores, creaban una atmósfera nunca antes vista. Es una de las bandas más importantes de la escena rock con más de 200 millones de álbumes vendidos alrededor del mundo, incluyendo 74,5 millones sólo en los Estados Unidos. Su historia comienza en el año 1965, de las cenizas de uno de las olvidadas bandas londinenses, Sigma Six, cuando el guitarrista Roger “Syd” Barret y su amigo Roger Waters, bajista, deciden formar “The Pink Floyd Sound” (el nombre provenía de la combinación de los nombres

Pink FLoyd hacia 1967. Rick Wright, Roger Waters, Nick Mason y Syd Barret, experimentaron al máximo con los nuevos sonidos proporcionados por los primeros sintetizadores y la quadrafonía, así como luces y efectos visuales, lo que les llevó a la vanguardia del rock. Ganaron popularidad gracias a su música psicodélica y con el paso del tiempo, fueron evolucionando hacia el rock progresivo y el rock experimental. 513

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de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council), con la ayuda del excelente tecladista Rick Wright y el poco convencional baterista Nick Mason, lanzandose en octubre de 1966. Barrett se reveló como el principal compositor del grupo, y pronto comenzó a escribir nuevas canciones con influencias del rock psicodélico de grupos como los Beatles, Donovan o Grateful Dead. En su primera aparición en la fiesta de la International Times, removieron la estantería de la escena underground londinense; proyectaban luces coloridas que parecía aceite y slides fotográficos mientras sonaba su música, eran efectos totalmente novedosos, que dejaban a la audiencia maravillada y desconcertada. Encontraron hogar en el club UFO del West End, pero fue en el prestigioso Queen Elizabeth Hall en mayo del 67 donde experimentaron por primera vez con un primitivo sonido quadrafónico, poniéndose nuevamente a la vanguardia de la experimentación so-

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nora. Pink Floyd se convirtió en una de las bandas favoritas del movimiento underground, tocando en lugares como el UFO Club, el Marquee Club y The Roundhouse londinenses. Syd Barrett escribe los primeros dos sencillos de Pink Floyd, “Arnold Layne” y “See Emily Play”. El primero escaló hasta el puesto 20 en la lista de éxitos del Reino Unido, y el segundo llegó al número 6, dándole la oportunidad al grupo de aparecer por primera vez en la televisión nacional en el programa Top of the Pops en julio de 1967. Syd Barrett, escribe canciones que capturan perfectamente la “experiencia del ácido” esto es patente en el album debut “The Piper At The Gates Of Dawn” que entró a los Top Ten en 1967. Este álbum representa lo mejor del rock psicodélico británico, uniendo cortas canciones con imágenes sonoras e improvisaciones instrumentales. La música reflejaba la mejor tecnología electrónica de la época destacando el

uso del stereo panning, la edición de cinta, los efectos de eco y el uso de teclados eléctricos. Durante este periodo estuvieron de gira con Jimi Hendrix, que los ayudó a incrementar más su popularidad. Para mediados de ese año, el abuso de drogas alucinógenas, acrecienta la enfermedad mental de Syd, dejándolo incapacitado para seguir tocando en la banda, se recluye en casa de su madre y eventualmente es remplazado por Dave Gilmour en febrero de 1968, aunque continuó componiendo por un tiempo. Después del lanzamiento de dos álbumes en solitario (“The Madcap Laughs” y “Barrett”) en 1970 (co-producidos por Gilmour, Waters y Wright) de éxito moderado, Barrett se recluyó en su natal Cambridge, mejoró bastante y llevó una vida tranquila hasta su muerte el 7 de julio de 2006. El cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los 70, la época de mayor éxito en

ventas de la banda. La banda también adoptó a Steve O’Rourke como manager, quien continuó con Pink Floyd hasta su muerte en 2003. A pesar de la partida de Barrett, la banda sigue manteniendo su particular éxito. Mientras Barrett fue el intérprete principal durante

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Debido a la creciente enfermedad mental de Syd Barret, su lugar fue ocupado gradualmente por Dave Gilmour (sentado). La idea era que Syd siga componiendo y Dave tocara en los conciertos y discos, pero la idea no prosperó y finalmente Syd abandonó la banda en 1968.

los primeros años, Gilmour, Waters y Wright se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la agrupación: Waters escribió la mayoría de las canciones, melodías con líneas dominantes y complejas letras simbólicas (siguiendo la línea anterior); Gilmour se inclinó por las improvisaciones bluesísticas, y Wright prefirió sonidos melancólicos y psicodélicos, aunque todos ellos preferían letras simples o que fuesen puramente instrumentales. Durante este período, las ambiciosas giras, cimentan su reputación del grupo de rock más vanguardista en escena. Ahora sin su principal escritor, el realineado Pink Floyd completa su se516

gundo álbum, “Saucerful Of Secrets”, fue lanzado en junio de 1968, alcanzando el número 9 en el Reino Unido y se convirtió en el único disco de Pink Floyd que no entró en las listas norteamericanas. Aunque el álbum se vendió bien, los dos singles que salieron de él se fueron a pique. Música más experimental se introdujo por completo en el disco doble “Ummagumma” de 1969. El tema principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas canciones por venir, pero el disco fue recibido fríamente por la crítica de esa época. “Ummagumma” está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Manchester) y otro con temas nuevos

de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los de la banda y ocupan la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno). “Ummagumma” fue el álbum más exitoso de la banda hasta aquel entonces, alcanzando el 5º lugar en el Reino Unido y el 74º en EE.UU. 1970 ve llegar al puesto número 1 al disco “Atom Heart Mother”, la primera grabación de la banda con una orquesta sinfónica y su siguiente álbum de estudio, contó con la colaboración del músico Ron Geesin. En la cara A del disco aparece “Atom Heart Mother” una canción instrumental de 23 minutos, mientras que la otra presenta una canción compuesta por cada uno de los vocalistas de la formación (“If” de Waters, “Fat Old Sun” de Gilmour y “Summer ‘68” de Wright). Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus trabajos más inaccesibles, alcanzó el puesto más alto. Desde entonces, ha sido calificado por Gilmour como “un montón de basura”, mientras que Waters dijo que no le importaría si fuera “tirado a la basura y nunca fuera escuchado por nadie”. La popularidad de este álbum hizo que la banda se embarcara en su primera

gira completa por los EE.UU. Antes de editar su siguiente trabajo de estudio, la banda publicó un álbum recopilatorio, “Relics”, que contiene varios sencillos y caras-B junto con una canción original de Waters llamada “Biding My Time”, que fue grabada durante las sesiones de “Ummagumma”. Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en un estilo único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía: “The Dark Side of the Moon” y “Wish You Were Here”. Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, y los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry tomaron parte importante en estas obras. Es en esta época en la que el ambiente de colaboración desapareció de la banda, y Waters tomó el timón compositivo. La última colaboración de Wright como compositor y vocalista se dio en “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente. “Dark Side Of The Moon” de 1973, fue el álbum que convirtió a la banda en superestrellas marcó un antes y un des-

Portada de Ummagumma, que en el ardid de los adolescentes de Cambridge significaba “sexo”.

Pink Floyd es una de las bandas más influyentes del rock, ha influenciado a diversos artistas de rock tanto de los '70 como David Bowie, Genesis y Yes; como contemporáneos, entre los cuales se encuentran Dream Theater, Tool, Radiohead, Porcupine Tree y Nine Inch Nails. 517

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Existe una famosa anécdota de un hombre gordo y con la cabeza y las cejas completamente afeitadas llegó al estudio mientras los Floyd estaban mezclando “Shine on You Crazy Diamond”. Ninguno de ellos fue capaz de reconocerlo, hasta que de repente uno de ellos se dio cuenta de que era Syd Barrett. Wright dijo: “Llegué al estudio y vi a este tipo sentado al fondo del estudio, no lo reconocí. Dije “¿quién es ese detrás tuyo?” “Ese es Syd”. Y yo simplemente me vine abajo, no lo podía creer... Roger estaba llorando, creo que yo también. Fue muy chocante... siete años sin o y entonces llega cuando estamos haciendo esa canción en particular. No sé, coincidencia, karma, destino, ¿quién sabe? Pero fue muy, muy fuerte”. 518

pués en su popularidad. Este álbum que incluye temas clásicos como “Money”, “Time”, “Us and Them” y “Dark Side Of The Moon”, se convierte en el primer número uno de la banda en los USA, y es uno de los más vendidos en la historia del rock, sobrepasando los cuarenta millones de copias. Además, permaneció en el Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel momento, incluyendo 591 consecutivas desde 1976 hasta 1988, lo que significó otro récord mundial, y se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco. También se mantuvo en las británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar. También alrededor de esta época se publicó la primera película documental en directo del grupo, “Live at Pompeii”, grabado antes de la publicación de “The Dark Side of the Moon” en el anfiteatro de Pompeya, Italia. El concierto fue gra-

bado sin ningún tipo de público. Dirigido por Adrian Maben, se incluyen también entrevistas a los de Pink Floyd y escenas detrás de los escenarios y durante la grabación de “The Dark Side” en los estudios Abbey Road. En 1975, el rock aparenta estar ya agotado, sólo Pink Floyd aparece como un luz esperanzadora, llega “Wish You Where Here” que escribe otra gloriosa página en la historia del grupo, además de la preciosa canción de amor que da título al disco, la extática “Shine You Crazy Diamond” dedicada por Waters a “Syd” Barrett y “Welcome To The Machine” dan al disco ventas multimillonarias. “Wish You Were Here” fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en los EE.UU., y fue igual de alabado por la crítica que su anterior trabajo. “Animals” (1977), disco conceptual donde el creciente pesimismo de Waters es evidente, sin ser el mejor trabajo del grupo, vende también millones de copias y es apoyado nuevamente por apoteósicos conciertos. La música de la banda comenzó a ser criticada por los seguidores del punk por ser demasiado pretenciosa al haber perdido la simplicidad del rock and roll. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como “tedioso” y “sombrío”. La portada del álbum presenta a un cerdo inflable, al que los de la banda le pusieron de nombre “Algie”, sobrevolando las chimeneas de la Battersea Power Station de Londres. Aún así es considerado como mucho más guitarrero que los anteriores. Después de la gira de promoción de “Animals”, cada uno de los de Pink Floyd se embarcaron en proyectos en solitario. Gilmour grabó y publicó el álbum “David Gilmour” en 1978, el mismo año en el que Rick Wright publicó “Wet Dream”, y Nick Mason trabajó brevemente en la producción del álbum “Steve” de

Roger Waters había tomado las riendas creativas del grupo, lo que causó roces con el resto de la banda hasta su salida en 1985. Aùn así es el autor de varios clásicos de Pink Floyd, incluyendo su célebre “The Wall”.

Steve Hillage. El único que se enfocó en Pink Floyd fue Roger Waters, quien compuso dos proyectos distintos: “The Pros and Cons of Hitch Hiking” y “The Wall”. El resto de los integrantes eligió éste último como su siguiente álbum, y “Pros and Cons” se convirtió posteriormente en el primer álbum en solitario de Waters. A comienzos de 1979 uno de los financistas de la banda se involucra en un escándalo económico y los pierden unos millones de libras, debiendole al fisco, esto obligó al grupo a abandonar el país durante un año. En el exilio el grupo grabó “The Wall”, La funesta visión de Roger Waters de la alienación de la vida moderna. La influencia de Waters, de oscuros pensamientos y más terrenal, además de material más vendible, calzó perfecto con el formato de single; “Another Brick in the Wall, Part II” fue número 1 en los USA y en Inglaterra. “The Wall” consiguió que Pink Floyd volviese a lo más alto de las listas de éxitos. También del álbum

se extrajo otros éxitos como “Comfortably Numb” o “Run Like Hell”, que se convirtieron en clásicos de la banda y de las emisoras de radio a pesar de no haber sido nunca publicados como sencillos. La producción para la gira de The Wall, incluía la construcción de un inmenso escenario entre la banda y la audiencia, que hasta el día de hoy, permanece como uno de los shows más ambiciosos jamás realizados. El éxito no se quedó en el surco, sino que avanzó a la película, llegando a las pantallas en 1982, dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof. “The Wall” permaneció quince semanas en el número uno de las listas estadounidenses. Fue alabado por la crítica, y consiguió 23 discos de platino, vendiendo 11,5 millones de copias en los EE.UU. El espectacular éxito de “The Wall” hizo que Pink Floyd se convirtiese en el único grupo en conseguir el disco más vendi-

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do del año en dos ocasiones dentro de una década junto con los Beatles (en 1973 con “The Dark Side of the Moon” y en 1980 con “The Wall”). Tal suceso no pudo contrarrestar la hostilidad interna del grupo, malentendidos largamente aguantados entre Waters y Wright hicieron finalmente que este último se vaya en 1979. Para comienzos de 1980, las relaciones no mejoraron. La megalomanía de Waters, pretendiendo ser el único dueño de Pink Floyd, fricciones sobre asuntos financieros y créditos sobre composición dañaron el corazón de la banda. Cuando se le preguntó a Nick Mason la razón del porqué Pink Floyd estaba unido aún, respondió: “Porque no nos hemos acabado el uno contra el otro todavía”, para sorpresa de

Dave Gilmour se ocupó de la dirección creativa del grupo cuando Waters salió en 1985, y sigue siendo hasta hoy figura de referencia para cientos de guitarristas de rock. 520

muchos, otro álbum aparece en 1983, “The Final Cut” un disco duro y sin humor, dominado totalmente por Roger Waters, con un deslucido Mason y un desinteresado Gilmour, la fragmentación del grupo fue evidente para todos. En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los , especialmente Dave Gilmour no estaban de acuerdo. En 1987, Mason y Gilmour trabajan nuevamente juntos bajo la bandera de Pink Floyd; Rick Wright retorna también como miembro asalariado y luego como miembro pleno. Roger Waters queda fuera. Éste prohíbe al resto de la banda a usar el nombre “Pink Floyd”, pero tras un tiempo de refriegas legales, finalmente logran quedarse con el nombre. Lanzan el álbum “A Momentary

Lapse Of Reason”, aunque poco inspirado, recupera más el sonido Pink Floyd que su precedente. Sin Waters, que había sido el principal motor compositivo, la banda se apoyó en compositores de fuera, lo que provocó muchas críticas. Bob Ezrin y Jon Carin entraron como productores y ambos aportaron también sus composiciones. Carin además interpretó la mayoría de las partes de teclado a pesar de la vuelta de Wrightl. Se realiza un masivo tour que comienza en setiembre de ese año, culminando doce meses y 200 presentaciones después. Mientras tanto, Waters lidera una nueva banda con quienes realiza una extravagante adaptación de “The Wall” en los restos del muro de Berlín en 1990. Aunque masivamente televisado, el show falla en recuperar su fortuna pasada. El siguiente álbum de estudio de Pink Floyd fue “The Division Bell”, publicado en 1994, compuesto ahora por todos los del grupo ya no exclusivamente por Gilmour. Fue recibido con mejores impresiones que “A Momentary Lapse of Reason”, aunque se le siguió criticando por su falta de originalidad. Aún así fue el segundo disco de la banda en llegar al primer puesto a

ambos lados del Atlántico desde “Wish You Were Here”. Otra grandiosa gira se realiza con temas nuevos y viejos, estrenando un espectacular juego de luces, confirmando que el grupo ha sobrevivido a pesar de la pérdida de otro “miembro crucial” del grupo. “The Division Bell” también de 1994, es otro álbum conceptual que representa temas parecidos a los que Waters había explorado en “The Wall”. Muchas de las letras fueron escritas por Polly Samson, la novia de Gilmour en aquel momento, con quien se casó poco después de la publicación de este trabajo. Al año siguiente, la banda publicó un álbum en directo titulado “P.U.L.S.E”. que alcanzó el número uno en los EE.UU. También en 1995 la banda recibió su primer y único premio Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Instrumental de Rock por “Marooned”. El álbum “Pulse” registra perfectamente el éxito de la gira y se convierte en uno de los mejores discos en vivo. El 15 de septiembre del año 2008 Rick Wright falleció a los 65 años de edad a causa de un cáncer, con lo que se pierde otra de las grandes figuras del rock.

El legado de la música de Pink Floyd es irrefutable y es en alguna manera más grande que los individuales que la crearon.

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Los Flamming’ Grovies en 1967 eran la mezcla perfecta del sonido de los Rolling Stones con el austero sonido de Sun Records de los años 50, esto los distanciaba radicalmente del acid rock de San Francisco.

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The Flamin’ Groovies Esta genial formación americana, es casi inclasificable, surgida a mediados de los 60 en la hippie San Franciso, en realidad no formaba parte de todo ese colectivo de paz y amor, sencillamente no encajaban en la época. Fueron una nueva revolución de rock and roll entre tanto pacifismo y psicodelia. Poco conocida entre la masa pero con un fuerte seguimiento por parte de un amplio sector de melómanos aficionados tanto al rock 'n' roll o R&B clásico como a las bandas beat primerizas de la Invasión Británica. Los Flamin' Groovies surgieron en 1965 en la ciudad californiana de San Francisco y lo curioso es que al ser grandes amantes de los grupos de la British Invation (en especial de los Beatles y Rolling Stones) y del rock de gente como Chuck Berry o Little Richard su música

permanecía al margen de las modas psicodélicas y progresivas de su entorno, continuando así durante casi toda su existencia como grupo. La banda, que comenzó llamándose Chosen Few y posteriormente Lost & Found, estaba liderada en su primera etapa por el guitarrista Cyril Jordan y el loquísimo cantante Roy Loney; junto a ellos se encontraban el guitarrista Tim Lynch, el bajista George Alexander y el baterista Danny Mihm. Con la fuerza de la guitarra de Cyril Jordan, los Groovies siguieron fieles no a las modas (la psicodelia que reinaba en Frisco), sino a la energía del Rhythm and Blues y al beat británico y a la belleza concisa del single de tres minutos. The Flamin’ Groovies, producen ellos mismos su EP debut, “Sneakers” en 1968, años antes de que nazca el rock independiente. “Sneakers” vendió bastante bien a nivel underground lo que les llevó a firmar con Epic para grabar su primer LP titulado “Supersnazz” (1969). El disco, a pesar de su gran calidad no cumplió las expectativas comerciales y el sello decidió no renovarles el contrato. Sin caer en la desesperación, los Groovies entraron en la compañía Kama Sutra y grabaron un álbum de virulento rock and roll y pegadizas letras, “Flamingo” (1970), que se convertirá en una gran influencia para las futuras generaciones como progenitores del “power-pop”. Luego graban "Teenage Head" (1971), otro magnífico trabajo

lleno de rock, pop y R&B que no obtuvo su justa repercusión en ventas. El conflicto entre los líderes Jordan y Loney se resolvió con la marcha del grupo de Loney que emprendió una carrera en solitario en 1971 dejando a Ciryl Jordan como principal dirigente de los Flamin' Groovies. Jordan estaba obsesionado con la figura de los Beatles y trasladó al grupo a las Islas Británicas con dos nuevos componentes: el nuevo cantante Chris Wilson y un nuevo guitarrista llamado James Farrell, que había sustituido en el puesto a Lynch. Wilson se convirtió en el complemento ideal de Jordan en el aspecto compositivo ya que los dos eran fanáticos de los Fab Four y los Byrds. En tierras europeas, los Groovies consiguen la horma de su zapato y lograron incrementar notablemente su audiencia, convirtiéndose en una formación de culto, fundamentalmente en Francia, Alemania e Inglaterra, países en donde realizaban sus conciertos a lleno total. Su música ahora se asentaba aún más en los Beatles, Rolling Stones, Byrds y Lovin' Spoonful, pero sin olvidar sus raíces rockeras. Con cambios en la batería (David Wright reemplazó a Mihm) comenzó lo que se puede denominar la segunda parte de la carrera de los Groovies. Firmaron con el sello Sire y bajo producción de Dave Edmunds (con quien habían publicado un Ep en 1972) grabarían "Shake some action" (1976), una obra maestra presentada a la antigua usanza del beat británico con soberbias canciones como "Yes, It's True", "You tore me down", "I'll Cry alone", "I can't hide", "I saw her" o la propia "Shake some action". Un disco sin duda, imprescindible y que influyó bastante al movimiento punk. Ese año salieron de gira por el Reino Unido con los Ramones. Si "Shake Some Action" resalta por su singularidad y calidad, la continuación no se quedó atrás. "Now" (1978), un Lp

de nuevo producido por Edmunds que presentaba al nuevo guitarrista Mike Wilhelm en sustitución de Farrell contenía magistrales composiciones propias como "All I Wanted", "Yeah, My Babe", "Don't put me on" o grandes versiones de los Byrds ("I feel a whole lot better"), Rolling Stones ("Paint It Black) o los Beatles ("There's a Place"). Después de estos dos sensacionales trabajos, graban "Jumpin' in the Night" (1979), un disco de inferior calidad producido por el propio Jordan junto a Roger Bechirian que presentaba demasiadas versiones, entre ellas Byrds, Beatles o Bob Dylan. El amor al sonido sesentero los había sumido casi en una banda revivalista y versionera, lo que provocó disputas entre los . Los roces se saldaron con la salida de Chris Wilson, David Wright y Mike Wilhelm, prosiguiendo con los Groovies Cyril Jordan y George Alexander que terminaron por establecerse en Australia donde grabaron varios discos, muy inferiores a sus primeros trabajos. Ahora, disfrutan de su estatus de grupo legendario, cosechando cientos de fans entre los aficionados al rock y pop clásico.

“Fuimos más allá de la imagen y del significado. Eso era demasiado típico del rock. Somos una máquina de discos a todo volumen” – Cyril Jordan

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Moby Grape tiene un poco de folk, pop, blues y toques de rock & roll, country y gospel. Los cinco componentes eran compositores y cantantes excelentes, sus harmonías igualan a las mejores de los Beatles, sin exagerar. Otra de las características del sonido de la banda fue la acertada conjunción de tres guitarras.

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Moby Grape Esta extraordinaria formación surgió en Frisco en plena sicodelia y a pesar de los talentos combinados y su gran calidad, no consiguieron el éxito comercial, aunque su compañía discográfica los publicitó intensamente. Moby Grape estaba formado por el guitarrista canadiense Skip Spence (antes fue baterista en los Jefferson Airplane); el también guitarrista Peter Lewis (ex- The Cornells); el guitarrista Jerry Miller y el baterista Don Stevenson (ambos de The Franctics). Poco después se integró el bajista Bob Mosley para completar la formación. Todos ellos ya tenían experiencia y eran grandes músicos y cantantes, además de ser hábiles compositores. Su manager, Matthew Katz, les consiguió un contrato de grabación con el sello Columbia y el gran talento de la banda se vio reflejado en su primer álbum, “Moby Grape”

(1967). Disco imprescindible con grandes temas como “8:05”, “Omaha”, “Sitting By The Window”, “Lazy Me”, “Someday” o “Come In The Morning”, con base psicodélica y matices pop, rock, folk e incluso country y soul. Todo hacía suponer que iban camino a ser una de las bandas más importantes de Norteamérica, pero la inestabilidad emocional de sus componentes causó el rápido declive del grupo. La gran calidad de su debut no tuvo la debida continuación pues las tensiones por problemas con su manager y los egos inflados impidieron mantener el profesionalismo. Sumado a esto, varios del grupo fueron acusados de encontrarse con groupies menores de edad, lo que derivó en serios problemas legales. A pesar de todo reunen fuerzas para editar un segundo álbum en 1968, “Wow”, que no alcanzó la calidad de su predecesor. A este le acompaña “Grape Jam”, un disco de jams acusado por la crítica de aburrido y falto de originalidad. Aún así, la disquera bombardea publicitariamente y consigue algunos éxitos en ventas. Después de esto, Skip Spence, que se hallaba pasando un mal momento con las drogas, y luego de peleas con la banda, decide salir del grupo para intentar una carrera en solitario. Los demás de Grape siguieron juntos para publicar un tercer disco llamado “Moby Grape 69” (1969), acá la cosa mejora y además contiene un excelente tema compuesto por Spence “Seeing”. Para promocionar el disco se van de gira por Europa, pero al regreso, el bajista Bob Mosley decide unirse a los Marines y también deja la banda. Miller, Lewis y Stevenson tuvieron que cumplir obligadamente el contrato con Columbia de cuatro discos y graban apuradamente un siguiente álbum ese mismo año, “Truly Fine Citizen” (1969). Al término de la grabación Moby Grape da el carpeta-

zo. Con el tiempo algunos del grupo se volvieron a reunir en varias ocasiones pero no podían utilizar el nombre de Moby Grape, pues los derechos los poseía Matthew Katz, por lo que se presentaban como Maby Grape, The Grape u otros nombres. En 1971, vuelven a reunirse los cinco originales para grabar “20 Granite Creek” (1971), donde vuelven a volcar sus talentos en un disco bastante logrado. Años después siguieron apareciendo y desapreciendo en diversos locales y clubes pequeños, convertidos en banda de culto y cosechando nuevos seguidores. Alexander ‘Skip’ Spence falleció el 16 de abril de 1999.

Williams (guitarra líder), James “Weasel” Spagnola (2a. guitarra), Mark Tulin (bajista y tecladista) y Michael “Quint” Weakley en batería, este último duró poco y fue remplazado por Preston Ritter. Dave Hassinger, ingeniero de sonido que había trabajado con los Rolling Stones, Grateful Dead, The Seeds y los Jefferson Airpla-

The Electric Prunes es una de las mejores referencias del garage y sicodelia de la costa oeste de los sesenta. A finales de esta década se separan para volver a los escenarios cuarenta años después.

Electric Prunes La ciudad de Los Angeles también estuvo representada en el movimiento psicodélico por los Electric Prunes, ellos tenían un sonido garajero y psicodélico, plenos de viajes ácidos sonoros matizados con bellas melodías. Se formaron hacia 1965 con el cantante y guitarrista Jim Lowe, Ken 525

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ne, fue una pieza clave en el sonido que producirían los Electric Prunes. Hassinger manejaba su propio sello y fichó a la banda, produciendo para ellos su primer single, “Ain’t It Hard” en 1966. El éxito lo alcanzaron con “I Had Too Much to Dream (Last Night)” un tema pop al cual le dieron su enérgico toque sicodélico, convirtiéndolo en uno de los clásicos del género. El single alcanza el puesto número 11 en los charts. Su siguiente single “Get Me to the World on Time” consigue también buenas ventas y logra entrar en los Top 20. Ambas canciones se inlcuyeron en su primer álbum llamado simplemente “The Electric Prunes” (1967). Este gran trabajo

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es seguido de otro mejor, “Underground” (1967), donde desarrollaron aún más su sonido sicodélico, el LP incluía grandes temas como “Dr. Do Good”, “The Long Banana Hoax”, “Hideaway”,”Children of Rain” y “Long Day’s Flight”. La mitad de los temas fueron compuestos por la dupla Jim Lowe y Mark Tulin. Por esta época el primer baterista del grupo adista) y Michael “Quint” Weakley vuelve para remplazar a Ritter. A pesar de la calidad del nuevo disco, no tuvo su repercusión comercial, esto caló hondo en los ánimos de la banda, cambiando totalmente su alineación para su tercer LP. Hassinger ahora toma las riendas y produce “Mass in F Minor” (1968), un interesante experimento pseudo-religioso. Apoyado en los arreglos de David Axelroad, utilizó músicos de sesión como el cantante Mark Kincaid, el guitarrista Ron Morgan, el bajista Brett Wade y el baterista Richard Whetstone y algunos componentes del grupo The Collectors. El álbum poseía un aire religiosos-sicodélico con letras en latín y cantos gregorianos, totalmente alejado de los primeros discos. Luego realiza la continuación con “Release Of An Oath” (1969), otro ambicioso proyecto de Hassinger y Axelroad, la crítica lo catalogó como mejor disco que el anterior, instrumentalmente es más complejo, más rico y no resulta tan desconcertante. El último disco de los Electric Prunes, conformados ahora por varios músicos de sesión que ya habían participado en los otros discos fue “Just Good Old Rock’n’Roll” (1969), un disco que señaló el final y que no estuvo a la altura de la genialidad impuesta por los originales. Tras varias años de silencio, el grupo original se volvió a reunir para volver a realizar giras, componer y producir un sorpresivo trabajo de gran calidad llamado “Artifact” (2001).

CAPITULO 14

El Blues Revival Vuelta a las raíces Quizás cansados ya de tanto ácido y manipuleo de la prensa, sobre todo la musical, que creaba y derrumbaba ídolos como si nada, un grupo de músicos, otra vez de Gran Bretaña retornarían a las raíces del rock, para inaugurar una era de “revivals” que duraría el resto de la década y pondría los fundamentos del Rock Duro y del futuro Heavy Metal. Hacia 1966, la escena rock comenzará a cambiar, gracias a un puñado de amantes del blues más clásico del delta del Mississippi y los clubes de Chicago, practicamente olvidado por los nuevos músicos. Cuando John Mayall realiza el álbum “Bluesbrakers” (1966), presentando al ex guitarrista de los Yardbirds, Eric Clapton, se define, de una vez por todas, un género de Rhythm and Blues tocado por europeos blancos, el epítome del “bluesrock”, vino a ser rápidamente una de las más fuertes influencias en la escena musical británica. En los Estados Unidos un poco más tarde aparece la contrapartida de Mayall, Al Kooper, quien forma el Blues Project, una banda que mezclaba flautas y órganos, creando un atmosférico so-

nido, mezcla de blues, folk, pop y jazz, perfectamente palpable en “Projections” (1967). Mayall y Kooper inspiraron a numerosos artistas a ambos lados del Atlántico. En ese punto, tres blos británicos de corazón, Jack Bruce, Eric Clapton y Ginger Baker, forman Cream. Más que cualquier otro, Cream cambió la cara del rock británico. Ellos tomaron la fusión del blues y el rock para llegar a lugares que nunca antes se llegaron. Fueron los primeros en utilizar riff lacerantes y distorsiones nunca escuchadas, choqueando a la audiencia, poniendo la piedra fundamental del hard-rock. San Francisco por su parte tenía una gran audiencia bla, influenciada por el acid-rock llegan los Big Brothers and The Holding Company, con la gran vocalista Janis Joplin, la más visceral de su tiempo. Steve Miller por su parte, también tomó la posta hasta que se volvió a lo comercial; finalmente esta Carlos Santana, quien fusionó hábilmente los ritmos afro-latinos con la guitarra de blues y los vuelos psicodélicos. 527

LA ERA DEL ROCK

John Mayall Diga Blues y nada más que Blues

“Nos tomamos el blues en serio, lo absorbimos profundamente y ahora es también parte nuestra, es un lenguaje universal” – John Mayall

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Quizás nombrando a algunos músicos que pasaron por las manos de John Mayall se pueda vislumbrar la gran influencia que tuvo sobre el rock: Eric Clapton, Jack Bruce (formaron Cream), John McVie, Mick Fleetwood, Peter Green (que formarían Fleetwood Mac), Mick Taylor (de los Rollings), Larry Taylor (bajista de Zappa y Canned Heat), etc. Es decir, por el blues de John Mayall y los Bluesbrakers han pasado algunas de las estrellas más grandes de la historia del rock. John Mayall es uno de los padres del blues británico, nacido en Macclesfield, Inglaterra en 1933, heredó su afición a la música de su padre, cuyos discos

de jazz devoraba durante horas. El sólo aprendió a tocar la guitarra, la armónica e incluso el piano, y en 1955 forma su primer grupo, The Powerhouse Four con algunos compañeros de escuela. En Londres, Mayall se reunió con John McVie, Bernie Watson y Peter Ward para formar los Bluesbrakers; de esta formación original, los se han cambiado innumerables veces, por las más diversas razones. Resulta que Mayall era como un dictador en cuanto a cómo quería que suene el grupo, qué y cómo se debía tocar, etc. Sus “leyes” en cuanto al uso de drogas y alcohol eran demasiado estrictas para la vida casi siempre desordenada de los músicos, especialmente de los más jóvenes. Además, si podía conseguir a alguien mejor para el grupo no lo pensaba dos veces para sacar al que no funcionaba a su manera. El ejemplo más famoso es la sustitución de Bernie Watson por Roger Dean, quien finalmente fue cambiado por Eric Clapton por que Dean era demasiado “country”. Clapton estuvo con los Bluesbrakers por 15 meses, para cuando se lanzó el álbum “Blues Breakers featuring Eric Clapton” en julio de 1966, ya fue cambiado por Peter Green. El disco “Blues Breakers” obtuvo gran éxito, lo cual ayudó a difundir la música de John Mayall y aún hoy es un disco de referencia del blues blanco. Más tarde lanzó “A Hard Road” y “Crusade” (1967) discos que Mayall utilizó de plataforma para “predicar” el auténtico blues, y más tarde salió “The Blues Alone” también de 1967, álbum desde el cual Mayall pudo demostrar su

destreza en todos los instrumentos menos en la batería. En 1968 según los críticos, lanza su mejor disco de la década, “Bare Wires” En ese disco explora aún más sus instrumentos de viento y se perfecciona en la composición de las letras de las canciones. Después de “Blues From Laurel Canyon” (1969) Mick Taylor deja los Blues Brakers para unirse a los Rolling Stones y John Mayall comienza a utilizar sólo su nombre, poniendo fin a la etapa de los Brakers. A pesar de la pérdida, resurge con otro disco siguiendo la línea de “Bare Wires”, llamado “The Tourning Point” (1969), grabado en vivo. Hasta 1971 fue muy productivo para Mayall, armó una banda con músicos norteamericanos para hacer “USA Union” (1970) y una vuelta a las raíces con “Back to Roots” (1971), disco en el cual participó Eric Clapton y otros ex integrantes de Blues Brakers. En los 90 resurge de las cenizas, sorprendiendo a todos con el álbum “A Sense of Place” (1990) y “Wake Up Call” de 1993, su disco más vendido y para muchos, su obra cumbre. Pero Mayall no se durmió sobre los laureles. En el 2003 sale nuevamente al escenario para feste-

jar su 70 cumpleaños en compañía de viejos amigos, entre ellos Eric Clapton, Chris Barber y Mick Taylor, con el consiguiente album doble que recoge mucho de los mejores momentos de su larga y prolífica carrera. ¡¡Larga vida al blues!!

El clásico disco de Los Blues Brakers de 1967, con un Eric Clapton totalmente distraido leyendo otro clásico de los 60, “Beano”.

Mayall posee ese supremo talento para formar, dirigir y liderar grandes bandas, dio al mundo del rock muchas de sus grandes estrellas. A sus 70 años, ya tiene más de 40 discos con su nombre, pero continúa en el largo y tortuoso camino del blues. 529

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Eric Clapton El primer dios de la guitarra

Los Yardbirds le deben su fama inicial al genio de Eric Clapton, pero su inquieta naturaleza y su amor por el blues hizo que Eric saliera en 1965 después de dos exitosos LPs.

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Eric Patrick Clapton nace el 30 de marzo de 1945 en Surrey, Inglaterra. Tuvo una infancia difícil debido a que era hijo ilegítimo de Patricia Molly Clapton y Edward Fryer, un soldado canadiense estacionado en Inglaterra. Después de terminada la Segunda Guerra Mundial, Fryer retornó a Canadá con su esposa, entre tanto Patricia dejó al pequeño Eric al cuidado de sus abuelos Rose and Jack Clapp (el apellido Clapton es por el primer esposo de Rose, Reginald Clapton). La dura moral social de la época obligaron al pequeño Eric a montar la comedia de que su madre era su hermana y sus abuelos maternos sus padres. Estos le llamaban “Ricky”. El era un niño callado, pero bien educado, por sobre el estudio, destacaba más bien en las artes.

La verdad sobre su verdadero origen le fue revelada cuando cumplió los nueve años; aún así cuando Eric fue visitado por su madre, el siguió pretendiendo que era su hermana. Clapton tiene su primer o con el rock and roll cuando ve a Jerry Lee Lewis actuando en la televisión, durante su malograda gira británica. La explosiva presentación de Lewis se acopló perfectamente con el creciente amor de Eric por el blues y el R&B norteamericano, animándole a tocar la guitarra. A pesar de su frágil físico era muy tenaz y consiguió su primera guitarra para su cumpleaños número trece, encontrando un verdadero refugio en la música. Empezó sus primeros escarceos mamando de discos de Big Bill Broonzy, Muddy Waters, Howlin’ Wolf y muy especialmente de Robert Johnson, el legendario bluesman del Mississippi. Esas fueron sus primeras influencias. En esa época ingresa al Kingston College of Art, pero pronto es expulsado por tocar la guitarra en clase. A los 17 años, Eric toma un empleo y pasa su tiempo libre incursionando en el mundo de la guitarra para poder arrancarle todos sus secretos. Ya para esa época logró convencer a sus abuelos que le regalen una guitarra eléctrica. Gracias a su extraordinaria capacidad, logró unirse a varias bandas de blues, incluido The Roosters que fue la primera banda con quien grabó y actuó semiprofesionalmente.

Primero fue un chico como cualquier otro, luego fue el genio del blues, luego la “mano lenta”, llegó a ser “dios” y volvió a ser hombre. Sea como sea, Eric Clapton es sin lugar a dudas el mejor guitarrista de blues de todo el mundo, su carrera estuvo marcada por excepcionales proezas musicales y profundas tragedias personales.

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LA ERA DEL ROCK

ERIC PROFESIONAL Tras unos meses de tocar con los Roosters, su genio era requerido para tocar con los Yardbirds, ingresando al mundo profesional en 1963. Este grupo se convirtió en una sensación por su bluesrock muy particular, además del virtuosismo del joven Clapton, quien pronto se convirtió en la figura central además de ganarse el apodo de “Slowhand” (mano lenta). Debido a su fuerte rasgeo frecuentemente soltaba las cuerdas de la guitarra, entonces mientras las cambiaba en el escenario, la multitud comenzaba un lento aplauso acompasado. El grupo se convirtió en residente permanente del Crawdaddy Club de Richmond, luego de que los Rolling Stones le dejaran su lugar a fines de 1963. A pesar de la popularidad de los dos primeros álbumes de la banda “Five Live

Yardbirds” y “For Your Love”, Clapton se aleja en 1965 debido a que siente que los Yardbirds se estaban alejando demasiado del blues en favor de una corriente pop más comercial. Ese año, Eric acepta la oferta de John Mayall de unirse a los Bluesbreakers donde su gran talento florece aceleradamente, definiendo la fuerza musical del grupo. En las paredes londinenses comenzaba a verse la inscripción “Clapton es Dios”, pintadas por fanáticos seguidores, quienes impulsaron al disco lanzado por los Bluesbreakers al número 6 de las listas británicas. Pero su inmenso talento y sus ideas no compatibilizaron con el fuerte carácter de Mayall, quien estaba perdiendo protagonismo en su propia banda, por lo que Eric se fué una vez más, dejando a otro grupo en la cima de su popularidad.

ERIC SUPERESTRELLA Pero Clapton ya tenía otro proyecto entre manos, a mediados del 66 aún antes de salir de los Bluesbreakers, había hecho amistad con el extraordinario bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker, quien a la sazón era reconocido como el mejor baterista de la época. Fue así que al dejar a Mayall, los tres enormes talentos se unen para formar Cream (la crema de la crema). Clapton dijo que con esta agrupación “empezarían una revolución del pensamiento musical, para cambiar el mundo, para conmover a las personas y choquearlas”. Esa visión pronto se quedó corta, Cream se convirtió rápidamente en el trío más prominente de la escena rock de fines de los sesenta. Cream fue pionera en varios aspectos, Ginger Baker revolucionó completamente la técnica de tocar la batería con el uso del doble bombo, Jack Bruce hizo lo propio con el bajo, incorporando al rock muchos aspectos del jazz,

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Cream, el primer Supergrupo del rock. La explosiva mezcla de los tres grandes egos de Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker no permitiría sinembargo que la banda durase mucho, pero aguantó lo suficiente para dejar un surco bien grande y marcar la pauta para el futuro hard rock.

todo esto encajaba perfectamente con la envolvente guitarra de Clapton, profunda, pesada y alucinante. Los riff de temas como “Crossroad” (cover del genial blues de Robert Johnson), “White Room” y muy especialmente “Sunshine of Your Love”, todos clásicos, ya iluminan el camino al hard-rock. Con la fuerza de sus tres primeros albumes “Fresh Cream” (diciembre del 1966), “Disraeli Gears” (noviembre de 1967), y “Wheels of Fire” (agosto de 1968) y un extensivo programa de giras,

la banda alcanzó fama internacional, muy cercana a los Rolling Stones o los Beatles, al tiempo de que Clapton se volvía más y más poderoso en la mente de sus fans. Siete singles entraron en los Top 10 de Gran Bretaña y tres en los USA. El doble álbum “Wheels of Fire” recoge el inmenso talento de este poderoso trío de blues-rock. Uno de los discos presenta un acabado trabajo en el estudio, reflejando el alto nivel, la sofisticación y la variedad musical que creaban. “White Room” es el perfecto ejemplo de la fu533

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Cream actuando en el show de la televisión británica, Top of The Pops.

sión entre el rock-blues y pop, “Pressed Rat And Warthog” representa un viaje dentro de la excentricidad psicodélica y “As You Said” se aventura en el atmosférico sonido electrónico. El otro LP es un electrificante sonido en vivo de la banda, grabado en el Fillmore de San Francisco. Con sólo cuatro temas, demuestra feacientemente el talento de Ginger, Jack y Eric donde se explayan en habilidosas improvisaciones. Pero como nada dura para siempre, para finales de 1968, después de dos años de contínuos éxitos, el grupo se separa, debido a una combinación de abuso de drogas, egos super inflados y la presión de la fama. Los Cream dan un concierto de despedida el 26 de noviembre de 1968 y graban un último álbum “Goodbye Cream” que saldrá en marzo de 1969. En esa época en una entrevista 534

concedida a una revista musical británica, Clapton ite: “Estoy cansado de la limitación que supone una formación del tipo guitarra-bajo-batería, quiero algo más flexible. Me gustaría una banda con teclados y un nuevo enfoque. Al escuchar la grabación de “Music From Big Pink” de The Band, cambiaron mis ideas musicales, comprobé que Cream estaba pasado de moda”.

UNA FE CIEGA En diciembre de 1968, Traffic, otra banda británica de primera línea se disolvía, dejando a su tecladista y cantante Steve Windwood tan libre como Clapton de Cream. Los dos se ponen a ensayar en la magnífica mansión de Hurtwood Edge en Surrey, que Eric había comprado. Aunque ambos artistas estaban tomando las cosas con calma, el manager de Clapton, Robert Stigwood, dueño de la RSO,

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Blind Faith, Steve Windwood, Rick Grech, Ginger Baker y Eric Clapton.

vió una oportunidad demasiado jugosa como para dejarla pasar. Es así que Eric Clapton en guitarra y voz, Steve Windwood en órgano y voz, Ginger Baker en batería y Rick Grech en bajo, son comprometidos a ofrecer un concierto gratuíto (¡qué tiempos aquellos!) en el Hyde Park de Londres. El grupo elije el nombre de Blind Faith, expresión de una fe ciega en sus capacidades y talento musical. La expectación ante esta formación causó en el público fuertes reacciones: “el mejor grupo de todos los grupos”, decían las revistas musicales y sus delirantes y emocionados seguidores.

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Después de unos acelerados ensayos, el concierto gratuíto se realizó el 7 de junio de 1969 con la asistencia de más de 120.000 espectadores. Pero esta vez fue grande la decepción que causaron. Llovieron las críticas, “era un Stingwood con un grupo acompañante”, “no dieron lo mejor de sí” “fué débil y flojo” decían. El propio Clapton reconocería más tarde ante la revista Melody Maker: “no estábamos preparados, pero no teníamos otra alternativa más que hacerlo”. Quizás lo que pasó es que no resistieron la oportunidad de lanzarse como producto al mercado pero no ensayaron

lo suficiente. En el negocio de la música no hay muchos escrúpulos a la hora de ganar mucho dinero. Stingwood dejó bien en claro las cosas, se podía ganar mucha plata con Blind Faith, pero tenían que empezar a moverse para despertar el interés. También los medios colaboraron a endiosar demasiado rápido al grupo, prácticamente habían nacido en la cima, por lo que el único camino que quedaba era de bajada. Editaron un único álbum “Blind Faith” que salió al mercado en agosto de 1969; el álbum cuya portada mostraba una adolescente con el pecho desnudo, sosteniendo un avión plateado en la mano, fue en ese tiempo “demasiado atrevida”, por lo que la casa de discos en un principiose negó a lanzarla así, pero el grupo quería un fuerte impacto y finalmente salió con esa portada. En apoyo al álbum, el grupo inicia una serie de conciertos a lleno total en veinticuatro ciudades de los USA. Blind Faith hizo historia, pero el tremendo stress que produjo el mega tour y la incompatibilidad de caracteres hizo que el grupo se separara apenas a un año de haberse iniciado. Clapton itió: “Creo que al público se le ha estafado con Blind Faith, porque nadie es tan bueno como dice su slogan o su hoja promocional. Ya es hora de que los grupos devuelvan a su público lo que éste nos ha dado”.

La controvertida portada del primer y único LP de Blind Faith. La compañía se negó a publicar el disco con esta portada, pero la voluntad del grupo era causar impacto y así salió.

ban junto a sus músicos de teloneros de las estrellas. Eric encontró irresistible la combinación de soul blanco y R&B que hacía el dúo, por lo que no dudó en unirse como un músico más, cansado de las presiones de la fama, se deleitaba tocando en una banda flexible, donde podía controlar la música desde el fondo sin ganar tanto protagonismo. “Eran sencillos, naturales, libres, nada engreídos, se notaba que disfrutaban hacer música”, todo lo contrario a las superestrellas de Blind Faith.

Eric Clapton, John Lennon, Mitch Mitchell y Keith Richards tocando “Yer Blues” en la filmación de la estravaganza “Rock and Roll Circus” de los Rolling Stones.

ERIC IDEALISTA Luego de la caída de Blind Faith, el inquieto Clapton no se queda con los brazos cruzados, se mantiene ocupado tocando en diversas bandas como músico invitado. Así llega a tocar en el concierto debut de la Plastic Ono Band con John Lennon y Yoko Ono en Toronto Canadá en septiembre del 69. Durante la gira con Blind Faith, Clapton se hace amigo de Delaney & Bonnie, un matrimonio que toca537

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Delaney & Bonnie y Eric en el Royal Albert Hall de Londres el 1 de diciembre de 1969.

Clapton literalmente se lleva al grupo de gira por Europa durante noviembre y diciembre quedando grabada la experiencia en el álbum en vivo “Delaney, Bonnie & Friends On Tour With Eric Clapton”, que sale en febrero de 1970. Desgraciadamente, estando la pareja en Inglaterra, codeándose con grandes figuras como George Harrison (quien llegó a compartir escenario con ellos) y el propio Clapton hizo que la fama se le subiera a la cabeza, desdeñando el padrinazgo de Eric, el matrimonio se regresa a los Estados Unidos dejándolo con cuentas que pagar y la confianza por los suelos. Muchos criticaron a Clapton la excesiva fe que había depositado en Delaney & Bonnie y su extraña actitud de querer pasar desapercibido como un músico más del grupo. 538

SU PLAN ES NO SOBRESALIR A pesar de esa nueva mala experiencia, musicalmente, Clapton gana en variedad, extendiéndose a otros estilos musicales que cultivará con éxito en años posteriores. En agosto de 1970 Eric se anima y lanza su primer proyecto en solitario, con la colaboración de algunos músicos de Delaney & Bonnie y en especial con la participación de Leon Russell. El álbum llamado simplemente “Eric Clapton” no tuvo demasiada repercusión en las ventas y en los seguidores, salvo por el tema “After Midnight” un cover de J.J. Cale que obtuvo un modesto éxito. El álbum con marcado sonido de rock sureño también tenía canciones de amor, que serían una constante en sus siguientes años. Junto a tres ex integrantes de Delaney & Bonnie, Bobby Whitlock en teclados, Carl Radle en bajo y Jim Gordon en batería, Clapton da forma a su siguiente proyecto, Derek & The Dominoes (nuevamente se esconde tras un sobrenombre) y graban el doble álbum “Layla and Other

Derek and the Dominoes en 1970. La obra maestra de Clapton, “Layla and Other Assorted Love Songs” en su momento pasó totalmente desapercibida, lo que llevó a nuestro quebrantado Eric a sucumbir ante la heroína y pasar sus peores años temiendo por su vida.

Assorted Love Songs” en noviembre de 1970, con la contribución del destacado guitarrista Duane Allman (de los Allman Brothers). Este trabajo contiene entre otras canciones, la emblemática “Layla” un angustioso lamento por un amor no correspondido. La canción fue inspirada en propias palabras de Clapton por Patti Boyd, esposa de George Harrison, quien llegó a ser el mejor amigo de Eric desde que se conocieron en 1967. Según se cuenta, Patti se valía de Clapton para darle celos a su marido, pero ese constante juego amoroso terminó por enamorarlo perdidamente. El cómo, cuándo, porqué y quién de esa historia tiene muchas variantes, dependiendo del autor o la fuente; eventualmente Clapton y Patti se casan en 1979 pero ponen fin a esa historia de amor en 1988 por medio del divorcio. Dejando atrás este paréntesis de telenovela, “Layla” es una verdadera obra maestra, una joya de la historia de la música moderna. Una apasionada canción de amor con un épico duelo final entre las guitarras de Eric y Duane. “Layla y otras canciones de

amor” sale a la calle en diciembre de 1970, pero no causó ninguna impresión, increíblemente pasó totalmente desapercibido, obviamente en su momento fue un fracaso comercial. Este rechazo pudo deberse a que el grupo “Derek and the Dominoes” era desconocido, el álbum era doble, lo que significaba caro, tenía una bella portada, pero poco comercial y el nombre de Clapton no aparecía por ningún lado. Eric quería que el disco tuviera fuerza propia por la calidad de los temas, lamentablemente se equivocó. Tantos problemas de amores no correspondidos y también el fracaso de su obra maestra hacen mella en el debilitado espíritu de Clapton y éste cae en una fuerte adicción a la heroína. Derek and the Dominoes sucumbe en el transcurso de una gira por los Estados Unidos abortándose también la grabación de un segundo álbum. 539

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ERIC DROGADICTO

George Harrison llegó a ser el mejor amigo de Eric, se conocieron hacia 1967 y Clapton llegó a colaborar en el tema “While My Guitar Gently Weeps” del álbum blanco de los Beatles y en el álbum debut de Harrison, a parte de numerosos conciertos y participaciones en discos.

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La nueva década trae consigo varias desgracias personales para Eric, primero el fracaso de su disco, luego la muerte de sus amigos Duane Allman y Jimi Hendrix, y la de su abuelo “padre” Jack Clapp. Sea el motivo que fuere, lo cierto es que Clapton se refugia en su casa de Surrey y pasa los primeros años de la década en la sombra, luchando contra su creciente adicción a la heroína. Aunque apenas podía mantenerse en pie en el escenario, el 1 de agosto de 1971 Eric acudió al pedido de su amigo George Harrison para participar en el concierto de ayuda a Bangladesh, terminado el compromiso volvió a su casa a encerrarse. A mediados de 1972, Eric se encontraba más enfermo de lo que los rumores decían, su adicción le costó gran parte de su dinero, fama, salud y por poco le cuesta la vida. La ayuda de la amistad, en concreto en la persona del guitarrista Pete Townshend lo sacaron del pozo en el que se encontraba. Pete se lo llevó a Clapton para un controversial pero efectivo tratamiento con acu-

puntura para comenzar su rehabilitación, le animó a participar en la película de los Who “Tommy” y a realizar dos conciertos en el Rainbow Theatre con el fin de reactivar su denostrada carrera. El 13 de enero de 1973 actuaron junto a Clapton, Steve Windwood, Pete Townshend, Ron Wood (de los Rolling Stones), Rick Grech, Jim Capaldi, Ree Bop y Jimmi Karstein. Nuevamente Clapton demuestra que tiene fuerte determinación y se propone dejar la droga y volver con todo a su música.

ERIC SOBREVIVIENTE En abril de 1974, luego de dos años de silencio, se dirige a Miami para grabar “461 Ocean Boulevard”, un excelente album marcado por una fuerte influencia de reggae, especialmente patente en el exitoso single “I Shot The Sheriff”, cover de Bob Marley. También incluye la hermosa “Let It Grow” que será un tema habitual en sus conciertos siguientes. El disco tiene un éxito inesperado, a pesar de algunas críticas que decían que había abandonado su estilo fuerte en favor de canciones facilonas. El éxito animó a Clapton a preparar otro LP, “There’s One In Every Crowd”, que salió a la venta en abril de 1975. Pero no tuvo el recibimiento que el anterior, quizás por que se le parecía mucho. A la disquera no le hizo mucha gracia el resultado negativo (la plata es la plata) y exigió a Clapton que sacara un disco en directo, basado en el “461 Ocean”, Eric no se dejó amedrentar, no quería sacar un disco en vivo, pero le dió a la compañía un espectacular single “Knockin’ On The Heavens Door” de Bob Dylan, no fue suficiente. Eric claudicó y realiza “E.C. Was Here” un álbum en vivo que, como él mismo lo había predicho, no arregló la situación comercial. Su siguiente trabajo “No Reason To Cry” salva la situación, este excelente ál-

bum que cuanta con la participación de varias estrellas como The Band al completo (el grupo por el que Clapton sentía gran iración), George Harrison, Ron Wood, Billy Preston y el mismisimo Bob Dylan, con quien Eric tenía una gran amistad nacida ya en 1965. Publicado en agosto de 1976 “No Reason To Cry” devuelve a Clapton su prestigio y a RSO la sonrisa. Llega inmediátamente al puesto número 15 en los USA y al Top Ten británico. En 1977 los problemas matrimoniales de un donjuanesco George Harrison terminan con el divorcio, por lo que Patti Boyd se refugia en los brazos de su más grande irador. Por fin a Eric Clapton se lo veía realmente felíz; en noviembre de 1977 se publica otro de sus mejores trabajos, “Slowhand”, un álbum excelente y completo. Posee varios temas emblemáticos incluídos “Cocaine” de J.J.Cale, que en la versión de Eric se convertiría en un clásico y “Wonderful Tonight”, otra genial canción inspirada por Pattie. En junio de 1978, acompaña a Bob Dylan en una serie de conciertos por Europa y graba su siguiente disco, “Backless”, otro excelente material que incluye dos temas de Dylan. Tras una serie de conciertos promocionales, Clapton convence a Patti para formalizar su relación y se casan el 27 de marzo de 1979 en Tucson, Arizona. Para completar la felicidad de nuestro personaje, toca con su banda junto a su ídolo Muddy Waters la siguiente noche a lleno total.

ERIC ALCOHOLICO En diciembre del 79 Clapton da un memorable concierto en el Budokan de Tokio y se materializa en el álbum “Just One Night” publicado en 1980. El doble álbum en vivo le recuerda a los fans exactamente de qué estaba hecho el ídolo de la guitarra, pero en la vida real los cuentos de hadas no duran para siempre, duran-

te éste período Clapton se desliza poco a poco al alcoholismo, lo que hace de él un hombre irascible y malhumorado, incomprensiblemente llega a despedir a toda su banda, que lo había acompañado varios exitosos años, hecho del cual se arrepentiría muchas veces en los años siguientes. A pesar de esto, graba otro álbum, “Another Ticket” (1981), que es bueno, pero inferior a sus dos anteriores trabajos. Durante la gira promocional, tiene que ser ingresado de urgencia al hospital a causa de cinco úlceras que lo dejan parado por un largo tiempo. Hombre experimentado en caídas, vuelve a enfrentar sus problemas y triun-

Ron Wood, Eric Clapton y Pete Townshend en el memorable concierto de reaparición en enero de 1973 en el teatro Rainbow de Londres.

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salen “Money and Cigarettes” (1983), “Behind the Sun” (1985), con la producción y colaboración de Phil Collins y los novedosos “August” (1986) y “Journeyman” (1989). En este período Clapton debe bajar la cabeza ante la poderosa Warner, que le impone un estilo mucho más comercial, totalmente ajeno a lo que siempre deseó para su música. A pesar de las críticas y decepciones de sus seguidores más puristas, su nivel musical y su leyenda no hizo más que crecer. Su influencia en las nuevas generaciones se hizo más que evidente cuando la Polygram editó en 1988 un pack de cuatro CDs, recorriendo su carrera desde sus días en los Yardbirds, se llamó “Crossroads”, el set se ganó un Grammy por Mejor Album Histórico y es sin dudas el mejor documento de la espectacular carrera de Clapton.

Eric en compañia de Patti Boyd, su gran amor e inspiradora de dos de las canciones más bellas de Clapton, “Layla” y “Wonderful Tonight” de 1977.

ERIC MADURO

fa una vez más sobre ellos. Resurge del pozo del alcoholismo con toda la fuerza de voluntad que siempre lo acompañó para realizar una serie de exitosos y consistentes discos. En 1982 deja la RSO para firmar con Duck/Warner Brothers, 542

En lo personal, sus contínuas disputas, rupturas y reconciliaciones con Patti Boyd, además de la relación que Eric mantiene con la modelo italiana Lori del Santo y del nacimiento de un hijo de ambos nacido en 1986, acaban con el divorcio de los Clapton en 1989. En 1990, la tragedia vuelve a sacudir al golpeado espíritu de Clapton, el guitarrista Steve Ray Vaughan, Colin Smythe y Nigel Browne, (todos amigos cercanos de Eric) mueren en un accidente de helicóptero mientras se dirigían a un cocncierto que realizarían juntos; y como remate, en marzo de 1991, Conor de cinco años, el hijo que tenía con Lori del Santo, cae del piso 53 del apartamento de la modelo en Manhattan. Esto terminó por destrozar a Eric, sumiéndolo en otra terrible depresión. Pero volvió a canalizar su inmensa tristeza a través de la música, compone la rompedora “Tears in Heaven”, como tributo a su amado hijo, que saldrá editado en el LP “Unplugged” en agosto

de 1992. El álbum gana ese año la inusual (y según algunos exagerada) suma de seis Grammys. En 1994, vuelve a sus raíces blas una vez más con el álbum “From The Cradle”, marcando un retorno a los viejos blues para el beneplácito de críticos y seguidores. Clapton no daba señales de dejarse estar, impone su presencia en música para películas, contribuyendo en filmes como “Rush”, “Back To The Future”, “The Color Of Money” y “Lethal Weapon 3”. En febrero de 1997 gana los Grammys por Disco del Año y por Mejor Vocalista Pop Masculino gracias al tema “Change The World” que formó parte de la banda sonora de la pélícula “Phenomenon” protagonizada por John Travolta. Al año siguiente viene el aclamado “Pilgrim”, que captura la nominación al Grammy por mejor álbum pop del 98. Pero en el 99 sí logra ganar un Grammy por su interpretación de “The Calling” del disco “Supernatural” de Santana. Clapton regresa al blues con su amigo y leyenda BB King en el 2000, en el disco multiplatino “Riding With The King”. Este mismo año Clapton sube

nuevamente a las listas de éxito con “My Father’s Eyes” y poco después obtiene una triple nominación al Rock & Roll Hall Of Fame por ser miembro de los Yardbirds y Cream y por artista solista. Eric Clapton continúa sorprendiendo y deleitando a un vasto espectro de amantes de la música. Su legado continúa con la realización de “Reptile”, el más reciente viaje a través de la vida y obra de un auténtico genio musical.

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Rockers con alma de Blues... Johnny Winter Albino de piel, pero negrísimo de alma, Johnny Winter es una de las clásicas figuras del blues-rock más puro, su aspecto extraño, casi surreal, especialmente por los cientos de tatuajes y su pelo blanquísimo y lacio al estilo de los dioses nórdicos, abrazó sin embargo la música más negra. Su inmensa reputación como blo y rockero, es respaldada por sus incendiarias interpretaciones. Nacido en Beaumont, Texas, en febrero de 1944, John Dawson Winter III y su hermano Edgar, tres años más joven, fueron rodeados de música desde muy pequeños. Su padre cantaba en un cuarteto y en el coro de la iglesia, estimulando a Johnny a estudiar clarinete desde los cinco años. Un tiempo después, se pasó al ukulele y Edgar le acompañaba al piano. Los hermanos comenzaron a presentarse

“El destino lo hizo nacer en una familia bastante blanca, no obstante, su garganta hace que olvidemos la catarata de pelo albino que le cruza el rostro cuando actúa. Ese grito desgarrado parece que brota de las entrañas de un trabajador de algodón de Alabama”. 544

como dúo, ganado concursos y apareciendo en shows de la televisión local. Cuando Johnny cumple los 11 años, los Winter Brothers viajan a New York para una audición televisiva. A los 14, Johnny forma su primera banda, Johnny & The Jammers. Al año siguiente, en 1960 ganan un concurso cuyo premio es grabar dos singles, “School Day Blues” y “You Know I Love You” ganando algo de notoriedad en su localidad. En ese tiempo, Johnny frecuentaba el Raven Club de Beaumont, donde vió por primera vez a Muddy Waters, B.B. King y Bobby Bland, siendo estos su primera influencia. En 1963 graba “Eternaly” un tema con sabor pop y sección de vientos arreglado por su hermano Edgar. La canción fue un éxito en Texas y Louisiana, permitiéndole a Johnny abrir algunos shows de Everly Brothers y Jerry Lee Lewis, pero no lograba sobresalir más allá de las

fronteras mencionadas. Recién en 1968, luego de varias actuaciones en el Vulcan Gas de Austin y el Love Street Light Circus de Houston, llama la atención de un escritor de la revista Rolling Stone, Steve Paul, que escribe: “Aparte de Janis Joplin, lo más excitante aún se encuentra en Texas. Imagínate un albino bizco, con larga cabellera flotante, tocando blues con la guitarra más explosiva que jamás hayas oído. Se llama Johnny Winter, Mike Bloomfield dijo que era el mejor guitarrista blanco de blues. Yo lo confirmo”. El artículo atrajo la atención nacional sobre el disco “The Progressive Blues Experiment” una colección de explosivos temas grabados en vivo que rápidamente fue editado por Imperial Records, lo que significó el principio de su ascenso. En el disco toca su hermano Edgar en teclados, Tommy Shannon en bajo y John Turner en batería. Luego de un corto viaje a Inglaterra, Johnny regresa a Texas y se encuentra en medio de una guerra de compañías que intentaban contratarlo, finalmente venció Columbia Records. Su álbum debut “Johnny Winter” se lanzó a fines de 1968, en ese año participa también del prestigioso festival de Nieuport, California. Rápidamente le sigue otro potente álbum de rock and roll-blues llamado “Second Winter” de 1969, ese año, su hermano Edgar más dado al jazz y al rock progresivo lo abandona para seguir su carrera en solitario. En 1970, Johnny hace equipo con algunos ex- de The McCoys (los de “Hang On Sloopy”), incluyendo al guitarrista Rick Derringer. La banda se llamó “Johnny Winter and...” con un estilo mucho más dado al hard-rock. Juntos lograron un disco de oro en 1971 por los álbumes “Live y Johnny Winter and...”, que incluyen por primera vez las espectaculares versiones de “Jumpin’ Jack Flash” de los Rollings y “Johnny B.

Goode” de Chuck Berry. Winter empieza a exagerar con las drogas, obligando a la banda a dejarlo para unirse a su hermano Edgar. Johnny debe pasar dos años visitando hospitales para su desintoxicación. Renovado y “limpio” reaparece en 1973 con “Still Alive and Well”, recuperando a su mano derecha Rick Derringer y a Randy Hobbs. En el álbum canta “Silver Train” escrita especialmente para Johnny por Mick Jagger y Keith Richards. Los setentas fueron especialmente productivos, en 1974 sale “Saints and Sinners” y en 1976 se lanza “John Dawson Winter III” y “Capture Live”. En 1977, Johnny se une al legendario bluesman, Muddy Waters para producir y tocar con el en uno de sus discos más aclamados por la crítica, “Nothing but the Blues”. Esto hizo que Johnny produzca también el siguiente álbum de Muddy,

The Progressive Blues Experiment, lanzado en 1969, atrajo la atención sobre su trabajo y significó el principio de su ascenso al Olimpo del rock.

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“Hard Again”, que ganó un Grammy por el single, “Blue Sky”. Sin dudas este par era un formidable equipo, consiguiendo más Grammys con “I’m Ready” en 1978, “Muddy, Mississippi Waters Live” en 1979 y “King Bee” en 1980. Tomándose un descanso de cuatro años, Johnny firma con Alligator Records, el legendario sello de blues, para grabar “Guitar Slinger”, seguido de “Serious Business” en 1985. En 1986 vuelve a ser nominado para los Grammys con el tema “Third Degree”, que fue catalogado como parte de los 101 Albumes Esenciales de Blues por Robert Santelli, archivista del Rock and Roll Hall of Fame. En 1992 sale “Hey, Where’s Your Bro-

ther?” (llamado así por ser la pregunta más frecuente que se le hacía a Johnny). En este álbum, Johnny Winter se explaya demostrando que todavía está en su mejor forma, mezclando lo mejor del blues y del rock and roll con su poder y pasión característicos, ayudándole a asegurar su puesto como una de las más indispensables y duraderas estrellas de blues y rock de todos los tiempos. Después de un paréntesis en las grabaciones, Johnny y su banda de hace mucho tiempo, graban “Johnny Winter Live In New York City ‘97” en abril de 1997 para Pointblank Records. Johnny pasa el resto de los 90 en giras por los USA. El año 2001 le trajo a Johnny algunos sinsabores, primero una cirugía y luego la muerte de su padre, pero también ese año está marcado por la realización del primer video/DVD que cubre sus más de 30 años de actuaciones en vivo, adecuadamente llamado “Pieces & Bits”. Una excelente recopilación llamada “The Best Of Johnny Winter” fue lanzada en el 2002 y él continúa de gira.

Al Kooper

Kooper sigue siendo hoy una de las personalidades más formidables, talentosas e inspiradas de la música rock. 546

Al Kooper, nacido en Brooklyn en 1944, es por derecho propio uno de los gigantes del rock de los 60, no muy lejos de Bob Dylan o Paul Simon en importancia. Además de co-escribir uno de los clásicos del pop-rock de mediados de los 60, “This Diamond Ring”, era muy solicitado como músico de sesión en varios de los más importantes sellos discográficos de la época, llegó a tocar en “Like a Rolling Stone” de Bob Dylan y en dos de los clásicos discos de blues-rock de su amigo Mike Bloomfield. Al Kooper también se unió y formó dos grupos muy importantes: Blues Project y Blood, Sweat & Tears. Como productor en Columbia, estuvo atento a la invasión británica, firmando con el grupo The Zombies y produciendo

uno de sus discos más exitosos; y poco después, Kooper descubre a los Lynyrd Skynyrd, uno de los grupos de countryrock más famosos de los años 70, ayudándoles a producir su mejor trabajo. Aparte del hecho de que hizo y sigue haciendo música espectacular, en términos de reconocimiento público, a sido relegado a una posición de segundón, algo entre John Mayall y Steve Winwood, una verdadera injusticia. De niño solía escuchar los discos de Bessie Smith que su padre tocaba, y eso le introdujo al blues y por extensión al gospel, R&B y soul, todos los estilos que dieron forma a su propia música. Igualmente importante, él se reveló como un músico natural, un día se sentó al piano y comenzó a tocar uno de los éxitos de los 50, sin tener entrenamiento previo. Cuando rompió el rock and roll, formó un grupo de doo-wop y después se hizo profesional en 1959 con el grupo The Royal Teens (quienes tuvieron éxitos como “Short Shorts” y “Believe Me”) donde tocaba la guitarra. Para principios de los 60, comenzó a escribir canciones, y sus primeros esfuerzos resultaron en “I Must Be Seeing Things”, un gran éxito para Gene Pitney. En 1965, llegó a tocar con Bob Dylan la parte “eléctrica” en el controvertido Newport Folk Festival de ese año, y también en el álbum “Blonde On Blonde”. Ese mismo año Kooper toca el teclado en una sesión para un nuevo grupo llamado Blues Project, al cual es invitado a unirse. Eventualmente se convierte en la voz principal y tres álbumes importantes y aclamados por la crítica coinciden con los años de su estadía en el grupo. Al tiempo que su pasión por Blues Project decaía, Kooper estaba listo para comenzar una nueva banda con sonido jazz y R&B, con una sección de metales incluída; el resultado fue Blood, Sweat & Tears. El grupo firmó con Columbia Re-

cords a fines de 1967, debutando con un álbum realizado enteramente con temas compuestos por Kooper, “The Child Is Father to the Man” es uno de los álbumes más importantes y atrevidos de los 60. Desafortunadamente, Blood, Sweat & Tears, aunque era demasiado bueno, generaba más prensa que ventas; presionado por el resto del grupo y por la compañía discográfica a tomar

Al Kooper con los AristoCats a fines de los 50 y más abajo, tocando el órgano eléctrico en la controvertida presentación de Bob Dylan en el Newport Folk Festival de 1965.

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un rumbo más comercial, Kooper decide dejar la banda. Vuelve a los estudios, donde toca en discos de Jimmy Hendrix, The Who y The Rolling Stones. Después de producir para varios grupos en los 70 y 80, vuelve a realizar un disco propio después de 20 años, llamado “ReKooperation”, un álbum instrumental con mucho de jazz y rock.

MIke Bloomfield Mike Bloomfield fue uno de los primeros grandes guitarristas de blues-rock. Sus trabajos en los dos primeros discos de Paul Butterfield son legendarios, señalando el camino a muchos artistas que le siguieron.

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Michael Bernard Bloomfield nació en Chicago en 1943. Se autodescribía como un estudiante indiferente y un foragido social, Bloomfield se sumergió desde muy joven en el multicultural mundo musical de su natal Chicago en los años 50. Consiguió su primera guitarra a los 13 años y comenzó a imitar a sus primeros ídolos, Elvis y Scotty Moore, además de el blues electrificado de su gran ciudad. Atraído por ese sonido, empieza a visitar los clubes del sur de Chicago con su amigo Roy Ruby, con quien va en busca de nuevos héroes como Muddy Waters, Otis Spann, Howling Wolf, y Magic Sam. No se contentó con quedarse entre la

audiencia y se lanzó a tocar sus primeros riff en el escenario. Bloomfield fue aceptado rápidamente en el South Side, tanto por su habilidad como por ser uno de los pocos blancos que tocaban blues en esa parte de la ciudad. Pronto Bloomfield se rodea de nuevos “foragidos” como él. Jovenes guitarristas blancos como Paul Butterfield, Nick Gravenites, Charlie Musselwhite y Elvin Bishop, formaron parte de la camada de blos que harían historia. El trabajo de guitarrista de sesión de Bloomfield, llamó la atención del legendario productor de la CBS John Hammond, quien voló hasta Chicago y firma inmediatamente un contrato, pero aún la poderosa CBS no estaba tan convencida de grabar las canciones de su nueva adquisición ni de como promoverlo. Con apenas un contrato firmado, Bloomfield retorna al circuito de clubes de Chicago hasta que se encuentra con el productor Paul Rothchild, productor de los discos de la Paul Butterfield Blues Band. Mike es reclutado para tocar la guitarra slide y el piano para las primeras grabaciones de la banda, su adición dió a Paul Butterfield un músico de un calibre similar a él mismo

(ambos se inspiraron mutuamente, competían y compartían ideas). En medio de las sesiones de grabación, Bloomfield también tocó en el álbum “Highway 61 Revisited” de Bob Dylan y lo acompañó al polémico Newport Folk Music Festival en 1965. Después de declinar una oferta de Dylan para acompañarlo en una nueva gira, Bloomfield regresa al estudio con la Butterfield Blues Band para grabar sus dos primeros discos. Este trabajo y las sesiones con Dylan, establecieron firmemente a Bloomfield como uno de los más talentosos e influyentes guitarristas del país. La canción “East-West” compuesta por Bloomfield y grabada por la Butterfield Blues Band fue por mucho tiempo utilizada en la era de las largas y sicodélicas improvisaciones instrumentales. Bloomfield deja la banda de Butterfield a comienzos de 1967, dejandole “más espacio” al original estilo de Elvin Bishop. Bloomfield forma entonces su propia banda, The Electric Flag, incluyendo al organista Barry Goldberg, el cantante Nick Gravenites, el bajista Harvey Brooks y el baterista Buddy Miles. La banda hizo su bautismo de fuego en el Monterey Pop Festival, pero poco después se separan por causa del abuso de drogas, egos inflados y un mala dirigencia. La vida de superestrella y las largas giras incomodaron a Bloomfield, por lo que regresó a San Francisco para producir a otros artistas y tocar en sesiones. En una de esas toca para Al Kooper, a quien ya había conocido cuando trabajó para Dylan. El resultado de este encuentro fue “Super Session”, con Bloomfield tocando en el lado A y Stephen Stills en el lado B, nuevamente la figura de Bloomfield sale a la luz. El disco se hizo un clásico inmediato, amén de su excelente calidad y la talla de sus estrellas. “Super Session” fue la grabación de más suceso en la carrera de Bloomfield, pero

después de este, se volvió a esconder de la fama en el estudio. En los setentas, Bloomfield tocó en varias ocasiones ante gran público en el área de San Francisco, como Bloomfield And Friends. También ayudó en varias ocasiones con su nombre a algunos amigos en proyectos de grabación y propuestas de negocios, tales como la reunión de la Electric Flag en 1974 y el album del grupo KGB en 1976. Bloomfield se dedicó a grabar blues del puro en pequeños sellos, por lo que nunca sobresalía lo sufieciente como para convertirse en “superstar”, pero las drogas

Super Session, el álbum más exitoso para la carrera de Bloomfield, que también incluía a dos grandes del blues-rock, Al Kooper y Stephen Stills. 549

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hicieron mella en su salud y en su performance en escena. En el verano de 1980 viaja a Europa para una mini gira y regresa para tocar con Dylan en un nuevo concierto. Pero su comportamiento y salud ya estaban comprometidos por su adicción, la que finalmente le causó la muerte. Como toda leyenda, Michael Bloomfield tuvo un siniestro final, es encontrado muerto en su auto por causa de una sobredosis el 15 de febrero de 1981.

The Electric Flag Electric Flag fue formada en 1967 por Mike Bloomfield después de su salida de la Paul Butterfield Blues Band. Cuando Bloomfield salió se llevo al vocalista Nick Gravenites con él. El resto del grupo original era un conjunto de profesionales de algunas bandas con más éxito en América. El baterista Buddy Miles había hecho sesiones con Otis Redding y Wilson Pickett, el bajista Harvey Brooks estuvo con

Blommfield tocando con el bajista Harvey Brooks allá por 1967 con la Electric Flag. 550

Bob Dylan, Phil Ochs y Judy Collins. El tecladista Barry Goldberg ya había tocado con Steve Miller y Mitch Ryder, Peter Strazza, saxo tenor, también había estado con Miller. Marcus Doubleday, trompetista, había tocado para The Drifters, Jan And Dean, y también para Bobby Vinton. Herbie Rich, un experimentado hombre de sesiones, completa el grupo en saxo barítono. Por su gran aprecio por el blues, soul y R&B, Mike Bloomfield quería crear un grupo de su propia característica, lo que él llamó “la música de América”. Él se inspiró no sólo en la gran banda de blues de BB King, T-Bone Walker, y Guitar Slim, sino también en los sonidos del soul contemporáneo de Otis Redding, Steve Cropper, Booker T. & the MGs, y otros artistas del sello Stax. También se inspiró en el country tradicional, gospel, y formas de blues. Inicialmente llamado The American Music Band, en la primavera de 1967, la Electric Flag no mucho tiempo después produjo unas sesiones con el armonicista de Chicago James Co-

Electric Flag tocando en el Fillmore de San Francisco.

tton que incluyó una sección de vientos. Bloomfield decidió que su nueva banda también tendría vientos y desempeñaría una amalgama de esas músicas americanas que amaba. Él y Goldberg reunieron el grupo, bajo la dirección de Albert Grossman, en San Francisco y de inmediato comenzó a trabajar en su primer proyecto, la banda sonora de la película “The Trip”. La banda hizo su debut en el Monterey Pop Festival, el primero de los años 60. Ahora conocidos como Electric Flag, el grupo fue bien recibido por una audiencia de 55.000 personas, aunque su rendimiento no estuvo a la altura de los altos estándares de Bloomfield. Después de Monterrey, The Flag procedió a un tour al noreste y presentarse en la zona de San Francisco, mientras trabajaba en una grabación para Columbia Records. A pesar del éxito de las críticas, The Flag siguieron siendo desconocidos para el público en general, debido en parte a la incapacidad del grupo para completar su primer disco. A principios de 1968, el baterista Buddy Miles se había convertido en una fuerza dominante en la dirección estética

de The Flag. El repertorio del grupo por entonces incluía numerosos covers de soul contemporáneo y muchas canciones clásicas de blues. La banda produjo menos de una docena de piezas originales, en su mayoría escritos por el vocalista Nick Gravenites, y el concepto de Bloomfield de una original “American music” pareció haberse reducido considerablemente. En mayo de 1968, sólo un mes después de la edición del acertadamente titulado “A Long Time Comin’”, Mike Bloomfield, debido a los conflictos con Buddy Miles, decide dejar el grupo, y aunque se esforzó para ir bajo la dirección de Buddy Miles, The Electric Flag estaba efectivamente terminado. Conflictos de personalidad, diferencias estéticas, y una serie de problemas de drogas aceleró la caída de la banda. Una reunión tuvo lugar en 1974 con la edición de “The Band Kept Playing”, pero la grabación no fue un éxito comercial o de crítica y la banda se disolvió rápidamente después de varios meses de

Electric Flag era una de las primeras bandas en combinar el rock con una gran banda de jazz. Concepto suficiente para que la banda fuera una de las anticipadas a su era.

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esporádicos conciertos. El 28 y 29 de julio de 2007, tuvo lugar un concierto en el Monterey County Fairgrounds en conmemoración del 40º aniversario del Monterey Pop Festival. Uno de los actos fue la reunión de The Electric Flag, presentando a los originales Gravenites, Goldberg, y Hunter.

Paul Butterfield Blues Band En imposible sobrestimar la importancia de las puertas que Buttefield abrió: después de convertirse en prominente figura, otros músicos blancos empezaron a tratar al blues con respeto, temiendo convertirse en “poco auténticos”. Pero Butterfield también fue el mejor catalista para que el blues eléctrico de Chicago llegara a las audiencias blancas, que previamente consideraban al blues acústico del Delta como el único genuino.

Paul Butterfield Blues Band en 1965. Sentados, Paul Butterfield, armónica y voz; Billy Davenport, batería. Parados, desde la izquierda, Jerome Arnold, bajo; Mike Bloomfield, guitarra líder; Mark Naftalin, teclados y Elvin Bishop, segunda guitarra. 552

Paul Butterfield nació en diciembre de 1942 en el South Side de Chicago. Su padre, abogado y su madre pintora, alentaron los primeros estudios musicales de su hijo, tomando clases de flauta, llegando a ser en su adolescencia, primer flautista de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Para ese tiempo, sin embargo, Butterfield empezó a desarrollar un especial interés en el blues, música que era permanente en el South Side, él y un amigo del colegio, Nick Gravenites (futuro cantante, guitarrista y compositor) comenzaron a frecuentar los clubes del área en 1957. Butterfield se enamoró de la guitarra y la armónica, y junto a Gravenites comenzó a tocar en fiestas escolares. Forzado a volver a los estudios, ingresa a la Universidad de Illinois, donde se hace amigo del guitarrista Elvin Bishop, Paul se convierte en un cantante decente y desarrolla su energía musical a través de la armónica, desarrollando su particular técnica. Pronto abandona nuevamente los estudios

para dedicarse a tiempo completo a la música. Butterfield y Bishop comenzaron a tocar en todos los clubes que podían, eran practicamente los únicos blancos presentes, pero fueron aceptados rápidamente por su tenacidad y entusiasmo. En 1963 el club Big John’s contrata a Butterfield para tocar como conjunto estable del lugar; él recluta a la sección rítmica de Howlin’ Wolf, que incluía al bajista Jerome Arnold y al baterista Sam Lay, el conjunto se completó con su amigo Bishop en la guitarra. El nuevo cuarteto logró un inmediato suceso con sus potentes versiones de los clásicos blues. A fines de 1964, la Paul Butterfield Blues Band fue descubierta por el productor Paul Rothchild, quien después de la adición del guitarra líder Michael Bloomfield, firman con Elektra y graban numerosas sesiones para su álbum debut. Apenas empiezan a salir de gira, comienzan las fricciones entre Butterfield y Bloomfield, debido a que el enorme talento que ambos demostraban en sus respectivos instrumentos, parecían competir constantemente. En el verano de 1965, vuelven a los estudios para continuar la producción de su primer álbum, agregando al organista Mark Naftalin como sexto miembro. Ese año Dylan al ver el buen recibimiento del blues urbano, contrata a la banda para acompañarlo en una parte de su show en el Newport Folk Festival; a finales del 65 logran al fin publicar su primer LP, “Paul Butterfield Blues Band”. Hoy en día el álbum es un clásico, pero ya en su momento causó sensación debido a que el gran público blanco nunca había oído el estilo de blues eléctrico de Chicago hecho por blancos, salvo algunos grupos británicos. A comienzos de 1966 la banda ya tenía nuevo baterista, Billy Davenport, cuya agilidad y sofisticación encajó perfecto con la nueva expansión musical que Butterfield estaba

dando a la banda, ayudado por el interés de Bloomfield en la sitar hindú de Ravi Shankar. El segundo LP de la banda, “EastWest” (1966), ofrecía una mezcla de blues eléctrico con rock and roll, psicodelia, jazz e incluso ragas de la India, alcanzando un éxito aún mayor que su primer trabajo; desafortunadamente Mike Bloomfield deja la banda en la cima de su éxito en 1967 y forma su propio grupo llamado Electric Flag con Nick Gravenites. Bishop toma nuevamente la posición de guitarra líder en el tercer álbum de la banda, “The Resurrection of Pigboy Crabshaw” (una referencia al sobrenombre de Bishop) de 1967. En este trabajo se despliegan una fuerte influencia soul y un nuevo cambio en la formación con el bajista Bugsy Maugh y el baterista Phil Wilson, además de una sección de metales. “Pigboy Crabshaw” probó ser un punto final de los días gloriosos de la Butterfield Band; el año de 1968 ve salir el disco “In My Own Dream” que no se compara con los trabajos anteriores y marca la salida de Bishop y Naftalin

Paul Butterfield fue el primer blanco en tocar la armónica de blues, desarrollando un estilo original y suficientemente poderoso como para llevarlo al panteón de los grandes del blues.

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Paul Butterfield acompañó con su portentosa armónica y voz en muchas ocasiones a uno de sus mentores y amigos, leyenda del blues, Moody Waters, durante las décadas del 60 y 70.

para finales del año. Elektra tenía todavía confianza en el éxito comercial de la banda, por lo que encargó al productor y compositor Jerry Ragoboy, un profesional de R&B, que tome las riendas de las grabaciones de Butterfield. Esto no le cayó nada bien a Paul, quien estaba tomando una dirección más jazzística; el resultado fue un inconsistente “Keep on Moving” de 1969, a pesar del regreso de Billy Davenport y un nuevo y talen-

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toso guitarrista de 19 años Buzzy Feiten. A pesar de todo, la banda era todavía lo suficientemente popular como para ser invitada al festival de Woodstock. Después de un álbum en vivo grabado en 1970 y el disco “I Just Feel Like Smilin’” de 1971, Butterfield deshace la banda y rompe con Elektra, cansado de las intensas giras y los constantes cambios de formación. En 1971 forma una nueva banda con Amos Garrett en guitarra, Chris Parker en batería, el dúo folk Geoff y María Muldaur, el tecladista Ronnie Barron y el ex bajista de Taj Mahal Billy Rich. En 1972 graban su primer álbum, “Better Days” estrenando a Albert Grossman como nuevo manager y a Bearsville como sello. El siguiente trabajo, “It All Comes Back” no llega a la calidad de los trabajos anteriores de Butterfield, pero es muy positivo en cuanto al favor de la crítica. A partir de 1975, Butterfield sigue su carrera en solitario, sacando “Put It in Your Ear” en 1976, un fallido intento por recuperar su pasado éxito, forzándolo a confinarse como músico de sesión en los años siguientes. En 1981 vuelve a intentar un regreso, pero el material conseguido es demasiado débil y burdo para el mercado. Para ese tiempo, la salud de Butterfield iba en declive; años de forzar a su cuerpo con alcohol le ocasionó una grave peritonitis. En algún punto de su vida (secreto que tenía bien guardado), Butterfield también se afeccionó a la Heroína. Con todo, siguió tocando en grandes conciertos en Los Angeles durante los 80, y en 1986 realiza su último álbum, “The Legendary Paul Butterfield Rides Again”. La desaparición de sus viejos amigos, Mike Bloomfield, Muddy Waters y su manager Albert Grossman y su creciente adicción, hicieron mella en el golpeado espíritu de Paul. En mayo de 1987, Butterfield muere de una sobredosis sin haber cumplido aún los 45 años.

La Steve Miller Band, cuando comenzaba a hacerse notoria en plena era psicodélica, hacia 1967.

Steve Miller Band Steve Miller fue otro de los pilares del resurgimiento del blues en los USA de mediados y finales de los 60, nació en Milwaukee en 1943 en el seno de una familia de músicos y cantantes. Les Paul, el inventor de la guitarra eléctrica y la grabación en multipista, y su esposa, la cantante Mary Ford, eran asiduos visitantes de la familia Miller. Les y Mary enseñaron al pequeño Steve sus primeros acordes y técnicas en la guitarra, que utilizaría ampliamente años después. La familia Miller se muda a Dallas en 1950, donde otros grandes músicos continuaban apareciendo en la casa, incluyendo al legendario bluesman T-Bone Walker. The Marksmen fue la primera banda de Steve, cuando apenas tenía 12 años. Esta banda de rock and roll fue muy popular en los circuitos de fraternidades y colegios de la zona, y continuaron tocan-

do durante cinco años. Ya en la secundaria, Steve invita a su amigo, William Royce “Boz” Scaggs para unirse a la banda como cantante. Su gran momento llegó cuando pudieron hacer de teloneros del heroe del blues Jimmy Reed. A los 16 años Steve deja el colegio forzando a la banda a deshacerse. Pero regresa a la preparatoria para ingresar a la universidad donde forma otra banda, los Ardells. Poco después vuelve a salir para pasar un semestre en la Universidad de Copenhagen en Dinamarca. Steve retorna a los USA y pasa el verano disfrutando de la escena bla de Chicago. Cansado de los estudios decide mudarse a esa ciudad y tocar blues. Steve se vió pronto sobre el escenario, tocando con gente como Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Buddy Guy, quienes le animaron a continuar tocando. Miller conoce entonces a Barry Goldberg que junto al bajista Roy Ruby y el baterista Maurice McKinley forman 555

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“Suelo escuchar mis temas durante seis meses antes de publicarlos. Es música para vivir con ella, como un par se zapatillas viejas” – Steve Miller

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The Goldberg-Miller Blues Band, con quienes tocan en casi todos los clubes de blues de Chicago. La banda consigue un contrato con el sello Epic y graban sus primeras canciones, incluyendo el single “The Mother Song”, que no logra ventas satisfactorias. Desilusionado, Steve regresa a Texas con la esperanza de tomar algunos cursos de música en Austin. Como no fue itido en la Universidad, pone rumbo a San Francisco en una kombi Volkswagen usada. A su arribo, gasta sus últimos 5 dólares para ver a la Paul Butterfield Blues Band y Jefferson Airplane en el Fillmore Auditorium. Allí consigue tocar con Butterfield y anuncia su estadía definitiva en Frisco. Estando en San Francisco, Steve ó con Tim Davis, con quien ya había tocado en otra banda, invitándolo a unirse a James “Curley” Cooke y al bajista Lonnie Turner para formar la Steve Miller Blues Band. Durante bastante tiempo Steve tuvo que dormir en su kombi,

pero gracias a un primer concierto debut en el Avalon Ballroom en enero de 1967, consigue dinero para mudarse a un departamento y un inmediato suceso. Continuaron tocando en el Avalon por lo menos por un mes, luego tocan en el Fillmore en abril, teloneando a Chuck Berry y son invitados al Monterey Pop Festival en junio. Después del festival, la banda firma con Capitol Records. Steve consigue uno de los contratos más lucrativos de la historia de la música, sentando nuevos estándares para artistas futuros. Steve vuelve a ar con su viejo amigo Boz Scaggs y lo invita a unirse a la banda. Jim Peterman reemplaza a Curley Cooke y la palabra Blues se quita del nombre del grupo. The Steve Miller Band vuela a Inglaterra para grabar su primer álbum, “Children of the Future”, realizado en mayo de 1968, convirtiéndose en un suceso radial del país. Muchos están de acuerdo en que este es uno de los mejores discos debut de todos los tiempos. La banda no vio sin embargo su primer Top 40 hasta que salió “Sailor”, realizado en octubre de ese mismo año. Este álbum presenta el primer hit de Miller, “Living in the USA” y también el temazo “Gangster of Love”. Poco después, Peterman se cansó de la vida en la ruta y Scaggs decidió seguir en solitario. Ben Sidran, quien había trabajado con Miller en los Ardells, es invitado a unirse. “Brave New World” es realizado en junio de 1969. Johns y Miller masterizan el disco en Inglaterra, lo que es aprovechado por Steve para participar en una sesión de grabación con los Beatles. Miller a la guitarra y Paul McCartney al bajo y batería graban “My Dark Hour”, con el Beatle apareciendo bajo el alias de Paul Ramon. A parte de esta canción el nuevo LP de la Steve Miller Band incluye el exitoso tema “Space Cowboy”. “Your Saving Grace”, realizado en noviembre del 69, también entra en los Top 40.

Steve incrementó la participación en sus materiales de artistas que no eran de la banda, lo que creó tensiones en el grupo y marcó la salida de Lonnie Turner, quien fue remplazado por Bobby Winkleman. Ben Sindram también deja la banda para seguir su carrera solista por lo que Steve Miller se ve obligado a rebuscarse entre anteriores grabaciones para completar su siguiente álbum, “Number 5”, que sale en julio de 1970 y que se convierte, a pesar de todo, en otro gran éxito. Las giras se volvieron muy pesadas creando rencillas entre los de la banda, además de la constante presión de la disquera, que demandaba constantemente nuevos álbumes. Al mismo tiempo, Steve Miller pasó por algunas dificultades personales, casándose y divorciándose en el mismo año. Como la Capitol seguía presionando, tuvieron que grabar un LP en una sola noche; el disco sale a la calle antes de su primera mezcla, por lo que Steve estuvo muy avergonzado por el álbum resultante. “Rock Love” sale en septiembre de 1971 teniendo una escasa repercusión. El siguiente álbum, “Recall the Beginning...A Journey From Eden” fue trabajado por diversos músicos de sesión, realizado en marzo de 1972, no tuvo el impacto esperado, pero mostró un renovado rostro del grupo, con excelentes canciones como “Nothing Lasts”, “Journey From Eden” y “Love’s Riddle”. Ese año, Steve sufre un accidente de coche y además es atacado por una hepatitis, lo que lo mantiene recluído en la casa de sus padres en Dallas por 8 largos meses. Una vez recuperado, regresa a California, donde emerge desde el estudio con un sonido mucho más amistoso y si se quiere, comercial. “The Joker” es realizado en octubre de 1973, y fue el primer álbum que Steve Miller produce integramente, logrando finalmente su primer número 1.

Después de un largo descanso, en mayo de 1976 sale “Fly Like an Eagle” y un año después publica “Book of Dream”, dándole a Steve Miller varias canciones exitosas y convirtiendo a los dos álbumes en cuadruples multiplatinos. Steve vuelve a tomar otro descanso luego de una intensa gira en 1978, se compra una estancia en Oregon y se vuelve a casar. En 1981 la Steve Miller Band que ya tuvo varios cambios en su formación, graban “Circle of Love”, que entra en los Top 20 y presenta el éxito “Heart Like a Wheel” que es su primer trabajo en video. Con la adición de Kenny Lee Lewis y John Massaro en guitarras rítmicas, Steve vuelve a conseguir multiplatino con “Abracadabra” realizado en junio de 1982. Un álbum en vivo y otro video es ralizado el siguiente año. “Italian X Rays” es la primera grabación digital de la banda, realizada en noviembre de 1984, pero no tuvo buen recibimiento a pesar de ser probablemente uno de los mejores trabajos de Miller. Luego de “Living in the 20th Century” de 1986, Steve vuelve a sus raíces en “Born 2B Blue” con una nueva banda en 1988. El álbum no obtuvo lugares en los charts pero fue bien recibido por la

Afiche para el concierto promocional del álbum “The Joker” de 1973, el primer número 1 de Steve Miller.

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Steve MIller al frente de su nueva banda, estrenando los ochenta con un super exitoso “Abracadabra”.

crítica. Ese año Steve es invitado por Les Paul para aparecer en un especial de televisión junto a B.B. King, David Gilmour, y Eddie Van Halen entre otros. Después del show es invitado a tocar en un concierto de los Pink Floyd invitado por el propio Gilmour. Steve decide que ya era tiempo de volver a las giras, y lo hace en 1989. En junio de 1993 realiza un nuevo álbum, “Wide River”, con la participación del viejo amigo Ben Sindran. El disco manaba mucho rock, pop y blues, ejemplificando los primeros trabajos de Steve. Miller revive la Steve Miller Blues Band a finales de 1995, actuando en nuemerosos shows por toda la costa oeste. Estas actuaciones fueron grabadas para un futuro álbum en vivo. También durante el verano del 95, Miller y Paul McCartney vuelven a trabajar juntos en varias canciones nuevas, algunas de las cuales aparecen en el álbum de Paul “Flaming Pie”. Continuando en la senda de los millones de discos vendidos, la Steve Miller Band siguió manteniendose 558

fuerte, hasta la sentida y repentina desaparición de Steve en el 2003.

Elvin Bishop Elvin Bishop nació en Glendale, California en 1942, creció en una granja de Iowa sin electricidad y sin agua corriente. Su familia se muda a Oklahoma cuando cumple los 10 años. Como creció siempre en comunidades enteramente blancas, no estuvo expuesto a la música negra, excepto a través de la radio, a la que se prendía durante horas para escuchar las estaciones de blues, llamando su atención especialmente, la armónica de Jimmy Reed. Este choque le hizo preguntarse al joven Elvin, ¿qué es esta música?, ¿quién la hizo?, ¿dónde y cómo viven la gente negra?; finalmente logró juntar las piezas de este complejo rompecabezas. Pero no fue sino hasta que logró una beca para la Universidad de Chicago en 1959, que logró encontrar las verdade-

ras respuestas a sus interrogantes. De repente se encontró en el corazón de la escena bla de Chicago, fue como un sueño hecho realidad. Después de dos años en la universidad, abandonó los estudios para dedicarse a la música a tiempo completo. El guitarrista de Howlin’ Wolf, Smokey Smothers se hizo amigo de Bishop y le enseñó los principios básicos de la guitarra de blues. En los primeros 60 conoce y se une a Paul Butterfield para ser el núcleo de la Butterfield Blues Band. Aunque tocaba hace pocos años, Bishop no paraba de practicar día y noche el blues que tanto amaba. El y Butterfield tocaban juntos en casi todos los lugares posibles. Comenzaron a ser bien conocidos hacia 1963 cuando toman el trabajo en el Big John’s en el North Side de Chicago y donde nace la Paul Butterfield Blues Band. Bishop ayudó a crear varios de los primeros álbumes del grupo (“The Pigboy Crabshaw”, tercer álbum de la banda, es precisamente una referencia al muchacho de campo que dejó atrás). Cuando deja la Butterfield Band después de grabar “In My Own Dream album” (1968), Bishop se muda a San Francisco donde no tarda en tocar en el Fillmore con artistas como Eric Clapton, B. B. King y Jimi Hendrix. Graba para Epic cuatro álbumes y luego se muda al sello Capricorn en 1974. Su canción “Traveling Shoes” del álbum “Let It Flow” llega a las listas, pero logra mayor éxito con la hermosa “Fooled Around and Fell in Love” de su álbum “Struttin’ My Stuff” en 1976. En los años siguientes su Elvin Bishop Group se disuelve. Realiza el obligado “Best Of...” en 1979; pero no se escucha demasiado de él después de firmar con el clásico sello blo Alligator en 1988. Bishop realiza entonces “Big Fun” (1988) y “Don’t Let the Bossman Get You Down” (1991), que tuvieron buen recibimiento. También participó en el 20 aniversario del

sello Alligator en 1992 con una gira que cruzó los USA. En 1995 realiza “Ace in the Hole”. Hoy en día vive con su esposa e hijos en el área de San Francisco, aunque prodigioso jardinero, continúa tocando cuando puede; vuelve a los estudios para sacar “The Skin I’m In” en 1998. Luego hace “Hometown Boy Makes Good” y “That’s My Partner” en el 2000. Después de unos años de silencio, Bishop vuelve a realizar otro álbum, “Gettin’ My Groove Back” en el 2005 para Blind Pig Records.

Elvin Bishop fue, y sigue siendo famoso por divertirse al máximo en el escenario, además de presentar un gran espectáculo y dar el mejor rock and roll. A través de los años Bishop ha contribuido en discos de muchos grandes bluesmen incluyendo a Clifton Chenier y John Lee Hooker, además de hacer una extensiva gira con B.B. King en 1995.

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Bob Seger Bob Seger es uno de los más sólidos cantantes de rock-blues, con su ronca y soulera voz, y autor de clásicas canciones que le hicieron ser respetado y irado por millones. Varias veces criticado por sonar demasiado como Springsteen, podría ser sinembargo al revés, ya que Seger estuvo antes. Nació en mayo de 1945 en Ann Arbor, Michigan. Su padre fue líder de una

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Big Band, pero dejó la música para trabajar en una fábrica, más tarde abandonó a su familia dejándo al pequeño Bob y su familia en total pobreza. Para 1961, Seger ya lideraba un trío llamado The Decibels. Poco después lo dejó para unirse a los Doug Brown and the Omens como organista, pero poco después se instaló como vocalista y compositor cuando su talento fue reconocido. El grupo cambia de nombre a los Beach Bums y graba un sencillo, “The Ballad Of The Yellow Beret”, parodiando al famoso cuerpo de boinas verdes que invadió Vietnam, el autor de “The Ballad Of The Green Beret”, sargento Barry Sadler, furioso querelló a Seger, dándole así publicidad extra, que éste aprovechó. La banda se convierte en “Bob Seger and the Last Heard” y realizan poderosos singles, entre los que destacan, “East Side Story” (1966) y “Heavy Music” (1967). Para 1968 ya tenía cinco Top 10 en el mercado del medioeste de los USA, en Detoit llegó a desbancar en ventas incluso a los Beatles. Seger estaba en el límite de romper los charts de 1967 cuando su sello Cameo cae en bancarrota y le hace un brusco alto a su creciente suceso. Bob trabajó duro para conseguir un nuevo contrato con Capitol Records en 1968, creando una nueva agrupación, The Bob Seger System, con quienes consigue un nuevo Top 20 ese año con “Ramblin’ Gamblin’ Man”, canción en la que participó entre otros el guitarrista Glen Frey que formaría más tarde los Eagles. Con el grupo se grabaron numerosos y excelentes temas de hard-rock, incluído el impresionante álbum “Mongrel”, pero Seger no logra impresionar al gran público y deshace la banda en 1971. Luego de algunos años lejos de la música, regresa con su propio sello discográfico, Palladium, y tres fracasos discográficos le siguieron. Pero ganó una

considerable aclamación con el simple “Get Out Of Denver” de 1974, que más tarde se convertiría en un clásico cover. Seger consiguió finalmente el suceso comercial una vez regresado al sello Capitol cuando “Beautiful Loser” entró en las listas de los USA y produce además un hit local de Detroit, “Katmandu”. Ahora al frente de la Silver Bullet Band con Drew Abbott (guitarra), Robyn Robbins (teclados), Alto Reed (saxo), Chris Campbell (bajo) y Charlie Allen Martin (batería), Seger refuerza su popularidad en vivo con el exitante “Live Bullet”, seguido de “Night Moves”, su primer disco de platino. La canción que da título al álbum, alcanza los Top 5 en 1977, la azaña es repetida al año siguiente con “Still The Same”. En 1983 Seger retorna a las giras con el agregado del ex baterista de Grand Funk, Don Brewer, y continúa creando éxitos con “Hollywood Nights”, “Old Time Rock ‘N’ Roll” y “We’ve Got Tonight”. Luego sale su clásico álbum “Against The Wind”, que alcanzó el número 1 en los USA, al tiempo que otro disco en vivo “Nine Tonight” le da la oportunidad de recargar su energía creativa. Poco después lanza nuevos exitosos singles como “Shame On The Moon”, “Understanding” del filme “Teachers” y el hit número 1, “Shakedown” utilizado en la banda sonora de “Beverly Hills Cop II”. Seger realiza otro álbum recién en 1991, co-producido con Don Was, llega nuevamente a los Top 10. En 1996 realiza un enorme concierto en su ciudad natal llegando al record de 100.000 entradas vendidas en 57 minutos. En junio de 2000 es arrestado en Canadá por conducir ebrio, pero no le restó nada a su exitosa carrera, en el 2004 Bob trabaja duro nuevamente para sacar un nuevo álbum y es introducido también en el Rock & Roll Hall of Fame.

Bob Seger hoy sigue haciendo ese “Rock and Roll de los viejos tiempos”, con toda la fuerza y sentimiento de sus primeros años, catalogado a veces como “Rock de adultos”, sin embargo sigue captando adeptos en el público actual.

Canned Heat Banda clásica de boogie-rock y un blues eléctrico pegado a sus raíces originales, estaba formada originalmente por Bob Hite como voz principal, Alan Wilson en guitarra, armónica y voz, Henry Vestine en guitarra, Larry Taylor en bajo y Frank Cook en batería. Se juntaron hacia 1966 durante varias sesiones en clubes de Los Angeles, decidieron crear una banda estable y eligieron el nombre Canned Heat de un tema blues de su ídolo Tommy Johnson. Balanceando el

Larry Taylor, Henry Vestine, Bob Hite, Alan Wilson y Fito de la Parra.

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El grupo sufre su primera caída con la muerte de Wilson en 1970, y aunque reclutaron al guitarrista Harvey Mendel, no pudieron recuperar esa chispa que tenían con su desaparecido amigo. En 1981, le toca el turno a Hite, quien muere de un ataque cardíaco, marcando el final del grupo. Aunque los restantes del grupo quisieron recuperar la gloria pasada reclutando nuevos integrantes y haciendo nuevas grabaciones, la magia del boogie de Canned Heat lamentablemente ya se había desvanecido.

Carlos Santana

Los Canned Heat surgieron en plena era hippie, desafiando al rock psicodélico con su potente boogie-rock y blues elemental, su gran performance en escena y sus clásicos “On The Road Again”, “Goin’ Up The Country” y “Let’s Work Together” los convirtió en muy populares e infaltables en cualquier evento musical que se preciara.

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humor con la habilidad musical, mucho de su éxito en escena se lo debieron a la dispar naturaleza de sus frontmen, el voluminoso y jocoso “Bear” Hite y el intenso “buho ciego” Wilson con su grado de master. Luego de un gran recibimiento en el Festival de Monterey Pop en 1967, lanzan un segundo álbum, “Boogie With Canned Heat”, que contiene el clásico “On The Road Again” que los lleva al éxito internacional. “Goin’ Up The Country” de 1969 y “Let’s Work Together” de 1970 son también éxitos arrolladores, además de convertirse en una banda infaltable en cuanto festival y concierto se hiciera, especialmente destacadas son su participación en Woodstock y en la Isla de Wight.

Santana es toda una leyenda del rock, logró sobresalir aún sin ser norteamericano de nacimiento, cosa ya de por sí heróica, sin mencionar el enorme talento por todos reconocido. Carlos Santana nació en una pobre villa mexicana llamada Autlan en 1947; su padre José lo introdujo a las rancheras y mariachis como violinista, enseñándole teoría musical desde muy joven. La familia se muda a Tijuana en 1955, donde Carlos empieza a tocar la guitarra, estudiando y emulando el sonido que escuchaba por la radio, lo que

Santana es hoy toda una institución musical, luego de pasar duros momentos en su niñez y adolescencia, logró imponerse en el dificil mercado norteamericano, metiendo en las raíces del blues el elemento latino.

él quería era hacer rock and roll. Pronto su sueño se hizo realidad, actuando en una banda local llamada The T.J.s, adicionando su personal estilo a las populares canciones de los 50. Luego de pasar por el entrenamiento de varias bandas, en 1961 se muda a San Francisco con su familia. El destino estaba de su lado cuando Carlos estuvo en el lugar exacto en el momento justo, plantándolo en medio de la fuerte influencia musical del área de la Bahía, así como el desarrollo de una nueva cultura artística y política. En medio de ese clima inspirador, Carlos continúa envuelto en su estilo único, hasta que llega a su primera presentación en vivo con su Santana Blues Band en 1966. En los siguientes dos años, el grupo fue barrido por un torbellino de aclamaciones y popularidad, llevándolos al histórico concierto organizado por Bill Graham (no el predicador) desde el Fillmore West hasta Woodstock, donde en agosto de 1969, la banda de Santana expuso su fuerte rock con sabor latino y sus largos e inspirados solos de su “Soul

Sacrifice” entusiasmaron a las masas. En 1969, la banda realiza su primer álbum, titulado simplemente “Santana”. El single “Evil Ways” ayudó al disco a lograr un doble platino y fue seguido en 1970 por “Abraxas” donde aparecía el clásico “Black Magic Woman” y “Oye Como Va”. Estos éxitos siguieron con “Santana III” de 1971 presentando “Everything’s Coming Our Way” y en 1974 sale “Greatest Hits” bajo el sello de Columbia. Ese año graba también “Welcome” y “Borboletta” con una orientación más jazzística, mientras que “Amigos” (1976) muestra una fuerte influencia de los Earth, Wind & Fire. “Moonflower” de 1977 contiene un nuevo hit clásico “She’s Not There”. Establecido como un creador de éxitos, Carlos fue elegido para grabar la banda sonora del filme “La Bamba” y participar en 1987 del “Rock’n Roll Summit”, el primer concierto realizado por Soviéticos y Norteamericanos juntos. La Santana Band fue también la primera en ganar el “Crystal Globe 563

LA ERA DEL ROCK

La multi-cultural formación de Santana Blues Band allá por 1967 y abajo duante la apoteósica presentación de la banda en el histórico festival de Woodstock, donde su explosiva mezcla de bluesrock y ritmos afrolatinos hicieron delirar a la multitud.

Award”, entregado por la CBS por más de cinco millones de álbumes vendidos internacionalmente. En 1988 recibe también el Grammy por Mejor Rock Instrumental. Es reconocido como mejor guitarrista 10 veces en los Bay Area Music Awards y en 1996 la Billboard Magazine premia a Santana con el Century Award, además de ser inmortalizado en 1998 con una estrella en la célebre Hollywood Walk of Fame. En 1999, Santana firma con Arista Records, donde se reune con su mentor Clive Davis, cuyo primer trabajo juntos “Supernatural” vende más de 10 millones de copias y es oficialmente certificado como ‘Dectillion Platinum’, estatus de Diamante por la R.I.A.A. Gana además 9 Grammys en la edición número 42 de la premiación anual en febrero del 2000, 564

incluyendo Album del Año, Mejor Album de Rock y Canción del Año por “Smooth”, la inolvidable colaboración de Santana con Rob Thomas. Carlos explicaba el tremendo suceso de la canción diciendo “Algunas canciones son como tatuajes en tu cerebro. Tu las escuchas y luego se te pegan”. “Smooth” probó su poder al permanecer 12 semanas consecutivas en el número 1 de los Billboards, marcando el single más longevo de 1999. “Supernatural” también presentaba a varias estrellas invitadas como Lauryn Hill, Eric Clapton, Dave Matthews, Everlast y Maná, etre otros. El álbum es un puente cultural, generacional y musical, una fragua multi-dimensional y multicultural. En los comienzos del nuevo milenio, Carlos Santana sigue estando en el pináculo de su remarcable carrera. Su música ya lleva cinco décadas de éxitos, ha vendido más de 50 millones de álbumes, ha tocado en vivo ante 30 millones de fans, ha ganado un sinnúmero de premios y reconocimientos, icluída su introducción al Rock ‘n Roll Hall Of Fame en 1998.

Fleetwood Mac Pocos grupos han experimentado cambios tan radicales en su estilo musical y han sobrevivido como Fleetwood Mac. Inicialmente nacido en Inglaterra como grupo de blues progresivo a fines de los 60, la banda gradualmente se transformó en un pulcro acto de pop-rock en la década siguiente.A través de los cambios, los únicos consistentes fueron el baterista Mick Fleetwood y el bajista John McVie, la sección rítmica que proveyó a la banda de un nombre conocido por todo el mundo. Las raíces de Fleetwood Mac se encuentran en John Mayall, la legendaria figura del blues inglés. John McVie fue uno de los primeros de los Bluesbreakers en 1963. En 1966 Peter Green remplaza a Eric Clapton y un año después, Mick Fleetwood se une al grupo como batería. Inspirados por el suceso de Cream, los Yardbirds y Jimi Hendrix, el trío decide romper con Mayall en 1967. Luego de su debut en el British Jazz Blues Festival, el guitarrista Jeremy Spencer se une a la banda. Fleetwood Mac está

completo en julio de 1967. Firman rápidamente con Blue Horizon, realizando su primer álbum un año después. Consiguen un enorme éxito gracias al blues boom existente en ese momento en Gran Bretaña y su primer hit “Albatross” llega al tope en 1968 y manteniendose en los Top 10 británicos por casi un año. A pesar de este éxito, son virtuales desconocidos en Norteamérica. Durante ese año, la banda agrega al guitarrista Danny Kirwan y al año siguiente graban “Fleetwood Mac” en Chicago con una variedad de bluesmen incluyendo a Willie Dixon y Otis Spann. Luego de cambiarse de sello, realizan “English Rose” y “Then Play On” durante 1969, albumes que indican una apertura de la banda hacia nuevos horizontes musicales, saliendo de sus raices puristas de blues. Ese año las composiciones de Green “Man of the World” y “Oh Well” se convierten en dos grandes éxitos. Pensando que su música era el espinazo de la banda, Peter Green celoso, intentó aún deshacer la banda, quizás perturbado por su adicción a las drogas alucinógenas, al final se va en la primavera de 1970, no sin antes dejar el mag-

Fleetwood Mac con su primera formación, en la época del blues boom de 1967. 565

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Con la adición de Christine Perfect, Lindsay Buckingham y Stevie Nicks, Fleetwood Mac alcanza el éxito comercial que tanto esperaban, y lo mantuvieron por más de dos décadas.

nífico “The Green Mahalishi” que le dió a la banda su cuarto hit en el Top 10. Green realizó dos álbumes como solista en los 70, pero rara vez actuó en público después de dejar Fleetwood Mac. La banda lo remplazó con Christine Perfect, una vocalista y pianista que ya tenía una pequeña masa de seguiores, ella se casa con John McVie al tiempo que ingresa a la banda en 1971. Durante la gira americana a comienzos de 1971, Spencer desaparece; más tarde se lo descubre como miembro de la secta religiosa los Niños de Dios, y obviamente deja la banda. Fleetwood Mac todavía estaba tratando de definir la dirección musical que tomarían, pero con la partida de Spencer la banda entra en confusión. Cristine McVie y Dan566

ny Kirwan toman las riendas y dirigen al grupo hacia un rock más comercial con “Future Games” de 1971, pero el nuevo guitarrista Bob Welch se convierte en una fuerte influencia especialmente en su disco “Bare Trees” de 1972. En 1974, un grupo manejado por Clifford Davis forman un Fleetwood Mac falso y comienzan a realizar giras por los USA. El grupo real demanda y gana la batalla legal contra los impostores, pero los deja fuera de la escena musical por poco más de un año. A finales de 1974, Fleetwood Mac se muda a California, con la esperanza de reiniciar su carrera. Welch deja la banda ese año. A comienzos de 1975, el Fleetwood y McVie conocen al duo de soft-rock Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, y los invi-

tan a unirse a la banda reavivando la vena musical y el éxito comercial del grupo. La nueva formación de Fleetwood Mac realiza su impresionante regreso en 1975 y de a poco se convierte en un enorme suceso, logrando varios números 1 en 1976 con la fuerza de singles como “Over My Head,” “Rhiannon,” y “Say You Love Me.” El álbum pudo eventualmente vender más de cinco millones de copias sólo en los USA. Mientras Fleetwood Mac finalmente alcanza el tan buscado éxito comercial, la banda se desmoronaba detrás del escenario, Los McVie se divorcian en 1976 y el romance entre Buckingham y Nicks también se termina poco tiempo después. Esas tensiones internas forman la base para las canciones de su próximo álbum. Realizado en la primavera de 1977, “Rumours” se convierte en un arrollador siceso, copando los primeros puestos a ambos lados del Atlántico y generando los sencillos Top 10 ““Go Your Own Way”, “Dreams”, “Don’t Stop” y “You Make Loving Fun”. El álbum vende eventualmente alrededor de 17 millones de copias en los USA, haciendo del disco el segundo más vendido de todos los tiempos. Fleetwood Mac apoyó el álbum con un exhaustivo y lucrativo tour y luego se retiran al estudio para grabar su siguiente material. Un excelente doble álbum ex-

Rumours es uno de los discos más exitosos de todos los tiempos, pero se grabó en una época de grandes tensiones para el grupo.

perimental concebido por Buckingham, “Tusk” (1979), que aunque no alcanzó el éxito de Rumours, llegó a ser multiplatino además de presentar dos simples exitosos, “Sara” y “Tusk”. Después del éxito de “Tusk”, proyectos en solitario (cada miembro tenía su propio manager) y problemas personales vuelven a atentar contra el grupo, pero aún así realizan “Mirage” en 1982, más convencional que el anterior, pero logra alcanzar el número 1 gracias a canciones como “Hold Me” y “Gypsy.” Luego de esto, cada uno vuelve a sus propios proyectos, de los cuales sobresalen los de Stevie Nicks, que se convierte en estrella por derecho propio. Fleetwood Mac se vuelve a reunir para 567

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grabar un nuevo álbum en 1985. Buckingham, quien ya tenía una creciente frustración por las limitaciones musicales de la banda, decide que ese será su último proyecto juntos. El álbum resultante fue “Tango In The Night”, realizado recién en 1987, que vuelve a proveer a la banda de fuertes ventas, alcanzando los Top 10 y Top 20 con ““Little Lies”, “Seven Wonders” y “Everywhere”. Buckingham deja definitivamente Fleetwood Mac luego de “Tango In The Night”, y el grupo se realinea con la inclusión de los guitarristas Billy Burnette y Rick Vito. La nueva agrupación lanza “Behind the Mask” en 1990, pero no llega al éxito comercial esperado. Poco después Nicks y Buckingham anuncian que seguirán grabando con el grupo pero no saldrán más de gira juntos. Una breve re568

unión de los sucede en el lanzamiento de la campaña para la presidencia de Bill Clinton en 1993, donde utilizan la canción “Don’t Stop” (Thinking About Tomorrow), como himno. Fleetwood Mac sigue haciendo giras ya sin Bhristine y sin Stevie, pero con la misma fuerza arrolladora de su mejor época.

Ten Years After Ten Years After fue otra banda mítica del blues boom británico de los 60, su fortísimo blues-rock estaba basado en el virtuosismo del guitarrista y vocalista Alvin Lee, el teclado de Chick Churchill, el bajo de Leo Lyons y la batería de Ric Lee. Alvin Lee conoce a Lyons en su natal Nottingham y poco después se hacen amigos de Ric Lee formando los Jaybirds

en 1961. La banda viaja a Londres para buscar mejores horizontes y con el agregado de Chhurchill cambian su nombre a Ten Years After, haciéndose de fama mediante sus actuaciones en el Marquee Club. En 1967 consiguen un contrato con Deram, subsidiaria del importante sello Decca. Su primer album no tuvo demasiada repercusión, pero con su segundo trabajo, “The Live Undead” (1968) contiene “I’m Going Home”, un blues endiablado de 6 minutos donde Alvin Lee despliega su gran talento en rapidísimos punteos, éste logra un entrar en los charts de Gran Bretaña y los USA. Esto llama la atención del productor Bill Graham (organizador de Woodstock), quien los ayuda a lanzarse con éxito en los Estados Unidos. “Stonedhenge” (1969) vuelve a los Top 10 a comienzos de 1969, pero el verdadero golpe lo darían al participar en el

festival de Woodstock, donde su versión de 9 sudorosos minutos de “I’m Going Home” pleno de efectismo guitarrero, es captado para la película del festival y los catapulta a nivel mundial, con la consecuente seguidilla de agotadoras giras. Su siguiente álbum, “Ssssh”, vuelve a entrar en los Top 20, y “Cricklewood Green” lleva el exitoso single “Love Like a Man”, que alcanza el número 4. Luego de terminar su contrato con Decca, firman con Columbia y toman una dirección más pop, tipificado por el disco de oro “A Space in Time” de 1971 y el single “I’d Love to Change the World”. Subsecuentes esfuerzos en esa dirección les trajo menos éxito que sus trabajos anteriores, lo cual aceleró la ruptura de Ten Years After luego de realizar “Positive Vibrations” en 1974. Poco después Alvin Lee graba un álbum solista “In Flight” pero sin mucho éxito.

El virtuosismo y energía del guitarrista Alvin Lee es responsable en gran parte del enorme éxito que tuvo la banda Ten Years After y contribuyó sin duda a su leyenda.

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Quizás reacios a terminar de esa forma vuelven a reunirse en 1988 para ofrecer algunos conciertos en Alemania y Gran Bretaña y graban su primer álbum luego de 15 años de silencio, “About Time” en 1989.

Rory Gallagher A pesar de una carrera que fue corta por la enfermedad y la prematura muerte, el guitarrista, cantante y compositor Rory Gallagher ha contribuido en gran manera al mundo del blues. Aunque nunca hizo suficientes giras por los USA, pues pasó la mayor parte del tiempo en Europa, fue conocido por sus auténticos maratones musicales en clubes y 570

teatros alrededor de los Estados Unidos. Gallagher nació en Ballyshannon, Irlanda, en marzo de 1948. Poco después de su nacimiento, su familia se mudó más al sur, donde a partir de los 9 años, quedó prendado de los cantantes de blues y folk norteamericanos que escuchaba por la radio. Como ávido coleccionista de discos, obtuvo una amplia gama de influencias, incluyendo a Leadbelly, Buddy Guy, Freddie King, Albert King, Muddy Waters, y John Lee Hooker. Sus caminos en la música empiezan siendo aún adolescente, integra la banda The Impact en 1965 y pasa el año tocando en Hamburgo versiones de Chuck Berry. Al año siguiente forma Taste con John Wilson y John McCraken.Comenzó así su carrera discográfica después de mudarse a Londres. El disco debut de Taste fue realizado en 1969 en Inglaterra y después fue lanzado en los USA por la distribuidora Atco/Atlantic. Entre 1969 y 1971, con el productor Tony Colton detrás de los controles, Gallagher graba tres álbumes con Taste, de entre los cuales resalta “On The Boards” (1970), que logra entrar en las listas británicas, antes de la separación. Gallagher siguió su carrera en solitario con su propio nombre y graba sus dos primeros discos en 1970 “Rory Gallagher” y “Deuce” para la Polydor, en ellos plasma magistralmente su fluido estilo blo, basada en una innata sensibilidad y emoción. Su prolífica carrera con-

“Cuando voy a escribir una canción, trato de sentarme calmado y generalmente fluye suave y tristemente. Trato de encontrar diferentes enfoques, diferentes temas y tópicos que no haya tocado ya antes... hago canciones en diferentes estilos. Mi música puede ser muy tradicional, pero tu podrás ir hacia el futuro con las letras.” – Rory Gallagher

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La formación clásica de Taste entre 1968 y 1970, Richard McCraken en bajo, Rory en guitarra y John Wilson en batería.

tinúa y graba “Live in Europe” en 1972 álbum que lo consolida como artista de primer nivel, llegando también a entrar en los Top 10. Luego graba “Blueprint” y “Tatoo” ambos de 1973, siguiendo una dirección más hacia el Hard-Rock. Vuelve a su tierra natal en 1974 y de la experiencia sale un nuevo doble álbum, “Irish Tour 1974”, que como el anterior disco en vivo, captura el excelente trabajo y excitación de sus shows en vivo. Este es seguido por “Calling Card” que graba para el sello Chrysalis en 1976, luego sale “Photo Finish” y “Jinx” para el mismo sello en 1978 y 1982. En este punto Gallagher ya ha realizado muchísimas giras mundiales y ha “predicado” su blues ganando nuevos adpetos, sin importar modas o tendencias, y aunque el éxito comercial siempre lo eludió, su influencia como guitarrista en las subsecuentes generaciones nunca fue subestimada. Extenuado, decide poner una pausa a su carrera, por lo que se toma unos años de descanso. Vuelve con renovadas energías en 1987 con otro álbum “Defender”. Su último disco, “Fresh Evidence”, fue realizado en 1991 en su propio sello, Capo, que eventualmente ayudaría a otros grandes talentos del blues. Ese año dió también 572

su último concierto en los USA, donde en una entrevista había itido que era un guitarrista ávido por la reacción que sólo el público en directo puede proveerle. Gallagher falleció a consecuencia de complicaciones durante una operación de transplante de hígado el 14 de junio de 1995 a los 47 años.

Taj Mahal Una de las figuras más prominentes del blues del siglo 20, cantante y multiinstrumentista Taj Mahal ha jugado un importantísimo rol en revitalizar y preservar el blues acústico tradicional. No contento con esto, Mahal rápidamente se acercó como musicólogo en las raíces del folk y otras manifestaciones musicales alrededor del mundo, reggae y otras expresiones caribeñas, jazz, gospel, R&B, zydeco, varios estilos africanos, música latina e incluso hawaiana. Taj Mahal nació como Henry St. Clair Fredericks en New York en 1942. Su padre, pianista, compositor y arreglador de jazz era de ascendencia jamaiquina, su madre era maestra de escuela de South Carolina y además era excelente cantante de gospel. Desde niño, Henry se pasaba horas escuchando con su pa-

Taj Mahal cantando con los Elektras en un recital universitario hacia 1961.

dre la música del mundo en su radio de onda corta, pero particularmente amaba el blues acústico y eléctrico, además del naciente rock and roll de Chuck Berry y Bo Diddley. Mientras estudiaba agricultura en la Universidad de Massachusetts, adopta el apodo musical de Taj Mahal (una idea que tuvo de un sueño) y forma Taj Mahal & The Elektras, con quienes toca en los circuitos universitarios a comienzos de los 60, convirtiéndose en toda una sensación. Después de graduarse, Mahal se muda a Los Angeles en 1964, y allí se hace de renombre en la escena folk-blues del área, forma los Rising Sons con el guitarrista Ry Cooder. El grupo firma con Columbia y realiza un single, pero al sello no le interesa el adelantado “Americana”, que anticipa ade-

más sus futuras fusiones musicales, por lo que queda encarpetado hasta salir a luz recién en 1992. Frustrado por este primer intento, Mahal deja el grupo, pero se queda en Columbia como artista solista. Su debut discográfico en solitario “Taj Mahal” aparece en 1968, donde despliega todo su bagaje de auténtico y tradicional blues sureño, haciendo de él una gran novedad para lo que se venía escuchando en la época. Luego le sigue “Giant Step” de 1969, convirtiéndolo en uno de los impulsores del blues revival de los 60 y en una figura influyente, siendo invitado a colaborar en varios eventos, giras y conciertos con otros prominentes artistas de rock y de blues. Durante los primeros años 70, la 573

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música de Mahal empieza a aventurarse a otras latitudes, en 1971 sale “Happy Just to Be Like I Am”, que demuestra la fascinación por los ritmos caribeños y el siguiente álbum doble en vivo, “The Real Thing”, agrega el sabor de los metales de New Orleans. En 1973, realiza composiciones para la película Sounder y al año siguiente le mete duro al reggae con “Mo’ Roots”. Mahal se muda a Warner en 1976 donde graba tres álbumes, todos en 1977 (incluida la banda sonora para la película “Brothers”). Poco después el interés por su música decae, por lo que pasa los 80 lejos de los estudios en Hawaii, explorando una vez más otra tradición musical. Mahal retorna en 1987 con “Taj”, un álbum donde se escucha su nuevo interés musical. Los siguientes años están plenos de giras, grabaciones y nuevas experiencias musicales, volviendo de cuando en cuando a sus raíces blas, en especial cuando gana un Grammy por “Señor Blues” en 1997. Seguidamente colabora en varios discos y llega a meterse en otras corrientes como el pop, el rock y la música hindú. 574

Más recientemente forma los Taj Mahal & The Hula Blues Band con quienes lanza el disco “Hanapepe Dreams” con aires hawaianos. Su investigación africana, le llevó a explorar sus propias raíces étnicas, además de extender el blues hacia esas regiones. Aún hábil en tantos diferentes estilos, nunca se alejó demasiado del fundamento del blues.

CAPITULO 15

El nacimiento del Country-Rock

“Cuando aparecía en escena, John Fogerty era como esos profetas hirsutos del Antiguo Testamento” – Bruce Springsteen

En los USA, la reacción al folk político de Dylan y al acid-rock de San Francisco fue muy fuerte. Surge lo que se dió en llamar “realineación”, envolviendo a muchísimas bandas en un cambio repentino en el sonido y el formato musical. La música rock retornaría a canciones con buena estructura, cortas y melódicas, y al redescubrimiento de su tradición, la blanca (country) y la negra (blues). En 1968 el “cowboy cósmico”, Gram Parsons inventa el “country-rock”, primero con “Safe At Home”, realizado por la International Submarine Band y luego “Sweetheart of the Rodeo” por los Byrds, ambos interpretan material de Nashville y emplean instrumentos típicos del country conjuntamente con instrumentos de rock y una actitud hippie. El country-rock de Parsons encuentra incontables imitadores como Seatrain, la nueva banda de Al Kooper, The Band, el grupo que solía acompañar a Dylan, que reinventó las raíces del rock, fusionando folk, gospel, country y rock. Los Creedence Clearwater Revival unieron los ritmos de los pantanos con las melodías de folk-rock, el fervor religioso, la fiebre rebelde del rock and roll y la ansiedad existencial de Dylan. Otro “super grupo” hace su movida con un sonido más suave: Crosby Stills Nash & Young, popularizando sus intrincadas armonías vocales, lánguidos contrapuntos y melosos ritmos. Con “Deja Vu” (1970), virtualmente inventan un nuevo género: un soleado, melancólico y profundo country-blues-soul, llamado después “El Sonido de la Costa Oeste”. 575

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GRAM PARSONS Con los International Submarine Band, The Byrds, y The Flying Burrito Brothers, Gram Parsons fue pionero del concepto de una banda de rock tocando música country, y como solista fué aún más lejos siendo artista de country: fusionó los dos géneros hasta el punto en que se volvían indistingibles entre uno y otro. Mientras vivió, Parsons fue una figura de culto que nunca vendió muchos discos, pero influenció a incontables músicos. 576

En los años siguientes a su muerte, su leyenda no hizo más que crecer, gracias a la contrbución de numerosos artistas de rock y de country. Gram Parsons nació como Cecil Ingram Connor en noviembre de 1946. Sus padres le legaron un profundo amor por la música de Hank Williams, por lo que aprendió a tocar el piano a los 9 años. Ese mismo año ve a Elvis Presley actuar en su escuela y decide convertirse en músico profesional. Cuando tenía 12 años, su padre se suicida, y poco después junto a su madre, se muda a Winter

Haven, Florida donde ella se vuelve a casar con Robert Parsons, quien adopta a Cecil cambiando su nombre legalmente por el de Gram Parsons. A los 14 años, Parsons comienza a tocar en una banda de rock and roll local llamada The Pacers que se cambiaría de nombre a The Legends. Durante ese tiempo, The Legends incluía a Jim Stafford y Kent Lavoie, quien más tarde alcanzaría la fama con el seudónimo de Lobo. En 1965, Parsons se gradúa de la preparatoria y ese mismo año su madre muere por intoxicación alcohólica. Después de esto, Gram Parsons se va a Hardvard para estudiar teología. Sólo estuvo un semestre en la universidad, donde se pasaba más tiempo tocando que asistiendo a clases. Durante ese tiempo forma la International Submarine Band con el guitarrista John Nuese, el bajista Ian Dunlop y el baterista Mickey Gauvin. Gram se muda a New York con su banda en 1966 y pasa el año en la ciudad desarrollando un rock and roll con una pesada influencia country además de grabar dos singles sin éxito para Columbia. La banda se muda entonces a Los Angeles en 1967, donde aseguran un contrato de grabación con LHI, sello perteneciente a Lee Hazlewood. Su primer álbum “Safe At Home” fue realizado en 1968, pero cuando el disco llegó a las tiendas, la banda ya se había separado. En ese tiempo, Parsons conoce a Chris Hillman, bajista de los Byrds, que en ese tiempo se estaba reagrupando. Hillman convence a Roger McGuinn y Parsons se une a la banda. Hacia la primavera de 1968, Parsons es el principal responsable de la dirección country que toman los Byrds, en especial con el álbum “Sweetheart of the Rodeo”. Gram Parsons sólo estuvo unos pocos meses con los Byrds, de-

The International Submarine Band fue el primer grupo profesional de Gram Parsons y es donde comienza a desarrollar la mezcla de rock and roll y country.

jando la banda en el otoño de 1968 por causa de que no quiso acompañar al grupo a una gira por Sudáfrica, arguyendo su oposición al apartheid. Chris Hillman también dejó los Byrds poco después y juntos forman los Flying Burrito Brothers a fines de 1968. Parsons y Hillman alistan a Pete “Sneaky” Kleinow con su pedal steel y al bajista Chris Ethridge. Para completar la banda y grabar su primer álbum, contratan a una serie de bateristas de sesión. “The Gilded Palace of Sin”, su disco debut, sale en 1969. A pesar de que el álbum sólo vendió unas 40.000 copias, el grupo consiguió hacerse de un nutrido grupo de seguidores, incluso a muchos artistas de la talla de los Rolling

The Flying Burrito Brothers ayudó a forjar la conección entre el rock y el country, y con su álbum debut “The Gilded Palace of Sin”, virtualmente señalaron el camino a seguir para los cultores del countryrock. Después de la salida de Gram Parsons en 1970, el grupo siguió grabando y actuando hasta su separación en 1976. Se reunieron varias veces en los 80. 577

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“Gram fue una de las personas que me ayudó a cantar música country. Antes de eso, Keith y yo nos limitábamos a copiar discos”. – Mick Jagger

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Stones. De hecho, para el tiempo en que se realizaba el álbum, Parsons solía frecuentar a los Rollings, haciéndose muy amigo de Keith Richards. También en ese tiempo Parsons comenzó a experimentar con las drogas y el alcohol. Parsons graba con los Flying Burritos un nuevo álbum, “Burrito Deluxe” que aparecerá en 1970, pero ese año deja la banda para seguir en solitario. Poco después graba un puñado de canciones con el productor Terry Melcher, pero no llega a completar un álbum. Seguidamente a estas sesiones, Parsons decide vivir como un verdadero rock star, pasando mucho tiempo colgado con los

Stones o ingiriendo enormes cantidades de drogas y alcohol. En 1971, sale de gira con los Rollings Stones en Inglaterra, poniendo de su parte para la grabación del álbum “Exile on Main Street” de los Stones y firmando un contrato con el sello de la banda. A fines de 1971 regresa a Los Angeles pasando el resto del año y comienzos del siguiente escribiendo material para un disco solista. En 1972 conoce a la cantante country Emmylou Harris através de Chris Hillman, Parsons la invita a unírsele como músico acompañante y ella acepta. Para el verano de 1972, Gram se estaba preparando para entrar al estudio y grabar su primer álbum solista. Parsons ensambla una banda que incluía a Emmylou Harris, James Burton, Rick Grech, Barry Tashian, Glen D. Hardin, y Ronnie Tutt. El álbum “G.P.” fue realizado a fines de 1972 con muy buena crítica pero con pocas ventas. Seguidamente a la realización de “G.P.”, Parsons se embarca en una gira con sus músicos que se dieron en llamar los Fallen Angels. Después de terminar el tour, regresan al estudio para grabar un segundo álbum, “Grievous Angel”, que incluye el famoso “Love Hurts” a dúo con Emmylou Harris. Después de terminado el trabajo, Gram se va de vacaciones a California, pasando la mayor parte del tiempo en su afición cada vez más peligrosa. El 19 de setiembre de 1973, cae a consecuencia de una sobredosis de morfina y tequila, es llevado de urgencia al Yucca Valley Hospital pero es declarado muerto al llegar. De acuerdo a los planes para el funeral, el cuerpo de Parsons debería volar a New Orleans para el entierro, pero su manager de gira, roba el cadaver y se lo lleva al desierto de Joshua Tree en California y manda cremar el cuerpo. Phil Kaufman reveló después que ese era el deseo de Parsons. Kaufman no fue arrestado por robarse el cuerpo, pero sí por robar y quemar el ataúd.

En el tiempo en que el rock estaba siendo alejado cada vez más lejos de la fuerza que alguna vez lo hizo posible, Creedence Clearwater Revival trajo de vuelta al rock a sus raíces con una concisa síntesis de rockabilly, swamp-rock, R&B y country.

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL Incuestionablemente una de las más grandes bandas de rock de norteamerica de todos los tiempos, reedence Clearwater Revival serán siempre recordados por su sonido único del sur. Si bien su música evoca el crudo sonido gospel del sur rural, Doug Clifford, Stu Cook, y los hermanos Tom y John Fogerty crecieron en El Cerrito, California, un pequeño pueblo cercano a Berkeley. En 1960, mientras estaban en el colegio, los muchachos forman el grupo llamado Tommy Fogerty & the Blue Velvets y pasan la mayor parte del tiempo ensayando en el garage de los Fogerty. Cuatro años después, hacen una audición para Fantasy Records, en Berkeley, donde John Fogerty trabajaba como empleado. Sin saberlo, un ejecutivo del sello, cambia el nombre del grupo a The Golliwogs, un nombre “más inglés” en concordancia con la invasión inglesa que se estaba llevando a cabo en ese tiempo. Como los Golliwogs, graban siete singles, pero son prácticamente desconocidos por el gran público. Finalmente,

Fantasy realiza un último single, “Porterville”, bajo el nuevo nombre que la banda escogió: Creedence Clearwater Revival. Creedence era el sobrenombre de un amigo, Clearwater se sacó de un comercial de cerveza y Revival fue agregado para demostrar que la banda ahora tenía una nueva vida. Después de un par de años en el circuito de clubes de California, las cosas empezaron a sucederse muy rápido. El álbum debut del grupo “Creedence Clearwater Revival” de 1967, fue paralelo al fenómeno musical hippie de la escena musical de San Francisco y tuvo sus repercusiones positivas, pues incluía unas versiones neo-psicodélicas de clásicos del rock and roll de los 50 como “I Put a Spell on You” y “Suzie Q” de Dale Hawkins, con John Fogerty ahora firmemente asentado como guitarrista, cantante, compositor y productor. Desde allí, los hits empezaron a venir. “Suzie Q” fue su primer gran hit, llegando a los Top 20, pero el pexito de la banda realmente explotó con “Proud Mary”, un single que

Un excelente material para conocer la obra de los Creedence es la colección de 20 éxitos llamada “Chronicle” vol. 1 y 2, imprescindible!.

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llegó al número 2 a comienzos de 1969 y fue versioneado cientos de veces hasta hoy. Ese fue el comienzo de un torrente de clásicos hits, inspirados en el canto de Little Richard en los siguientes dos años, incluyendo “Bad Moon Rising,” “Green River,” “Down on the Corner,” “Travelin’ Band,” “Who’ll Stop the Rain,” “Up Around the Bend,” y “Lookin’ Out My Back Door.” Creedence también realizó excelentes álbumes, pero su fuerte eran los singles. Aún así consiguen llegar al oro con seis álbumes consecutivos: “Bayou Country”, “Green River”, “Willy and the Poor Boys”, “Cosmo’s Factory”, “Mardi Gras” y “Pendulum” en el período de 1968 a 1972. Aunque el grupo no se metía en política, muchas de sus canciones, en especial “Fortunate Son” y “Who’ll Stop the Rain”, elocuentemente expresaban la resistencia de la contracultura a la guerra de Vietnam y una simpatía

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hacia los que iban a luchar, por lo que éstos los tomaron como himnos de esos problemáticos tiempos. Para 1970, CCR era ya innegablemente la banda número uno del rock americano. El hombre responsable por esa exaltada posición era John Fogerty. Adicionando sus composiciones y trabajos de producción para sus discos, John cantaba con un poderosa y cruda voz, que era el verdadero sonido Creedence. El mismo genio responsable por la tremenda popularidad del grupo, también contribuyó a su eventual separación. Las contínuas decisiones que debían tomar el grupo en conjunto eran tomadas sólo por John, lo que produjo intensas tensiones entre los . Al final llegaron a un acuerdo para hacer decisiones más democráticas, pero esto llegó muy tarde para Tom Fogerty. En febrero de 1971, Tom, amargado por el dominio de su hermano menor John, anuncia su salida del grupo para hacerse solista. El grupo remanente siguió trabajando como trío. El primer single del reorganizado Creedence, “Sweet Hitchhiker” sale en julio del 71. La banda hace una enorme gira por los USA, Euro-

Stu Cook, Doug “Cosmo” Clifford y John Fogerty en la época del trío, ya sin la presencia de Tom.

pa, Australia y Japón que comenzó ese mes y terminó con una razonablemente buena recepción. Para su séptimo y último álbum de estudio, “Mardi Gras”, Stu Cook y Doug Clifford escribieron más de la mitad de las canciones del álbum. El disco alcanza el número 12 de las listas de los USA, más por la reputación de la banda que por el contenido del LP. En octubre de 1972, Creedence Clearwater Revival está oficialmente separada. Tom Fogerty continuó su carrera sin mucho éxito comercial. Primeramente participó en un grupo informal que incluía a Jerry Garcia (de los Grateful Dead) y al organista Merle Saunders, antes de formar una nueva banda llamada Ruby, junto a Randy Oda (guitarra y teclados), Anthony Davis (bajo) y Bobby Cochran (batería). El grupo grabó tres álbumes, el último de ellos fue precedido por un disco final de Tom como solista, “Deal It Out”. Tom Fogerty se muda a Flagstaff, Arizona a mediados de los 80. Muere a consecuencia del Sida el 6 de setiembre de 1990.

John Fogerty por su parte, comienza su carrera en solitario en 1972, con un disco donde él toca todos los instrumentos y hace de vocalista, bajo el seudónimo de Blue Ridge Rangers, con material basado en gospel y country. En 1973 logra dos hits con un remake de Hank Williams, “Jambalaya” y otro de Otis Williams, “Heart of Stone. Ese año comienzan las discusiones y peleas con el sello Fantasy, John desea deshacer su contrato, pero el sello tiene derecho a ocho álbumes más. Fogerty no acepta grabar nuevo material y las cosas siguieron sin resolverse hasta que David Geffen y Asylum Records hace un trato por un millón de dólares con Fantasy, para que John grabe con Asylum, pero los problemas con los sellos no terminaba aún. Fogerty regresa al estudio para grabar un nuevo disco solista, “John Fogerty” que es aclamado por la crítica pero falla comercialmente, a pesar de que incluía clásicos como “Rockin’ All Over

A pesar de tantos éxitos obtenidos, Tom Fogerty se va de la banda en 1971 para seguir una poco brillante carrera en solitario.

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Deshacerse del gran peso que significaba haber sido parte de una de las más grandes bandas de rock no fue fácil para John Fogerty, quien a puro pulmón consiguió el éxito por sí mismo, lo que demuestra su gran talento como músico y su calidad como artista.

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The World” y “Almost Saturday Night”. Los traumas sicológicos de las batallas legales hicieron mella en John dejándolo decaído y alejado de sus altos estándares musicales, el álbum “Hoodoo” nunca fue publicado. Fogerty decide tomarse las cosas con calma y esperar hasta que sus problemas legales sean resueltos antes de volver a su carrera; su alejamiento tomó casi una década. En 1984, Fogerty comienza a trabajar en un nuevo álbum de retorno, lanzado por la Warner Brothers al comenzar 1985. Esta vez el álbum causó sensación en la crítica y en el público comprador. Además de proveer dos singles exitosos, “Centerfield” y “Rock and Roll Girl” mientras que el álbum llegaba al puesto número 1. El LP también incluye un duro rock “Mr. Greed” y el experimental “Zantz Kan’t Danz” que era un ataque personal al director del sello Fantasy, Saul Zaentz. El cual respondió con una demanda por 142 millones de dólares, clamando que había sido humillado en “Centerfield”. Fantasy no se quedó allí, volvió a demandar a Fogerty por el tema

“The Old Man Down The Road”, acusando de plagio de una canción que el propio Fogerty había escrito en los tiempos de Creedence, “Run Through The Jungle”. Finalmente en 1995, John Fogerty emerge victorioso. En setiembre de 1986, John lanza un segundo álbum para la Warner, “Eye Of The Zombie”, que no alcanzó la altura de su predecesor, pero mantuvo a Fogerty en su primera gira después de 14 años, pero rehusando incluir las canciones que lo hicieron famoso con Creedence. A finales de los 80, Fogerty mantiene un bajo perfil. Su único brillo lo consigue actuando para los veteranos de Vietnam en 1987, donde esta vez sí incluye las canciones de Creedence que no había cantado desde 1972. En 1993 Creedence es ingresado al Rock and Roll Hall Of Fame, pero en el acostumbrado concierto homenaje, John Fogerty se niega a tocar con sus antiguos compañeros. Fogerty regresa en 1997 con la realización de su quinto álbum solista, el ganador del Grammy y aclamado por la crítica “Blue Moon Swamp”. Seguido de un tour por los USA y Escandinavia, muchas apariciones en los medios y finalmente un álbum en vivo. Por otro lado, la sección rítmica de Creedence, Stu Cook y Doug Clifford, siguieron juntos en varios proyectos, incluyendo a The Don Harrison Band, Southern Pacific y The Sir Douglas Quintet. En 1995, ellos crean una banda llamada “Creedence Clearwater Revisited” con tres músicos adicionales, haciendo giras y tocando todos los éxitos del pasado.

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG Las superestrellas del Country-Rock. El último de los supergrupos  originales, David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Neil Young fueron todos de grupos muy exitosos antes de unir fuerzas en el otoño de 1968. Crosby venía de tocar con los Byrds desde 1964, además de una breve e infructuosa carrera solista y de producir el álbum debut de Joni Mitchell en 1968. Stephen Stills por su parte, tocaba la guitarra en Buffalo Springfield, quien tuvo un memorable éxito con “For What It’s Worth”, antes de separarse en Mayo de 1968. Graham Nash era miembro de The Hollies, uno de los grupos ingleses más exitosos de la época de la invasión británica; y finalmente Neil Young, quien también formó parte de Buffalo Springfield, pero que había salido en 1967 poco después del Monterey Pop Festival. Cuando Buffalo Springfield se separó, Stills y Crosby comenzaron a hacer jams juntos en fiestas y encuentros,

poco después se les uniría Nash, los tres cantarían juntos por primera vez en una fiesta en casa de Mama Cass Elliot. La tentación de formar un nuevo grupo fue irresistible y el trio logra un contrato de grabación y lanzan su primer trabajo, “Marrakesh Express”, un tema que los Hollies habían rechazado. Las hermosas armonías vocales ayudaron a que el tema alcanzara los Top 30 en los USA, lo que fue seguido poco después por “Suite: Judy Blue Eyes”, una canción escrita por Stills acerca de la cantante folk Judy Collins, alcanzando el puesto 21. Queriendo expandir el trío, le ofrecieron participar a John Sebastian, amigo de todos, pero éste rechazó la oferta, la cual finalmente aceptó Neil Young, quien aportó su guitarra más rockera y su canto más penetrante a tiempo para presentarse en el Festival de Woodstock en agosto de 1969, consolidando el grupo (el bajista Greg Reeves y el baterista Dallas Taylor completaron la formación). El primer álbum del cuarteto “Deja Vu”, se llevó dos meses de trabajo y alcanzó el oro poco tiempo después de salir a las tiendas. El LP contiene sus

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El primer álbum del grupo, “Deja Vu” de 1970 es el más representativo del trabajo de Crosby, Stills, Nash & Young, éste se convierte rápidamente en un tremendo éxito.

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primeros tres exitosos singles, “Woodstock”, compuesta por Joni Mitchell, “Teach Your Children” y “Our House”. Justo después de publicarse el álbum, La Guardia Nacional mata a cuatro estudiantes en la Kent State University en Ohio, en la tristemente célebre manifestación contra la guerra de Vietnam. Neil Young respondió con “Ohio”, que a pesar de ser boicoteado en varias radios, el tema alcanza el puesto 14 en 1970 y prácticamente se convirtió en un himno. Los cuatro se embarcaron en una intensa gira en el verano de 1970, pero para el tiempo de la realización de su segundo álbum “Four Way Street” (1971), los egos inflados y tensiones entre los causaron la separación de la banda. Crosby publica su aclamado disco solista “If I Could Only My Name” y poco después se une a Graham Nash para trabajar

como dúo, grabando álbumes juntos así como tocar en diversos lugares durante los primeros años 70. Young continuó solo, así como Stills, quien en 1971 logra un moderado hit con “Love The One Your With”. En 1974 se vuelven a juntar para una gira, pero Young insistió en viajar por separado. Ese año sale también el disco recopilatorio “So Far”, que como sus predecesores llega al tope de las listas de álbumes en los USA. Stills y Young realizan por su parte el álbum “Long May You Run” en 1976 y nuevamente Young sorpresivamente se va por su cuenta durante la gira de ese año. El trío remanente, Crosby, Stills y Nash, realizan un nuevo disco que se convierte en cuadruple platino, “CSN”, el cual contiene el hit “Just A Song Before I Go” que llega al puesto número 7 en 1977. Otra vez se embarcan en una gira juntos para promocionar el nuevo trabajo. Su siguiente LP tuvo que esperar hasta 1982, cuando “Daylight Again” produce dos singles exitosos, “Wasted On The Way” (Nº 9) y “Southern Cross” (Nº 18). David Crosby tuvo algunos problemas con la ley en 1985, acusado de andar armado y estar en posesión de cocaína. Estuvo nueve meses en prisión hasta completar un programa de rehabilitación que le llevó cinco años completos. Durante la apelación a su caso, él apareció con sus antiguos compañeros en el “Live Aid” , además de componer el hit “Long Time Gone”. Los cuatro vuelven a reunirse en 1989 para grabar la canción de Young, “American Dream” que llega al puesto Nº 16, poco después, en los comienzos de la nueva década, la obra de Neil Young y su propia persona consiguen nuevos y jóvenes seguidores quienes le llaman el “Padrino del Grunge”. Graham Nash por su parte está muy ocupado dirigiendo su compañía de publicaciones “Nash Editions” así como su propio programa tele-

El innegable talento de Crosby, Stills, Nash y Young, y sus grandes éxitos no lograron consolidar la formación por mucho tiempo, de hecho, según algunos autores, fue increíble que con sus diferencias musicales, estilísticas y su fama individual, hayan resistido tanto tiempo juntos.

visivo. Crosby, un viejo abusador de drogas, sufre un trasplante de hígado en 1994, pero por el lado positivo, graba y lanza con su hijo adoptivo tres álbumes con dispar resultado. Por instigación de Stephen Stills, el supergrupo se vuelve a reunir en 1999 para grabar el aclamado por la crítica, “Looking Forward”, además de salir de gira por primera vez juntos desde 1974.

THE BAND El “grupo” por antonomasia del folk y country rock. The Band recuperó aquellos estilos americanos más humildes como las canciones folklóricas de los Apalaches, los tradicionales gospels del sur y los gemidos de los bluesmen. Al mismo tiempo, remojaban esos estilos en una austera composición, cercana a la música de cámara, en una atmósfera íntima y quieta, casi religiosa. La interconexión entre el baterista Levon Helm, el bajista Rickie Danko, el pianista Richard Manuel, el organista Garth Hudson y el guitarrsita Robbie Robertson era única en un balance de tonos épicos. A finales de los años 50, el cantante Ronnie Hawkins se traslada a Canadá y allí a con un grupo de músicos locales que se hacían llamar The Hawks. Tras grabar varios singles y girar sin descanso interpretando versiones de

los grandes clásicos del rock’n’roll, los Hawks rompieron relaciones musicales con Ronnie Hawkins en 1963, ese año decidieron emigrar a los USA, trasladandose a Nueva York y ampliando su sonido hacia el blues, country y soul. En ese período Levon Helm pasó a ocupar el puesto de vocalista principal y lider de la formación, no en vano el nuevo nombre que adoptaron fue Levon Helm and The Hawks. En 1965 cuando actuaban de acompañantes del hijo de John Hammond, los integrantes del grupo (los canadienses Jamie Robbie Robertson, Garth Hudson “el profesor”, Richard Manuel, Rick Danko y el norteamericano Levon Helm) conocen a Bob Dylan. En ese tiempo ya tenían gran experiencia como acompañantes del anteriormente mencionado Ronnie Hawkins. 585

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Poco valorada su capacidad de original conjunción de músicas tradicionales americanas y su habilidad lírica, The Band se constituye como uno de los grandes grupos rock surgidos en los años 60.

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Antes de la gira conjunta de 1966 y rebautizados como The Band, Levon Helm decidió no participar como simple músico acompañante de Dylan y abandonó el grupo, siendo sustituido por Mickey Jones. Pero en breve tiempo, Helm retornaría a la banda y colaboraría en las sesiones llevadas a cabo en la casa que Dylan compartió con The Band en Woodstock. De ahí surgiría la histórica grabación “The Basement Tapes”. Combinando sus enormes talentos con el rock, el folk, jazz, country, psicodelia y gospel, el grupo contrata al perspicaz manager de Bob Dylan, Albert Grossman, quien comprobando el potencial como músicos y compositores de la banda, les consiguió un contrato discofráfico con la Capitol Records para publicar su primer Lp como The Band titulado “Music from big pink” (1968). Un disco totalmente fuera de las modas de la época. Grandiosos temas como “The Weight”, “Tears of Rage”, “Chest Fe-

ver”, la versión de “I Shall Be Released” o “This Wheel’s On Fire”, compuesta por Rick Danko y Dylan son algunos temas realmente notorios de este disco debut que mostraba en la portada una pintura realizada por el propio Dylan. Adorados por la crítica estadounidense, The Band presentó al año siguiente su segundo trabajo en formato Lp. “The Band” (1969) reafirmó su gran talento para la unificación de formas musicales tradicionales con el rock. Su impresionante estilo lo desarrollaron en sus siguientes discos “Stage Fright” (1970), “Cahoots” (1971) y el disco en vivo “Rock of ages” (1972). “Moondog Matinee” (1973), un disco lleno de versiones fue su primer tropezón, pero aún así seguían teniendo una legión de seguidores acérrimos. En 1973 actuaron en el Watking Glen Festival y en el 74, convertidos en grandes estrellas, vuelven a apoyar a Bob Dylan en sus conciertos y a colaborar en la grabación de “Planet Waves”.

Por esa época comenzaron a surgir los primeros roces en el seno de la formación, principalmente derivados del consumo de drogas y de tensiones internas sobre el liderazgo, que la prensa culpó a Robbie Robertson. Concientes de que se iban volviendo reiterativos, decidieron separarse tras ofrecer un espectacular concierto de despedida denominado “The Last Waltz” histórico concierto realizado el 25 de noviembre de 1976, en el teatro Winterland de San Francisco. Bastaría con nombrar las estrellas que los acompañaron: Bob Dylan, Ronnie Hawkins, Neil Young, Bobby Charles, Van Morrison, Johni Mitchell, Eric Clapton, Dr. John, Neil Diamond, Muddy Waters, Stapple Singers. Todo fue puesto en el film “The Last Waltz” bajo la dirección de Martin Scorsese, en esta película se refleja con un sentimiento único y un dejo de tristeza la separación de un gran grupo, como cuando se dice que “es mejor dejarlo así, ahora que todavía está bueno”. El disco triple con el mismo nombre, salido en 1977 no tiene desperdicio. Más tarde Robertson y Helms intentaron componiendo música para cine, mientras que Danko cantó en solitario. Luego de un intento de reunión, Richard Manuel se ahorcó en su hotel, víctima de un proceso depresivo. La actividad de Robertson y los demás se vio

incrementada pocos años después, con la participación en el album “Beauty” (1989) de Ryuichi Sakamoto, el mega concierto “The Wall” en Berlín, 1990 y la grabación de “Jericho” en 1993. El gran músico Rick Danko falleció mientras dormía en 1999. Levon Helm por su parte padeció un cáncer de garganta en los años 90. Tras muchos años alejado de la música, retornaría al directo y al estudio en el año 2006.

THE NITTY GRITTY DIRT BAND Formado en California en el año 1965, The Nitty Gritty Dirt Band es el grupo que más ha durado de entre los grupos de country-rock de su era. The Nitty Gritty Dirt Band comenzó con dos folkies de la costa oeste, Jeff Hanna (guitarra y voz) y Bruce Kunkel (guitarra y bajo). Fue en una tienda de guitarras donde conocen a Ralph Barr (guitarra y bajo), Les Thompson (voz, mandolina, bajo, guitarra, banjo y percusión), Jimmie Fadden (armónica, voz, batería) y Jackson Browne (guitarra y voz). Esta alinea587

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ción comenzaron a tocar inmediatamente en clubes de la zona de Santa Mónica hacia 1966, tocando temas de vaudeville al estilo de las jug bands de los años 20 y 30. En ese tiempo, California estaba pasando por un renacimiento musical, con el movimiento folk-rock que estaba en crecimiento. A los pocos meses, Jackson Browne salió para seguir su carrera solista y es remplazado por John McEuen. Ese año consiguen contrato con el sello Liberty Records y realizan su álbum debut, “The Nitty Gritty Dirt Band”, en abril de 1967. Su primer single, “Buy for Me the Rain”, logra un modesto éxito, pero le da a la banda la oportunidad de apa-

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recer en la TV. Su segundo álbum, “Ricochet”, realizado siete meses después, fue un éxito en la crítica, pero tampoco obtuvo buenas ventas. Fue allí cuando el grupo se da cuenta de que su folk estaba agotado y deciden hacer un cambio en su dirección musical, romper un poco las tradiciones y hacerse “eléctricos” y además agregar una batería para mediados de 1968. Su primer álbum electrificado, “Rare Junk” realizado en junio del 68, fue otro fallo comercial, pero la banda no perdía la esperanza. Hacen un nuevo intento y lanzan “Alive!” en mayo de 1969, pero fue otro desastre comercial, por lo que the Nitty Gritty Dirt Band decide cerrar este ciclo. Los estuvieron erráticos durante un tiempo, pero luego de seis meses, deciden darse otra oportunidad con unos cambios en la alineación. Ésta incluía a McEuen, Hanna, Fadden, Thompson, y Jim Ibbotson (guitarra, acordeón, batería, percusión, piano y voz). Retornan a su compañía disquera pero bajo la condición de tener ellos el

control de sus grabaciones, felizmente el sello no se opone. Bill McEuen se convierte en el productor y manager del grupo, produciendo el primer disco de esta nueva etapa, “Uncle Charlie & His Dog Teddy” en 1970. Dejando de lado su viejo estilo de opereta, el álbum al fin consigue un éxito parecido al que habían tenido en 1967, en especial gracias a su más conocido single “Mr. Bojangles”. Su siguiente álbum, “All The Good Times”, realizado a principios de 1972 sigue manteniendo esa línea que los llevará al éxito definitivo. Para esa época, The Nitty Gritty Dirt Band decide mudarse a Nashville (la Meca del Country) y por sugerencia de su manager, lanzan un triple álbum homenaje al country y bluegrass más tradicional, “Will the Circle Be Unbroken” lanzado en enero de 1973. Al fin logran su primer millón en ventas, además de unas excelentes críticas, tanto del mundo country como del rock. Después de “Stars & Stripes Forever” (1974) y “Dream” (1975), lanzan en 1976 otro álbum triple “Dirt, Silver & Gold”, recopilatorio de sus trabajos anteriores. Ese mismo año, Jim Ibbotson deja la banda y es remplazado por el músico de sesión Bob Carpenter. Para esa época el grupo acorta su nombre a The Dirt Band y toma un giro más comercial con un sonido más pop y suave, con Jeff Hanna en los controles. Sus discos perdieron su excentricidad, pero siguieron siendo populares. En 1980 lanzan “An American Dream” y “Make a Little Magic” en 1981, ambos con buenas ventas. Pero para 1982, la banda decide volver a sus raíces country, vuelven a utilizar el nombre “The Nitty Gritty Dirt Band”, y Jim Ibbotson vuelve a tocar otra vez. “Let’s Go” es realizado a mediados de 1983, liderando su regreso al country pero con un sonido menos electrificado. En 1984 después de 17

años, cambian de sello discográfico y firman con la Warner Bros., y ese mismo año vuelven a aparecer en la prensa como la primer banda de rock que va de gira a la Unión Soviética. En 1989 aunque el mundo de la música ha cambiado bastante, el grupo decide lanzar un nuevo álbum tradicional, pero con arreglos modernos. Entonces aparece “Will the Circle Be Unbroken Vol. 2”. El disco es adornado con grandes estrellas del country como Johnny Cash, Chris Hillman y Ricky Scaggs. Este disco gana el Grammy por mejor Performance Vocal de Country y el primer premio de la Asociación de Música Country de 1989. The Nitty Gritty Dirt Band sigue tocando en vivo y grabando álbumes regularmente sin abandonar sus verdaderas raíces musicales de country y bluegrass, manteniendo viva la llama de la tradición verdaderamente norteamericana.

Los de la Nitty Gritty Dirt Band, han jugado una parte de igual importancia que sus contemporáneos The Byrds en la transformación del folk-rock al country-rock, y han sido gran influencia para bandas como los Eagles o Alabama.

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POCO

Poco en 1968, Randy Meisner, Rusty Young, Jim Messina, George Grantham y Richie Furay.

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Después de que Buffalo Springfield se separó, en agosto de 1968, los guitarristas Richie Furay y Jim Messina deciden formar una nueva banda; ambos alistaron a un músico de sesión llamado Rusty Young, quien llegó a grabar las partes de guitarra steel en algunos temas de la anterior banda. Este trajo al baterista George Grantham y poco después el bajista Randy Meisner deja su grupo, The Poor, para formar el quinteto. Empiezan a tocar y grabar demos para conseguirse un contrato con alguna disquera. Se llamaron a sí mismos “Pogo” (con g) y debutaron un mes después en el Fillmore West, abriendo para la Steve Miller Band y Sly & The Family Stone. Después de conseguirse unos cuantos seguidores debieron cambiar su nombre por causa de una historieta que llevaba el mismo nombre. Se quedaron con “Poco” en parte porque sonaba casi como el anterior nombre que ya los fans comenzaban a conocer. Mientras estaban tocando una noche en el club Trobadour, los directores de Columbia Records, A&M y Atlantic estaban presentes, el presidente de Columbia se interesó en ellos y en diciem-

bre de 1968 les consigue un trato con Epic Records, una subsidiaria de la gran compañía. Al poco tiempo comienzan la grabación del que sería su primer álbum, “Pickin up the Pieces.” En ese tiempo Randy Meisner anuncia su partida para trabajar con otras figuras como Rick Nelson, Linda Rondstadt y finalmente con los Eagles en 1971. Poco continuó como cuarteto, lanzando su primer disco “Pickin’ Up the Pieces” que llegó a vender algo más de 100.000 copias. Con Timothy B. Schmit como nuevo miembro, Poco graba dos LPs más, uno con el nombre de la banda y otro en vivo llamado Deliverin’ antes de la salida de Jim Messina, quien renunció cansado de las giras infructuosas en 1970. Después encontraría el éxito cuando se une a Kenny Loggins y forman uno de los dúos más populares de los 70. Messina es remplazado por Paul Cotton, quien se quedó con el grupo durante tres modestos álbumes. Frustrado por que la banda no logra alcanzar el éxito esperado, Richie Furay también renuncia después de lanzar “Crazy Eyes” en 1973 para seguir una errante carrera en solitario, pero finalmente dirige su atención a la religión y se convierte en predicador. A pesar de que la partida de Furay dejó a Poco un hueco importante, sus siguientes cuatro álbumes venden mucho mejor que sus esfuerzos anteriores. En 1978, el baterista George Grantham también deja el grupo y con Rusty Young como el único miembro original, la banda realiza el álbum “Legend” que trepa hasta el puesto número 14 y entra en los Hot 200 de la Billboard. El grupo ahora contaba con el tecladista Kim Bullard y un par de “englishmen”, Steve Chapman y Charlie Harrison. Esta fue la alineación de Poco que finalmente logra el éxito comercial en 1979 con “Crazy Love” y “Heart Of The Night”, ambos en-

tran en los Top 20. Desafortunadamente, tan rápido como trepó a las listas, Poco vuelve a caer, volviendo a sus niveles anteriores hasta su separación final en 1984. En 1989 la alineación original de Poco, Furay, Messina, Young, Grantham y Meisner, se reúnen para grabar el exitoso “Legacy” que produjo además dos Top 40, “Call It Love” y “Nothing To Hide”, el grupo sale de gira en 1990 pero nuevas tensiones volvieron a disolverlo. Hasta hoy siguen dando conciertos con nuevos entrando y saliendo. (i a d) Timothy Schmit, Richie Furay, George Grantham, Rusty Young y Paul Cotton. Poco fue uno de esos ejemplos en que la calidad de los músicos y su obra no era lo suficientemente comercial para el gusto del consumidor compulsivo, por lo que gran parte de su trabajo es apenas conocido, salvo las grandes figuras que pasaron por la banda.

STEELY DAN La historia de Steely Dan comienza en el otoño de 1967 en el Bard College de Nueva York, donde el tecladista Donal Fagen y el bajista Walter Becker se conocen. Ambos comienzan a actuar juntos en varios grupos pequeños antes de mudarse al centro de la ciudad en 1971 y hacerse compositores profesionales. La idea era vender sus canciones y se dirigieron al célebre Brill Building, hogar de muchos compositores musicales hasta el día de hoy. Después de tocar algunas de sus composiciones, son contratados por una pequeña compañía, pero eso era mejor que nada. Fagen y Becker se unen a la banda del sello llamada “Jay and The Americans”, bajo los seudónimos de Gus

Marker y Tristan Fabriani. Con la banda consiguen un Top 20 con ‘Walkin’ In The Rain’ (1969) y también graban los albumes “Wax Museum” y “Capture The Moment”. Después de esto, en 1971, el cantante David Palmer, el guitarrista Jeff ‘Skunk’ Baxter, el baterista Jim Hodder y el guitarrista Denis Dias se unen a Fagen y Becker para su siguiente proyecto. Con el productor Gary Katz se preparan para grabar su primer material como banda estable, toman el nombre Steely Dan de un personaje aparecido en una novela de William Burroughs. En 1972 sacan “Can’t Buy A Thrill” un disco que graban en algunas semanas, pero que está llena de melodías trabajadas y maestría instrumental. Imbuido de jazz, soul y blues, el inusual álbum fue un éxito sorpresivo, 591

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Steely Dan en 1972, justo después de la grabación de “Can’t Buy A Thrill”, de izquierda a derecha: Jim Hodder, David Palmer, Denny Dias, Donald Fagen, Jeff Baxter y Walter Becker.

consiguiendo dos singles en los Top Ten, “Do It Again” y “Reeling in the Years”. Desafortunadamente, el primer tour de la banda fue un desastre, comenzando con la salida del cantante Palmer. El siguiente disco “Countdown To Ecstasy” de 1973, continuó con la mala racha y terminó siendo un fracaso comercial. Pero el grupo no se desanima y para el siguiente trabajo, “Pretzel Logic” logran revertir la situación. El álbum consigue entrar en los Top Ten, esta vez, Fagen y Becker le dan al disco un toque más jazzístico y el single ‘Rikki Don’t Lose That Number’ sube al número 4 de las listas. Otra vez los conflictos internos aparecen durante un tour y Steely Dan hace su última aparición en vivo en julio de 1974. Baxter y Hodder también se van. Baxter reaparece con los Doobie Brothers, con quienes ya había trabajado y Hodder se hace músico de sesión. Por su parte Fagenm Becker y Dias no se quedan y reclutan a nuevos , Michael 592

McDonald (teclados y voz) y Jeff Porcaro (batería) para grabar “Katy Lied”, donde también ayudarían el guitarrista Rick Derringer y el saxofonista Phil Woods. A pesar de la calidad de los músicos, el álbum tiene pocas ventas y no hacen giras para promoverlo. Luego de este nuevo fiasco, McDonald se va también para cantar con los Doobie Brothers y Dias y Porcaro se van a trabajar a un estudio de grabación. Fagan y Becker continúan y consiguen un modesto éxito con “Haitian Divorce”. Su álbum “Aja” tiene mejor suerte donde nuevamente se aprecia el excelente trabajo de los músicos. El álbum consigue buenas críticas y ventas, en especial gracias al single “Peg” que alcanza el puesto número 5 en las listas de éxito. Ya en 1980, Steely Dan graba “Gaucho”, álbum que crea un serio conflicto con la disquera por su alto costo de producción, pero éstos se calman rápidamente cuando el disco logra ventas millonarias y un nuevo Top 10 con el single “Hey Nineteen”. A pesar de esto, al año siguiente, cansados de su trabajo y de las tensiones, Becker y Fagen anuncian su separación definitiva.

phs. Después de la secundaria, el guitarrista Kaukonen tiene que mudarse con sus padres (empleados del gobierno) a las Filipinas, pero retorna a los USA a tiempo para la psicodelia y se mudan a San Francisco donde forma parte de la fundación de los Airplane en 1965. El bajista Cassady por su parte, se une al grupo poco después y juntos ayudan al grupo a consolidar su éxito durante los últimos años 60. Hot Tuna (originalmente se llamaría Hot Shit), comenzó a grabar en

Tras varios trabajos en solitario y como productores musicales para artistas y filmes, Steely Dan vuelve a reunirse como grupo en 1993 y graban un nuevo disco, “Citizen Steely Dan” y lo más notorio de todo es que salen de gira promocional después de casi 20 años. Al año siguiente, siguen dando pelea y sacan el álbum “11 Tracks Of Whack”, seguido por “Alive In America” en 1995. En febrero del 2001, “Two Against Nature” realizado el año anterior, gana sorpresivamente cuatro Grammys, ese mismo mes son introducidos al Rock N’ Roll Hall Of Fame.

HOT TUNA Dispensando una poco ortodoxa forma de las raices del rock y una versión más bluesy y ligera de The Band, Hot Tuna surgió alrededor de las figuras de excelentes músicos y locos por el blues, Jack Casady y Jorma Kaukonen, quienes, paralelamente a su trabajo con el super grupo Jefferson Airplane emergieron como un acto en vivo muy popular durante los tours en los 70. Ambos músicos eran amigos de años, crecieron juntos en Washington D.C. y tocaron en su primer grupo, The Trum593

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1969 en el sello RCA, cuando Kaukonen y Cassady aún estaban en Airplane. Al dúo se unió el harmonicista Will Scarlet y ocasionalmente también otros dos de Airplane: Marty Balin y Spencer Dryden. Hot Tuna debuta en 1970 con su album homónimo ofreciendo un blues tradicional y ragtime, grabado en vivo en el New Orleans House de Berkeley. Al año 594

siguiente hacen un álbum orientado más al rock “First Pull Up, Then Pull Down” donde incluyen al violinista Papa John Creach y al baterista Sammy Piazza. En 1972 realizan su tercer álbum que sería, según sus acerrimos seguidores, su mejor trabajo: “Burgers”; luego con la aparición del disco “The Phosphorous Rat” de 1974, Kaukonen y Cassady salen definitivamente de Jefferson Airplane. Esos dos álbumes contienen temas compuezstos en su mayoría por Kaukonen, piezas guitarrísticas que son de las más delicadas y poéticas. En 1975 se endurecen con “America’s Choice” logrando un éxito importante, pero el baterista Piazza sale del grupo ese año. Sin perder el tiempo el grupo saca otro álbum, “Yellow Fever” y luego en 1976 “Hoppkorv”. En 1978 entra al grupo el tecladista Nick Buck y graban el que sería su último álbum “Double Dose”. Hot Tuna llega a su fin como un buen experimento (según sus críticos), pero no sin antes dejarnos el excelente “Final Vinyl” de 1979. Tras pasar por diversas agrupaciones, Kaukonen y Cassady vuelven a reunirse para tocar en varios clubes bajo el nombre de Hot Tuna, reformándose más seriamente en 1986. Para 1990 vuelven al estudio para grabar su primer álbum en años, “Pair a Dice Found”, con nuevo material y luego sacan dos álbumes en vivo: “Live at Sweetwater” en 1997 y “Splashdown Two” en 1999. A lo largo de los años, se han sumado a Hot Tuna una serie de talentosos músicos: bateristas, armonicistas, tecladistas, cantantes, violinistas, mandolinistas, y más, todo un gran acompañamiento para Jorma y Jack que en la actualidad siguen brillando en el espectro musical. Y a lo largo del camino no hay lista de destacados guitarristas que no incluya a Jorma, ni hubo quien pensó que en serio haya un mejor bajista que Jack.

THE ALLMAN BROTHERS BAND A comienzos de los años 60, dos hermanos, Gregg y Duane Allman comienzan a tocar en bailes escolares en los alrededores de Daytona Beach donde vivían desde 1959, tocaban todos los éxitos del momento, pero lo que a ellos les gustaba era el rock and roll y el blues. Su primera banda se llamó The House Rockers, pero pronto se cambiaron por The Allman Joys. Consiguieron mejores oportunidades y salieron de gira por bares del Sureste e hicieron su primer single, un remake del blo Willie Dixon, “Spoonful”. Para finales de los 60, el grupo se va a Los Angeles y consiguen contrato con Liberty Records, donde les rebautizaron

como The Hourglass. Según el propio Gregg, este fue el punto más bajo en la carrera del grupo. Las notas explicativas de su primer álbum decían: “Su música es un fenómeno psicótico, desde un rhythm and blues hasta unos fuertes toques psicodélicos. Y soul… mucho soul”, la música de los hermanos era demasiado compleja para los amantes de las playas y los folkies. Además la banda no tenía ningún control de su material. Como decía Duane: “ellos nos enviaban una caja con demos y decían, OK, elijan su próximo LP”. Y eran presionados por la disquera para no contrariar al sistema. Desilusionado, Duane regresa a la Florida, pero las cosas mejorarían pronto. Conoció al baterista Butch Trucks y también es invitado a tocar en una banda local llamada Second Comming. En ese tiempo, el joven Duane se hace de

Considerados por muchos como los creadores del Southern-Rock, en especial por la genialidad de los hermanos Gregg y Duane Allman para combinar magistralmente el blues más tormentoso con sonoridad country y la fuerza del rock.

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El destino nos arrebató al gran Duane Allman, quien se encontraba en su mejor momento artístico y creativo, fallece en un accidente de moto en 1971, privándole al grupo de su líder y al mundo de uno de los mejores guitarristas de rock.

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renombre como guitarrista destacado y es muy solicitado como músico de sesión; su exclusivo toque adornaba las producciones de artistas como King Curtis, Percy Sledge, Aretha Franklin y Wilson Pickett. Pero Duane siempre podía retornar a su casa en Jacksonville para tocar con sus amigos, Dicky Betts, el bajista Berry Oakley, Jai Johanson y el baterista Trucks y formar el núcleo de la futura banda. El siguiente paso fue hacer un llamado a su hermano Gregg, que aún se encontraba en California, para una vuelta a casa y completar la formación del Allman Brothers Band. Con la llegada de 1970, la banda es reclutada por Phil Walden, quien actúa de manager y presidente de su sello discográfico. Aunque Duane resaltaba por su reputación musical y por ser fundador de la banda, siempre insistió en que su hermano Gregg esté a su misma altura. El album debut del grupo “The Allman Brothers Band” grabado en 1969 en el sello Capricorn Records, obtuvo excelentes críticas. Animados por los buenos resultados iniciales, los Allman salen en su primera gira nacional para apoyar el disco en 1970. Su segundo álbum “Idlewild South” es aún más energético y vende muy bien. Los Allman Bros. Se encuen-

tran muy ocupados en giras durante ese año, participan del Second Annual Atlanta International Pop Festival donde actúan frente a 200.000 espectadores y también participan del Festival de la Isla de Wight en Gran Bretaña en 1970. Tom Dowd, el productor de su segundo álbum, fue llamado a producir un nuevo disco para Eric Clapton; cuando Duane se enteró inmediatamente quizo participar. Ambos guitarristas tenían mutua iración asi que Duane puso lo mejor de sí en el “Layla and Other Love Songs” de Clapton. Uno de los mejores solos de la historia del rock obra de Duane Allman, puede escucharse en el emblemático tema “Layla”. Los Allman Brothers Band eran los favoritos del promotor Bill Graham en el concierto organizado en el Fillmore East en marzo de 1971, allí se graba el que sería su tercer álbum, “The Allman Brothers Live At Fillmore East”. Cuando el álbum alcanza los Top Ten y el estatus de “oro”, los Allman Brothers ya son alzados a la altura del mejor grupo de rock and roll de los Estados Unidos. Pero estando en las estratósfera del éxito, el destino le da un durísimo golpe al grupo, en octubre de 1971, Duane Allman muere en un accidente de moto, cuando trató de esquivar un camión fuera de control, cerca de la ciudad de Macon, Texas. El grupo tocó en su funeral y decidió continuar a pesar de la gran pérdida. El LP “Eat a Peach”, contenía tres temas que habían sido grabados por Duane antes de su muerte, el resto fue completado con material en vivo y lanzado como disco doble, entrando en los Top Ten y llegando al puesto número 4. Pero la tragedia parecía perseguir al grupo, pues en noviembre de 1972, el estupendo bajista Berry Oakley también fallece en un accidente de motocicleta, sólo tres cuadras antes del lugar donde había muerto Duane un año antes. Pero, el show debe continuar dicen, asi es que Dickey Betts, por ese tiempo

líder no oficial de la banda, compone y canta el single “Ramblin’ Man”, el primer gran éxito de la banda que alcanza el puesto número 2 en 1973. “Brothers and Sisters” logra el número 1. Sus ventas se disparan, logrando el doble que los trabajos anteriores. El grupo regresa a la carretera después de dos años. En Watkins Glen, New York, 600.000 personas asisten a un concierto ofrecido por Allman Brothers Band, los Grateful Dead, y The Band en julio de 1973, demostrando su gran arrastre como grupo. Para ese tiempo, los desacuerdos comenzaron a crecer sobre la dirección musical y las presentaciones. Aún así sacan varios álbumes exitosos y Gregg también graba algunos álbumes en solitario. En 1975, viviendo una vida farandulera, Gregg se casa con la famosa cantante y actriz Cher, de la cual se divorciaría en 1979. Pero la verdadera bomba estallaría en 1976, cuando Allman es llamado a testificar contra Scooter Herring, su manager personal durante las giras, bajo cargos de venta de narcóticos. Herring es sentenciado a 75 años de prisión y el resto de la banda ven a Gregg como a un traicionero, por lo que deciden dejarlo plantado y nunca más trabajar con él. Después de un desastroso álbum con Cher, reforma el Gregg Allman Band, sin

la participación de ninguno de los anteriores, y graba “Playin’ Up a Storm” en 1977 con una escasa repercución, hasta que en 1978, se vuelven a juntar los viejos compañeros y reforman los Allman Brothers Band, con la participación del gran guitarrista sureño Dan Toler y el bajista Rook Goldflies. Juntos graban “Enlightened Rogues”, que llega al puesto número 9 en 1979 y se convierte en oro dos semanas despúes de su lanzamiento, pero el grupo vuelve a separarse en 1980. En 1989 se vuelven a juntar Allman, Betts, Johanson y Trucks, saliendo de gira y grabando nuevo material que es acogido con respeto por las nuevas generaciones. En 1995 el grupo es incluído en el Rock and Roll Hall of Fame.

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EAGLES

Eagles, uno de los Supergrupos de los 70 con su primera formación: Bernie Leadon, Glenn Frey, Don Henley, Randy Meisner y Don Felder.

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Con cinco singles número 1 y cuatro álbumes en el primer puesto, los Eagles eran uno de los más famosos Supergrupos de los 70, que incluían a dos grandes compositores, Don Henley y Glenn Frey, originalmente inspirados por Crosby Stills & Nash, le dieron al country-rock un sentido más personal y a la vez universal, desde las melancólicas viñetas vaqueras de Desperado (1972) hasta el robusto hard-rock de Hotel California (1976). Aunque muchos de sus provenían de las afueras de California, el grupo fue identificado como de country y folk cuando se iniciaron en Los Angeles a finales de los años 60, y tocando con bandas como Flying Burrito Brothers y Poco, bandas que aportaron para los Eagles. Pero la banda también surgió del rock and roll tradicional, estilo

que a finales de su carrera ayudó a definir popularmente como Rock Clásico. Esto a su vez ayudó a los Eagles a alcanzar un perfil permanente en varias generaciones de fans que continuaron comprando sus discos por muchos años después de su separación, hecho que inspiró una nueva reunión a mediados de los 90. La banda se formó en Los Angeles por músicos que provenían de diversas partes de los USA. El cantante y bajista Randy Meisner (nacido en 1946) se mudó a L.A. en 1964 como parte del grupo Soul Survivors. En 1968 fue miembro fundador del grupo Poco, pero se alejó antes de realizarse el primer álbum de la banda. Bernie Leadon, cantante, guitarrista y mandolinista nacido en Minneapolis en 1947, arribó a L.A. en 1967 donde formó parte del grupo Flying Burrito Brothers. Don Henley, nacido en Texas en 1947, se mudó a L.A. en junio de 1970 con su

banda Siloh, quienes llegaron a grabar su álbum homónimo antes de su separación poco después. Glenn Frey, nacido en Detroit en 1948, actuaba en su ciudad y fue músico de Bob Seger antes de mudarse a Los Angeles en el verano de 1968. En la primavera de 1971, Frey y Henley fueron de gira como acompañantes de la banda de Linda Rondstat. Meisner y Leadon también participaron durante el tour de verano, pero los cuatro sólo tocaron juntos en uno de los conciertos en Disneylandia en Julio. Sin embargo en septiembre, Frey, Henley, Meisner y Leadon se juntan y con su manager David Geffen, firman contrato con su sello Asylum Records, poco después adoptan el nombre de Eagles. En febrero de 1972, viajan a Inglaterra y pasan dos semanas grabando su álbum debut “Eagles” con el productor Glyn Jhons. El disco es lanzado en Junio, alcanzando los Top 20 y convirtiéndose en oro en poco tiempo. El disco contenía tres hits hoy clásicos, “Take It Easy”, “Witchy Woman” y “Peaceful Easy Feeling.” A lo largo del año y hasta comienzos de 1973 hacen varios conciertos para luego regresar a los estudios y grabar su segundo LP, Desperado, un álbum conceptual acerca de los foragidos del viejo oeste. Realizado en abril de 1973, alcanza los Top 40 y lue-

go el oro en menos de un año y medio. Contenía el single “Tequila Sunrise” y la canción “Desperado” que nunca fue lanzada como single vino a ser la canción más reconocida del grupo e incluída en su primer disco recopilatorio. Después de ir de gira para apoyar el LP, los Eagles vuelven al estudio con Glyn Johns para su tercer álbum. Pero esta vez deciden hacer un rock más duro, chocando con el sentido que tenía su productor sobre una banda de country-rock, asi que la banda despide a Johns después de grabar dos temas, “You Never Cry Like a Lover” y “The Best of My Love.” Después de esto, a comienzos de 1974, invitan al guitarrista Joe Walsh a tocar y su productor Bill Szymczyk ayudaron a que el álbum “On the Border” se completara. Szymczyk también trajo al guitarrista de sesión Don Felder, un viejo amigo de Bernie Leadon, quien impresionó tanto al resto de la banda que lo invitan a formar parte. “On the Border” fue realizado en marzo de 1974, llegando al oro y alcanzando los Top Ten en junio, fue el álbum que más rápido se vendió. La canción “Already Gone” alcanza los Top 20 ese mismo mes. Pero la canción que tuvo más suceso del LP fue sin dudas “The Best of My Love”, lanzado como single en

Quizás el gran logro de esta banda norteamericana fue el llevar la música "country & western" hacia las grandes audiencias. El reconocimiento vino rápido porque rescataron el sonido sureño mezclándolo con la maestría de sus guitarras y un rock suave. Abrieron el camino para que muchos músicos mezclaran el "country" con el "rock" y lograran preciosas baladas, algo de rock pesado y algunos himnos inolvidables.

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Los Eagles en 1977 con la adición del espectacular guitarrista Joe Walsh.

En diciembre de 1976 sale a la calle el álbum que se convertirá en el más famoso del grupo, “Hotel California”, que llega a vender con el tiempo más de 25 millones de copias. 600

noviembre, escala rápidamente las listas hasta llegar al tope en marzo de 1975. El cuarto álbum de los Eagles, “One of These Nights” fue todavía más exitoso. Realizado en junio de 1975, llega al oro (por 1 millón de discos vendidos) el mismo mes y llega al número 1 en julio. El disco además contiene tres singles que llegan a los topes del ranking: “Lyin’ Eyes”, “Take It to the Limit” y “One of These Nights”. El primero gana un Grammy y el álbum es nominado como disco del año. Ese año el grupo hace un tour mundial comenzando en USA y Europa. Pero en diciembre de 1975 se anuncia la salida de Bernie Leadon. Joe Walsh fue llamado a reemplazarlo e inmediatamente se une al tour que continúa por el lejano oriente a comienzos de 1976. Con Joe vino la influencia del rock pesado a la banda. Como el grupo estaba muy ocupado por el tour, no tenían planes para un nuevo álbum, por lo que se lanzó un recopilatorio “Eagles: Their Greatest Hits 1971-1975” en febrero de 1976. Es el primer álbum certificado como platino, domina en las listas y tiene

un éxito fenomenal, eventualmente llega a vender más de 25 millones de copias, compitiendo con el Thriller de Michael Jackson por el álbum más vendido de todos los tiempos. En ese momento los de la banda podían considerarse superestrellas. Pero con la salida de su quinto álbum (Hotel California) el grupo se disparó. A los Eagles le tomó 18 meses después del lanzamiento de “One of These Nights” realizar “Hotel California”. Lanzado en diciembre de 1976 El LP fue armado fudamentalmente en el estudio durante todo un año y fijó un nuevo estándar en materia de composición y mezcla musical. Salió a la calle en diciembre de 1976 y es, sin incluir discos de éxitos, su álbum más vendido. De ese álbum se extrajo una frase que se integró al lenguaje popular norteamericano: “vivir en la vía rápida” (Life in the fast lane). Fue certificado platino en una semana y llega al número 1 en enero del 77 y vende más de 10 millones de copias. Los singles “New Kid in Town” y “Hotel California” llegan al número 1 y “Life in

the Fast Line” logra entrar en los Top 20. “Hotel California” gana el Grammy en 1977 por disco del año y es nominado como canción del año. Los Eagles vuelven a realizar un tour mundial ese año finalizando el mismo con grandes presentaciones en estadios por todos los USA. En setiembre, al finalizar el tour, Randy Meisner deja la banda y es remplazado por el bajista y cantante Timothy B. Schmit, ex integrante de Poco. El siguiente álbum es una repetición exitosa, “The Long Run” es lanzado en septiembre de 1979. Es otro número uno y es certificado eventualmente como multi-platino. Contiene otros grandes singles: “Heartache Tonight”, “I Can’t Tell You Why” y “The Long Run” que alcanzan los topes de los charts y“Heartache Tonight” gana otro Grammy. Las tensiones dentro del grupo comienzan a sentirse, pero igual realizan una gira en 1980, que incluía una serie de presentaciones en el Santa Monica Civic Auditorium, donde graban un disco en vivo. El doble LP lanzado en noviembre de 1980, “Eagles Live” entra en los Top Five y se convierte en otro multi-platino con tres temas inéditos: “Seven bridges road”, “Life’s

been good” y “All night long”. “Eagles live” es un LP de gran calidad y ha sido calificado como uno de los discos en directo mejor hechos hasta ahora. Con Eagles colabora Joe Vitale en la percusión y sintetizadores. Hacia octubre del 81, corren fuertes rumores de que los Eagles se iban a separar, ya que el grupo estaba lleno de enfrentamientos y excesos. En el concierto de despedida los técnicos tenían que bajar el sonido de los micrófonos porque los de la banda se amenazaban entre las canciones. Su separación oficial se anuncia recién en 1982, a pesar de ser la banda de rock que mas cobraba (un millón de dólares por concierto), pero los cinco ya estaban haciendo trabajos en solitario, los más exitosos fueron Glenn Frey, cuyos singles “The Heat is On” y “You Belong to the City” llegan al puesto número 3 en 1985, y Don Henley logra colocar cinco singles entre los Top Ten. Durante todos los 80 la banda recibe lucrativas ofertas para reunirse, pero los ex las rechazan, hay un rumor que dice que Frey y Henley dijeron que “los Eagles se reunirán el día que el in-

“On a dark desert highway Cool wind in my hair Warm smell of colitas Ri through the air Up ahead in the distance I saw a shimmering light My head grew heavy, and my sight grew dim I had to stop for the night There she stood in the doorway I heard the mission bell And I was thinking to myself This could be Heaven or this could be Hell Then she lit up a candle And she showed me the way There were voices down the corridor I thought I heard them say... Welcome to the Hotel California”

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La última formación antes de su separación en 1982, Don Felder, Timothy B. Schmit, Don Henley, Glen Frey y Joe Walsh. En el 94 volvieron a reunirse triunfalmente y aún siguen dando batalla.

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fierno se congele”, cosa que al parecer ocurrió, porque en 1990 los dos vuelven a tocar juntos con Schmit y Walsh en conciertos benéficos durante la primavera de ese año, pero eso fue todo. Recién después de cuatro años la reunión se materializó. En 1994 Glenn Frey anunció, al inicio de uno de sus conciertos, que “las vacaciones de 14 años del grupo habían terminado”. “Vemos esto no como una reunión, sino como un retomar”, dijo en aquella oportunidad. En la primavera de 1994, los Eagles graban un concierto acústico en la cadena de televisión MTV que es recogido en un álbum y un DVD llamado “Hell Freezes Over”, que hace referencia al comentario que hizo Henley unos años antes. Tiene cuatro temas nuevos en estudio: “Get Over It”, “The Girl From Yester-

day”, “Learn to be Still” y el número 1 “Love Will Keep Us Alive”. También se lanzan a un tour que finalizaría en agosto de 1996. “Hell Freezes Over” volvió a liderar las listas y se consiguió otra venta multi millonaria. The Eagles en pleno, incluyendo a Leadon y Meisner, se presentaron en el show de introducción al Rock and Roll Hall of Fame en 1998 y al año siguiente en diciembre del 99 celebran un concierto llamado “THE MILLENIUM CONCERT”, en el Staples Center de Los Angeles. Del mismo se hicieron grabaciones que se incluyeron en un set recopilatorio “Selected Works 1972-1999” en noviembre del 2000. En el 2002 se edita un álbum de grandes éxitos que se titula: “THE VERY BEST OF THE EAGLES” para conmemorar los 30 años de la edición de su primer disco.

LYNYRD SKYNYRD Inicialmente el grupo estaba integrado por Ronnie Van Zant (vocalista), Allen Collins (guitarra), Gary Rossington (guitarra), Larry Junstrom (bajo) y Bob Burns (batería), quienes se conocieron en la liga de menores de baseball, se juntaron para formar su primera banda en Jacksonville, Florida en 1964. Usaron varios nombres como “Noble Five”, “Wildcats”, “Sons Of Satan” y “My Backyard”, y llegaron a realizar un single, ‘Need All My Friends’, en 1968, antes de quedarse con el nombre definitivo de Lynyrd Skynyrd. Este era el nombre de un profesor de educación física, Leonard Skinner, quien constantemente molestaba a los muchachos por su pelo largo. Ya con el nuevo nombre graban otro single, ‘I’ve Been Your Fool’, en 1971, antes de grabar algunos demos en Alabama. El grupo fue descubierto en Atlanta en 1972 por el músico y productor Al Kooper, quien en esa época había formado Blood, Sweat and Tears, y estaba en busca de nuevos talentos para su sello Sounds Of The South. Los contrató por 9.000 dólares, y al grupo se unió Leon Wilkerson quien remplazó a Jungstrom en el bajo. Kooper produjo así el primer álbum del grupo, “Pronounced Leh-Nerd SkinNerd”, donde presentaron al ex guitarrista de Strawberry Alarm Clock, Ed King y el tecladista Billy Powell. Esta alineación de tres guitarras atrajo mucha atención, además de una combinación fresca de country rock con toques de blues y boogie. De este álbum se desprende el que sería su verdadero himno, “Free Bird”, que compusieron como tributo a Duane Allman. Incluía un soberbio final de guitarras, mientras que su gran calidad sería demostrada por sus frecuentes reapariciones en los charts durante años. Pero había más por venir; en 1974 el grupo disfruta su primer gran hit en los USA con ‘Sweet Home Alabama’,

una sentida e irónica respuesta a las canciones “Southern Man” y “Alabama” compuestas por Neil Young, que criticaba a los sureños. Después de realizar su segundo álbum, “Second Helping”, el baterista Bob Burns es remplazado por Artimus Pyle. El alto costo de la fama, ahora le empezaría a pasar factura al grupo por su duro modo de vida y Ed King es la primera víctima de los excesos que se retira en mayo de 1975. Van Zant por su parte pasa regularmente por la comisaría y los tabloides. En medio de esto, un nuevo LP, “Gimme Back My Bullets” sale a la calle. Para septiembre de 1976, Gary Rossington sufre un serio accidente de coche, mientras Steve Gaines rem603

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La extraña portada del álbum “Street Survivors” fue para muchos macabramente premonitoria. Pues estando ya para salir a la venta ocurre el accidente de avión donde la banda pierde a su líder.

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plaza a King. A pesar de todo, los discos de oro siguen acumulándose cada año y una serie de exitosas giras son realizadas hasta que la banda decide descansar a finales de 1977. Como si fuera poco, una gran tragedia se avecina y cae con todo el 20 de octubre de 1977. El líder Ronnie Van Zant, Gaines, su hermana Cassie (cantante de apoyo del grupo) y su manager personal Dean Kilpatrick mueren en un accidente de avión, a bordo del cual toda la banda se dirigía a Baton Rouge, Louissiana. Rossington, Collins, Powell y Wilkeson sufren serias heridas, pero ellos logran recuperarse. Ese mismo mes, el nuevo álbum del grupo “Street Survivors”, sale a la venta con un nombre premonitorio y una portada particularmente macabra que no fue intencional, con la foto del grupo rodeado de llamas. Los sobrevivientes, algunos de ellos temporalmente lisiados, física como emocionalmente, se reúnen en enero de 1979 para una aparición especial en el “Charlie Daniel’s Volunteer Jam V” donde tocan una versión instrumental de “Free Bird” como un sentido homenaje a sus camaradas caídos en desgracia. Aunque Lynyrd Skynyrd dejó de presentarse como banda, los sobrevivientes siguieron trabajando juntos. En 1987 en el décimo aniversario del accidente, hicieron un concierto tributo donde invi-

taron a Johnny Van Zant, el hermano menor de Ronnie como cantante. Poco después, Johnny había dicho: “originalmente, la reunión era para hacer una sola presentación, pero se dio la oportunidad de hacer algunos shows más y gracias al apoyo de los viejos y nuevos fans, me animé y lo siguiente que supe era que ya estaba en la banda”. Fue una experiencia hasta si se quiere medio aterradora el hecho de que el nuevo y talentoso cantante era demasiado parecido en voz y en aspecto a su hermano mayor fallecido. Al comienzo fue “escalofriante” decía Johnny, “pero después de algunos años, estuve en paz y orgulloso de mi trabajo”. En el verano de 1996 la banda vuelve a reunirse con una nueva alineación que integraban: Rossington, Van Zant, Wilkeson, Powell y Hale, además de la participación de dos de los mejores guitarristas norteamericanos Rickey Medlocke y Hughie Thomasson. Salen en una intensa gira y graban nuevo material en vivo. En 1997 sale “Twenty”, donde como tributo a su hermano perdido, Johnny canta a dúo “Travelin’ Man”, con la cinta original de la voz de Ronnie, alternando los versos y con una nueva instrumentación, pero sin abandonar jamás sus raíces musicales. El álbum y las giras han conseguido para el grupo un éxito contínuo hasta hoy. Lynyrd Skynyrd entró en el “Rock and Roll Hall of Fame” en marzo de 2006.

MARSHALL TUCKER BAND The Marshall Tucker Band es una de las bandas más importantes del SouthernRock y tuvo su origen en Spartanburg, South Carolina, formada en 1971 por Doug Gray (vocalista), los hermanos Toy (guitarra) y Tommy Caldwell (bajo), George McCorkle (guitarrra), Paul Riddle (bateria) y Jerry Eubanks (flauta). El estilo del grupo combinaba rock, country y jazz, desarrollando intensos pasajes instrumentales donde la guitarra líder de Tommy Caldwell brillaba. En 1973 la banda consigue un contrato de grabación con el sello Capricorn Records y realizan su primer LP “The Marshall Tucker Band”, aparecido en marzo de 1973. Empiezan a ganar reconocimiento a través de un tour con los ALlman Brothers y alcanzan gran éxito durante los años 70, alcanzando varias veces el oro con sus álbumes. Su mayor éxito lo logran con el álbum “Carolina Dreams”, alcanzando el millón de ventas y que contiene el single “Heard It in a Love Song” que alcanza el puesto número 15 en 1977. Según sus seguidores, la colección de sus primeros tres LPs va más allá del simple country-rock, es toda una experiencia musical. “Can’t You See”, “Fire on the Mountain”, “Heard It in a Love Song” e incontables otros favoritos de MTB permanecen como un hito importante en la historia del rock and roll. La banda empezó a decaer con la muerte de Tommy Caldwell en un accidente de coche en 1980 y después de 1982 su presencia en las listas de álbumes también empezó a desaparecer, no así en las listas de singles de Country. Por esa época Toy Caldwell sale del grupo para seguir en solitario y la primera alineación de Marshall Tucker se desban-

da en 1983. Más tarde ese mismo año Doug Gray y Jerry Eubanks contratan unos músicos de estudio en Nashville y salen de gira. Pocos meses después, una nueva formación de la Marshall Tucker Band está nuevamente de vuelta en el ruedo. Estando en su pueblo natal Gray y Eubanks contratan al guitarrista Rusty Milner, al bajista Tim Lawter, al baterista Ace Allen, y al también guitarrista Stuart Swanlund. Con esta nueva formación, la banda se mantuvo en constantes giras por todo el país, flirteando con el blues y el pop contemporáneo. La última gran pérdida ocurre con el fallecimiento de Toy Caldwell en 1993. Marshall Tucker Band se mantuvo aún “on the road” y

Comparado con otros pioneros del Southern-Rock y compañeros de sello como los Allman Brothers, Marshall Tucker tiene una mayor influencia del country & western y con la característica principal de tener un flautista en la alineación. “Can’t You See”, “Fire on the Mountain”, y “This Ol’Cowboy” son sus temas más recordados.

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Aunque los libros de hisoria del rock no los suelen reconocer, The Marshall Tucker Band es una de las bandas más importantes del Southern-Rock, con un feeling sureño muy especial, gracias a sus delicadas armonías y una instrumentacion y arreglos de gran calidad.

grabando esporádicamente, incluso graban un álbum completo de gospel en 1999 y mantienen una legión de leales fans. En 2007 lanzan un nuevo álbum de estudio “The Next Adventure”, con el cual siguen dando batalla tras más de 30 años de carrera.

BLACK OAK ARKANSAS Jim Dandy era el carismático líder de B.O.A. su provocativo estilo en escena, su actitud de modelo y su voz áspera, hacían las delicias de la prensa musical.

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Era una de las bandas de rock con acento sureño más emblemáticas del estilo, en la vena de Lynyrd Skynyrd o The Marshall Tucker Band, liderada por el carismático cantante y frontman Jim “Dandy” Mangrum (nacido el 30 de marzo de 1948 en Black Oak, Arkansas), quien junto a un grupo de amigos poco amantes de la institución escolar y si del rock’n’roll, decidieron formar en su adolescencia un conjunto musical en donde poder expresarse abiertamente. Esos amigos eran los guitarristas Ricky “Ricochet” Reynolds, Harvey “Burley” Jett y Stan “Goober” Night, el bajista Pat Dougherty y el batería Wayne Evans. A finales de la década de los 60 y

tras muchas dificultades (fueron arrestados en varias ocasiones por robo, único medio con el que contaban para conseguir dinero y pagar sus instrumentos) consiguieron establecerse en la ciudad de Nueva Orleans bajo el nombre de Knowbody Else. Allí publicaron un Lp homónimo en 1969 en la compañía Stax, que pasó sin pena ni gloria tanto en la radio como en las tiendas de discos. Con el cambio de decenio, Knowbody Else volvió a trasladarse de localidad, mudándose a la soleada ciudad de Los Angeles, en donde se rebautizaron de nuevo, ahora con el nombre definitivo

de Black Oak Arkansas, derivado del lugar de nacimiento de Mangrum. El cambio resultó afortunado, ya que en breve firmaron con el sello Atlantic y publicaron “Black Oak Arkansas” (1971), un notable disco producido por el miembro de Iron Butterfly Lee Dorman que contaba con temas del calibre de “Hot and nasty”, “Uncle Elijah” o “Lord, have mercy on my soul”. Sus conciertos también aumentaron espectacularmente de audiencia, siendo seguidos por un buen número de fans que deseaba contemplar el fibroso, sensual y potente espectáculo ofrecido por Mangrum y su banda, ubicados ya en sonidos boogie, country-rock, algún toque de hard-rock y principalmente rock sureño. Su segundo Lp como Black Oak Arkansas sería “Keep the faith” (1972), un álbum que proseguía con las constantes sonoras y líricas de su disco debut.Después de este trabajo, el baterista Wayne Evans abandonaría el grupo, siendo reeemplazado por Tommy Aldridge, quien ya partició en la grabación de “If an angel came to see you, would you make her feel at home?” (1972) tercera entrega del conjunto de Arkansas que fue producida (al igual que el anterior) por Tom Dowd, esencial personaje del southern rock que ya había trabajado con los Allman Brothers y lo haría también con los Lynyrd Skynyrd. A pesar de que todos sus discos habían obtenido un respetable resultado comercial, “Raunch ‘n’ roll live” (1973), un Lp en directo y “High on the hog” (1973), su mejor trabajo en estudio confirmaron a la banda en 1973 como uno de los puntales dentro del género. En “High on the hog” viene incluída su canción más popular y exitosa, “Jim Dandy to the rescue”, una enérgica versión de Lavern Baker cantada por Mangrum y Ruby Starr. Posteriores trabajos de la banda

como “Street Party” (1974), “Ain’t life grand” (1975) -en donde versionaban el “Taxman” de los Beatles- “X-Rated” (1975), “Live! Muta” (1976), “10 year overnight success” (1976), “Race with the devil” (1977) o “I’d rather be sailing” (1978) resultaron más irregulares que “High on the hog”, pero en algunos temas contenían buenos retazos de su brioso estilo. En esa época los Black Oak Arkansas cambiaron en varias ocasiones de personal, incorporando a los guitarristas James Henderson, Greg Reding y Jack Holder, al bajo Andy Tanas y en batería Joel Williams, permaneciendo en esa época el rubio Mangrum como único miembro original de la banda. En 1980 y a raíz de un ataque al corazón sufrido por su líder, que le imposibilitaba para proseguir su carrera artística, los Black Oak Arkansas se separaron. Con fortuna, Jim “Dandy” Mangrum se recuperó de sus achaques cardiacos y regresó al mundo de la música para grabar en solitario y con posterioridad recuperar a su conjunto en la grabación de “The Wild Bunch” (1999), un aceptable disco en donde se volvían a reunir parte de los componentes originales de este importante grupo de southern rock.

Black Oak Arkansas son bastante conocidos en los ambientes nostálgicos, pero muy poco entre el gran público. En parte porque fuera de los USA no fueron muy escuchados; el enorme suceso de bandas como Lynyrd Skynyrd le echaron una sombra difícil de superar y por último, la voz del vocalista era particularmente molesta para algunos. De todas formas, Black Oak Arkansas fue una de aquellas grandes pero raras bandas sureñas que hicieron grandes canciones.

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LINDA RONSTADT Nacida como Linda Susan Marie Ronstadt, el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona. Luego de terminar el colegio decide dedicarse a la música y que mejor lugar que Los Angeles y el Club Trobadour para iniciarse. Comenzó cantando música folk con la banda The Stone Poneys con el músico Kenny Edwards, desde mediados de los 60 hasta 1968. The Stone Poneys se convirtió en una atracción taquillera en el circuito de folk de California, grabando su primer álbum en 1967. Ese año entran en las listas con el tema “Different Drum” pero al año siguiente se separan. Linda ya se ha hecho de un nombre en la escena musical local y lanza su carrera en solitario con el disco “Hand

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Sown... Home Grown” de 1969 y con “Silk Purse” de 1970, se gana la imagen de “chica campesina”, logra ese año su primer éxito con el tema “Long, Long time”. Luego reforzaría su imagen de chica country con “Linda Ronstadt” (1972) álbum donde le acompañaron los músicos que luego formarían los Eagles. Pero fue con la llegada de los productores Peter Asher (del dúo sesentero Peter & Gordon) y David Geffen, que los álbumes de Ronstadt comenzaron a vender, dándole a Linda una imagen más suave y sexy. Su primer álbum para el sello Asylum, “Don’t Cry Now” llegó al oro en 1973. “Heart Like A Wheel” de 1974, fue el primer álbum en llegar al tope de las listas, además de conseguir un puesto 3 con el single “You’re No Good”, un cover de Betty Everett y otro tanto con “When Will I Be Loved”. A esto les siguieron otros exitosos discos, “Prisioner In Disguise” (1975), “Hasten Down The Wind” (1977), “Simple Dreams” (1977) y “Living In The USA” de 1978, todos números 1 de las listas. Su álbum de mayor ventas de todos los tiempos sin embargo fue la compilación “Greatest Hits” de 1976, premiada siete veces con platino en el 2001. Durante los 70 obtuvo gran reputación tanto por su calidad artística como por su colaboración con varios músicos respetados del ambiente rockero. Sus éxitos más conocidos son versiones de temas de Rolling Stones, Tom Petty & the Heartbreakers, Everly Brothers, Flying Burrito Brothers, Neil Young, Betty Everett, Buddy Holly y Elvis Costello. Para finales de la década ya había obtenido ocho discos de oro y cuatro de platino, con lo que se la conocía también como “la mujer mejor pagada del rock”. En 1980 lanzó un álbum de versiones new wave de artistas como Elvis Costello y The Cretones, un álbum que entró en la Billboard album charts en los 5 prin-

cipales su primera semana y continuó su racha de éxitos con “Hurt So Bad”, “How Do I Make You”, y “I Can’t Let Go”. Durante este periodo ella fue quizás el principal Sex symbol en la música rock, alcanzando su pico de atención en 1976 cuando la revista Rolling Stone publicó una colección de fotografías tomadas por Annie Leibovitz. Pero tanta atención le hacía sentir incómoda, pues ella en el fondo no se sentía una “rock star”. Luego de esto, dió un vuelco a su carrera, apareciendo en la película “Pirates Of Penzance” y lanzando una trilogía de discos con un canto convencional acompañado de una orquesta. Aún así su carrera de cantante estaba plena de éxitos, cosechando nuevas audiencias a principos y mediados de los 80. En 1987 vuelve a sus raíces country y ella además de dos estrellas del country, Dolly Parton y Emmylou Harris, graban su tan esperado álbum “Trio” que incluía un “revival” de Phil Spector, “To Know Him Is To Love Him”. El álbum ganó un Grammy y engendró 4 singles top-ten del country, el cual continuaron con un segundo álbum “Trio 2” en 1999. En 1988 Linda saca “Canciones de Mi Padre”, un álbum con canciones mexicanas, y en 1989 graba “Cry Like A Rainstorm, Howl Like The Wind”, que incluye exquisitos duetos con Aaron Neville, uno de ellos “Don’t Know Much” que le devuelve los primeros puestos en las listas de éxitos. En 1996 vuelve a experimentar con otros estilos musicales y graba “Dedicated to the One I Love”, un álbum de música para niños. En una carrera de cuatro décadas, ha grabado más de cuarenta álbumes, el último con el retorno a sus raíces con baladas pop-rock. Sigue grabando regularmente y también se metió al mundo de la producción.

Linda Ronstadt es considerada como la popularizadora de las baladas rock. Ella fue la artista femenina mejor pagada y al mismo tiempo más criticada de los años 70 y mostró un rock mezclado con varios tipos de música, incluyendo el country, el folk y el pop con un fuerte ingrediente comercial.

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ZZ TOP En los más de 30 años que llevan juntos, ZZ Top ha pasado de ser una banda de rock puro a icono de la cultura pop norteamericana. Algunos podrían decir que son visionarios que se apropiaron de la escena de MTV y del rock mezclado con lo bailable durante los 80, hasta dar la impresión de que iban a apoderarse del mundo. ZZ Top toca boogie y blues tejano e indudablemente nadie lo hace mejor que “la pequeña banda de Texas”. Mucho de su atractivo se debe a esa presencia rústica y áspera, que también se siente en sus canciones. Bill Gibbons (guitarra), Frank Beard (batería) y Dusty Hill (bajo) reconocen que sus mayores influencias vienen de intérpretes del blues de la talla de Muddy Waters o John Lee Hooker. Su arran610

que como banda de blues rockera cautivó audiencias en el sur de Estados Unidos durante los setenta y ochenta. Han escrito sobre autos, ropa, medias y hasta de anteojos de sol. Sus apariciones en MTV no fueron casualidad, las largas barbas de Hill y Gibbons engancharon directamente con la generación de los ochenta. ZZ Top arrancó en 1969 con la banda de blues psicodélico de Gibbons que por entonces se llamaba “Moving Sidewalks”. Gibbons se hacía acompañar por Lanier Greig en el bajo y Dan Mitchell en la batería. Debutaron con el sencillo “Salt Lick”, luego del cual Greig fue despedido. En su lugar llegó Bill Ethridge. Más tarde el bajista fue reemplazado con Dusty Hill y el baterista con Frank Beard. Aunque produjeron un par de discos como “American Blues” y abrieron para Hendrix en una de sus presentaciones, todavía necesitaban algo que los uniera creativamente. Fue en febrero de 1970 que ZZ Top debutó como tal, pero ahora unidos por el amor al blues, el boogie, el rock y un entrañable cariño por Texas. Su primera casa disquera fue London

Records de la que formaban parte los Rolling Stones. Sus primeros dos álbumes, “ZZ Top’s First Album” (1970) y “Rio Grande Mud” (1971) les permitieron sacar su blues sin complejos. “ne” fue su primer sencillo exitoso que sirvió para ampliar su base de iradores. El sonido de la banda terminó de tomar forma en “Tres Hombres” de 1973 grabado en Memphis. Musicalmente la unión de sonidos de Memphis y Texas hizo que ZZ Top lograra un sonido distintivo que se materializó en el sencillo “La Grange”, que alcanzó a colocarse entre las 50 más populares de Billboard. En 1974 fue su primer “Texas-Size Rompin’ Stompin’ Barndance And BarB-Q”, una actividad masiva a la que asistieron 85 mil personas y que rápidamente su convirtió en un acto de culto a la banda. La cantidad de gente fue tal que la Universidad de Texas no volvió a organizar eventos similares en sus instalaciones hasta 20 años después. La base de iradores del grupo se armó por medio del boca a boca y eso sirvió para que sus presentaciones se

llenaran y los discos empezaran a venderse. “Tres Hombres” llegó a ser número ocho en la lista de álbumes y fue el primero de una serie de 11 discos de oro y platino. Los discos subsiguientes, “Fandango!” de 1975 y “Tejas” de 1977, estuvieron en las posiciones 10 y 17 respectivamente. “Tush” una canción que venía en el disco “Fandango!” se convirtión en el primer Top 40 de ZZ Top. En ese momento ZZ Top se lanza en una gira ambiciosa llamada “Worldwide Texas Tour: taking Texas to the People”. Era un espectáculo con 75 toneladas de equipo y animales tejanos, y un escenario que tenía la forma del estado. Cuando terminaron la gira en 1977 se tomaron un año sabático. El descanso sirvió para reavivar la vena creativa, negociar con una nueva disquera (Warner) y presentar un cambio de apariencia completamente involuntario. Para ese momento Gibbons y Hill se habían dejado crecer una barba largísima, lo curioso es que ninguno de los dos sabía que el otro lo estaba ha-

Las largas barbas de Bill Gibbons (guitarra) y Dusty Hill (bajo), además del ritmo de Frank Beard (batería) son ya legendarios, y uno de los íconos más recordados del siglo. Pueden decir que no saben los nombres, pero esas barbas (hoy ya canosas), son conocidas en todo el mundo. 611

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ciendo. Las barbas largas se convirtieron en un sello distintivo para el grupo. Retomaron los escenarios en 1979 con el disco “Deguello”. En el venían canciones como “Cheap Sunglasses”, “Fool for Your Stockings”, “I’m Bad, I’m Nationwide” y el refrito de Sam y Dave “I Thank You”. A este disco le siguió “El Loco” de 1981 que incluía el sencillo “Tube Snake Boogie”, tema que los preparó para la explosión de popularidad que estaba por venir. En los ochenta ZZ Top descubrió el sintetizador casi al mismo tiempo en que MTV descubrió a ZZ Top. El nuevo sonido de la banda con sintetizador llamó la atención de los adeptos al blues, el rock, el boogie, el disco y el New Wave. “Eliminator”, que sería su disco más importantes con ventas acumuladas a 1996 por 10 millones de copias, encontró su título el Ford Cupé de 1934 rojo de Gibbons. El disco produjo tres sencillos, “Gimme All Your Lovin” (#37), “Sharp Dressed Man” y “Legs” (#8) que fueron éxitos en 612

la radio, la televisión y las discotecas. Desde el lanzamiento de “Eliminator” en 1983 hasta la salida de los “Grandes Éxitos” de las listas en 1993, ZZ Top se convirtió en una banda de importancia internacional. “After Burner” en 1985 y “Recycler” en 1990 completaron el ciclo iniciado en el 83 con diverso suceso. En julio de 1992, ZZ Top anunció que se iba de Warner Bros. a RCA. Desde entonces han grabado cuatro álbumes adicionales “Antenna” (1993), “Rhythmeen” (1996), XXX (1999) y “Mescalero” (2003); hasta la fecha siguen siendo uno de los actos en vivo más impresionantes que se pueden ver en el escenario. A través de los años, una de las fortalezas de ZZ Top ha sido su constante calidad en las presentaciones en vivo que les ha llevado a lograr marcas impresionantes en sus ingresos en los Estados Unidos. Además, Gibbons, Hill y Beard han mantenido esa imagen excéntrica y colorida apoyada en sus anteojos y sombreros texanos.

CAPITULO 16

El Rock se endurece Las raíces del Hard Rock y del Heavy Metal

Un género muchas veces sub-valorado, y en algunos casos, deliberadamente olvidado, como si el rock duro no hubiese existido, como si hubiese salido de la nada. El rock pesado no es un fenómeno aislado de los 80, pues sus orígenes se remontan hacia finales de los 60, cuando un puñado de grupos, cansados de los suaves sonidos del folk-rock, la exagerada psicodelia y del pop meloso, deciden endurecer sus guitarras y su actitud. El cambio fue paulatino, partiendo del blues eléctrico, primero en Inglaterra y poco después en los USA. Cuando Eric Clapton se alejó del blues progresivo de Cream, la posta pesada la tomaron los Yardbirds, con Jeff Beck y luego con Jimmy Page, los experimentos de éste último al final lo llevaron a formar el monstruo sagrado del Heavy Metal, Led Zeppelin. También Jimmi Hendrix con sus distorsiones y los Ten Years Af-

ter con su durísimo rock and roll jugaron un importante papel. En los Estados Unidos, desde los Angeles, Detroit y San Francisco, grupos como Blue Cheer, Iron Butterfly, Vanilla Fudge y Steppenwolf, con sus guitarras distorsionadas, órganos lacerados y baterías rapidísimas, dejaron su sello; cuando Grand Funk Railroad debutaba ante 100.000 jóvenes gritones en el Atlanta Pop Festival de 1969, para delicia de sus seguidores y el enojo de la crítica, ya había nacido un género. Al mismo tiempo otra vez en Inglaterra, surgen los otras dos patas donde se apoya el actual Heavy Metal, Black Sabbath y Deep Purple. Todos estos sentaron las bases de un movimiento musical nuevo, joven, violento, descarado, diferente... y como todo lo diferente, asusta, hace levantar la guardia a los pacatos que ven reflejados así todos los males de la sociedad. 613

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JEFF BECK Tan innovativo como Jimmy Page, de buen gusto como Eric Clapton y visionario como Hendrix, Jeff Beck nunca alcanzó el éxito comercial de sus contemporáneos, primeramente por causa de varios descuidos que cometió durante su carrera. Por ejemplo, rechazar la propuesta de aparecer en el festival de

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Woodstock, que fue plataforma de lanzamiento para muchos artistas. Después, Rod Stewart dejó el Jeff Beck Group en 1971, Beck nunca más trabajó con ese carismático cantante que pudo haberle ayudado a llevar su música a un público más amplio. Además, Beck era demasiado cambiante, se movía del hard-rock al jazz fusión en un abrir y cerrar de ojos. En los años 90, cuando su carrera volvía a surgir, estaba más interesado en los autos que en las guitarras, realizando un sólo álbum en esa década. Aún así, Jeff Beck sigue manteniendo el respeto de sus colegas guitarristas. Jeff Beck comienza su carrera musical después de un breve periodo en el London’s Wimbledon Art College, toca en pequeñas bandas como los Deltones y los Tridents, pero gana reputación al ingresar a los Yardbirds para remplazar en la guitarra a Eric Clapton. Beck se quedó con los Yardbirds por cerca de dos años, dejándolos a fines de 1966 con la pretensión de retirarse de la música. Varios meses después regresa para realizar el single “Love Is Blue” donde toca pobremente, porque realmente odiaba la canción. Después en marzo de 1967, luego del hit “Hi Ho Silver Lining” forma el Jeff Beck Group con Rod Stewart como vocalista, Ron Wood al bajo y Aynsley Dunbar en batería, remplazado poco después por Mickey Waller; el tecladista Nicky Hopkins se unió al grupo a comienzos de 1968. El grupo comenzó haciendo una dura versión de blues, haciendo duelos vocales y guitarreros, estableciendo un esquema para el futuro heavy metal. Debutan en abril del 67 en el Marquee Club, atrayendo gran cantidad de seguidores. Poco después realizan la obligada gira por los Estados Unidos, presentandose en televisión y en entrevistas personales, cosechando nuevos fans, especialmente con la aparición del sinle “Barabajagal” compuesta y cantada por Donovan.

Jeff Beck Group, con Aynsley Dumbar, Rod Stewart, Ronnie Wood y Jeff Beck, hacia 1967.

Ninguno de los álbumes de la banda, “Truth” (1968) o “Beck-Ola” (1969, grabado con el nuevo baterista Tony Newman), fueron particularmente exitosos, y la banda tendía a pelearse regularmente, especialmente en sus frecuentes giras por los USA. En 1970, Stewart y Wood se van para unirse a los Faces y Beck deshace el grupo. Beck intentó formar un potente trío con los ex- de Vanilla Fudge, Carmine Appice (batería) y Tim Bogert (bajo), pero sus planes se truncaron cuando sufre un serio accidente automovilístico en 1970. Para el tiempo en que Beck ya estaba recuperado, Bogert y Appice estaban tocando en Cactus, así que el guitarrista forma un nuevo Jeff Beck Group. Presentando al tecladista Max Middleton, el baterista Cozy powell, el bajista Clive Chaman y el vocalista Bobby Tench, la nueva banda graba “Rough and Ready” (1971) y “Jeff Beck Group” (1972). Esta vez tampoco atrajeron mucha atención. Cactus se disolvió a finales de 1972, y Beck, Bogert y Appice forman finalmente el trío al año siguiente. La química se revelo intensa e inmediata, generando ensayos inspiradores, ideas para composiciones y shows antológicos. Lanzado en abril de 1973, el ál-

bum titulado con sus nombres, alcanzó ventas significativas en Inglaterra, Estados Unidos y Japón, empujado por el exitoso single “Superstition”, versión compuesta por Steve Wonder. Todavía en 1973 el trío lanzaría un disco en vivo grabado en Japón, otro clásico innegable, aunque muchos críticos lo menospreciaron. Cuando comenzaban los preparativos para su segundo álbum de estudio, los planes fueron abortados por la decisión de Jeff Beck de comenzar su carrera solista.

El álbum de estudio “Beck, Bogert & Appice” es un disco magnífico y obligatorio; el resultado de la unión de tres músicos únicos, leyendas y referencias en sus instrumentos.

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Durante 18 meses, Beck permaneció en silencio, re-emergiendo en 1975 con “Blow by Blow”. Producido por George Martin, el álbum era totalmente instrumental, tendiendo al jazz-fusión, alcanzando buenas críticas y numerosas entrevistas. Beck prosigue su carrera colaborando con Jan Hammer, extecladista de Mahavishnu Orchestra, para su “Wired” de 1976, y también tocaron juntos en una gira que fue documentada en el álbum de 616

1977, “Jeff Beck With the Jan Hammer Group Live”. Después de la experiencia con Hammer, Beck se vuelve a retirar a su casa en las afueras de Londres por tres años. Retorna en 1980 con “There and Back”, donde también colabora Hammer. Luego de realizarse la gira promocional de este nuevo trabajo, Beck se retira otra vez, retornando cinco años después con “Flash” producido por por Nile Rodgers. “Flash” es un álbum de pop-rock grabado con una variedad de vocalistas, y contiene dos únicos singles exitosos, “People Get Ready”, cantado por Rod Stewart y “Escape” que gana el Grammy por mejor pieza de rock instrumental. Durante 1987, Beck toca la guitarra en el segundo álbum solista de Mick Jagger, “Primitive Cool”. Otra vez hubo una larga espera entre “Flash” y “Guitar Shop” que salió en 1989, con la participación de Terry Bozzio y Tony Hymas. Aunque el álbum se vendió moderadamente, fue bien recibido por la crítica y también gana un Grammy por mejor álbum de rock instrumental. Beck acompañó al álbum con una intensa gira, acompañado por el guitarrista Stevie Ray Vaughan. Nuevamente, Beck se retira al completar la gira. En 1991 realiza junto a los Big Town Playboys, “Crazy Legs”, un tributo a Gene Vincent y a su guitarrista Cliff Gallup, pleno del más puro y clásico rock and roll de los 50. En 1992, Beck toca para el álbum de regreso de Roger Waters, “Amused to Death”. Tras otro período de silencio retorna con “Who Else!” en 1999 y “You Had It Coming” dos años después. Aún con su errático comportamiento y sus espaciados y poco comerciales trabajos, Jeff Beck sigue siendo una figura prominente del rock, especialmente venerado por una gran cantidad de guitarristas heavy.

CACTUS Cactus es una mítica banda de hardrock estadounidense que se concibió a finales de 1969 como un supergrupo compuesto por el bajista Tim Bogert y el baterista Carmine Appice del grupo Vanila Fudge, ambos se unirían con el guitarrista Jeff Beck y el cantante Rod Stewart. Sin embargo, Beck, quien era muy aficionado a tocar con Appice y Bogert, tuvo un accidente automovilístico y Stewart decidió unirse a Ron Wood en el grupo Faces. Por lo tanto Appice y Bogert buscaron nuevos y reclutaron al guitarrista de blues Jim McCarty que tocaba en Mitch Ryder’s Detroit Wheels and The Buddy Miles Express, y el cantante Rusty Day (Russell Edward Davidson) de los Amboy Dukes, así se completó la primera y definitiva alineación de la banda. Rápidamente grabaron y lanzaron su álbum debut titulado simplemente “Cactus” que incluía una versión al rojo vivo del clásico blues de Mose Allison “Parchment Farm”, así como el “You cant judge a book” de Wilie Dixon donde demostraron un guitarreo demoledor. Cactus salió a la carretera en apoyo del álbum y pronto se hizo evidente que era una banda en directo, donde la genial sección rítmica de Appice y Bogert eran el perfecto trampolín para la dura guitarra blues-rock de McCarty y los gemidos de Rusty Day. Después de su primera gira corrieron rumores entre las filas de la élite del rock de “no siguan a esta banda en el escenario”, incluso los poderosos Led Zeppelin fueron muy prudentes a la hora de tocar en el mismo concierto con Cactus. El segundo álbum “One Way... Or Another”, capitalizó el éxito del álbum debut de la gira, pero implacablemente ya habían problemas en el seno de Cactus, principalmente debido a los egos fuera de control y el excesivo uso de drogas. A pe-

sar de ello y la falta de éxito del álbum en los charts, produjo varios notables temas incluido el que da título al álbum. Es interesante notar que el ingeniero de grabación de este álbum, así como el siguiente fue Eddie Kramer (quien trabajó con Hendrix y Led Zeppelin entre otros). El tercer álbum de la banda “Restrictions”, se realizó 8 meses después y fue el último clavo en el ataúd de la alineación original, pues el virtuoso guitarrista Jim McCarty deja la banda poco después. Casi al tiempo fue despedido Rusty Day del grupo. Para el cuarto y último álbum de Cactus “Ot ‘N’ Sweaty”, Werner Fritzschings se unió a la guitarra, Duane Hitchings en teclados y Peter French en voz. Pero la banda se desintegró al poco tiempo. Después de la disolución de Cactus en 1972, Bogert y Appice se unieron para formar con Jeff Beck, la superbanda Beck, Bogert y Appice. Después de un álbum de estudio (el auto titulado Beck, Bogert y Appice) y un álbum en directo (“Live In Japan”, publicado sólo en Japón) el grupo también se disolvió. La banda Cactus intentó ser reflotada en varias ocasiones sin los originales, salvo la que intentó Rusty Day a finales de los 70, pero ninguna funcionó, Rusty falleció en un oscuro

El primer álbum de Cactus, contiene uno de los momentos más geniales del Hard-Rock y es un preludio también del Rock Progresivo venidero.

Elevados como los “Led Zeppelin Americanos”, Cactus fue el primer supergrupo de los USA, formados en 1970 por Tim Bogert, Carmine Appice, Rusty Day y Jim McCarty. 617

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Cactus contó con los originales Appice, Bogert y McCarty, y además como vocalista se unió Jimmy Kunes y en armónica Randy Pratt. El grupo también lanzó un nuevo álbum, “Cactus V”.

BLUE CHEER incidente con estupefacientes en 1982. Después de un largo paréntesis, Cactus reapareció en junio de 2006 con dos presentaciones en la ciudad de Nueva York: una aparición en la radio FM Free 92.3, y su primer show desde 1972 en el BB King’s Blues Club en Times Square. Este espectáculo fue un calentamiento para el concierto que provocó la reunión, una aparición en el Rock Festival en Suecia. La versión de 2006 de

Blue Cheer inventó el estilo americano para el Heavy Metal, que nació de las profundas estructuras del blues eléctrico a un potente volumen. 618

El poderoso sonido de Blue Cheer se originó en San Francisco en 1967, cuando los grandes conciertos exigían que el sonido sea más fuerte y se centraban en sólo tres instrumentos, la guitarra, el bajo y la batería, haciéndole sombra a todos los otros. Ese año, Blue Cheer decide convertirse en un trio, clásico y potente: Leigh Stephens en guitarra, maestro de la distorsión; Dickie Peterson en bajo y voz (ex integrante del Group B, con quienes llegó a grabar dos singles y a tocar

en el Fillmore) y Paul Whaley en batería. El trío transfirió al vinilo las pesadas ondas del blues eléctrico que dominaban Cream y la Jimmy Hendrix Experience, amplificado a increíble volumen. Su primer álbum, “Vincebus Ereptum”, salido en enero de 1968, era una erupción de fortísimo rock and roll y blues, contenía también su primer hit, un cover de Eddie Cochran “Summertime Blues”, trabajado en la herrería del trío, llevando el volumen al extremo en el que nadie había llegado antes. “Out of Focus”,”Doctor Please” y “Second Time Around”, todos temas originales de Dickie Peterson tenían la rabia y violencia suficiente para sostener la revolución metálica que se venía y para competir con la ola de tríos británicos. A pesar de las críticas, “Vincebus Eruptum” trepó a la posición número 11 en los charts de USA. Sus actuaciones en vivo son aún recordadas como demasiado escandalosas para la época, en términos de volumen sonoro; era impresionante como un trío de pequeños pelilargos podía hacer tamaño escándalo con su muro de altoparlantes. Aunque los Blue Cheer eran hijos de la escena “anti-establishment” y pacifista de San Francisco, nunca cedieron ante el flower power. Tampoco fueron queridos por la crítica de su tiempo, inclinados hacia lo que era más popular como Jefferson Airplane, Quicksilver o Grateful Dead. Muchos de los discos de Blue Cheer ni siquiera fueron tenidos en cuenta excepto el primero; el empresario Bill Graham llegó a cancelar sus conciertos y ni siquiera Hendrix, uno de los que más influenció en el grupo, nunca tuvo una opinión positiva de su estilo. El segundo álbum “Outside Inside” (Phillips 1968) cuenta con la participación del tecladista Ralph ‘Burns’ Kellogg, otro fanático del blues eléctrico, aporta al álbum unos toques psicodélicos que

pronto son cubiertos por la distorsionada guitarra de Leigh Stephens. En el álbum aparece el tema “Come and Get In” que es probablemente el primer ejemplo del Speed Metal de la historia del rock. La violencia generada en cada presentación hizo mella en el grupo y causó la salida de Stephens, quien más tarde confesó que se estaba volviendo loco, nadie podía parar esa reacción en cadena totalmente fuera de control. Hacia agosto de 1968, el lugar de Leigh Stephens fue tomado por el formidable Randy Holden, quien no estuvo mucho tiempo en Blue Cheer. Por alguna razón sólo tocó en la mitad de los temas para el tercer álbum del grupo, su disco más “intelectual” con el título “New! Improved!” que salió en marzo de 1969. El disco, un poco mas “tranquilo” que los anteriores ofrece varios de los pasajes más irresistibles de la historia del grupo, en especial en temas como “Peace of Mind” y “Fruit & Iceburgs”. Además se incluía hermosas baladas modernistas que quedaron como ejemplos para del género. Holden fue remplazado por Bruce Stephens (no estaba relacionado con Leigh) a comienzos

“Comenzábamos un violento y escalofriante viaje, cada uno de nuestros conciertos terminaba con la total destrucción de los instrumentos que era recibido con entusiasmo por el público, este era el momento más peligroso también. La gente se envolvía también en la misma violencia... A veces paraba de tocar y pensaba ¡Cristo, qué está pasando!”. – Leigh Stephens

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de 1969, también ingresó el tecladista Ralph Kelloggs, los dos ex-integrantes del grupo Mint Tatoo. Poco después de publicarse “New Improved!”, el baterista Paul Whaley también sale del grupo, y presumiblemente presionados por el showbusiness, el baterista profesional Norman Mayell ingresa al grupo. Dickie Peterson era al único miembro original que quedaba. La verdadera prueba para la nueva alineación vino con el cuarto álbum, “Blue Cheer”, realizado a finales del 69 por la Phillips. El grupo se volvió más comercial, perdiendo bastante de lo que los caracterizaba pocos años atras, pero su nuevo estilo llamó la atención de los puristas del West Coast con su rock más profesional y los toques progresivos del órgano de Kelloggs. En 1970 vuelven a las giras masivas, pero Bruce Stephens sale de la banda para formar Pilot, siendo remplazado por el guitarrista Gary Yoder, un experto músico y compositor. Del cual dependería en adelante el éxito de la banda. Alternando conciertos con trabajos en estudio, la nueva alineación graba el quinto álbum, “The Original Human Being” (Philips 1970), el cual muchos críticos conside-

BLUE CHEER son los legendarios héroes de culto de toda clase de rock and roll, la banda ayudó al desarrollo del Heavy Metal en los Estados Unidos. Empezaron en 1968 y todavía dan maza con un nuevo álbum salido en 2006, “The Beast is Back”. 620

ran como el mejor trabajo de Blue Cheer. En abril de 1971 el sexto álbum, “Oh! Pleasant Hope”, realizado por Phillips, es el disco más romántico, abundante en temas acústicos y de tono “hippy”, un estilo entre Grateful Dead y The Band. El tema que da nombre al disco,”Oh! Pleasant Hope” es una espléndida balada melancólica, conteniendo evocativas armonías vocales como, “I’m the Light”, “Hiway Man” y “Believer”. A pesar del excelente trabajo, las listas de éxito parecen muy lejanas para el grupo, por lo que los deciden irse cada cual por su camino. Dickie Peterson reorganizó el grupo varias veces entre 1979 y 1985. Ese año Peterson, Whaley, y el guitarrista Tony Ranier realizan un nuevo álbum de Blue Cheer, “The Beast Is Back” que tuvo un buen recibimiento. La siguiente reunión data de 1988, año en que Peterson y Whaley con Andrew “Duck” MacDonald en guitarra se mudan a Alemania, hacen giras por Europa y graban en Gales el álbum “Highlights and Lowlives”. En 1991 Andrew MacDonald es remplazado por Dieter Saller y graban “Dinning with the Sharks” en junio de 1992.

IRON BUTTERFLY Iron Butterfly fue de los primeros grupos pesados en recibir una masiva presencia en las radios, y su más conocida canción de 17 épicos minutos “In A Gadda Da Vida” rompió con los estándares de tiempo de duración dentro del mercado radial, abriendo las puertas al mundo de las radios FM. La canción fue escrita por el vocalista y organista y líder de la banda Doug Ingle, que formó la primera encarnación de Iron Butterfly en 1966 en San Diego, junto al baterista Ron Bushy. Después que el grupo se muda a Los Angeles y empezó a tocar en clubes de la zona, aseguran un contrato y son conocidos nacionalmente al telonear a los Doors y a Jefferson Airplane. Luego de grabar su primer álbum “Heavy” de 1968, los originales, Jerry Penrod (bajo), Darryl DeLoach (voz), y Danny Weis (guitarra) dejan la banda y son remplazados por el guitarrista Erik Brann y el bajista Lee Dorman. La nueva formación graba “In A Gadda Da Vida” a fines de 1968 y el disco pasa el año entero en los Top Ten, vendiendo siete millones de copias, siendo el primer álbum certificado como platino por la RIAA, además de ser el álbum más vendido de Atlantic de ese tiempo. El siguiente álbum, “Ball”, mostró nuevamente una variedad musical y se convierte en oro, llegando al número 3,

pero también marca el comienzo de la caída del grupo. Erik Brann deja el grupo y entran los guitarristas Mike Pinera y Larry “Rhino” Reinhardt, pero el éxito del grupo ya no era el mismo. Iron Butterfly se separa finalmente en 1971; Brann y Bushy intentaron reformar el grupo en 1975, pero su mejor momento ya había pasado. Iron Butterly no tenía el sex appeal de los grupos metaleros de los setenta y su estilo gótico ya no tenía la fuerza de atracción que en otros tiempos inspiraron.

“Queríamos un nombre diferente, que exprese sentimiento y también la dureza de nuestra música, algo así como una Mariposa de Hierro” – Danny Weis

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Explosivo rock’n’roll, música abrasiva y primaria con distorsión y , cantantes desaforados y actitud rebelde contra lo establecido son algunos de las características del sonido Detroit, con los Stooges y MC5 a la cabeza. Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores.

MC5

El clásico álbum de MC5 fue “Kick Out The Jam”, grabado en vivo en Detroit en 1968, contiene toda la fuerza y dureza de sus tiempos más combativos.

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Reclamado por los punks como uno de los precursores del movimiento, MC5 sigue siendo uno de los representantes del incipiente rock pesado del área de Detroit. Su intensidad sonora, sus actitudes sin compromisos y sus ideas políticas anti-establishment, fueron parte crucial de su música. Bajo la guía de John Sinclair (el infame fundador del partido de los “Panteras Blancas”), MC5 celebraba la santa trinidad del rock: sexo, drogas y rock and roll. Sus incendiarias presentaciones en vivo eran la total antítesis del “paz y amor” de los hippies. Además de las censuras de las compañías, la interferencia de los sellos y problemas legales, combinados con su lejanía de la notoriedad de la corriente principal, se convirtieron en influencias para las sucesivas generaciones de artistas del underground. El quinteto The Motor City Five (MC5) se formo en la ciudad de Detroit a finales de 1964 con el vocalista Rob Tyner, los guitarristas Fred “Sonic” Smith y Wayne Kramer, el bajista Pat Burrows y el baterista Bob Gaspar; al tiempo que todos

ellos estaban aún en el colegio, aparecían en fiestas y conciertos estudiantiles vestidos con sus uniformes. Smith y Kramer empezaron a experimentar con efectos de y distorsiones, lo que ocasionó que Burrows y Gaspar salieran del grupo en el otoño de 1965; luego se adhirieron Michael Davis y Dennis Thompson un año después. La banda empezó a hacer conciertos más importantes y a desarrollar su estilo particular, llamando la atención de Sinclair, un profesor de inglés que fue llamado el “Rey de los Hippies de la Motor City”, también formador del White Panther Party, una facción política radical que defendía el total asalto a la cultura por cualquier medio necesario, incluyendo el rock and roll, las drogas y la invasión de las calles. A principios de 1967, Sinclair se hizo manager de los MC5, y en pocos meses graban su primer single, “I Can Only Give You Everything”. Como la banda oficial de los White Panthers, la música del grupo tomó el camino de la retórica política del partido, utilizando banderas americanas llamaban a una revolución, pasando por encima de la ley y provocando frecuentes peleas y manifestaciones violentas.

En el verano del 68, la banda aparece en Chicago para el Yippies’ Festival of Life, en abierta oposición a la Convención Nacional de ese año. Allí también, un ejecutivo de Elektra Records, Danny Fields firma con la banda. El álbum debut, el clásico “Kick Out the Jams” fue grabado en vivo en el Grande Ballroom el 30 y 31 de octubre de 1968. Aunque el álbum alcanzó los Top 30, la compañía rehusó hacer más copias hasta que se saque el grito de batalla de Tyner “Kick Out the Jams Motherfuckers!”. Esto hizo las delicias de la prensa y en contra de los deseos de la banda, Elektra publicó una versión censurada del álbum. Cuando la polvareda se aentó, MC5 fue despedida de Elektra, cuando Sinclair fue enviado a la cárcel por posesión de marihuana y la banda se quedó sin manager. Entonces consiguen un nuevo contrato con Atlantic, donde el productor Jon Landau les ayudó a realizar su segundo álbum, “Back in The U.S.A.” de 1970. Con Sinclair fuera de escena, la música del grupo toma una nueva dirección, alejándose de la política pero regresando a su lacerante sonido anterior. El nuevo disco dividió a sus fans y críticos, y su tercer álbum “High Time” de 1971 no logró entrar en las listas, Atlantic deci-

de romper su contrato y para colmo el grupo comienza a resquebrajarse por problemas con las drogas, a principios de 1972, Davis fue despedido del grupo por abuso de heroína. El bajista Steve Moorhouse se quedaría por poco tiempo y Tyner y Thompson anuncian su retirada de las giras; para el año nuevo de 1972, el grupo hace su último concierto en el Grande Ballroom de Detroit. Aunque MC5 desapareció, su influencia se hizo sentir fuertemente en el punk, hard rock y el power pop incluso en los 90. Luego de la separación, los se pusieron a trabajar en proyectos propios: Tyner llegó a grabar varios discos con diferentes resultados, hasta su muerte por un ataque al corazón en 1991. Smith por su parte forma los Sonics Rendezvouz con otra leyenda de Detroit Scott Morgan, también murió de un ataque en noviembre de 1994. Después de pasar algunas décadas batallando contra la adicción a las drogas, incluyendo dos años en prisión, Kramer resurge en 1995 con un excelente álbum, “The Hard Stuff”, el primero de muchos lanzamientos del sello punk Epitaph. Menos éxito tuvo Davis, quien desapareció de la escena musical luego de algún intento fallido por realizar proyectos en solitario.

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IGGY POP & THE STOOGES “Hard-rock, Garage rock, proto-Metal y proto-Punk”, un poco de todo eso, The Stooges fue una formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música moderna. Surgida a finales de los años 60, mezclaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas directas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del Heavy metal, el punk y de la posterior música independiente. Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Newell Osterberg, alias Iggy Pop (“la iguana” nació el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton, el 624

bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería. Iggy es uno de los frontman más importantes e influyentes de la historia del rock, Iggy Pop y su audaz pujanza escénica le ha granjeado el apelativo de “Padrino del Punk”. Había formado parte de la banda de blues The Prime Movers y posteriormente de The Iguanas, grupo en el que tocaba la batería y de donde surgió su famoso apelativo. La primigenia y brutal capacidad sonora de los Stooges, ejemplificada en la guitarra de Ron Asheton y sobre todo, el imprevisible, feroz y salvaje comportamiento de Iggy encima del escenario con su torso desnudo cubierto de sangre o mantequilla, sus autolesiones con cristales y sus zambullidas entre el público asistente a sus espectaculares conciertos (fue el primero en realizarlo) supusieron una enorme publicidad entre el mundo melómano underground. Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad industrial de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco “Stooges” (1969), bajo producción de John Cale del grupo alternativo Velvet Underground (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield). El LP contenía grandes clásicos como “I Wanna Be Your Dog”, “1969” o “No Fun”, su música no estaba hecha para el consumo de la gran masa y vendió muy poco. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus iradores asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo. Su segundo disco, “Fun House” (1970), producido por Don Gallucci y decorado con la presencia del saxo de Steven MacKay, a pesar de ser una obra maestra, tampoco logró colmar las expectativas comerciales de Elektra. Los siete grandes temas del disco (sin desperdicio alguno) presentaban a un Iggy todavía

más rabioso que en su álbum debut. El fracaso comercial de “Fun House” provocó su salida del sello Elektra y cambios en el grupo, el bajista Dave Alexander abandonó la formación y se incorporó el guitarrista James Williamson. Ron pasaría a tocar el bajo. Estas frustraciones a nivel de ventas que casi les lleva a su desaparición como banda y a que Iggy ahondara aún más en su adicción a las drogas, en especial a la heroína, no avistaban un óptimo futuro para el devenir de los Stooges. Tuvo que ser un gran fan del grupo como David Bowie el que inyectaría nuevos aires a la formación ahora denominada Iggy & The Stooges. Con producción de Iggy y mezclado por Bowie, los Stooges consiguieron grabar para la Columbia un nuevo disco al que titularon “Raw Power” (1973). Este trabajo, que contenía clásicos como

“Search And Destroy”, “Gimme Danger”, “Penetration” o “Raw Power”, fue mucho mejor recibido por la crítica de la época y se convirtió en otro trabajo esencial del cuarteto. A pesar de ello, la Columbia no renovó el contrato con los Stooges, alegando que sus eran empedernidos adictos a las drogas. En 1974 la banda terminaría por separarse tras un caótico concierto de despedida en Detroit, con batalla campal incluída entre el grupo y una facción de los conocidos motoristas Hell Angels, que se encontraban asistentes al mismo y comenzaron a tirar de todo al escenario. Todo el desastre y la magnífica música en directo de este esencial grupo de culto se encuentra recogida en el posterior “Metallic K.O.”. Por su parte, Iggy Pop fue ingresado en una institución mental para recupe-

Iggy... la iguana (James Newell Osterberg, Jr.), llamado el padrino del punk rock, era conocido por sus actuaciones en vivo. Iggy se mutilaba, se untaba mantequilla de mani o vidrios rotos y popularizó lanzarse al público, tambien andaba por el escenario casi desnudo e insultaba al publico. Al pelearse con la banda The Stooges, la iguana ingresó a una institución mental para rehabilitarse, al recuperarse siguió su carrera, es un sobreviviente.

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Los Stooges en 1974 poco antes de separarse y otra foto más actual donde Iggy demuestra que puede dar todavía mucho más.

rarse de su adicción. Luego de esto, Iggy volvió a colaborar con su buen amigo Bowie, con el que grabó dos de sus mejores trabajos en solitario en Berlín y para la Virgin Records, “The Idiot” (1977), un LP muy influenciado por los experimientos electrónicos de Bowie en la capital alemana que incluía la popular “China Girl” y “Lust For Life” (1977), excelente trabajo con temas del calibre de “The enger”, “Sixteen” o la homónima del disco. Su tercer album fue el directo “T.V. Eye Live” (1978), en el cual se puede escuchar los teclados del propio David Bowie, que acompañó a Iggy en sus actuaciones en vivo. En 1979 publica “New Values” (1979), un muy buen disco grabado para Arista Records producido por Williamson y arreglado por Scott Thurston, que presentaba temas geniales como “Tell Me A Story”, “I’m Bored” o “Billy Is A Runaway”. En 1984 se casó con su segunda esposa, la japonesa Suchi Asano, a la que conoció en una gira por tierras niponas. Luego volvería a colaborar con David Bowie lo que supuso para la iguana de Detroit todo un empuje económico con “Blah Blah Blah” (1986), un disco de orientación pop que obtuvo considerables ventas tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos, especialmente gracias al sencillo “Real Wild Child”, un 626

viejo tema rockero de los años 50. Tras el poco satisfactorio “Instinct” (1988), Iggy publicaría “Brick by Brick” (1990), un estupendo album producido por Don Was que incluía temas como “Candy”, un éxito a dúo con la cantante Kate Pierson de los B-52’s, “Home” o la propia “Brick by Brick”. En el disco también aparecía gente como John Hiatt o los de Guns n’ Roses Slash y Duff “Rose” McKagan. Sus siempre excitantes actuaciones en vivo mantuvieron en lo más alto el nombre de Iggy Pop como uno de los grandes del espectáculo rockero. Además de su carrera musical, Iggy Pop ha realizado sus pinitos como actor en filmes como “El color del dinero” (1986) de Martin Scorsese, “Sid y Nancy” (1986), la biografía sobre Sid Vicious, “Cry Baby”(1990) de John Waters, “Atolladero” (1995) de Oscar Aibar, “Dean Man” (1995) de Jim Jarmusch, “The Crow: City of Angeles” (1996) de Tim Pope y en episodios de series televisivas como “Corrupción en Miami” o “Star Trek”. También tuvo tiempo para componer la banda sonora de la película debut como director de Johnny Depp “The Brave” (1997). En el año 2007 Los Stooges reaparecerían con un nuevo disco, “The Weirdness” (2007), álbum producido por Steve Albini en el que aparecía Mike Watt, al bajo como miembro oficial de la banda.

STEPPENWOLF John Kay nació como Joachim Kraudelat, en abril de 1944 y ciertamente vivió una vida de rebelde del rock and roll. Después de escapar de su natal Alemania del Este, creció escuchando los programas radiales de las fuerzas armadas e inspirado por los temas de Little Richard y Chuck Berry, a los 13 años, John decide hacer del rock and roll su vida. A los 14 años ya se encuentra con una guitarra en la mano en Toronto, Canadá. John aprende inglés escuchando a los discjockeys y de la música de su tiempo, al poco tiempo ya participa en pequeñas audiciones y shows radiales. Después del colegio, se gana la vida tocando en bares y coffe houses en la escena bla de Toronto hacia 1965. Allí se une al grupo Sparrow, que migra de Toronto a New York y luego a San Francisco. Sparrow se separa en 1967, después de varios intentos con Columbia Records. Dos meses después, John forma una nueva banda que se llamó Steppenwolf, inspirado por la novela de culto de Herman Hesse (“El lobo estepario”).

El grupo se formó con John Kay en voz, Michael Monarch en guitarra, Goldy McJohn en órgano, Rushton Morave en bajo y Jerry Edmonton en batería. Sus primeros dos singles pasan desapercibidos, pero el tercero estaba destinado a ser un clásico del rock, “Born To Be Wild”, rompiendo los charts en el verano de 1968, y en esa línea, la canción “Heavy Metal Thunder”, en referencia al sonido de las motocicletas, dio nombre al nuevo estilo de música. “Born To Be Wild” fue inmortalizada en el film de Dennis Hopper “Easy Rider” de 1969. Su siguiente single, “Magic Carpet Ride” era una fusión entre el hard rock y la psicodelia pop, y fue el segundo millón de ventas para Steppenwolf. A raíz de varios desacuerdos durante la grabación de “At Your Birthday Party”, Morgan y Monarch son remplazados por Nick St Nicholas y Larry Byron, quienes tocan en el himno rebelde “Monster” de 1970, después son remplazados a su vez por Kent Henry y Geor-

Los Steppenwolf de John Kay son un emblemático grupo de los primeros tiempos del Hard Rock norteamericano, su legado más importante fue sin duda el clásico “Born To Be Wild” de 1968, aunque su mejor momento pasó, no han dejado de hacer giras hasta el dia de hoy, manteniendose como una de las leyendas del rock.

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ge Biondi. Desde ahí, la banda comienza a producir material más comprometido, política y socialmente hablando, consiguiendo buenas ventas y cientos de seguidores incondicionales. Steppenwolf continuó sus giras y grabaciones, pero se limitaban en los charts a los Top 40, con excelentes temas como “Rock Me”,“Move Over”, y “Who Needs Ya”, pero sin alcanzar el éxito anterior. En 1974 la banda se separa temporalmente y Kay se embarca en una carrera en solitario, realizando álbumes como “Forgotten Songs”, Unsung Heroes”, “My Sportin’ Life” y “All In Good Time”. A finales de los 70, John se da cuenta de que existen varios grupos que están utilizando el nombre de “Steppenwolf”, destruyendo su reputación, en 1980 Kay decide actuar y forma John Kay & Steppenwolf, con quienes logra reconstruir su legado en pocos años de gira y con cinco nuevos LP. En 1994, Kay regresa triunfalmente a su Alemania

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natal, donde se reúne con sus viejos amigos de infancia. Con ventas que exceden las 20 millones de unidades en todo el mundo (que se incrementa cada año) y con canciones que fueron utilizadas en 37 películas y 36 programas de TV, el grupo continúa enfocándose en el futuro. La banda realiza “John Kay and Steppenwolf, Live at 25”, un doble CD realizado en febrero de 1995. El álbum contiene 23 canciones, incluyendo muchos hits de los 60, 70 y 80, además de dos nuevas canciones. “Feed The Fire”, su primer single hecho en video sale en agosto de 1996. En marzo del 2001, John Kay realiza un álbum en solitario llamado “Heretics & Privateers”, en Cannonball Records. El CD con gusto blo, presenta canciones con un punto de vista muy contemporáneo. Para el año 2005, Steppenwolf sigue teniendo una apretada agenda de giras en todos los Estados Unidos.

Deep Purple Pilar del Heavy Metal Banda mítica del Rock, pilar fundamental en el nacimiento del Heavy Metal; recordada por los poderosos riff de guitarra de Ritchie Blackmore, los durísimos vuelos melódicos del órgano de Jon Lord, el ritmo incansable de la batería de Ian Pace, el bajo metálico de Roger Glover y los altísimos alaridos de su vocalista Ian Gillian. Deep Purple sobrevivió a un sinnúmero de cambios y dramas a lo largo de su carrera, alzándose como toda una institución en la comunidad británica del hard rock; entró una vez en los records Guiness como la banda más ruidosa del mundo, además de ser plataforma para las carreras de grandes artistas como los propios Richie Blackmore, Ian Gillian y David Coverdale. Formados en Hertford, Inglaterra hacia inicios de 1968, el grupo

empezó como acompañamiento del ex baterista de los Searchers, Chris Curtis, se llamaron Roundabout y estaba integrado por Jon Lord en órgano, Bobby Woodman en batería, Blackmore en la guitarra, Nick Simper en el bajo y los hermanos Chris y Dave Curtis como vocalistas. Hacían un rock orientado a la psicodelia, muy de moda en ese momento, pero pronto decidieron tomar otro camino, los Curtis y Woodman se fueron y en su lugar ingresaron Ian Pace en batería y Rod Evans como vocalista. Hacia marzo del 68, hacen un tour de prueba por Dinamarca aun con el nombre “Roundabout”, poco después pensaron en “Fire”, pero ya había un grupo con ese nombre, por lo que Blackmore propone “Deep Purple”, un

Deep Purple con su primera formación, hacia 1968, cuando tenían aún una orientación al pop y la psicodelia. 629

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John Lord, Ian Pace, Ian Gillian, Ritchie Blackmore y Roger Glover, la formación más clásica de Deep Purple y la que llevó al grupo a la cima de su éxito.

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tema soul de Nino Tempo, que al resto del grupo no le convencía tanto, pero al final Blackmore se sale con la suya y el nombre queda fijado. Con su nuevo nombre lanzan su primer single “Hush”, un cover rockero del cantante country Joe South, que incluía un largo solo del órgano de Lord. “Hush” fue completado en solo dos tomas, durante la grabación de 48 horas del álbum “Shades of Deep Purple” con un estilo más bien pop. El single es lanzado en Gran Bretaña en junio del 68, pero pasa desapercibido, no así en los USA donde consigue llegar al puesto número 5 además de ganar

para el grupo un contrato con el sello Tetragrammaton. La banda mantuvo la misma fórmula para su segundo álbum, “The Book Of Taliesyn”, realizado en octubre de 1968. Dos singles contenidos en el LP, “Kentucky Woman” y “River DeepMountain High” lograron poner el disco entre los top 20. Su siguiente trabajo, titulado simplemente “Deep Purple” y realizado en los USA en junio del 69, fue su primer disco realmente “heavy”, a pesar del clásico “Hallelujah (I Am The Preacher)”, el álbum no logró el éxito comercial esperado. Sinembargo, en vivo la banda era otra cosa, fue en el escenario donde su música era explotada realmente y fue allí donde dejaron de ser un grupo más de pop rock. Una noche cuando teloneaban a los Cream en su tour de despedida por los USA, el público abucheó a las super estrellas y pidieron solo “Purple”. Con su guitarra chillando frente al amplificador, Blackmore se convirtió rapidamente en la estrella del show. No se contentaba sólo con tocar los temas perfectamente, sino que empujaba al grupo a explorar e ir más allá. El suceso de sus contemporáneos británicos Led Zeppelin y Black Sabbath demostraba que la fórmula nueva era aceptable, pero para lograr esto, la banda debería pasar por drásticos cambios. Así fue que Rod Evans

y Nick Simper se van para dar lugar al extravagante vocalista Ian Gillian y al bajista Roger Glover que era el anclaje que faltaba. La nueva alineación de Deep Purple debuta con el álbum “Concerto For Group And Orchestra” grabado en vivo en el Royal Albert Hall el 24 de septiembre de 1969 con la Royal Philharmonic Orchestra. Inaugurando un campo varias veces explorado luego por otras bandas de rock pesado al conjugar el sonido duro con los instrumentos clásicos. Pero la quintaescencia del sonido de Deep Purple, reconocido hasta hoy, se puede escuchar por primera vez en “Deep Purple In Rock” realizado en septiembre de 1970 en los USA. Este LP contiene muchos de los clásicos temas que todos asociamos con la banda. El disco es un suceso monstruoso a ambos lados del Atlántico, permaneciendo entre los Top 30 británicos por más de un año. El siguiente disco “Fireball” realizado en julio del 71, es otro super éxito comercial. Pero el álbum más grande de Deep Purple todavía estaba por llegar, y este aparece en marzo de 1972 con el nombre de “Machine Head”. Este fue la apoteósis

crítica y comercial de los Purple. No sólo por sus clásicos tracks, sino también por llegar al número 1 de las listas británicas y vender más de dos millones de copias en los USA, donde el himno “Smoke On The Water” alcanza otro Top 5. El génesis de “Smoke On The Water” comienza con la idea del grupo de realizar “Machine Head” en vivo en el Casino de Montreux, Suiza. El día antes de la presentación de Purple, Frank Zappa And The Mothers Of Invention estaban tocando en el casino, durante el concierto, uno de los equipos empezó a quemarse y en la confusión alguien lanzó una bengala al techo, iniciandose un fuego que consumió el viejo casino hasta los cimientos. Afortunadamente no hubo heridos graves, y los Purple tuvieron que quedarse en el Grand Hotel con las ganas de realizar el álbum en vivo y con todos sus equipos metidos en la habitación. Aún así decidieron comenzar su sesión de grabación y metieron tanto ruido que los vecinos llamaron a la policía local. Obviamente no abrieron la puerta hasta que el riff de Blackmore estuvo definido y la nueva letra de Gillian

“Tomamos prestado del jazz, el rock and roll a la antigua y los clásicos. Éramos buitres de la música” – Jon Lord

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que comenzaba con “We all went down to Montreux...” estuvo lista. En diciembre de 1972 sale un nuevo trabajo, “Who Do We Think We Are”, conteniendo el hit “Woman From Tokyo”, el disco consolida el estatus de la banda pero que marca el comienzo del final de la era de oro para Deep Purple. Grabado en parte en una villa en las afueras de Roma, donde una vez más incomodaron a los vecinos por el ruido (los airados locales preguntaron “quienes piensan estos que somos?”), también comenzaron las fricciones que llevaron al grupo al punto de ruptura. Aún así, sus últimas presentaciones en vivo, especialmente su tour por Japón y Alemania a fines de 1972 son los más memorables. Afortunadamente la banda registró esos shows finales en Japón, lo que resultó en el doble

El concierto de los Purple en Japón en 1972 y el consiguiente disco doble representó la cúspide de la fama del grupo, siendo el álbum más vendido de su historia. 632

álbum en vivo “Made In Japan”, realizado en diciembre de 1972, fue un enorme tributo al gran trabajo de la banda en el punto culminante de su poder. Ian Gillian y Roger Glover deciden ambos retirarse del grupo al mismo tiempo, hartos de los cambios de humor de Ritchie y las presionantes giras. Gillian se apartó totalmente del mundo musical, concentrandose en otros negocios hasta su reaparición tres años después con su propia banda. Glover por su parte decidió dejar las luces del escenario por la producción musical. En junio de 1973, los tres remanentes de Deep Purple deciden seguir en carrera y iten al vocalista David Coverdale y al bajista y vocalista Glenn Hughes. El primer álbum de esta versión de Deep Purple se tituló simplemente “Burn”, realizado en febrero de 1974. Fue un maravilloso retorno. La voz profunda y rica de Coverdale y el acompañamien-

Richie Blackmore, “The Man in Black” le decían, fue y sigue siendo uno de los héroes de la guitarra, respetado por sus colegas e idolatrado por millones de fans que lo siguen incondicionalmente.

to de Hughes, introdujo un sonido más “bluesy” al sonido de la banda, además de agregar nuevas capas de potencia. Temas como el frenético “Burn” y el sorpresivamente funky “Might Just Take Your Life”, abrió un soberbio nuevo campo para la banda. Cuando las brumas se disiparon, “Burn” fue reconocido como uno de los mejores trabajos del grupo desde “Machine Head”. En noviembre de 1974 sale “Stormbringer”, que a pesar del épico tema que da nombre al disco, falla en seguir la línea exitosa de “Burn”. Ritchie Blackmore se desencanta con la dirección musical que estaba tomando la banda, por lo que decide reservarse sus mejores canciones para su planeado álbum en solitario. El resultado fue la salida de Blackmore en abril de 1975, para fundar Rainbow con Ronnie James Dio. El resto de Deep Pur-

ple se negó a caer sin pelear, por lo que, ante la sorpresa de muchos, anuncian el remplazo del previamente considerado irremplazable “Man in black”. Su nombre era Tommy Bolin, y con el arribo de este joven guitarrista norteamericano se abrió un nuevo y excitante capítulo en la historia de la banda. El álbum resultante, “Come Taste The Band”, fue realizado en noviembre de 1975, mostrando una banda revitalizada, llevando el funk al extremo de su sonido hard rock. La influencia de Bolin fue crucial, y entusiasmado por el apoyo de Hughes y Coverdale, el guitarrista contribuyó con mucho material.“Gettin’ Tighter”, un tema de Bolin con letra de 633

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En 1975, Glenn Hughes, David Coverdale y Tommy Bolin dieron un giro sorpresivo pero efectivo a la dirección musical del grupo, pero la fórmula no duró y Deep Purple se separó finalmente en 1976.

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Hughes, se convirtió en un álbum que sería un favorito en los conciertos, tipificando la nueva dirección de la banda. Pero no todos los estaban a gusto con esta nueva “soulera” dirección, especialmente cuando los problemas de Bolin con las drogas comenzaron a manifestarse, lo que produjo shows cancelados y giras perdidas. El final vino durante una gira por Gran Bretaña en marzo de 1976, después de que los miles de seguidores de Blackmore comenzaron a presionar

al nuevo guitarrista para dar la talla. Al final del show en Liverpool, durante su solo, los nervios de Bolin le fallaron y se dejó caer totalmente. Coverdale se retiró con lágrimas en sus ojos, lamentándose de que “Tommy siendo un brillante guitarrista, simplemente no puede ayudarse a sí mismo”. Coverdale se va del grupo para hacer surgir a otro gigante, Whitesnake, Jon Lord e Ian Paice crearían Paice, Ashton & Lord. Poco después, en diciembre de 1976, Bolin aún pudo concretar su segundo álbum en solitario, “Private Eyes”, cuando la verdadera tragedia se presentó. En Miami, durante el tour de Jeff Beck, Bolin fue hallado muerto en su habitación de hotel, la causa de la muerte: multiple intoxicación con drogas. Tenía solo 25 años. Esa noche, Ritchie Blackmore, de gira por Japón con Rainbow, le dedica una canción a su memoria. Con la llegada de los 80 y con supergrupos como Van Halen, Mötley Crüe e Iron Maiden dominando la escena, el nombre de Deep Purple estaba consignado a la historia. Asi que, cuando en abril de 1984 se anuncia el regreso de Blackmore, Gillan, Lord, Paice y Glover, la noticia fue tomada muy gratamente. Animados por el renovado boom dentro del Heavy Metal, la reencarnación de Deep Purple se hizo más fuerte que nunca con “Perfect Strangers”, el álbum que vuelve a meter a Deep Purple en las listas de éxito. Ciertamente cuando estas cinco personas estaban juntas en la misma habitación, emanaban una energía explosiva, pero ¿cuánto tiempo duraría esa energía antes de que sus egos la volvieran a apagar? No mucho. Su siguiente álbum luego de la reunificación fue “The House Of Blue Light” de 1987, donde ya se preveía que las cosas no volverían a ser como antes. Y para el tiempo en que se realizó el álbum en vivo “Nobody’s

Perfect” en el verano de 1988, Gillian vuelve a anunciar su salida. Muchos fans creyeron que el grupo volvería a separarse, pero quedaron sorprendidos cuando el una vez vocalista de Rainbow, Joe Lynn Turner es reclutado para grabar “Slaves And Masters”, realizado en octubre de 1990. Turner había cantado en varios grupos que imitaban a Deep Purple, de quien era gran irador, además de pasar por Fandango y Rainbow de Blackmore. Cuando es llamado para remplazar a Gillian itió: “un gran sueño de mi vida es por fin una realidad” Los 90 ven otra estampida en la alineación de Deep Purple, esta vez, Ritchie Blackmore deja otra vez la banda, siendo remplazado por el ex guitarrista de Kansas, Steve Morse. Su álbum más

reciente, “Abandon” de 1998, es suficientemente decente. En 1999, vuelven a realizar un memorable concierto en el Royal Albert Hall con acompañamiento orquestal de la sinfónica de Londres, gran coro y la participación de todos los que alguna vez pasaron por Deep Purple. En el año 2001, Don Airey remplaza a Jon Lord en los teclados para formar la alineación que los devotos seguidores llaman “Deep Purple Mk VIII” A pesar de todo, Deep Purple sigue siendo un referente y es citado como la banda que dió forma al hard rock convirtiéndolo en un arte. Su último trabajo en estudio fue “Bananas” (2003), un álbum en el cual aparecía el nuevo tecladista Don Airey, quien había sustituido al mítico Jon Lord.

Deep Purple en 1990 resurge con la adición del excepcional vocalista Joe Lynn Turner.

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Led Zeppelin El monstruo sagrado del metal ¿La banda de rock más pesada, metalera, grandiosa y ruidosa de todos los tiempos? Led Zeppelin representa la banda de heavy por definición. No solo era su estruendosa interpretación de los blues, sino también cómo lograron incorporar mitología, misticismo y una gran variedad de otros géneros (más notable es la incorporación de música folklórica británica) en su sonido. Led Zeppelin tenía mística. Raramente ofrecían entrevistas, por lo que la prensa musical los detestaba. Consecuentemente, la única conexión que la audiencia tenía

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con ellos era a través de los discos y sobre todo, sus conciertos. Más que cualquier otro grupo, Led Zeppelin estableció el álbum concepto de rock, rompiendo las reglas al rehusarse a realizar las canciones más populares de sus álbumes como singles. También establecieron el formato dominante para el heavy metal, así como el sonido actual del género. Led Zeppelin sale de las cenizas de los Yardbirds. Jimmy Page se había unido esa banda casi al final de sus días, jugando un importante papel para su último álbum, “Little Games” de 1967, además de

traer al grupo al bajista, tecladista y arreglador John Paul Jones. Durante ese año los Yardbirds pasaron inactivos, lo que llevó a Page y Jones a volver a trabajar como músicos de sesión. Ambos fueron muy reconocidos, tocando para estrellas como The Kinks, Dusty Springfield y Van Morrison. Pero lo que Page quería era su propia banda. En el verano de 1968, Keith Relf y James McCarty dejan los Yardbirds, dejando a Page y al bajista Chris Dreja con los derechos del nombre asi como el cumplimiento de un tour para la disquera. Page inmediatamente se puso a buscar un cantante y un baterista. Primeramente ó con Terry Reid y B.J. Wilson de los Procol Harum, pero ambos no querían dejar su banda por lo que le recomendaron como cantante a Robert Plant que en ese entonces estaba con los Hobbstweedle. Tan pronto como Page escuchó la poderosa voz de Plant, le pidió que se una a su banda en agosto del 68, ese mismo mes Chris Dreja también decide salirse del proyecto, en su remplazo entra John Paul Jones como bajista. Plant entonces recomienda al baterista de su anterior banda, John Bonham, a quien habría que convencer, pues estaba recibiendo varias ofertas considerablemente mejores económicamente. Afortunadamente para todos, para setiembre Bonham está deacuerdo en firmar con el renaciente grupo. El cuarteto, representados por Peter Grant, se complementó de inmediato y saldrían de gira por escandinavia con el nombre de los “New Yardbirds” para cumplir con los contratos previos. Luego del tour, decidieron volver a Inglaterra para escribir nuevo material. Page decidió adoptar el nombre de “Led Zeppelin”, recordando una frase de Keith Moon, baterista de los Who, quien les había dicho: “probablemente caerán como un zepelin de metal”. Luego del cambio de

nombre, graban su álbum debut en sólo 30 horas, y su manager Peter Grant les asegura un contrato con la prestigiosa Atlantic Records en los Estados Unidos antes del fin de año. Debido en parte a la apática audiencia británica, Led Zeppelin decide concentrar sus energías en el Nuevo Mundo, sabia decisión. A principios de 1969, Led Zeppelin organizan su primer tour americano, abriendo para Vanilla Fudge y promoviendo su álbum salido en enero. Dos meses después “Led Zeppelin”, su primer LP, producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda, trepa a los Top Ten de los USA y se coloca en el primer puesto, estableciendo a la banda como los sucesores de Cream. Dos de sus temas, “Dazed and Confused” y “Communication Breakdown”, se

Foto promocional de la banda, ellos eran Jimmy Page, John Bonham, John Paul Johnes y Robert Plant, corría 1969 y nacía una leyenda.

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Los dos primeros LPs de Led Zeppelin reventaron las listas de éxitos en los USA y en Gran Bretaña, además de romper la vieja regla de publicar los temas preferidos en single.

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convierten instantpaneamente en clásicos. A través de 1969, la banda realiza intensas giras y presentaciones por los Estados Unidos e Inglaterra. Siendo su primer álbum un verdadero shock, pocos estuvieron preparados para su segundo álbum, “Led Zeppelin II”, realizado en octubre de 1969. Como su predecesor, “Led Zeppelin II” fue un inmediato éxito, liderando las listas americanas y británicas, permaneciendo siete semanas en el número uno. Los temas “Whole Lotta Love” y “You Need Love”, se convirtieron en clásicos del hard rock, y “Livin’ Lovin’ Maid (She’s Just A Woman)” y “Moby Dick”, fueron temas infaltables en el temprano repertorio del cuarteto. El disco establece a Led Zeppelin como atracción internacio-

nal por lo que el siguiente año se mantienen constantemente de gira. El sonido de Led Zeppelin comenzó a profundizarse con “Led Zeppelin III”, realizado en octubre de 1970, mostrando una fuerte influencia del folk inglés. Este lado pastoral de la banda no remplazó su lado “hard”, especialmente si tenemos en cuenta al célebre “Inmigrant Song”. La locura de lo celta y la mitología fructifican en su cuarto álbum, que salió sin título, pero con una inquietante portada en noviembre de 1971. Conocido como “Led Zeppelin IV”, “Runes” o “ZoSo”, fue el disco más variado, abarcando el rock pesado de “Black Dog” y “Rock and Roll” al folkie “The Battle of Evermore”, así como “Stairway to Heaven”, que fue el puente entre esos dos estilos. “Stairway

to Heaven” fue un inmediato hit radial, eventualmente la canción más tocada de la historia, sinembargo jamás se publicó como single. A pesar del hecho de que “Led Zeppelin IV” no llegó al número 1 en USA, fue su álbum más vendido, sumando más de 16 millones de copias. Nuevamente salen de gira para promocionar los dos últimos LP, concentrandose además en realizar larguísimos devaneos musicales y vocales para el beneplácito de sus seguidores. Después de completar su gira de 1972, la banda se retrae a los estudios para grabar su quinto álbum. Realizado en la primavera de 1973, “Houses of the Holy” continúa con la experimentación de la banda, conteniendo toques de funk, reggae además de sus inconfundibles temas de rock y folk. “Houses of the Holy” debuta como número 1 a ambos lados del Atlántico, y durante su gira de 1973, Led Zeppelin rompe todos los records de

ventas de entradas a través de los USA. El concierto en el Madison Square Garden realizado en julio fue filmado para lanzarlo tres años después como “The Song Remains the Same”. El año 1974 fue de descanso para el grupo, no sacaron nada nuevo ni realizaron presentaciones, pero fundaron su propio sello discográfico, Swan Records, que publicó todos los subsecuentes trabajos de Led Zeppelin, así como discos para Dave Edmunds, Bad Company, The Pretty Things y muchos otros. “Physical Graffiti”, un álbum doble realizado en febrero de 1975, fue otro inmediato suceso en USA e Inglaterra. El disco es reconocido como el definitivo legado de la banda, incluyendo otros dos clásicos, “Trampled Underfoot” y “Kashmir”. Los Zep estaban preparando una larga gira para el verano de 1975 cuando Robert Plant y su esposa

Aunque cualquier disco de Led Zeppelin resulta esencial, “Led Zeppelin IV” (1971), es uno de sus trabajos más importantes donde se ve el dominio y la comunión entre hard rock, folk y blues. El álbum incluye algunos de sus temas más conocidos, como “Black Dog”, “Rock and Roll” o “Stairway to heaven”.

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sufren un serio accidente automovilístico estando de vacaciones en Grecia. Los planes de gira se cancelaron y Plant pasó en resto del año recuperandose del accidente. La banda retorna a la acción en la primavera de 1976 con “Presence”, grabado en sólo 18 días. Otra vez debuta con el número 1 y su film “The Song Remains the Same” acompañado del consiguiente disco doble en vivo, es calurosamente recibido en el otoño de ese año. La banda finalmente vuelve a las giras en la primavera de 1977, demostrando su imbatible suceso comercial a pesar de ser el “año del Punk”. 640

Otra vez la desgracia cae sobre Plant, apenas dos meses de haber empezado el tour, Karac su hijo de seis años muere por una rara infección estomacal. Led Zeppelin inmediatamente cancela la gira y no dice nada de una vuelta, por lo que empieza a especularse sobre el futuro de la banda. Por un tiempo se decía que Led Zeppelin estaba acabado. Robert Plant, muy afectado, quedó recluído hasta buena parte de 1978. El grupo no volvió a trabajar en un nuevo álbum hasta fines del verano de 1978, cuando comienzan a grabar en los estudios del grupo ABBA, Polar Studios en Suecia. El año 79, Led Zeppelin

vuelven al escenario en Suiza, Alemania, Holanda, Bélgica y Austria. “In Through the Out Door”, su disco más “pop” sale finalmente en setiembre de 1979 con el consabido número 1 a ambos lados del Atlántico. El disco incluía la pegadiza balada “All my love” y la apertura rockera “In The Evening”, en donde el gran Jimmy Page, volvía a dejarnos otro magistral riff. En mayo de 1980, Led Zeppelin se embarca en el que sería su último tour europeo, tocando dos noches ante 400.000 personas en Knebworth con renovadas energías. El 25 de setiembre de 1980, mientras preparaban su tour americano, John Bonham es encontrado muerto en su cama, luego de una noche de bebidas, ahogado en su propio vómito. En diciembre de 1980, Led Zeppelin anuncia finalmente su separación, itiendo que no podían continuar sin su querido amigo. Tras la ruptura, Page y Plant estuvieron a punto de unirse a los ex- del grupo Yes, Alan White y Chris Squire, para formar la superbanda XYZ, pero finalmente el proyecto jamás se llevaría a cabo, dando inicio ambos sendas carreras en solitario. Por su parte, John Paul Jones se dedicó a la producción musical. Jimmy Page graba la banda sonora de “Death Wish II” y luego realiza una compilación de temas inéditos de Zeppelin llamado “Coda” que sale a fines de 1982. Ese mismo año, Robert Plant realiza su primer álbum en solitario “Pictures At Eleven” en 1983. En 1984, Page forma The Firm con el ex cantante de Bad Company, Paul Rogers y al baterista de Uriah Heep Chris Slade. Esta aventura solamente duraría hasta 1986. Al año siguiente Led Zeppelin vuelve a reunirse para tocar en el Live Aid de ayuda a los niños africanos, con la ayuda de Phil Collins y Tony Thompson el baterista de Chic; este hecho esparce el rumor de una reagrupación, pero esa

reunión nunca se materializó. De todos modos se volvieron a juntar en 1988 para tocar en el 40 aniversario de Atlantic Records. En 1994, Page y Plant realizan “Unledded” y “No Quarter” sin la presencia de Jones, fortaleciendo su relación musical con otro disco en 1998, “Walking into Clarksdale”, trabajos sin excesiva relevancia en su discografía, pero de todos modos interesante. A parte de su incuestionable suceso comercial, Led Zeppelin es ahora reconocido con todo derecho como una de las bandas de rock más influyentes de la historia.

Led Zep en 1980. Varias desgracias y contratiempos acompañaron a la banda durante su carrera, de las cuales siempre supieron sobresalir, pero la muerte del baterista y amigo Bonham en setiembre de 1980 acabó con el grupo.

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“¿No conoces a Grand Funk? ¿El bajo quebrantahuesos de Mel Schacher, Las letras descamisadas de Mark Farner y la habilidad en la batería de Don Brewer?” – Homero Simpson

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GRAND FUNK RAILROAD Varias veces citada como la primera de las bandas de Heavy Metal, Grand Funk Railroad estaba caracterizada por un blues-rock muy crudo y desprovisto de toda fineza, fueron profetas en su tierra, ya que pasaron casi desapercibidos en Gran Bretaña, sin embargo en los USA fueron rápidamente super estrellas, sobrepasando en ventas inclusive a los Beatles. El origen del grupo tuvo lugar en Flint, Michigan, donde el baterista Don Brewer y el guitarrista Mark Farner se conocieron en un grupo llamado The Pack hacia mediados de los años 60, éste estaba liderado por un conocido Dj de la zona llamado Terry Knight. Cuando este grupo se disolvió en 1968, Farner y Brewer decidieron fundar un nuevo grupo, así fue que invitan al bajista Mel Schacher para crear “Grand Funk Railroad”, inspirados en la marca registrada de Michigan, el Grand Trunk Railroad. Para ese tiempo,

Terry Knight estaba trabajando en Capitol Records en New York, pero aceptó la invitación de ser manager del trío. Después de una salvaje y exitosa presentación en el Atlanta Pop Festival en julio de 1969, la banda firma contrato con el sello Capitol e inmediatamente se ponen a crearse renombre en numerosos festivales y conciertos. Sus primeros singles tuvieron buen recibimiento, pero Grand Funk pronto probó que su fuerza real estaba en los álbumes. “On Time” alcanza el número 27 en 1969, seguido por el número 11, “Grand Funk” en 1970. Para el verano de ese año, ya eran una de las mayores atracciones en vivo y sus LP comenzaron a ser rutinarios en los Top Ten por los siguientes 4 años. El grandísimo suceso fue atribuido a las inteligentes movidas que realizaba su experto manager. En 1970 por ejemplo, Knight llegó a pagar 100.000 US$ en un inmenso cartel en medio del Time Square de New York para promocionar el LP “Closer To Home”, que subsecuentemente vino a ser su primer Top Ten, alcanzando el número 6 y reventándo

el tema principal en las radios. El disco “Live” de 1970 alcanza el número 5 e incluye un nuevo clásico radial, “Mean Mistreater”. En junio de 1971, Grand Funk fue el segundo grupo (después de los Beatles) en llenar el Shea Stadium de New York. Sus grabaciones se vendían como pan caliente, tanto que aún algunas radios ignoraban que había salido un nuevo disco. Este año ve la salida de “Survival” y el clásico “E Pluribus Funk”. Hacia el tiempo de la grabación del disco, el grupo decide cambiar de manager, primero llaman a Andy Cavalliere, pero se quedan después con John Eastman, padre de Linda McCartney. Los siguientes años pasaron en disputas legales por el nombre “Grand Funk Railroad” y royaltíes por las canciones. Eventualmente la banda se quedó con el nombre, pero tuvieron que pagar a Knight una abultada suma. En 1973, el grupo acortó oficialmente su nombre a “Grand Funk” y convierten su trío en cuarteto al agregar al tecladista Craig Frost. Producidos ahora por Todd Rundgren, finalmente alcanzan el número 1 de las listas de singles con “We’re An American Band”, una celebración de las giras realizadas por los grupos. En 1974, graban el álbum “Shinin’ On”, que incluye un cover “sixties” de Little Eva, “The Loco-Motion” el cual logra otro número 1, siendo la primera vez que un cover llega a esa posición. Más tarde ese año, meten en el Top 20 el hit “Bad Time (To Be In Love)”. Para cuando llega 1975 y la locura disco empieza a tomar la escena musical, la banda pierde mucho de su estilo y seguidores. Graban “Caught In The Act” un doble álbum en vivo y el interés en la banda comienza a decaer. Al año siguiente, el grupo vuelve a utilizar su nombre completo, Grand Funk Railroad y firma con MCA Records, para grabar “Born to Die”, que apenas entra en los

Top 40. Luego de esto la banda ya estaba para la ruptura, pero son convencidos por Frank Zappa para que graben un nuevo disco, “Good Singin’, Good Playin”, producido por él. A pesar de que el álbum es considerado como el mejor trabajo del grupo, falla nuevamente en las listas y sólo entra entre los Top 50, desencantado, Mark Farner decide dejar el grupo para realizar dos discos en solitario. Mientras Don Brewer, Mel Schacher y Craig Frost, agregan al guitarrista Billy Elworthy y forman un nuevo grupo llamado simplemente “Flint”. La nueva agrupación no logra el suceso comercial esperado con su solitario primer álbum.

El tecladista Craig Frost se unió a Farner, Brewer y Schacher en 1973, dándole nuevo colorido sonoro, ese año logran su primer número 1 y multimillonarias ventas como siempre con su “We’re an American Band” su tema más recordado.

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En 1981, Farner y Brewer sacan del baúl de los recuerdos al grupo y graban “Grand Funk Lives” y “What’s Funk?” con el bajista Dennis Ballinger, pero no logran recuperar sus viejas glorias, por lo que se vuelven a separar en 1983. Farner regresa a su carrera en solitario y graba tres álbumes de música cristiana antes de unirse a la banda llamada “Adrenalin”. Brewer y Frost por su parte se unen a la Silver Bullet Band de Bob Seger. En 1995, Mark Farner es invitado a formar parte de la “Ringo Starr’s All Starr Band” y durante el siguiente año, Mark, Don y Mel deciden resucitar a Grand Funk para tocar algunos conciertos de “reunion”. Howard Eddy Jr. es invitado a

completar el cuarteto y poco después la reunión es oficial. Grand Funk Railroad vuelve a las rutas en una extensa gira desde 1996 a 1998, año en que es considerado como el mejor grupo de gira del año. El nuevo milenio ve a los originales Don Brewer y Mel Schacher unirse al cantante Max Carl (de los 38 Special), al guitarrista Bruce Kulick (12 años en KISS) y al tecladista Tim Cashion (que tocó con Bob Seger y Robert Palmer). Juntos crean una nueva, dinámica y multitalentosa banda de cinco , para no solo seguir la tradición de los éxitos de Grand Funk, sino también para explotar el potencial de crear un nuevo capítulo en el legado de Grand Funk Railroad.

HUMBLE PIE

Greg Ridley y al batero Jerry Shirley. Los primeros meses de existencia del grupo pasó entre intensas prácticas en la mansión de Marriott en Essex. Firmaron con el sello Immediate y así Humble Pie rápidamente graba su single debut, “Natural Born Boogie”, que entra en los Top Ten británicos, llegando al puesto 4 y preparando el terreno para el primer LP del grupo, “As Safe as Yesterday Is”.

Mal conceptuado como simple plataforma para el ex-frontman de Small Faces, Steve Marriot y el virtuoso guitarrista Peter Frampton, Humble Pie supo poner bien alto su potente hard rock a partir de su formación en Essex, Inglaterra en 1969. El grupo incluía al bajista 644

Después de una gira norteamericana para promocionar su siguiente álbum “Town and Country”, que no logra el éxito esperado, Humble Pie retorna a su casa sólo para descubrir que Immediate está en bancarota. La banda recluta a un nuevo manager, Dee Anthony quien les ayuda a conseguir un nuevo contrato con A&M; a partir de ahí, Marriott decide endurecer la música del grupo, alejándose de las melodías acústicas que favorecían a Frampton. El crudo blues de Marriott comenzó a dominar los siguientes álbumes del grupo, incluyendo el “Rock On” de 1971. Luego de un recargado tour por USA y de la grabación del disco en vivo “Rockin’ the Fillmore”, Frampton se va del grupo para seguir una exitosa carrera en solitario. Después de la adhesión del excelente guitarrista Dave “Clem” Clempson para llenar el hueco, Humble Pie se endurece aún más, hecho patente en el disco “Smokin” de 1972, su álbum más exitoso. Luego, el ambicioso doble álbum en vivo “Eat It fell” de 1973, consigue otro Top Ten para el grupo. Pero “Thunderbox” de

1974 ya no convence al gran público y sólo alcanza a entrar entre los Top 40. Después de “Street Rats” de 1975, el cual no alcanza a entrar entre los 100 mejores y varios problemas personales, Humble Pie se separa. En 1980, Marriott y Shirley resucitan a Humble Pie con el ex-vocalista del Jeff Beck Group, Bobby Tench y el bajista Anthony Jones. Pero la suerte estaba echada; luego de “On to Victory”, “Go for the Throat” y un pro-

En sus últimos años, Steve Marriott, desilusionado de la industria musical, dio la espalda a las discográficas y se mantuvo con perfil bajo, dando conciertos en pequeños clubes de Londres y Essex. Murió en 1991 cuando un incendio, posiblemente provocado por un cigarrillo, destruyó su casa en Essex.

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blemático tour por los USA, Humble Pie se disuelve nuevamente eb 1981. A fines de 1990, Marriott comentó con Frampton para una nueva reunión del grupo, pero lamentablemente el 20 de abril de 1991, Marriott muere en el incendio de su mansión a los 44 años,dejando a miles de fans con la expectativa de volver a ver a sus ídolos juntos nuevamente. La música de Free estaba llena de un blues-rock electrico con mucho feeling, inspirados en Cream y Hendrix, fue una de las bandas claves en la evolución del rock a finales de los sesenta en Gran Bretaña. Ellos eran Andy Fraser, Paul Rodgers, Paul Kossoff y Simon Kirke.

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FREE Aunque nunca gozaron del éxito, la fama o la popularidad de Black Sabbath o Led Zeppelin, con el tiempo Free es reconocido como una de las bandas impulsoras del Hard Rock con más estilo y personalidad. Famosos por uno de los himnos del rock, “All Right Now”, Free ayudó a poner los fundamentos del naciente Hard Rock, tomando el sonido del

blues británico, llevándolo hasta lo tosco y minimalista, siendo pioneros del proto-metal, popularizado luego en los 70 por supergrupos como Bad Company, Foghat o Foreigner. Free empieza a tomar forma en Londres en 1968 cuando el virtuoso guitarrista de 17 años Paul Kossoff, entonces miembro de los Black Cat Bones, conoce al cantante Paul Rodgers de los Brown Sugar, y deciden crear su propia banda. Poco después reclutan al baterista Simon Kirke y al fenomenal bajista de 16 años Andy Fraser que estaba con John Mayall. Gracias al apoyo de Alexis Korner quien también les sugiere el nombre de Free, firman con Island, donde graban su blo debut “Tons of Sobs” en 1968, año en el que consiguen salir de gira por los USA como teloneros de Blind Faith. En 1969 lanzan “Free” siguiendo la misma

línea musical e incluyendo rocks como “The Hunter” de Albert King y potentes baladas como “Lying in the Sunshine”. Aunque sus dos primeros álbumes tuvieron una pobre entrada en los charts, ya consiguieron una buena cantidad de incondicionales seguidores. En 1970 sale “Fire and Water” que se convierte en un tremendo éxito gracias a la fuerza de “All Right Now”, un número 2 magnificado por la ruda y visceral voz de Rodgers y la espectacular guitarra de Kossoff. Ese año son artistas principales en la segunda edición del Festival de la Isla de Wight, donde el grupo parece destinado al superestrellato del rock para la nueva década; pero el siguiente LP “Highway” no logra el éxito tan anticipado, y después de una agria gira y el disco “Free Live”, la banda se disuelve dejando egos lastimados y duras recriminaciones. Irónicamente el single “My Brother Jack” le da un segundo y póstumo hit en su patria. Mientras Rodgers se fue para formar Peace y Fraser funda Toby, Kossoff y Kirke se juntan con el bajista Tetsu Yamauchi y el tecladista John “Rabbit” Bundrick para grabar un solitario álbum llamado poco imaginativamente “Kossoff, Kirke, Tetsu and Rabbit”. Cuando ninguno de estos proyectos probaron ser exitosos, la alineación original de Free se reune nuevamente para grabar “Free At Last” en 1972 logrando el hit “Little Bit of Love”. Aunque la fór-

mula probó tener futuro, los problemas crecientes de Kossoff con la heroína y el alcohol, minaron la unidad del grupo. Al poco tiempo Fraser se va para formar Shark, dejando a Rodgers y Kirke grabando la mayor parte del LP “Heartbreaker” de 1973, con un Kossoff enfermo y sin fuerzas para participar. Pronto el grupo se separa nuevamente, esta vez para siempre: Rodgers y Kirke forman Bad Company y Kossoff forma los Back Street Crawler poco antes de su muerte por un ataque cardíaco, a consecuencia del abuso de drogas, el 19 de marzo de 1976.

Nuevamente el abuso de las drogas y del alcohol destruyen una prometedora carrera, Paul Kossoff, un virtuoso guitarrista que llegó a ser considerado entre los grandes del Hard Rock no pudo mantener unido a los Free, truncando acaso un futuro grande para la banda y para él mismo. 647

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Black Sabbath Los brujos del metal Black Sabbath ha sido la gran influencia en el desarrollo del heavy metal, así como la fuerza que definirá el estilo. El grupo tomó el blues-rock de finales de los 60, de grupos como Cream, Blue Cheer y Vanilla Fudge, llegando a su propia conclusión, reduciendo el tempo, acentuando el bajo y enfatizando los chillones solos de guitarra, así como también los “aullidos” vocales con letras que expresaban aires misteriosos y macabras fantasías, que siempre causaban el espanto de los “protecores de la juventud” pero las delicias de sus seguidores. Como sus predecesores claramente venían de

El primer LP de los Sabbath es quizás la más misteriosa de la historia del rock, así lo afirman quienes investigaron la casa y a la dama que aparece retratada, estas aparentemente no dejaron rastros de su existencia, cierto o no, son esas cosas que molestan a los críticos y que miles de adolescentes disfrutan.

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la tradición de electrificar el blues, Black Sabbath llevó esa tradición hacia una nueva dirección, dando nacimiento a un estilo musical que continuó atrayendo a millones de fans en todo el mundo durante las décadas siguientes. Black Sabbath nació gracias a cuatro amigos adolescentes de Aston (cerca de Birmingham), Inglaterra: Anthony “Tony” Iommi (nacido el 19 Febrero, 1948), guitarra; William “Bill” Ward (n. 5 Mayo, 1948), batería; John “Ozzy” Osbourne (n. 3 Diciembre, 1948), voz principal; y Terence “Geezer” Butler (n. 17 Julio, 1949), bajo. Se llamaron inicialmente Polka Tulk Jazz-Blues Band, pero poco después se cambiaron a Earth, tocando extensivamente por Europa. A comienzos de 1969

deciden cambiar nuevamente su nombre cuando los confundieron con otro grupo también llamado Earth. Butler había escrito una canción que había tomado el título de una novela ocultista escrita por Dennis Wheatley, Black Sabbath, al grupo le encantó y adopta este nombre desde entonces. Así como sus llamativas presentaciones en vivo, el grupo captó la atención de varias compañías disqueras, al final firman con la Phillips Records en 1969. Para enero de 1970, la subsidiaria de Phillips, Fontana Records, realiza su single debut, “Evil Woman (Don’t Play Your Games With Me)”, un cover del grupo Crow que ya había sido hit en los USA. En febrero, otra subsidiaria, Vertigo, lanza el primer álbum del grupo, “Black Sabbath”, que tiene mejor suerte que el single y entra en los Top 10 británicos. El éxito tardó un poco en llegar a los USA, pero para mayo de 1970 el álbum ya alcanzó los Top 40 y permaneció allí por casi todo el año, obteniendo además millonarias ventas.

Al comenzar los años 70, la música popular estaba pasando por una época turbulenta, la mayoría de los grupos estaban tomando un camino más tranquilo, más discreto, explotando las baladas románticas y un rock suave, como James Taylor o los Carpenters; por su parte, Led Zeppelin o Grand Funk Railroad tomaron un curso radicalmente diferente, consiguiendo miles de militantes. Black Sabbath tomó un camino aún más extremo que el blues-rock basado en el folk inglés de Zeppelin. Aunque atacados por la prensa musical, la banda descubre una nueva audiencia, ambrienta de su aire sin compromiso. Black Sabbath rápidamente saca su segundo álbum, “Paranoid” en septiembre de 1970. El single del mismo nombre publicado poco antes llega a los Top 5 en G.B., y el álbum alcanza el número 1 poco después. En los USA entra en los Top Ten recién en marzo de 1971, vendiendo 4 millones de co-

El segundo LP, Paranoid, marcó la entrada del Black Sabbath en el mercado masivo de ventas a nivel mundial, convirtiendo la canción “Iron Man” en un clásico inmediato y al álbum en el más vendido de toda la carrera del grupo.

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pias, por lejos el álbum más vendido del grupo (estas ventas estaban estimuladas por el clásico “Iron Man”, que en los USA llegó a los Top 5).“Master of Reality”, su tercer álbum, apareció en agosto de 1971, siendo Top Ten a ambos lados del Atlántico y vendiendo más de un millón de copias. “Black Sabbath, Vol. 4” (Septiembre 1972) fue otro Top Ten que alcanza el millón de ventas. Para “Sabbath Bloody Sabbath” (Noviembre 1973), la banda trae a Rick Wakeman (del grupo Yes) para tocar en una canción, señalando un cambio en la dirección musical del grupo. Este clásico y controvertido álbum, fue otro Top Ten millonario. En 1974 por causa de varias

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disputas con los managers, el grupo se paraliza por un largo período. Cuando regresan a la acción en julio de 1975 con su sexto álbum, “Sabotage”, fueron muy bienvenidos en su casa, pero en los USA el clima musical había cambiado, haciendo más dificil entrar en las listas de éxito a un grupo de estilo pesado. La casa discográfica responde con un doble LP de compilación, “We Sold Our Soul for Rock ‘n’ Roll” (Diciembre de 1975) que alcanza el millón de ventas, pero el grupo ya contempla un cambio en su estilo musical. Esto trajo desacuerdos entre el guitarrista Tony Iommi, quien quería incluir nuevos instrumentos en su música, incluidos trompas, pero el cantante Ozzy Osbourne se resistía a una variación de la fórmula, los malentendidos comenzaron a corroer la unidad del grupo. “Technical Ecstasy” (Octubre de 1976), adoptó algunas de las innovaciones de Iommi, lo que terminó de frustrar a Ozzy y éste sale de la banda en noviembre de 1977. Esta pérdida parecía irreparable, pero el puesto de cantante se lo dieron a Dave Walker y el grupo vuelve a trabajar al comenzar 1978. En septiembre de ese año se lanza “Never Say Die!”, su octavo álbum, con un moderado éxito. En junio de 1979 el ex cantante de Rainbow, Ronnie James Dio (nacido el 10 de junio de 1949), ingresa al grupo ( en la misma época el tecladista Geoff Nichols viene a ser parte regular de la banda, tocando en grabaciones y actuando, pero no fue considerado miembro oficial hasta tiempo después). La nueva alineación se tomó un tiempo para entrar en el estudio, no realizando ninguna grabación hasta abril de 1980 con “Heaven and Hell”. El resultado fue un resurgimiento comercial. En los USA, el álbum vende más de un millón de copias, en Gran Bretaña, alcanza el Top Ten gracias a dos singles exitosos, “Neon Knights” y “Die Young.” Al mismo tiempo la vieja disquera de Black Sabbath lanza

un disco en vivo del grupo no realizado previamente, “Live At Last” con buenas ventas y un Top Five en las listas. En ese tiempo el baterista Bill Ward deja Black Sabbath por problemas de salud y es remplazado por Vinnie Appice. La alineación de Iommi, Butler, Dio y Appice graban “Mob Rules” (en noviembre de 1981), que tiene casi el mismo éxito que su predecesor: En Estados Unidos llega al oro y en Gran Bretaña alcanza los Top 20 y mete además dos singles en los charts, “Mob Rules” y “Turn Up The Night”. El siguiente es un álbum en vivo, “Live Evil” aparecido en enero de 1983, pero desacuerdos entre Iommi y Dio hacen que éste salga del grupo y se lleve a Appice con él. El grupo se negó a dar el carpetazo, por lo que se reorganizó persuadiendo a su baterista original Bill Ward a retornar, además de sorprender a sus fans metaleros reclutando al cantante Ian Gillian ex de Deep Purple. Esta nueva alineación graba “Born Again” realizado en septiembre de 1983. Black Sabbath sale de gira ese año para promocionar el nuevo trabajo con el baterista Bev Bevan sustituyendo a Ward, quien regresa en la primavera de 1984. El álbum llega a los Top Five en G.B. pero solo alcanza los Top 40 en USA. Gillian permanece con Black Sabbath hasta marzo del 84, cuando regresa con sus viejos compañeros de Deep Purple, en su lugar entra el cantante Dave Donato, pero sólo se queda hasta octubre sin llegar a grabar nada. Black Sabbath convence a Ozzy Osbourne para reunirse y tocar en el célebre Live Aid en julio de 1985, pero poco después de la actuación, el bajista Geezer Butler también deja el grupo, dejando a Sabbath como un mero vehículo para Iommi, el hecho fue enfatizado por el siguiente álbum, “Seventh Star”, realizado en enero de 1986 y acreditado a “Black Sabbath presentando a Tony Iommi”. En

Ronnie James Dio ha sido considerado como la voz de oro del metal durante décadas, su aporte en célebres bandas como Deep Purple, Rainbow y Black Sabbath ha sido siempre inestimable, gracias a su potente voz y a la energía que pone en cada canción. El gran “Elfo” debido a su baja estatura es sin embargo una de las figuras más grandes de la historia del rock, desde 1983 lleva adelante su carrera cosechando éxitos con sus discos en solitario.

este disco, la alineación estaba compuesta por Iommi (guitarra); otro ex cantante de Deep Purple, Glenn Hughes; Dave Spitz (bajo); Geoff Nichols (teclados); y Eric Singer (batería). El álbum tuvo un modesto éxito comercial, y la banda comenzó a fragmentarse una vez más. Con Black Sabbath ahora consistiendo en Iommi y sus “empleados”, los cambios de personal fueron moneda corriente. “The Eternal Idol” (Noviembre de 1987), falla en las listas británicas y norteamericanas,

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Tony Iommi y Ozzy Osbourne en el último concierto de “reunión” de Black Sabbath durante el Ozzfest de 2001, el tema más celebrado, por supuesto fue “Paranoid”.

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pero “Headless Cross” (abril 1989) consigue un mejor puesto en su país, con el single del mismo título liderando las listas durante una semana. Otro cambio en la alineación y otro álbum sin mucho éxito, “Tyr” (agosto 1990), solo consigue entrar en los Top 40 de G.B. y ni siquiera entra en las listas de USA. A pesar de todo, Iommi consigue reunir la alineación de 19791983, que consistía en Iommi, Butler, Dio y Appice para grabar su siguiente trabajo, “Dehumanizer” aparecido en junio de 1992, lo que vuelve a Sabbath a las listas de USA, alcanzando los

Top 50 por primera vez en nueve años, mientras que en G.B. el tema “TV Crimes” consigue un hit en los Top 40 luego de una década. En noviembre de 1992, Iommi, Butler y Appice se vuelven a reunir con Ozzy Osbourne para un concierto de despedida del cantante. Pero poco después se anuncia la vuelta de Ozzy a Black Sabbath. Esto en realidad no ocurrió, Dio y Appice salen nuevamente, Iommi los remplaza con Tony Martin y el baterista Bob Rodinelli. “Cross Purposes” (Febrero de 1994) tuvo un éxito modesto y el siguiente “Forbidden” (Junio de 1995), vuelve a traer a los músicos Cozy Powell, Geoff Nichols, y Neil Murray, además de Iommi y Martin. El disco sólo permanece una semana en las listas británicas, demostrando quizás que Black Sabbath era ya una fórmula agotada. En vista de esa realidad, Sabbath sigue los pasos de grupos como Eagles y Fleetwood Mac, juntando a sus más populares para un álbum en vivo y un par de nuevas canciones de estudio. Grabado en su hogar de Birmingham, Inglaterra en diciembre de 1997, el álbum doble presenta a Iommi, Osbourne, Butler y Ward. El trabajo que sale en octubre de 1998 no tuvo mucho impacto en G.B., pero en los USA entra en los Top 10, llega a disco de platino y la canción “Iron Man” gana un Grammy por mejor Performance de Metal. La banda reunida sale de gira durante 1999 finalizando en Birmingham en diciembre. En febrero de 2001, Black Sabbath vuelve a reunirse en pleno para la sexta edición del famoso “Ozzfest”, festival anual de verano de Osbourne, tocando en 29 ciudades de USA. Más sorpresivo es el anuncio de un álbum con canciones nuevas y la participación de los originales, pero el álbum no llega a concretarse y la banda queda dormida mientras Osbourne cosecha éxitos con su serie de TV.

Frank Anthony Iommi Urian, es considerado unos de los guitarristas más influyentes en la historia del rock, y el padre de muchos de los riffs utilizados en el rock, hard rock y heavy metal. Es de los pocos “dinosaurios” que evolucionan y se rejuvenecen álbum tras álbum y concierto tras concierto. Tiene la fortuna de haber fundado una banda que hoy por hoy es reconocida como el pilar fundamental del HEAVY METAL, de liderarla y de ser el pionero (al igual que Jimi Hendrix) en revolucionar el sonido de la guitarra. – Carlos Zaldívar

(crítico de rock)

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¡Fesivales! La reunión de las tribus ORIGENES “DESENCHUFADOS” Sobre el origen de los festivales musicales como siempre, hay controversias, pero lo más aceptado por los historiadores del rock sobre los orígenes nos dicen que se remonta a los históricos festivales folk de Newport, que desde 1959 se realizan en esa ciudad nortemaericana. El Primer Festival Folk de Newport fue organizado por George Wein y Albert Grossman, productor y manager de varias estrellas como Peter, Paul and Mary, Janis Joplin y del propio Bob Dylan. Ciertamente Newport no presentaba rock, ya que sólo se escuchaban los sones de protesta y contenido social “folkies” además de buen blues y jazz, el rock era considerado algo impuro, instrumento del consumismo y de la juventud alienada. El patriarca era sin dudas Pete Seeger, acompañado de su inseparable banjo, varias veces perseguido y hasta encarcelado por sus ideas consideradas comunistas. Los festivales de Newport comenzaron a ganar notoriedad a nivel país, a partir de la entrada en escena de Joan Baez y sobre todo de Bob Dylan. En 1963, Bob hace su aparición con una serie de canciones que muchos aún desconocían, su actuación marcó un hito en la historia, según el crítico musical Anthony Scaduto, “el público fue a participar de un movimiento y encontraron a su profeta”. Por primera vez un festival sirve para lanzar un mito y no sería la última; los astutos empresarios empezaron a ver a los festivales como un “termómetro del éxito”, donde se podían probar los nuevos productos musicales y donde el público hacía las veces de compradores potenciales, pues con su aprobación o decontento podían lanzar al estrellato o al basurero a un artista o a un grupo. Atrás em654

El fin de la década de los 60 es considerada por los viejos idealistas como el fin de un sueño, el sueño de la juventud por un mundo más justo, igualitario y sobre todo sin mentiras, utilizando como principal vehículo de su mensaje a la música. Los Festivales de música “moderna” fueron el punto culmi-

nante de ese sueño, miles de personas reunidas sin distinción de razas, credos o nacionalidad, compartiendo en paz y amor la esperanza y la música. Quizás este final sea un poco fatalista, pero en las décadas que siguieron no se ha vuelto a ver semejante movimiento juvenil a ese nivel tan amplio. pezaba a quedar el idílico ambiente donde los jóvenes convivían en un ambiente de paz, vestidos con jerseys indios, vaqueros y sandalias, acompañados de sus guitarras acústicas y panderos, cantando canciones de contenido social, blues y gospel; eran años en los que la vida parecía tener una finalidad y en el que cada uno podía ser trascendental y aportar lo suyo para que las cosas pasen. Personajes casi ancestrales como Pete Seeger, Taj Mahal y Ramblin Jack Elliot, cantaban con las nuevas figuras, Joan Baez, Bob Dylan y Mimi Farina “We Shall Overcome” o “Blowin’ In The Wind”. Pero todo comenzaría a cambiar a partir de 1965, con el movimiento folk ahogado por la “Beatlemanía”. 1965 es un fatídico año para el folk más purista, en la edición del Newport Festival de ese año, Bob Dylan hace su aparición con la “diabólica” gitarra eléctrica, es el nacimiento oficial del folk-rock, acompañado por una nueva banda que incluye a Mike Bloomfield y Al Kooper. Como todo nacimiento, no se hizo sin dolores de parto, el público abucheó a Dylan, lo trataron de vendido, se dice que Pete Seeger quizo cortar la electricidad en plena actuación, airado por ese chirrido infernal. Dylan tuvo que retirarse para volver más tarde “desenchufado”, pero el folk ya estaba herido de muerte, ya se había lanzado una nueva música, que sería explorada y explotada poco después por un sinnúmero de grupos y solistas.

EL PODER DE LA FLOR Al Newport Folk Festival, le siguieron otros festivales no menos importantes como el Monterey Jazz Festival en California y el primer festival de rock de la historia, conocido como el “Human Be-In” realizado en San Francisco, concretamente en el Golden Gate Park el 14 de enero de 1967, como parte del recién inaugurado movimiento hippie y bajo el lema “Una Reunión de Tribus”, una celebración al “ser” humano. San Francisco, que desde 1965 había arrebatado a New York el puesto de ciudad protagónica, cuna de la contracultura underground y del ácido, 655

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¡Festivales!

La histórica presentación de Hendrix en el Monterey Pop de 1967 donde realiza toda una ceremonia incendiando su guitarra... un clásico.

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donde las universidades tomaron la posta de la protesta social, parecía propicia para esta primera manifestación multitudinaria. Desde temprano unas 20.000 personas ya estaban reunidas para compartir una manera de vivir y expresarse, lo más extraño es que no se veía ni un policía. Hicieron su aparición Jerry Rubin, dirigente hippie que despotricó contra la guerra de Vietnam, luego el pope de la contracultura, Allen Ginsberg y otras figuras como Tim Leary o Gary Snyder compartieron con el público sus poemas y cantos budistas y por supuesto hicieron su aparición los principales grupos del momento, Grateful Dead, Jefferson Airplane y los Quicksilver Messenger Service. La ciudad de San Francisco se convirtió en el centro

de todo lo que pasaba en esos años, proliferaron las salas de concierto, como el Fillmore West o el Winterland, manejados hábilmente por el promotor de rock número uno de los USA, Bill Graham (no el predicador), quien también era manager de varias figuras como Jefferson Airplane, Grateful Dead o Santana. En los barrios y calles aledañas al High Ashbury proliferaban los “freaks” y los amantes del amor libre, todo el tiempo podías ver a la gente reunirse a disfrutar de un concierto gratuito, fumarse un “porrito” y pasarla bien con otros de su misma “especie”. Pero el evento que se establecería como un hito en la historia del rock es el “Monterey International Pop Festival”, celebrado los días 16 al 18 de junio de

¡Festivales! 1967, que muchos consideran, como el primer festival de la historia, hecho que como hemos visto no es del todo cierto. El festival nace de la mente de un cuarteto de pesos pesados de la industria musical, el promotor Alan Pariser, el agente Benny Shapiro, el publicista Derek Taylor y John Phillips de The Mamas and The Papas. Lo que se había concebido como una modesta aventura comercial, se convertirá en una masiva muestra de la contracultura. Prominentes nombres como Paul McCartney y Mick Jagger se unen a la lista de organizadores de la lucrativa empresa. Este primer mega concierto donde asisten más de 50.000 personas no se queda atrás en figuras, en la lista de participantes están: Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service, The Paul Butterfield Band, The Blues Project, Canned Heat, Al Kooper, The Electric Flag, The Mamas & The Papas, Laura Nyro, Otis Redding, Booker T & The MG´s, Hugh Masekela, Ravi Shankar, Simon & Garfunkel, The Byrds, The Association, Eric Burdon & The Animals, Buffalo Springfield, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Big Brother & The Holding Company con Janis Joplin, Moby Grape, The Who y Jimmi Hendrix. Una verdadera Vía Láctea plena de estrellas de primera bajo el título “Music, Love and Flowers”. El toque exótico lo puso Ravi Shankar con una improvisación de casi tres horas y la consiguiente ovación de cinco minutos de duración. Y el clímax llegó con la actuación incendiaria de Jimi Hendrix donde en un arrebato prende fuego a su guitarra creando un acto delirante (preparado o no) que sería su sello. El Monterey Pop fue algo realmente indescriptible, pero podemos hacernos una idea gracias a las palabras de Myra

Friedman, secretaria y biógrafa de Janis Joplin: “Nunca más habrá un festival semejante al que tuvo lugar ese fin de semana de junio de 1967. Nunca más habrá otro acontecimiento en el que más de treinta grupos de rock se hincharon de gozo al compartir con una audiencia embelezada y por la adrenalina de la actuación en sí misma. Se multiplicarán por diez las multitudes de gente que invadirán los siguientes festivales de rock, pero no habrá más otro Monterey. Ese fin de semana fue excesivamente intoxicante, excesivamente radiante, excesivamente puro”. El escritor Nik Cohn expresa el espíritu de ese año de 1967: “Por todos 657

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¡Festivales! lados se paseaban chicos y chicas vestidos de arco iris, llevando cascabeles y flores en el pelo, usando términos “groovies”y llenando sus casas de palillos de incienso y lámparas de colores. Flirteban con el tema de la “nueva sociedad”, era el verano de amor y todos la pasaban bien. El punto álgido fue el Festival Pop de Monterey, donde la gente no rompía nada y no provocaba disturbios, la música era ininterrumpida y maravillosa. Todos se amaban, volaban en parte por la marihuana y en parte por el puro idealismo. Algunos periodistas y gente que llegaba para criticar, se sentían atraídos y hasta empezaron a creer en aquello. Al cabo de tres días hasta la policía llevaba flores. Inmediatamente, cuando el festival acabó y todos se marcharon a sus casas, a sus vidas cotidianas, a su triste realidad, todo se apagó. Hubo otros esfuerzos por conseguir el mismo entusiasmo, pero la primera vez es siempre la única. Cuando llegó el otoño y el sol se escondió, todo se vino abajo. Monterey puede decirse que fue al mismo tiempo, principio y fin”.

LA GENTE DEL MAÑANA QUE PUDO SER... El final de la década sería marcada a fuego por la turbulencia social y política. 1968 fue el año marcado por las protestas anti-racistas y las consecuentes represiones policiales. El mayo francés, donde miles de estudiantes universitarios y obreros con manifestaciones y huelgas ponen en jaque al gobierno, tuvo su repercusión en américa con la matanza de estudiantes en México, quienes reclamaban más democracia al gobierno militar. Praga es arrasada por el ejército soviético, tanques mediante para sofocar un alzamiento democrático conocida como la “Primavera de Praga”. La guerra de Vietnam estaba en su apogeo con la matanza de niños, mujeres y ancianos vista en directo por la TV; el regreso sin gloria de los combatientes al “mundo” sólo hacía más grande la herida de la poderosa nación de norteamérica; asesinan al dirigente negro Martin Luther King y a otro Kennedy (Robert) y hay más protestas estudiantiles. Fue el fin de la utopía. A partir de entonces nunca ha vuelto a existir una conmoción social de tal envergadura, nunca se ha vuelto a levantar una fuerza tan rotunda para desestabilizar al sistema constituído; jóvenes y trabaja658

¡Festivales! dores tuvieron la audacia de creer que era posible cambiar las cosas para mejor. Pero se perdió, desde ese momento el “Poder” se hizo más fuerte, más alienante y más camaleónico. 1969 no se queda atrás, el hombre conquista la luna, pero pierde la tierra; los Beatles ya están desmembrados, comienza la dolorosa y lenta retirada de tropas norteamericanas de Vietnam. En agosto la sociedad norteamericana y mundial es sacudida por la horrorosa matanza ritual de la actriz Sharon Tate y otras cuatro personas, perpetrada en los Angeles por la secta satánica dirigida por el tristemente célebre Charles Manson, luego de consumir LSD y escuchar obsesivamente el tema “Helter Skelter” (“sálvese quien pueda”) de los Beatles, donde supuestamente había un mensaje para él. El gobierno de Nixon es abiertamente desafiado y presionado por miles de manifestantes que copan Washington, los jóvenes norteamericanos esta-

ban perdiendo gradualmente la inocencia y descubriría los efectos perversos de las decisiones militares y diplomáticas de sus gobernantes.

LA NACIÓN WOODSTOCK A pesar de este tétrico panorama se habre un resquicio de esperanza, un remanente de gente que todavía cree en la humanidad, el amor, el entendimiento y la paz, la “Nación Woodstock”. El último pataleo de una era dorada que duro sólo tres maravillosos días. El evento, que a la larga costó cerca de dos millones y medio de dólares, fue el proyecto de John Roberts, estudiante de 23 años, Michael Lang y Joel Rosenmann de 26, locos y amantes del rock. Eran gente de dinero y querían invertir en interesantes y legítimas propuestas de negocios. Finalmente se les ocurrió una idea: un gran concierto de rock, combinado con una exposición gigante. En marzo de 1969

Charles Manson, dirigente de la secta hippie-satánica “La Familia”, se hizo célebre por el sangriento asesinato de la conocida actriz Sharon Tate y otras cuatro personas más. Causó estupor cuando confesó como mataron a sangre fría a esas personas, supuestamente siguiendo un mensaje directo para ellos que se encontraba en la canción “Helter Skelter” de los Beatles. Aún está en la cárcel e irónicamente ha grabado varios discos con discursos y canciones idealistas.

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¡Festivales! empezó la búsqueda del lugar ideal para hacer el concierto. Los corredores de bienes raíces de Nueva York ofrecían el alquiler de grandes extensiones de terreno por unos pocos meses. Los pastos de Wallkill resultaban ideales: eran amplios, estaban cerca de la carretera y había luz y agua. El régimen de la tierra, que estaba destinada a un futuro establecimiento de industrias, itía exposiciones y conciertos. Los promotores habían dicho a las autoridades que no esperaban una asistencia de más de 50.000 personas, para un concierto de jazz y músicos folk. Empezaron los trámites municipales pero no obtuvieron los permisos. A pesar de este primer revés, consiguen que un viejo granjero de la zona les alquilara su ahora célebre Granja Yasgur, en Bethel, no tan cerca de Woodstock como uno podría pensar, dentro del estado de New York, próxima al lago White Lake. A mediados de abril empezó la campaña publicitaria en los medios adecuados, sobre todo la revista Rolling Stone. Para entonces se empezó a pensar en que Woodstock debía ser algo más que montar escenarios y vender entradas. Sería una muestra de la cultura de la juventud y un signo de los tiempos. El lema “tres días de paz y música” básicamente buscaba unir el movimiento anti-bélico con la música. Al principio ningún grupo quería firmar un

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contrato con estos jóvenes dementes que organizaban un festival epicureísta en un potrero lejano. El dinero lo solucionó todo. Pagando cantidades inéditas para la época, los primeros contratados fueron los Jefferson Airplane, la banda sicodélica por excelencia. Luego vinieron The Who y los Creedence Crealwater Revival. El festival se salvó de ser un gigantesco fracaso, no se suponía que iba a ser tan monstruoso... Como los promotores no alcanzaron a cerrar el perímetro en el que se iba a llevar a cabo el concierto, la gente penetró en masa. El caos comenzó cuando algunas estaciones de radio de la ciudad de Nueva York, empezando por la famosa WNEW, dieron la noticia de que el espectáculo era gratuito. Las vías de , a casi cuarenta kilómetros del lugar, se taponaron. Además, Bethel se convirtió temporalmente en la tercera población más grande del estado de Nueva York. La historia cuenta que cerca de un millón de personas llegaron al festival pero solo  500.000 se quedaron como espectadores del festival de tres días y poco más. De este medio millón de asistentes, apenas unos 125.000 entraron

pagando. La música empezó a las cinco de la tarde del viernes 15 de agosto de 1969 y se terminó el lunes 18, a media mañana. Los músicos que escribieron esta historia: Joan Baez; Blood, Sweat and Tears; The Paul Butterfield Blues Band; The Band; Creedence Clearwater Revival; Canned Heat; Country Joe McDonald & The Fish; Crosby, Stills, Nash; Joe Cocker; Arlo Guthrie; The Grateful Dead; Tim Hardin; Jimi Hendrix; Richie Havens; Keef Hartley; The Incredible String Band; Janis Joplin; The Jefferson Airplane; The Joshua Light Show; Melanie; Mountain; Quill; John Sebastian; Ravi Shankar; Sly and the Family Stone; Bert Sommer; Santana; Sweetwater; Ten Years After; Johnny Winter y The Who. Los casi 500 mil asistentes, los más de 30 grupos de rock que se presentaron, además de la excelente película documental y la masiva publicidad de los medios, elevaron a este festival al nivel de acontecimiento épico. Pero Woodstock 69 fue excesivamente mitificado, comenzando por el hecho de que no fue un festival altruista, el motor principal fue por supuesto ganar dinero y mucho. Que se haya declarado abierto llegado 661

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¡Festivales! un punto, fue más por obligación y por falta de organización que otra cosa, por que los organizadores se vieron completamente desbordados por la cantidad de gente, no pudiendo ejercer el más mínimo control en las entradas. A pesar de ese contratiempo, no se perdió dinero, habían vendido más del triple de entradas de lo que se había planeado, además estaban las regalías que vendrían por las películas y discos. Otro hecho que enturbia un poco el mito, es la actitud de varios grupos supuestamente revolucionarios y progresistas, como los Who, los Grateful Dead o los Airplanes, quienes no quisieron tocar sin tener asegurado su dinero en mano por adelantado. Así de crudo, así de real. Woodstock 69 forma parte ya de la imaginería popular, cada vez que escuchamos ese nombre se nos viene las imágenes ya clásicas de fotos y películas de todo tipo, y en especial del documental “Woodstock” dirigida por Michael Wadleigh, donde puede verse los pormenores de lo vivido por esa multitud de

jóvenes embarrados, mojados, cubiertos con mantas y plástico, desnudos o pintarrajeados, ataviados con las más diversas manifestaciones de la moda. Pelo muy largo, cantos budistas, corrillos formados en torno a una guitarra o dos, acompañados por una rudimentaria batería; un personaje vestido con pijama enterizo rojo y sombrero de copa; tipis indios y niños desnudos correteando; gente bañándose en un lago cercano, así como Dios los trajo al mundo; pompas de jabón y humo de cigarrillos de marihuana e incienso, lluvia y barro, mucho barro. Gente subida a las torres de parlantes, autobuses de muchos colores, jóvenes contoneándose con la música alucinante, policías que miran impávidos, son muy pocos comparados con la multitud, pero no son necesarios, se respira un aire de fraternidad y salvo poquísimos incidentes no pasa nada grave. Hay 500.000 jóvenes en Woodstock, juntos, soñando un mundo mejor, al mismo tiempo hay 500.000 jóvenes combatiendo en Vietnam, ironías del fin de la década.

“¿Fuimos peregrinos o moribundos? ¿Fue aquello el principio de una civilización o el síntoma de una moribunda? ¿Estuvimos a punto de crear una zona liberada o de penetrar en un campo de concentración?” – Abbie Hoffman (“Woodstock Nation”)

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¡Festivales! Afiche promocional de la película documental dirigida por Michael Wadleigh, la misma se convirtió con los años en pieza de culto para los nostálgicos de una era de “paz y amor” que llegó a su fin.

Además de la película ya mencionada, Atlantic editó primeramente un triple álbum con las mejores actuaciones de los participantes, incluyendo canciones de Joan Baez, Butterfield Blues Band, Canned Heat, Joe Cocker (con su clásica interpretación de “A Little Help of My Friends” de los Beatles), Country Joe & The Fish (y el célebre cantico anti-guerra de Vietnam coreado por el público), Crosby, Stills & Nash, Arlo Guthrie, Richie Havens, Jimi Hendrix (incendiario como siempre, tocando su particular interpretación del himno nacional), Jefferson Airplane, Country Joe McDonald, Santana (con un sudoroso jam aclamado por la audiencia), John Sebastian (más tranquilo pero críticamente ácido), Sha Na Na, Sly & The Family Stone, Ten Years After (blues a mil), The Who, además del sonido ambiente. Como el triple LP se vendió más que bien, permaneciendo un mes en las listas de USA,

Atlantic decide sacar un doble álbum (dedicado a Hendrix) con más material de Hendrix, Baez, Melanie, Mountain y otros. Lamentablemente en ningún material aparecen las actuaciones de Janis Joplin (entonces bajo el sello CBS) o de Creedence Clearwater Revival (Fantasy) que aunque participaron del Festival, no hubo acuerdos entre disqueras con la Atlantic por los derechos de sus canciones. Pero años más tarde se lanzaría otro recopilatorio de cuatro compactos y un librito, conocido como “The Lost Performances” que haría justicia. El gran ausente: Bob Dylan, quien vivía en esa época muy cerca del lugar del concierto, todos esperaban que actuara pero no apareció. Las malas lenguas dicen que no fue porque estaba Joan Baez, pues en ese tiempo no quería verla ni en cajita de fósforos. Dylan saldría recién de su madriguera al año siguiente, para el Festival de la Isla de Wight en Inglaterra. 663

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DE AMERICA A EUROPA En Europa a principios de los 60 arrasó la moda de los Festivales al estilo Newport, en distintos puntos se celebraban encuentros musicales al aire libre como los de Montreaux y Antibes, con música folk y jazz. Pero uno de los más famosos fue sin duda el concierto gratuíto de Hyde Park en Londres en julio de 1969, con la asistencia de 250.000 personas y la actuación de grupos como Third Ear Band, Richie Havens y Donovan, las estrellas eran los Rolling Stones y los Blind Faith, el nuevo supergrupo formado por Eric Clapton, Ginger Baker, Steve Winwood y Rich Greg, pero con su deslucida actuación de poco más de una hora decepcionaron totalmente a sus fans. Seguidamente, la presentación de los Stones en memoria del recientemente fallecido y fundador del grupo Brian Jones, salvó la fiesta. La actuación empezó con un emotivo acto donde Jagger, totalmente de blanco (de luto oriental), lee un poema de Shelley “Adonais”, muy apropiado para el momento, y luego se dejan en libertad miles de mariposas blancas, cientos de esas mariposas ha664

bían muerto en sus cajas y sobre el escenario, lo que dejó un toque de ironía y muchos vieron en eso un “mensaje”. Después de Woodstock, otra vez en Europa, se celebra el Primer Festival de la Isla de Wight a partir del 30 de agosto de 1969, otros “dos días de paz, amor, música y...bla bla bla”. Un calco de Woodstock pero al estilo británico, donde ahora el concepto de separación de la sociedad alienante era más patente por

¡Festivales! Bob Dylan, el gran ausente en Woodstock 69, apareció en la Isla de Wight junto a The Band para una presentación de una hora, los presentes querían más... pero eso fue todo.

que se realizaría precisamente en una isla. El gancho publicitario: Bob Dylan. El primer día actúan The Who, Moody Blues, Joe Cocker y King Crimson, no pasa mucho, es mero calentamiento para tomar los mejores lugares. La atención estaba al día siguiente, el domingo 31 donde donde aparecería “él”. Todos esperaban a Dylan, desde aquellos 200.000 rostros anónimos que llegaron de diversos rincones del mundo, hasta conocidos músicos y personalidades de la industria musical. Los medios afirmaban “El día de Dylan”. Pero Bob no se lo tomaba muy en serio, apareció tres horas tarde acompañado por su esposa y unos amigos. Llegó y cantó acompañado por The Band y algunos temas en solitario durante una hora, todos esperaban mucho más, pero eso fue todo. El Festival de Wight no tuvo la magia de Woodstock, estaba claro que la mo-

tivación comercial era lo primero, pero de todas formas la prensa vuelve a la mitificación, comparando el festival como una gran peregrinación religiosa... cosas del negocio. Debido al relativo éxito del Festival de la Isla de Wight, los ávidos empresarios decidieron hacer una segunda edición en 1970. Publicitado hasta el hartazgo como un nuevo renacer de los ideales perdidos y anunciado como el mega festival que duraría cinco días... aquí se aprendió que con tres días bastaban. La organización del festival dividió el predio en dos sectores con enormes alambrados, el sector barato y el VIP, declarando abiertamente discriminativo al encuentro. No se previeron instalaciones higiénicas ni duchas, la aglomeración sin 665

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ningún tipo de comodidad ocasionaron nuevamente el caos, lo que pudo haber sido un bello recomenzar fue un verdadero desastre, sólo le faltó el homicidio. Definitivamente, con el fin de los años sesenta todo había cambiado.

GOLPES, MUERTE Y MALAS VIBRAS La siguiente cita se daría en medio de una desolada ruta norteamericana cerca de la localidad de Altamont en California, donde los Rolling Stones luego de una mastodóntica gira por los USA, terminarían por todo lo alto con un masivo concierto gratuito “de agradecimiento a sus fans norteamericanos”. Sería el 666

duro despertar a la realidad y el punto final al sueño dorado. Mick Jagger quería realizar a toda costa el mega concierto, con importantes invitados y realizar una película sobre el mismo para salir antes del inminente estreno de la película sobre Woodstock, es decir, lo de gratuíto era más una jugada comercial que otra cosa, de ahí la mala organización por el apremio del tiempo. La mala onda empezó con la elección apurada del lugar, pues Mick Jagger quería realizar el recital sí o sí, donde sea. Luego los Stones aceptan la sugerencia del grupo Grateful Dead para contratar a los Hell’s Angels (un grupo de motoqueros nada amistosos)

¡Festivales! como seguridad y para mantener el orden en el concierto... mala idea. Desde el primer momento la desacertada elección del lugar y su peor acondicionamiento empiezan a enardecer los ánimos, el mal humor, la impaciencia y malas vibras se hacen sentir. Incluso antes de la presentación de los Stones ya estalla la violencia, el cantante de los Jefferson Airplane es brutalmente apaleado por la “seguridad”, el ácido de mala calidad se consume como agua, las intoxicaciones y la enfermería malísimamente acondicionada agrian la fiesta. Carlos Santana recuerda: “Podíamos ver desde el escenario a los Hell Angels reprimiendo prepotentes a todo el mundo, y vimos un tipo blandiendo un puñal buscando pelea constantemente”. Cuando llegan los Rollings, incluso Jagger es atacado por un Hell Angel borracho. Ya repuesto, Mick se hace esperar, juega al divo sin tomar conciencia de la impaciencia de los asistentes ni de los ánimos caldeados. Cuando al fin sale al escenario, el cual estaba demasiado bajo y ni siquiera tenía vallas, el público estalla como si fuera una fiera enjaulada, la actuación es constantemente interrumpida por el caos, la invasión del escenario y las peleas entre la gente. Todo es confusión, hasta que ocurre la tragedia. Meredith Hunter, un joven negro es acuchillado por un Angel del Infierno a pocos metros del escenario, mientras, como toque siniestro, Jagger cantaba “Sympathy For The Devil”. Las cámaras logran captar el suceso y después durante el montaje para la película, la escena se ralentizaría y se repetirá obsesivamente (cosas del cine). Según algunos testigos, Hunter portaba un revólver, no se sabe si era para atentar contra Jagger o para defenderse de los

agresivos Hell’s Angels. Según otros, Meredith solamente cometió el “pecado” de ir acompañado por una hermosa muchacha blanca. Con todo, la tragedia sirvió como un estatequieto para todos, una toma de conciencia masiva 667

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¡Festivales!

de la violencia generalizada. Ante el asesinato del hombre, siguió un silencio impotente, por lo menos por parte del público. El concierto de los Stones continuó poco más y luego se largaron en su helicóptero rápidamente. Al día siguiente comenzaron los ataques de la prensa, columnistas, escritores, idealistas y hasta astrólogos que decían que no se había consultado con los astros para elegir el día del concierto, ¡como se había hecho en Woodstock!. El escritor Roy Carr decía: “Altamont tenía que haber sido el Woodstock del Oeste y en cambio significó la pérdida del paraíso. El mal ácido, la desorganización, la aglomeración, la deshumanización y la muerte de una persona eran el reflejo de una América violenta que la contracultura pretendía rechazar. ¡El público estaba tan alterado, tan nervioso que es inexplicable que no hayan sacrificado a los Stones!”. Analizando hoy los hechos con una perspectiva más amplia, no podemos 668

quedarnos con la fórmula facilona: Woodstock = bueno, Altamont = malo o Woodstock = fiesta, Altamont = desastre. Luego de años de tejes y manejes, opiniones y “revelaciones”, podemos decir que Woodstock y Altamont en realidad son parte de un todo, un único acontecimiento con resultados diferentes, de hecho en Woodstock no todo fue color de rosa, reinaba una tensión nerviosa muy similar, que no llegó a estallar; por lo que fue un milagro que no ocurriese ninguna tragedia. Hubieron muchos puntos negativos también, la lluvia que creaba un peligro real de electrocución para los artistas, la presión del público por ingresar gratis, la organización que se desbordó, etc. Richie Havens recuerda sobre Woodstock: “reinaba allí una tensión apenas soportable”, experiencia que pudieron compartir todos los músicos que actuaron allí. En realidad no hubo tal cosa como el bueno y el malo, lo cierto es que la América joven ya no era la misma y los viejos ideales ya estaban fuera de moda.

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“El arte tiene que levantarte de la silla. Te tiene que mover de un sitio a otro. Y si no te mueve, entonces no es arte, es un gran fracaso” – Bob Dylan

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Crocknología 1960 Elvis Presley regresa al ruedo musical después de su servicio militar en Alemania. Muere Eddie Cochran en un accidente a los 22 años, con el viajaba Gene Vincent que quedó gravemente herido y se apartó de la música varios años. Russ Solomon abre la primera Tower Records en California,la primera mega tienda de música.

1961 Comienzan los éxitos para el Soul, en especial del sello Motown. Se funda la revista musical “Mersey Beat”en Liverpool. El sello Stax comienza a producir discos de soul en Memphis

1962 El Twist despega gracias al éxito de un desconocido Chubby Checker. Arranca el Surf Rock en las costas californianas, Los Beach Boys lanzan “Surfin Safari”. Bob Dylan lanza su primer álbum. Los éxitos del Brill Building dominan el Pop. Los Beatles hacen su primer show en The Cavern. Comienza la era dorada de los Girl Goups.

1963 El Surf music domina en las radios. Los Beatles consiguen su primer número 1 con “Please, Please Me”. Se lanza la Beatlemanía.

1964 Los Beatles golpean a los USA y comienza la “invasión británica”. Sale en la TV británica la primera emisión de “Top of the Pops”. Robert Moog comienza a vender su sintetizador.

1965 Bob Dylan enchufa su guitarra eléctrica en el Newport Folk Festival causando horror a los puristas. La versión de los Byrds de “Mr Tambourine Man” inventa el “folk-rock”. John Mayall y sus Bluesbreakers, con Eric Clapton, importan el rhythm and blues de Chicago a Gran Bretaña convirtiéndose en el epitome del “blues-rock”. Las bandas de garage explotan en Norteamérica. Bill Graham abre el “Fillmore” como lugar de lanzamiento de nuevas bandas en el área de San Francisco. El DJ Alan Freed, acuñador del término Rock and Roll muere a los 47 años por enfermedad hepática.

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años 60

1966 Los Beatles dan su último concierto en vivo en San Francisco. Boom del blues revival en Gran Bretaña. CREAM el primer “power-trio” vende millones de copias de su primer disco. Frank Zappa lanza “Freak Out” el primer álbum doble del rock. Los Holy Modal Rounders inventan el “acid-folk”.

1967 El Monterey Pop Festival da comienzo al concepto de festivales de Rock. Se lanza el Sgt. Pepper de los Beatles. Cream, con Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce son el primer supergrupo del rock. Sale el primer número de la revista “Rolling Stone” Jimi Hendrix debuta en escena. Caetano Veloso y Gilberto Gil fundan el movimiento “Tropicália”. “Red Red Wine” de Neil Diamond es el primer hit reggae de un artista pop. Otis Redding muere a los 26 años.

1968 Se publica la lista de los 100 más Hot del Billboard, basado en las ventas de discos, emisiones radiales y de jukebox. Don Kirshner abre las oficinas para compositores en el Brill Building de New York que se convertiría en la fuerza más poderosa de la música pop. Gram Parsons inventa el “country-rock” junto a la International Submarine Band. Los Steppenwolf lanzan el éxito “Born To Be Wild” que contiene la expresión “heavy metal” un nuevo término que definirá todo un estilo. Toots And The Maytals lanzan “Do The Reggae” lanzando el reggae en los USA. El musical “Hair” abre en Broadway, es el primer musical que utiliza música Rock. 10.000 personas asisten al Primer Festival de la Isla de Wight en Inglaterra.

1969 El Woodstock Music & Arts Festival reúne a unas 500.000 personas, poniendo el broche de oro a una década de cambios. Se estrena la ópera rock “Tommy” de los Who. En Altamont, California, ocurre el primer gran trauma del rock, varias personas resultan intoxicadas, heridas y hay un muerto en confusos tumultos durante el concierto organizado por los Rolling Stones. King Crimson lanza “The Court Of The Crimson King” y Frank Zappa saca “Uncle Meat”, ambos inauguran la era del Rock Progresivo. Led Zeppelin lanza su primer álbum e inaugura el Hard-Rock.

671

LA ERA DEL ROCK

INDICE DE ARTISTAS (en orden alfabético): A JOVEM GUARDA .................................... 432 ABRAXAS . ................................................ 410 ADAM FAITH ............................................. 144 ADRIANO CELENTANO . ............................. 459 AL KOOPER . ............................................. 546 ALAN FREED ............................................... 86 ALBERT COLLINS ........................................ 21 ALBERT KING .............................................. 22 ALCIDES “ROCK” PARODI (ALCY ROCK) ..... 411 ALEXIS KORNER . ...................................... 145 ALMED ..................................................... 415 ALMENDRA . ............................................. 390 AMERICAN BANDSTAND ............................. 29 ARETHA FRANKLIN ................................... 176 ARLO GUTHRIE ......................................... 222 ARTHUR “BIG BOY” CRUDUP ....................... 36 B.B. KING . .................................................. 19 BARRY MCGUIRE . ..................................... 336 BEAU BRUMMELS . ................................... 344 BECK, BOGERT & APPICE .......................... 615 BEN E. KING . ............................................ 190 BESSIE SMITH ............................................ 10 BIG BOYS SERENADERS . .......................... 408 BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY.. 506 BIG JOE TURNER . ....................................... 36 BIG MAMA THORNTON . .............................. 36 BILL HALLEY & THE COMETS ...................... 49 BILLIE HOLIDAY . ......................................... 11 BILLY CAFARO . ......................................... 373 BILLY FURY ............................................... 138 BLACK OAK ARKANSAS . ........................... 606 BLACK SABBATH . ..................................... 648 BLIND FAITH ............................................. 535 BLUE CHEER ............................................. 618 BLUECOMB . ............................................. 456 BO DIDDLEY ............................................... 58 BOB DYLAN .............................................. 226 BOB SEGER .............................................. 560 BOBBY DARIN ........................................... 129 BOBBY RYDELL . ....................................... 131 BOBBY VEE ............................................... 132 BOBBY WOMACK ...................................... 190 BOOKER T & MG’S .................................... 195 BREAKOUT . .............................................. 468 BRENDA LEE . ........................................... 116 BRIGITTE BARDOT .................................... 444 BUDDY GUY ................................................ 24 BUDDY HOLLY & THE CRICKETS .................. 82 BUDDY KNOX ............................................ 121 BUFFALO SPRINGFIELD ............................. 343 BURT BACHARACH . .................................. 156 CACTUS . .................................................. 617 CAETANO VELOSO . ................................... 437 672

CANNED HEAT .......................................... 561 CAPTAIN BEEFHEART ................................ 359 CARL PERKINS . .......................................... 93 CARLOS GONZAGA . .................................. 429 CARLOS SANTANA .................................... 563 CAUBY PEIXOTO . ...................................... 429 CHARLES MANSON ................................... 659 CHAUSSETTES NOIRES ............................. 441 CHUBBY CHECKER .................................... 160 CHUCK BERRY ............................................ 52 CLIFF RICHARD ......................................... 140 CONNIE FRANCIS ...................................... 103 CORNELIA FROBOESS ............................... 461 COUNTRY JOE MCDONALD & THE FISH...... 333 CRAZY ROCKERS ...................................... 462 CREAM ..................................................... 532 CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL........... 579 CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG .............. 583 CURTIS MAYFIELD & THE IMPRESSIONS..... 189 CZERWONE GITARY . ................................. 466 CZERWONO CZARNI . ................................ 466 DALE HAWKINS . ....................................... 123 DÁMASO PÉREZ PRADO . ............................ 27 DANNY AND THE JUNIORS .......................... 46 DANNY CHILEAN ....................................... 395 DANNY VALDY . ......................................... 407 DARA PUSPITA .......................................... 448 DAVE VAN RONK ....................................... 223 DEEP PURPLE ........................................... 629 DEL SHANNON . ........................................ 165 DELANEY & BONNIE .................................. 538 DEREK AND THE DOMINOES ..................... 539 DICK CLARK . .............................................. 29 DICK DALE . .............................................. 198 DICK RIVERS ............................................. 440 DIE SPUTNIKS . ......................................... 469 DION . ....................................................... 165 DION AND THE BELMONTS . ........................ 45 DONOVAN ................................................. 338 DORIS DAY . ................................................ 27 DUANE EDDY ............................................ 120 EAGLES .................................................... 598 EDDIE COCHRAN . ....................................... 98 EDDIE MITCHELL ...................................... 441 EL “CLUB DEL CLAN” . .............................. 377 EL BRILL BUILDING ................................... 197 EL DÚO DINÁMICO .................................... 415 ELECTRIC PRUNES . .................................. 525 ELMORE JAMES ......................................... 17 ELVIN BISHOP ........................................... 558 ELVIS PRESLEY ........................................... 61 EMY JACKSON . ........................................ 454

ENRIQUE GUZMÁN Y LOS TEEN TOPS ........ 366 ERASMO CARLOS ..................................... 432 ERIC CLAPTON . ........................................ 530 ESQUERITA ................................................. 60 FABIAN ..................................................... 127 FAIRPORT CONVENTION ............................ 351 FATS DOMINO ............................................. 57 FLEETWOOD MAC . ................................... 565 FOO SOO YIN (HENRY FU) . ........................ 451 GALL ........................................... 444 FRANÇOISE HARDY ................................... 442 FRANK SINATRA . ........................................ 27 FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION.................... 356 FRANKIE AVALON ...................................... 127 FRANKIE LYMON & THE TEENAGERS............. 43 FREDDIE AND THE DREAMERS .................. 296 FREDDIE KING . ........................................... 23 FREE . ....................................................... 646 FRESIA SOTO . .......................................... 397 FUNG PO PO (PETRINA) ............................. 450 GAL COSTA ............................................... 437 GENE AUTRY ............................................... 29 GENE VINCENT . ........................................ 100 GEORGE HARRISON .................................. 271 GEORGE MARTIN ...................................... 251 GERD BÖTTCHER ...................................... 460 GERRY AND THE PACEMAKERS ................. 296 GILBERTO GIL ........................................... 437 GIUSEPPE ‘PEPE’ CIPOLLA ........................ 407 GLADYS KNIGHT & THE PIPS ..................... 192 GRAM PARSONS ....................................... 576 GRAND FUNK RAILROAD ........................... 642 HARRY BELAFONTE . ................................... 32 HERB ALPERT & THE TIJUANA BRASS ....... 164 HOLY MODAL ROUNDERS ......................... 355 HOT TUNA . ............................................... 593 HOWLIN’ WOLF ........................................... 13 HUMBLE PIE ............................................. 644 IGGY POP & THE STOOGES . ...................... 624 IKE & TINA TURNER . ................................. 185 IKE TURNER ................................................ 37 IODI .......................................................... 414 IRON BUTTERFLY ...................................... 621 ISAAC HAYES ............................................ 192 JACKIE BRESTON . ...................................... 37 JACKIE WILSON ........................................ 172 JACKIE Y LOS CICLONES ........................... 375 JAMES BROWN . ....................................... 183

JAN & DEAN ............................................. 199 JANIS JOPLIN ........................................... 498 JEFF BECK . .............................................. 614 JEFF BECK GROUP . .................................. 615 JEFFERSON AIRPLANE .............................. 479 JERRY LEE LEWIS ....................................... 91 JESSE COLIN YOUNG ................................ 331 JIMI HENDRIX ........................................... 491 JIMMY REED . ............................................. 36 JIMMY SANTY . ......................................... 407 JOAN BAEZ . ............................................. 224 JOHN LEE HOOKER ..................................... 15 JOHN LENNON . ........................................ 268 JOHN MAYALL .......................................... 528 JOHNNY AND THE HURRICANES ................ 161 JOHNNY BURNETTE .................................. 119 JOHNNY CASH ............................................ 89 JOHNNY HALLYDAY ................................... 439 JOHNNY KIDD & THE PIRATES ................... 143 JOHNNY RIVERS ....................................... 353 JOHNNY WINTER ...................................... 544 JONI MITCHELL ........................................ 220 KARINA ..................................................... 445 KYU SAKAMOTO (“KYU CHAN”) ................. 454 LA BABY JAZZ .......................................... 408 LA RETROBAND ........................................ 411 LARRY WILLIAMS ...................................... 118 LAVERN BAKER . ....................................... 109 LED ZEPPELIN .......................................... 636 LEO DAN . ................................................. 379 LEONARDO FAVIO ..................................... 380 LES CHATS SAUVAGES .............................. 440 LIGHTNIN’ HOPKINS .................................... 19 LINDA RONSTADT ..................................... 608 LITTLE ANTONY AND THE IMPERIALS .......... 44 LITTLE RICHARD ......................................... 55 LITTLE WALTER . ......................................... 37 LLOYD PRICE ............................................ 108 LONNIE DONEGAN .................................... 136 LOS 3 SUDAMERICANOS . ......................... 412 LOS BEATNIKS .......................................... 380 LOS BLACK JEANS/CAMISAS NEGRAS ...... 368 LOS BLUE CAPS . ...................................... 372 LOS BLUE CAPS PARAGUAYOS .................. 413 LOS BOOPERS .......................................... 372 LOS BRAVOS ............................................ 411 LOS BRAVOS ............................................ 421 LOS BRINCOS ........................................... 422 LOS BÚFALOS ........................................... 411 LOS BULLDOGS ........................................ 399 LOS CARR TWINS . .................................... 395 LOS DARTS . ............................................. 404 LOS DOLTONS .......................................... 406 LOS ESTUDIANTES . .................................. 423

LOS FLIPPERS .......................................... 403 LOS FOXIES .............................................. 410 LOS FREEDOM . ........................................ 411 LOS GATOS . ............................................. 385 LOS GYPSYS ............................................. 411 LOS HERMANOS CARRION ........................ 368 LOS HOBBIES ........................................... 410 LOS HOOLIGANS ....................................... 371 LOS IMPALA ............................................. 405 LOS IRACUNDOS . ..................................... 400 LOS JAIVAS .............................................. 398 LOS JETS ................................................. 375 LOS JOKERS . ........................................... 411 LOS LOCOS DEL RITMO ............................ 365 LOS LOUD JETS . ...................................... 370 LOS MOCKERS ......................................... 398 LOS MUSTANG . ........................................ 425 LOS NOVELS . ........................................... 372 LOS PEKENIKES ........................................ 420 LOS PICK-UPS .......................................... 375 LOS PUSSYCATS ....................................... 411 LOS REBELDES DEL ROCK ........................ 368 LOS SALVAJES . ........................................ 426 LOS SEASONS .......................................... 382 LOS SHAKERS .......................................... 398 LOS SIREX ................................................ 425 LOS TAUROS DE CAACUPÉ ........................ 411 LOS TEEN AGERS ...................................... 374 LOS TEENAGERS PARAGUAYOS ................. 412 LOS WILD CATS ........................................ 382 LOUIS JORDAN ........................................... 35 LOVE ........................................................ 349 LOVIN’ SPOONFUL .................................... 342 LUIS DIMAS Y LOS TWISTERS ................... 394 LULU ........................................................ 316 LUZ ELIANA .............................................. 397 LYNYRD SKYNYRD .................................... 603 MANAL ..................................................... 388 MANFRED MANN ...................................... 314 MARIANNE FAITHFUL ................................ 318 MARIO LANZA . ........................................... 27 MARISOL .................................................. 445 MARSHALL TUCKER BAND ........................ 605 MARTHA REEVES & THE VANDELLAS . ....... 169 MARTY WILDE . ......................................... 141 MARVIN GAYE ........................................... 174 MARY WELLS . .......................................... 169 MC5 ......................................................... 622 MICKY Y LOS TONYS ................................. 428 MIGUEL (MIKE) RÍOS ................................. 417 MIKE BLOOMFIELD ................................... 548 MINA ........................................................ 444 MOBY GRAPE . .......................................... 524 MOODY BLUES ......................................... 313 MORIS ...................................................... 381

MUDDY WATERS ......................................... 12 NANCY SIT . .............................................. 449 NAT KING COLE . ......................................... 32 NEIL SEDAKA ............................................ 130 NIEBIESKO CZARNI ................................... 467 NORA NEY ................................................ 429 OHIO EXPRESS ......................................... 328 OLYMPIC . ................................................. 464 OMEGA ..................................................... 464 OS INCRIVEIS ............................................ 431 OS MUTANTES .......................................... 438 OTIS REDDING .......................................... 178 PAJARITO ZAGURÍ ..................................... 383 PAPI BARRETO .......................................... 414 PAT BOONE . ............................................. 125 PAUL ANKA ............................................... 124 PAUL BUTTERFIELD BLUES BAND ............. 552 PAUL MCCARTNEY .................................... 271 PAUL REVERE AND THE RAIDERS .............. 322 PERCY SLEDGE ......................................... 188 PETE SEEGER ........................................... 210 PETER KRAUS ........................................... 461 PETER ROCK . ........................................... 394 PETER, PAUL AND MARY ........................... 215 PHIL SPECTOR .......................................... 204 PIERO CIAMPI ........................................... 459 PINK FLOYD .............................................. 513 POCO . ...................................................... 590 PROCOL HARUM ....................................... 315 QUESTION MARK AND THE MYSTERIANS... 321 QUICKSILVER MESSENGER SERVICE . ........ 505 QUINCY JONES ......................................... 194 RAMBLIN’ JACK ELLIOTT .......................... 217 RAY CHARLES ........................................... 112 RENATO E SEUS BLUE CAPS ..................... 433 RHYTHM AND BLUES GROUP .................... 465 RICHARD Y MIMI FARINA ........................... 218 RICHIE HAVENS . ....................................... 219 RICKY NELSON ......................................... 126 RIGHTEOUS BROTHERS ............................ 205 RINGO STAR ............................................. 272 RITA CHAO . .............................................. 450 RITA PAVONE ............................................ 444 RITCHIE VALENS ....................................... 102 ROBERT JOHNSON ..................................... 18 ROBERTO CARLOS .................................... 435 ROCKY TEOH ............................................ 450 RONNIE CORD . ......................................... 432 RORY GALLAGHER .................................... 570 ROY ORBISON ........................................... 105 ROY ROGERS .............................................. 29 673

LA ERA DEL ROCK

RUDY HEYN .............................................. 414 RULLI RENDO ........................................... 407 SAKURA TENG .......................................... 450 SAM & DAVE . ........................................... 190 SAM COOKE ............................................. 110 SAM PHILLIPS . ........................................... 88 SAM THE SHAM AND THE PHARAOS . ........ 321 SANDRO ................................................... 373 SCOTT MCKENZIE ..................................... 335 SHAMBA SHOW ........................................ 410 SHEILA ..................................................... 442 SHIN JUNG-HYUN ..................................... 452 SIMON & GARFUNKEL ............................... 331 SMOKEY ROBINSON & THE MIRACLES....... 173 SOCIETY OF SEVEN ................................... 448 SOLOMON BURKE . ................................... 191 SONNY & CHER . ....................................... 346 STEELY DAN ............................................. 591 STEPPENWOLF ......................................... 627 STEVE MILLER BAND ................................ 555 STEVIE WONDER ....................................... 177 STRAWBERRY ALARM CLOCK ................... 510 SUPER EQUIPO 87 .................................... 410 SYLVIE VARTAN ......................................... 442 TAJ MAHAL . ............................................. 572 TANGUITO . ............................................... 384 T-BONE WALKER . ...................................... 18 TEAM FOUR .............................................. 469 TED HEROLD ............................................ 460 TEDDY BEARS . ......................................... 204 TEN YEARS AFTER .................................... 569 THE AFTERMADS ...................................... 409 THE ALLMAN BROTHERS BAND ................ 595 THE ALMANAC SINGERS ........................... 211 THE ANIMALS ........................................... 284 THE ARCHIES ............................................ 329 THE ARISTO-CATS . ................................... 547 THE ASSOCIATION . ................................... 328 THE BAND.................................................. 595 THE BEACH BOYS ..................................... 199 THE BEATLES . .......................................... 238 THE BIG BOOPER ...................................... 122 THE BLUE COMETS ................................... 453 THE BLUE DIAMONDS ............................... 446 THE BOX TOPS . ........................................ 325 THE BYRDS . ............................................. 340 THE CARNABEATS . ................................... 457 THE CHARLATANS . ................................... 503 THE CHIFFONS . ........................................ 207 THE CLEVERS ........................................... 431 THE COLLINS KIDS . .................................. 117 THE CRESCENDOS & SUSAN LIM .............. 449 THE CRYSTALS ......................................... 207 674

THE DAVE CLARK FIVE .............................. 310 THE DIXIE CUPS ........................................ 208 THE DOORS .............................................. 481 THE DRIFTERS ............................................ 42 THE DRIFTERS .......................................... 166 THE ELECTRIC FLAG ................................. 550 THE EVERLY BROTHERS .............................. 96 THE FABULOUS ECHOES ........................... 448 THE FABULOUS FALCONS ......................... 450 THE FIFTH DIMENSIONS . .......................... 192 THE FLAMIN’GROOVIES . ........................... 522 THE FOUR SEASONS ................................. 158 THE FOUR TOPS . ...................................... 179 THE FUGS ................................................. 354 THE GOLDEN CUPS ................................... 456 THE GRASS ROOTS ................................... 348 THE GRATEFUL DEAD . .............................. 476 THE GUESS WHO ...................................... 327 THE HERMAN’S HERMITS ......................... 303 THE HOLLIES ............................................ 305 THE INK SPOTS . ......................................... 40 THE ISLEY BROTHERS . ............................. 175 THE JAGUARS . ......................................... 458 THE KINGSMEN . ....................................... 321 THE KINGSMEN . ....................................... 322 THE KINGSTON TRIO ................................. 214 THE KINKS ................................................ 299 THE MAMAS & THE PAPAS ........................ 345 THE MCCOYS............................................ 320 THE MELODIANS . ..................................... 451 THE MILLS BROTHERS . .............................. 40 THE MIRACLES ......................................... 168 THE MONKEES . ........................................ 329 THE MONKS . ............................................ 321 THE MOPS ................................................ 456 THE MOVE ................................................ 308 THE NEW CHRISTY MINSTRELS . ............... 336 THE NITTY GRITTY DIRT BAND .................. 587 THE ORIOLES . ............................................ 41 THE PLATTERS . .......................................... 41 THE PRETTY THINGS ................................. 315 THE QUEST ............................................... 446 THE RAVENS ............................................. 409 THE ROCKING BOYS . ................................ 419 THE ROLLING STONES .............................. 274 THE RONNETTES ...................................... 207 THE SATELLITEN FROM GERA ................... 470 THE SEARCHERS ...................................... 286 THE SHADOWS ......................................... 142 THE SHANGRI-LAS .................................... 209 THE SHIRELLES ........................................ 206 THE SKYLINERS .......................................... 46 THE SMALL FACES . .................................. 301 THE SONICS ............................................. 324 THE SPEAKERS ......................................... 403

THE SPENCER DAVIS GROUP . ................... 312 THE SPIDERS ............................................ 453 THE STRANGELOVES ................................ 321 THE SUPREMES ........................................ 180 THE SURFARIS .......................................... 162 THE TEMPTATIONS . .................................. 182 THE TEMPTERS . ....................................... 455 THE TEMPTERS . ....................................... 458 THE TIGERS .............................................. 456 THE TOKYO BEATLES ................................ 452 THE TORNADOS ........................................ 162 THE TRAVELING WILBURYS ....................... 107 THE TREMELOES ...................................... 316 THE TROGGS ............................................ 314 THE TURTLES ........................................... 350 THE VELVET UNDERGROUND ..................... 360 THE VENTURES ......................................... 163 THE WEAVERS .......................................... 211 THE WHO .................................................. 288 THE YARDBIRDS . ...................................... 297 THE YOUNG BEATS . .................................. 402 THE YOUNG RASCALS ............................... 325 THE YOUNGBLOODS ................................. 331 THE ZOMBIES ........................................... 311 THEM ....................................................... 311 THEO BECKFORD ...................................... 164 THEO SCHUMANN . ................................... 469 THIRTEEN FLOOR ELEVATORS ................... 509 THOMAS NATSCHINSKI ............................. 469 TIELMAN BROTHERS . ............................... 462 TIM BUCKLEY ........................................... 333 TOM JONES . ............................................ 295 TOMMY JAMES AND THE SHONDELLS....... 326 TOMMY STEELE . ...................................... 137 TOMMY’S SUPERSTARS ............................ 410 TONY SHERIDAN ....................................... 247 TONY Y CELLY CAMPELLO . ....................... 430 TRINI LOPEZ ............................................. 337 TROPICÁLIA .............................................. 436 UNDERGROUND ........................................ 411 VANILLA FUDGE ........................................ 511 VINCE TAYLOR . ......................................... 137 VLADIMIR VYSOTSKY ................................ 471 WANDERLÉA . ........................................... 435 WILSON PICKETT ...................................... 171 WONG CHING YIAN . .................................. 450 WOODY GUTHRIE ...................................... 212 YOLY . ....................................................... 407 YUZO KAYAMA .......................................... 454 ZZ TOP ..................................................... 610

INDICE GENERAL DE LA OBRA

SUMARIO....................................................................................3 PRÓLOGO: ¿OTRO LIBRO MÁS DE ROCK?....................................4 INTRODUCCIÓN: ¿DE QUÉ ESTAMOS HABLANDO?.......................6 CAPITULO 1: UN COMIENZO INESPERADO................................8 DE AFRICA A NORTEAMERICA......................................................8 EL BLUES SE HACE POPULAR....................................................10 UN ABANICO DE ESTILOS..........................................................11 BLOS QUE MARCARON A FUEGO AL ROCK........................12 MUDDY WATERS.......................................................................12 HOWLIN’ WOLF.........................................................................13 JOHN LEE HOOKER...................................................................15 ELMORE JAMES........................................................................17 ROBERT JOHNSON....................................................................18 LIGHTNIN’ HOPKINS..................................................................19 B.B. KING..................................................................................19 ALBERT COLLINS......................................................................21 ALBERT KING............................................................................22 FREDDIE KING...........................................................................23 BUDDY GUY..............................................................................24 CAPITULO 2: EL RELOJ COMIENZA A GIRAR...........................25 DECADA DE CAMBIOS...............................................................25 LA MUSICA “JOVEN”.................................................................26 REBELDES SIN CAUSA..............................................................30 CAPITULO 3: LOS VERDADEROS ORÍGENES DEL ROCK...........33 NEGRO SPIRITUAL O GOSPEL MUSIC.........................................33 ¿OLVIDO DELIBERADO?.............................................................34 JUMP BLUES............................................................................35 PADRES NO RECONOCIDOS.......................................................36 EL DOO-WOP............................................................................38 THE MILLS BROTHERS . ...........................................................40 THE INK SPOTS.........................................................................40 THE ORIOLES............................................................................41 THE PLATTERS..........................................................................41 THE DRIFTERS..........................................................................42 FRANKIE LYMON & THE TEENAGERS..........................................43 DOO WOP BLANCO O “NEO DOO-WOP”.....................................44 DION AND THE BELMONTS........................................................45 DANNY AND THE JUNIORS........................................................46 CAPITULO 4: EL ROCK & ROLL VINO PARA QUEDARSE...........47 BILL HALLEY & THE COMETS....................................................49 CHUCK BERRY..........................................................................52 LITTLE RICHARD.......................................................................55

FATS DOMINO...........................................................................57 BO DIDDLEY..............................................................................58 ESQUERITA!..............................................................................60 ELVIS PRESLEY, “THE KING”......................................................61 UN ADOLESCENTE DIFERENTE..................................................62 EXPLOTA EL FENÓMENO ELVIS..................................................63 EL GRAN SALTO........................................................................64 EL ROCK AND ROLL DOMESTICADO..........................................68 EL REY NO HA MUERTO... ¡VIVA EL REY!....................................70 LA GUITARRA ELÉCTRICA SU NACIMIENTO............................74 LA GUITARRA ELÉCTRICA DÉCADA DEL 50.............................76 LA GUITARRA ELÉCTRICA DÉCADAS DEL 60 Y 70..................78 LA GUITARRA ELÉCTRICA DESDE LOS 80 Y HASTA HOY........80 BUDDY HOLLY & THE CRICKETS................................................82 ALAN FREED.............................................................................86 SAM PHILLIPS...........................................................................88 JOHNNY CASH..........................................................................89 JERRY LEE LEWIS “THE KILLER”...............................................91 CARL PERKINS..........................................................................93 THE EVERLY BROTHERS............................................................96 EDDIE COCHRAN.......................................................................98 GENE VINCENT........................................................................100 RITCHIE VALENS.....................................................................102 CONNIE FRANCIS....................................................................103 ROY ORBISON, THE BIG “O”.....................................................105 LLOYD PRICE..........................................................................108 LAVERN BAKER.......................................................................109 SAM COOKE............................................................................110 RAY CHARLES, “THE GENIOUS”...............................................112 BRENDA LEE, ¡PEQUEÑA DINAMITA!........................................116 THE COLLINS KIDS..................................................................117 LARRY WILLIAMS....................................................................118 JOHNNY BURNETTE................................................................119 DUANE EDDY..........................................................................120 BUDDY KNOX..........................................................................121 THE BIG BOPPER.....................................................................122 DALE HAWKINS.......................................................................123 TEEN IDOLS...........................................................................124 PAUL ANKA.............................................................................124 PAT BOONE.............................................................................125 TEEN IDOLS............................................................................126 RICKY NELSON........................................................................126 FABIAN...................................................................................127 675

LA ERA DEL ROCK

FRANKIE AVALON....................................................................127 BOBBY DARIN ........................................................................129 NEIL SEDAKA..........................................................................130 BOBBY RYDELL.......................................................................131 BOBBY VEE.............................................................................132 CROCKNOLOGÍA AÑOS 50.....................................................134 CAPITULO 5: EL ROCK’N’ROLL CRUZA EL OCÉANO...............135 LA ERA PRE-BEATLES.............................................................135 LONNIE DONEGAN..................................................................136 TOMMY STEELE......................................................................137 VINCE TAYLOR.........................................................................137 BILLY FURY.............................................................................138 CLIFF RICHARD.......................................................................140 THE SHADOWS.......................................................................142 JOHNNY KIDD & THE PIRATES.................................................143 ADAM FAITH...........................................................................144 ALEXIS KORNER......................................................................145 CAPITULO 6: UNA DÉCADA DE CAMBIOS.........................147 EL MUNDO YA NO ES EL MISMO..............................................148 CONFLICTOS RACIALES..........................................................149 EUROPA VS. EE.UU..................................................................150 LA REVOLUCION DE ‑LAS COSTUMBRES.................................153 CAPITULO 7: ¿EL ROCK ES DOMESTICADO?....................156 LA CORRIENTE COMERCIAL....................................................157 LOS “NOVELTIES”...................................................................158 EL TWIST Y LOS “DANCE CRAZES”..........................................159 EL ROCK INSTRUMENTAL........................................................161 THE VENTURES.......................................................................163 LA “ONDA EXÓTICA”...............................................................164 RHYTHM & BLUES BLANCO.....................................................164 LAS RAÍCES DEL SOUL............................................................165 CAPITULO 8: SURGE UNA NUEVA EXPRESIÓN..................167 EL ALMA DE UN PUEBLO.........................................................167 SE FORMA UNA GRAN FAMILIA................................................169 EL SOUL DOMINA LAS LISTAS.................................................170 EVOLUCION Y DECADENCIA.....................................................171 HEROES DEL SOUL.................................................................172 JACKIE WILSON .....................................................................172 SMOKEY ROBINSON & THE MIRACLES....................................172 MARVIN GAYE.........................................................................174 THE ISLEY BROTHERS.............................................................175 ARETHA FRANKLIN..................................................................176 STEVIE WONDER.....................................................................177 OTIS REDDING........................................................................178 THE FOUR TOPS . ...................................................................179 THE SUPREMES .....................................................................180 676

THE TEMPTATIONS . ...............................................................182 JAMES BROWN.......................................................................183 IKE & TINA TURNER . ..............................................................185 PERCY SLEDGE ......................................................................188 CURTIS MAYFIELD & THE IMPRESSIONS . ...............................188 BEN E. KING . .........................................................................190 SAM & DAVE . ........................................................................190 BOBBY WOMACK ...................................................................190 SOLOMON BURKE . ................................................................191 GLADYS KNIGHT & THE PIPS ..................................................192 THE FIFTH DIMENSIONS . .......................................................192 QUINCY JONES ......................................................................194 BOOKER T & MG’S .................................................................195 CAPITULO 9: ANTES DE LA INVASIÓN: SURF-ROCK, POP Y FOLK................................................197 SURF MUSIC...........................................................................197 DICK DALE..............................................................................198 JAN & DEAN...........................................................................199 THE BEACH BOYS...................................................................199 PHIL SPECTOR Y SU “MURO DE SONIDO”................................204 “GIRL GROUPS” .....................................................................206 LOS CAMINOS DEL FOLK........................................................210 PETE SEEGER.........................................................................210 WOODY GUTHRIE....................................................................212 THE KINGSTON TRIO...............................................................214 PETER, PAUL AND MARY.........................................................215 RAMBLIN’ JACK ELLIOTT .......................................................217 RICHARD Y MIMI FARINA.........................................................218 RICHIE HAVENS.......................................................................219 JONI MITCHELL......................................................................220 ARLO GUTHRIE ......................................................................222 DAVE VAN RONK.....................................................................223 JOAN BAEZ.............................................................................224 BOB DYLAN............................................................................226 LOS COMIENZOS DE SU LEYENDA...........................................226 EN BUSCA DE LA GLORIA........................................................229 LOS TIEMPOS CAMBIAN..........................................................230 SU VUELTA Y SU LENTA CAIDA.................................................232 DYLAN CRISTIANO..................................................................234 LA RECUPERACION.................................................................235 CAPITULO 10: LA INVASIÓN BRITÁNICA..........................237 THE BEATLES..........................................................................238 COMIENZO DE LA LEYENDA....................................................239 DE MOONDOGS A BEETLES.....................................................242 PRIMERAS OPORTUNIDADES...................................................242 DE VUELTA AL MERSEYSIDE....................................................245 EPSTEIN A ESCENA.................................................................247 ESTA ES LA “VENCIDA”...........................................................248 SE VIENEN CAMBIOS...............................................................249

ESTALLA LA BEATLEMANIA.....................................................251 LOS NUEVOS MESIAS..............................................................255 BUSCANDO UN CONCEPTO.....................................................259 TODO LO QUE NECESITAS ES AMOR........................................261 BUSCANDO UNA SALIDA.........................................................262 CRECE LA TORMENTA.............................................................264 TODO EN BLANCO..................................................................265 LA MANZANA DE LA DISCORDIA.............................................265 DÉJALO SER...........................................................................268 CADA CUAL POR SU CAMINO..................................................268 LA BANDA SE ESCAPA............................................................271 HECHO A MANO......................................................................271 NO SOLO UN BATERISTA.........................................................272 EPILOGO.................................................................................273 THE ROLLING STONES............................................................274 THE ANIMALS.........................................................................284 THE SEARCHERS.....................................................................286 THE WHO................................................................................288 LA MODA DEL ROCK Y DEL POP INGLÉS...............................294 GERRY AND THE PACEMAKERS...............................................296 FREDDIE AND THE DREAMERS................................................296 THE YARDBIRDS......................................................................297 THE KINKS..............................................................................299 THE SMALL FACES..................................................................301 THE HERMAN’S HERMITS........................................................303 THE HOLLIES..........................................................................305 THE MOVE..............................................................................308 THE DAVE CLARK FIVE............................................................310 THE ZOMBIES.........................................................................311 THEM.....................................................................................311 THE SPENCER DAVIS GROUP...................................................312 MOODY BLUES........................................................................313 MANFRED MANN....................................................................314 THE TROGGS...........................................................................314 THE PRETTY THINGS...............................................................315 PROCUL HARUM.....................................................................315 THE TREMELOES....................................................................316 LULU......................................................................................316 MARIANNE FAITHFUL..............................................................318 CAPITULO 11: AMÉRICA DESPIERTA...............................319 GARAGE BANDS......................................................................320 THE KINGSMEN.......................................................................321 PAUL REVERE AND THE RAIDERS............................................322 THE SONICS............................................................................324 THE BOX TOPS........................................................................325 THE YOUNG RASCALS.............................................................325 TOMMY JAMES AND ..............................................................326 THE SHONDELLS....................................................................326 THE GUESS WHO....................................................................327

THE ASSOCIATION...................................................................328 BUBBLE GUM ROCK................................................................328 OHIO EXPRESS........................................................................328 THE ARCHIES..........................................................................329 THE MONKEES........................................................................329 LOS “FOLKIES” DE GREENWICH VILLAGE.............................330 JESSE COLIN YOUNG .............................................................331 SIMON & GARFUNKEL.............................................................331 “COUNTRY” JOE MCDONALD & THE FISH................................333 TIM BUCKLEY..........................................................................333 SCOTT MCKENZIE ..................................................................335 BARRY MCGUIRE . ..................................................................336 TRINI LOPEZ ..........................................................................337 DONOVAN...............................................................................338 FOLK ROCK............................................................................340 THE BYRDS.............................................................................340 LOVIN’ SPOONFUL..................................................................342 BUFFALO SPRINGFIELD ..........................................................343 BEAU BRUMMELS...................................................................344 THE MAMAS & THE PAPAS .....................................................345 SONNY & CHER . ....................................................................346 THE GRASS ROOTS ................................................................348 LOVE......................................................................................348 THE TURTLES..........................................................................350 FAIRPORT CONVENTION..........................................................351 JOHNNY RIVERS.....................................................................352 EL ACID-FOLK Y LOS “FREAKS” DE LA CONTRACULTURA...354 THE FUGS...............................................................................354 HOLY MODAL ROUNDERS........................................................355 FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION.......................356 CAPTAIN BEEFHEART..............................................................359 THE VELVET UNDERGROUND...................................................360 CAPITULO 12: ROCK AROUND THE WORLD......................363 ROCK EN ESPAÑOL................................................................363 EL ROCK EXPLOTA EN MÉXICO................................................364 LOS LOCOS DEL RITMO..........................................................365 ENRIQUE GUZMÁN Y LOS TEEN TOPS......................................366 LOS REBELDES DEL ROCK......................................................368 LOS BLACK JEANS/CAMISAS NEGRAS Y LOS HERMANOS CARRIÓN...................................................368 LOS LOUD JETS......................................................................370 LOS HOOLIGANS.....................................................................371 LOS NOVELS...........................................................................372 LOS BOOPERS .......................................................................372 LOS BLUECAPS . ...................................................................372 EL ROCK SIGUE HACIA EL SUR: ARGENTINA Y CHILE...........373 BILLY CAFARO.........................................................................373 677

LA ERA DEL ROCK

LOS TEEN AGERS....................................................................374 LOS PICK-UPS........................................................................375 LOS JETS - JACKIE Y LOS CICLONES......................................375 EL “CLUB DEL CLAN”..............................................................377 LA COMPETENCIA Y EL MENSAJE...........................................379 EL NUEVO SONIDO “BEAT”......................................................380 LOS JOVENES SE VAN A LA COSTA..........................................380 DE VUELTA A BUENOS AIRES...................................................381 LAS PRIMERAS GRABACIONES................................................382 LA CUEVA CAMBIA..................................................................384 EMPIEZAN A GANAR ESPACIOS...............................................384 LOS GATOS TRANSFORMAN TODO..........................................385 LO “BEAT” SE VUELVE COMERCIAL..........................................387 MANAL QUE CAE DE ARRIBA...................................................388 ALMENDRA: EL TERCER PILAR................................................390 EL ROCK EN CHILE ...............................................................392 ANTES DE LA “NUEVA OLA”.....................................................392 ELVIS REINA EN CHILE.............................................................393 ROCK & ROLL MADE IN CHILE . ..............................................394 AHORA SE ENTIENDE LO QUE DICEN ......................................395 LA “NUEVA OLA” INMORTAL....................................................396 EL ROCK SE EXPANDE POR SUDAMÉRICA............................398 URUGUAY, DOMINA EL SONIDO “BEAT”....................................398 COLOMBIA, ENTRE LA CUMBIA Y EL ROCK..............................401 VENEZUELA BUSCA SONIDO PROPIO.......................................404 PERÚ TUVO SU “NUEVA OLA”..................................................406 EN PARAGUAY SE IMPUSIERON LOS BAILES............................408 LAS ORQUESTAS “BAILABLES”................................................409 GRUPOS Y PERSONAJES.........................................................412 EL ROCK & ROLL EN LA MADRE PATRIA...............................415 EL DÚO DINÁMICO..................................................................415 MIGUEL (MIKE) RÍOS...............................................................417 THE ROCKING BOYS................................................................419 LOS PEKENIKES......................................................................420 LOS BRAVOS .........................................................................421 LOS BRINCOS.........................................................................422 LOS ESTUDIANTES..................................................................423 LOS MUSTANG........................................................................425 LOS SIREX..............................................................................425 LOS SALVAJES . .....................................................................426 MICKY Y LOS TONYS...............................................................428 ROCK ‘N’ SAMBA PIONEROS DEL ROCK BRASILERO............429 LOS AÑOS DEL YÉ YÉ..............................................................431 “A JOVEM GUARDA”...............................................................432 UNA NUEVA REVOLUCIÓN........................................................436 PARÍS SE REBELA...................................................................439 LAS CHICAS YE-YÉ................................................................442 LAS CHICAS YE-YÉS EN FRANCIA............................................443 678

LAS YE-YÉS EN EUROPA..........................................................444 LOS CHICOS YE-YÉS...............................................................445 ROCK DEL LEJANO ORIENTE.................................................446 MALASIA, SINGAPUR Y HONG KONG........................................446 CHINA Y COREA......................................................................450 JAPÓN ..................................................................................452 BANDAS CLAVE DE GROUP SOUNDS.......................................456 ROCKIN’ ROMA.......................................................................459 KRAUT ROCK..........................................................................460 DUTCH ROCK..........................................................................462 EUROPA DEL ESTE.................................................................463 CHECOSLOVAQUIA Y HUNGRIA................................................464 POLONIA.................................................................................465 ALEMANIA ORIENTAL..............................................................468 UNIÓN SOVIÉTICA, FOLK Y BEAT..............................................471 CAPITULO 13: HAZ EL AMOR Y LA GUERRA.....................473 FLOWER POWER, PSICODELIA Y LOS REVIVALS.......................473 SAN FRANCISCO, CUNA DEL ACIDO.........................................474 THE GRATEFUL DEAD..............................................................476 JEFFERSON AIRPLANE............................................................479 THE DOORS............................................................................481 LAS PUERTAS DE LA EXPERIMENTACIÓN.................................481 LAS PUERTAS SE ABREN.........................................................483 DIAS EXTRAÑOS.....................................................................484 ESPERANDO POR EL SOL........................................................485 EL SUAVE DESFILE..................................................................487 EL HOTEL MORRISON.............................................................488 MUJER DE LOS ANGELES........................................................489 THE DOORS SIN MORRISON....................................................490 JIMI HENDRIX.........................................................................491 JANIS JOPLIN.........................................................................498 PSICODÉLICOS HASTA LA MÉDULA......................................503 THE CHARLATANS...................................................................503 QUICKSILVER MESSENGER SERVICE........................................505 BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY...............................506 THIRTEEN FLOOR ELEVATORS.................................................509 STRAWBERRY ALARM CLOCK..................................................510 VANILLA FUDGE......................................................................511 PINK FLOYD A LA VANGUARDIA DE LA PSICODELIA..................513 THE FLAMIN’ GROOVIES..........................................................522 MOBY GRAPE..........................................................................524 ELECTRIC PRUNES..................................................................525 CAPITULO 14: EL BLUES REVIVAL...................................527 VUELTA A LAS RAÍCES.............................................................527 JOHN MAYALL.........................................................................528

ERIC CLAPTON........................................................................530 EL PRIMER DIOS DE LA GUITARRA..........................................530 ERIC PROFESIONAL.................................................................532 ERIC SUPERESTRELLA............................................................532 UNA FE CIEGA.........................................................................534 ERIC IDEALISTA.......................................................................537 SU PLAN ES NO SOBRESALIR..................................................538 ERIC DROGADICTO..................................................................540 ERIC SOBREVIVIENTE..............................................................540 ERIC ALCOHOLICO..................................................................541 ERIC MADURO........................................................................542 ROCKERS CON ALMA DE BLUES...........................................544 JOHNNY WINTER.....................................................................544 AL KOOPER.............................................................................546 MIKE BLOOMFIELD.................................................................548 THE ELECTRIC FLAG...............................................................550 PAUL BUTTERFIELD BLUES BAND...........................................552 STEVE MILLER BAND..............................................................555 ELVIN BISHOP.........................................................................558 BOB SEGER.............................................................................560 CANNED HEAT........................................................................561 CARLOS SANTANA..................................................................562 FLEETWOOD MAC...................................................................565 TEN YEARS AFTER..................................................................568 RORY GALLAGHER..................................................................570 TAJ MAHAL.............................................................................572 CAPITULO 15: EL NACIMIENTO DEL COUNTRY-ROCK.......575 GRAM PARSONS.....................................................................576 CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL........................................579 CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG............................................583 THE BAND...............................................................................585 THE NITTY GRITTY DIRT BAND................................................587 POCO......................................................................................590 STEELY DAN............................................................................591

HOT TUNA...............................................................................593 THE ALLMAN BROTHERS BAND...............................................595 EAGLES .................................................................................598 LYNYRD SKYNYRD...................................................................603 MARSHALL TUCKER BAND......................................................605 BLACK OAK ARKANSAS...........................................................606 LINDA RONSTADT...................................................................608 ZZ TOP....................................................................................610 CAPITULO 16: EL ROCK SE ENDURECE: LAS RAÍCES DEL HARD ROCK Y DEL HEAVY METAL.........613 JEFF BECK..............................................................................614 CACTUS..................................................................................617 BLUE CHEER...........................................................................618 IRON BUTTERFLY....................................................................621 MC5.......................................................................................622 IGGY POP & THE STOOGES......................................................624 STEPPENWOLF.......................................................................627 DEEP PURPLE PILAR DEL HEAVY METAL..................................629 LED ZEPPELIN EL MONSTRUO SAGRADO DEL METAL..............636 GRAND FUNK .........................................................................642 RAILROAD...............................................................................642 HUMBLE PIE...........................................................................644 FREE.......................................................................................646 BLACK SABBATH LOS BRUJOS DEL METAL.............................648 ¡FESIVALES!..........................................................................654 LA REUNIÓN DE LAS TRIBUS...................................................654 ORIGENES “DESENCHUFADOS”...............................................654 EL PODER DE LA FLOR............................................................655 LA GENTE DEL MAÑANA QUE PUDO SER.................................658 LA NACIÓN WOODSTOCK........................................................659 DE AMERICA A EUROPA...........................................................664 GOLPES, MUERTE Y MALAS VIBRAS........................................666 CROCKNOLOGÍA AÑOS 60.....................................................670

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LA ERA DEL ROCK

Bibliografía consultada: 50 Años de Música Rock, Phillipe Paraire, Ed. El Prado, 1992 The Golden Age of Rock, David McCarty, Chartwell Books Inc., 1990 Héroes del Rock, Los fabulosos ‘50, J.L. Castelar, Ed. Distal, 1992 Elvis, El Rey del Rock and Roll, Marcelo L. Gobello, Ed. Distal, 1993 Rock and Roll Memorabilia, Hilary Kay, Fireside Book, 1992 Guía Escencial del Soul, Patricia Godes, Ed. La Máscara, 1994 Dylan, Luces y Sombras, Vicente Escudero, Ed. La Máscara, 1993 Jimi Hendrix, Iñaki Fernández , Ed. La Máscara, 1994 Jimi Hendrix, A Visual Documentary, Tony Brown , Mnibus Press, 1992 Eric Clapton, Vicente Escudero, Ed. La Máscara, 1994 Eric Clapton, Mark Roberty, Omnibus Press, 1990 Música Popular Estadounidense, Ag. de Información de los EE. UU. 1987 John Lennon, Imágenes y Canciones, Ed. Yesterday, 1991 The Beatles, Una historia irrepetible, Ed. Yesterday, 1991 Revista Gutarrista, Ed. RDM, N° 21, Mayo 2000 Estrellas del Rock, Editorial Altaya, 1999 Rock and Roll, Tom Stoppard, 2008 All Music Guide to Rock, M. Erlewine, C. Woodstra, S. Erlewine, R. Unternerger, 2002 The Rolling Stone Encyclopaedia of Rock and Roll, H. G. Warren, P. Romanowsky, J. Pareles, 2001 Como Vino la Mano, Miguel Grinsberg, 1983 Guías Aloha Pop-Rock, 50’s, 60’s, 70’s, Ed. Aloha Criticón, 2001-2009. The Ultimate Encyclopaedia of Rock, Michael Heatley, 1993 The Definitive Encyclopaedia of Rock, Michael Heatley, 2007 El Libro del Rock, Phillip Dodd, Ediciones B, 2001 Rock and Roll Year By Year, L. Crampton & D. Rees, 2005 Turn That Down!, Lewis Grossberger, 2005 Revista Primer Corte, Grandes Mitos, Mayo 1995 Revista Rolling Stone, Año 7 Nº 76, 2004 Revista Rolling Stone, Año 2 Nº 25, 1998 Revista Kerrang Mega Metal, J.C. Ediciones, N° 6, Febrero 1996 Revista Heavy Rock, N° 171, Noviembre 1997 Revista Guitar Player, Febrero 1994 Revista Elvis Hoy, N° 1 y 2, Carlos R. Ares, 1993 Revista Cambio 16, Especial Colección Años 60, 1994

Consultas Web www.allmusicguide.com www.mp3.com - Artist Biography www.bioandlyrics.com www.answers.com - World Rock www.wikipedia.com www.flickr.com www.teacuerdas.com - Un sitio para el recuerdo 1940-1989 www. nederrock.pmouse.nl - 60’s Neder-Gitaar-Rock

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www.polskirock.pl - Franciszek Walicki, Strono Oficjalna www.questing.wordpress.com - Bands in the Far East in the 60’s www.pbase.com - 60’s & 70’s Asian Pop Record Covers www. garagerocks.blogspot.com - Días de Garage www.60spunk.m78.com www.rockabilly.nl - Rockabilly website in Europe www.guateque.net - La Historia Jamás Contada de la Música de los 60 www.popthing.com www.japrocksampler.com - Artistas de Rock Japonés www.garagehangover.com www.russia-ic.com - Russian rock www.mischalke04.wordpress.com - German 45 rpm Records www. paradiseofgaragecomps.blogspot.com www.estudiocaos.com - Rock y política de izquierda en Bogotá www.diccionariorocker.blogspot.com - Diccionario Rockabilly www.rockhall.com - Rock and Roll Hall of Fame + Museum www. bubblegum-machine.com www.los60.es www.elcarrete.cl - Enciclopedia del Rock Chileno www.10musica.com www.musicadelrecuerdo.com www.radio2.com www.eldar.cz - Rocková Encyclopedie www.superseventies.com - Super Seventies Rock Site! www.shillpages.com - Portadas de discos www.digitaldreamdoor.nutsie.com - 100 Female Vocalists of Rock ‘N’ Roll www. www.livinblues.com www. niteliteson.com - The 50’S Memories Jukebox Agradecimiento especial a: www.joaolennon.cjb.net / earlybeatles.cjb.net - Por las fotos geniales.

Documentación Gráfica: Rock and Roll Hall of Fame + Museum, Victoria and Albert Museum, About. com - Desktop Publishing, Archivo Diario ABC Color, Imperial War Museum, Life Magazine, Picasa Web Albums, PBase.com, DK Images, NYPL Digital Gallery, Archivo Vicente Escudero, Archivo Agencia de Noticias Free Lance Press, CBS/Sony Music, Warner, Lauren Films, MGM Video, Archivo Editorial, Cordon Press, Archivo Cambio 16, Dezzo Hoffman, Pictorial Press, Old Gold Archives, Metro Music, The Vintage Magazine, Christie’s, Quadrant Picture Library, Reed International Books Ltd., Sothesby’s, Arturo González De Alba, Arturo Osorno, Carlos Alcázar Solís, Carlos Arnaus, Cuauhtli Gutiérrez, Edgar Espinoza Ulloa, Eduardo Del Conde Arton, Eniac Martínez, Enrique Salazar, Ernesto Peñaloza, Felix Leonelli, Fernando Cordero, Herminia Dosal, Javier Reyes, Jorge Contreras Chacel, José González Manterola, Juan Rodrigo Llaguno, Laura Cohen, Leopoldo Aguilar, Lourdes Almeida, Luis Stephens, Manuel Zavala, Mario Gómez Casas, Mark Mogilner, Michel Zabé, Pablo Diener, Pedro Ángeles, Rafael Doniz, Vicente Guijosa.

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FIN DEL TOMO PRIMERO

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