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Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live Professor Ramiro Galas
Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live
Sumário
AULA 1 CONCEITO DE “MÚSICA” HOJE E PRINCÍPIOS DO ÁUDIO DIGITAL
4
AULA 2 CONHECENDO O SOFTWARE ABLETON LIVE
9
AULA 3 INTRODUÇÃO À GRAVAÇÃO
17
AULA 4 SÍNTESE SONORA
21
AULA 5 PROGRAMAÇÃO DE BATERIA
26
AULA 6 PEQUENA INTRODUÇÃO À TEORIA MUSICAL
34
AULA 7 COMPOSIÇÃO: ÁUDIOS PRÉ-GRAVADOS
41
AULA 8 COMPOSIÇÃO: CRIANDO UMA FAIXA AUTORAL
44
AULA 9 SEQUENCIAMENTO E AUTOMAÇÃO
46
AULA 10 CONCEITOS GERAIS SOBRE MIXAGEM E MASTERIZAÇÃO
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__ AULA 1 | CONCEITO DE “MÚSICA” HOJE E PRINCÍPIOS DO ÁUDIO DIGITAL 1.1. O que é mesmo isso que a gente chama de música?
As performances necessitaram ser chamadas de “ao vivo”, enquanto as gravações “são” as próprias músicas. (THORNTON, 1996).
Para começarmos nossa conversa, precisamos entender o que nossa cultura, atualmente, chama de música. Veja a figura a seguir, referente à primeira “era” das gravações.
Figura 1. Foto de uma gravação na era acústica: organiza-se os músicos na sala para melhor resultado na gravação (WELCH; BURT, 1994, p. 121). O cantor está mais próximo da corneta. Metais ficam atrás e mais acima. Cordas, à frente dos sopros.
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Vemos aqui o quanto há um trabalho de “formatação” daquilo que consideramos música. Antes das gravações e das inovações tecnológicas da música, você obrigatoriamente precisava de um instrumentista e um instrumento para ouvir música. A música mudou daquele fenômeno performático e único para se tornar um padrão formatado pela história da gravação. De forma que aquilo que chamamos de música é um conceito construído ao longo do tempo, que envolve uma série de “regras e padrões” nos quais se inserem os diversos estilos e gêneros musicais. A disposição dos músicos na figura 1 deixa isso claro. Antes da gravação multicanal1, era preciso organizar espacialmente os instrumentos, de modo a conseguir uma gravação “compreensível” para público, músicos e produtores. 1.2. Áudio Digital
Figura 2. A amostragem no áudio digital: Na gravação digital, o sinal sonoro é amostrado 44.100 vezes por segundo e, para cada amostra, é gerado um número binário (byte), transformando o som em um gigante caractere formado de milhões de números (MUMMA; RYE; KERNFELD, 2012, p. 9).
O áudio digital é a representação digital de uma onda sonora por meio de código binário. O processo que envolve, na captação ou gravação, a conversão do som analógico para digital (AD) e, na reprodução, a conversão do som digital para analógico (DA), permitindo que o som seja armazenado e reproduzido em diferentes meios. São arquivos de áudio de alta qualidade: WAV, AIFF, CAF. Gravação Música
Gravação Vídeo
Padrão CD
Bit depth
24 bits
24 bits
16 bits
Sample rate
44.100
48.000
44.100
1 Gravação multicanal ou multipista: grava-se, ao mesmo tempo ou separadamente, cada um dos instrumentos em um canal diferente. Depois, faz-se a soma ou junção desses canais “artificialmente”, criando uma pista de áudio só, com todos os canais. 5
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Logo, áudio é tudo aquilo que foi gravado, seja um instrumento, voz, sons ambientes etc. Tudo que foi gravado virou um áudio.
Figura 3. No processo de digitalização do tipo PCM, as amplitudes são transformadas em números binários (POHLMANN, 2001, p. 38). No padrão do CD, faz-se 44.100 amostras por segundo, cada amostra gerando um número binário.
1.3. MIDI MIDI (abreviação de Musical Instrument Digital Interface) é uma norma técnica que descreve um protocolo, interface digital e conectores e permite a conexão, a comunicação e a troca de “informações musicais” entre uma grande variedade de instrumentos musicais eletrônicos, computadores e outros dispositivos relacionados.
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Figura 4. Piano roll: organização de notas musicais, com suas respectivas alturas, forças e duração, em função do tempo
O MIDI carrega mensagens de evento que especificam notação, pitch e velocidade, sinais de controle para os parâmetros, tais como volume, vibrato2, panning, pistas e sinais de MIDI clock, que definem e sincronizam ritmo entre vários dispositivos. Essas mensagens são enviadas através de um cabo MIDI para outros dispositivos onde são controladas a geração de som e outros recursos. Os diversos parâmetros presentes no programa, ou seja, qualquer “botão” ou função, podem ser automatizados e controlados por via MIDI. Veja no quadro a seguir alguns padrões de controle MIDI. A cada “botão” ou função do programa, você pode atribuir um número de MIDI CC, para que você o controle via controlador MIDI ou via automação: Número MIDI CC MIDI 0
CC
MIDI 1
CC
MIDI 2
CC
MIDI 4
CC
Função
MIDI CC Descrição
MIDI CC Bank Select
Mudança de banco de timbre
Modulation
Geralmente, esse CC controla o efeito vibrato, modulação de afinação
Aftertouch
Geralmente associado ao aftertouch, ou seja, a velocidade com que a tecla pressionada é soltada pode gerar um sinal e controlar algum parâmetro sonoro.
Controle de pedal
Geralmente relacionado ao pedal de sustain de instrumentos com teclas (pianos, órgão, cravo)
2 Vibrato: Nos instrumentos de das (violino, viola e violoncelo), efeito técnico que consiste em produzir uma ligeira oscilação na altura de um som, a fim de reforçar o valor expressivo das notas. 7
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1.4. Conclusão Conversamos sobre as convenções sociais e temporais que compõem aquilo que nós entendemos como música. Tendo isso em mente, podemos ar ao estudo das principais linguagens e formatos utilizados na produção musical. Assim, vimos que, no Ableton Live e na maioria dos DAWs, esses são os dois tipos de canais mais importantes: o canal (ou faixa) de áudio de de MIDI. Vimos também as características e funções de cada um desses tipos de linguagem.
1.5. Sugestão de vídeos Vídeo em inglês sobre bit depth, áudio digital e mixagem! Muito bom, vale a pena! https://www.youtube.com/watch?v=T-TpPLzRpsU Já este outro fala sobre a diferença entre o som do vinil e o som de CD, ou seja, a diferença entre analógico e digital. https://www.youtube.com/watch?v=fBQD58dkhjk
1.6. Referências MUMMA, G.; RYE, H.; KERNFELD, B. Recording. In: New Grove Dictionary of Music. Disponível em:
. o em: 19 jun. 2012. POHLMANN, Ken C. The Compact Disc Handbook. Oxford; New York: Oxford University Press, 2001. THORNTON, Sarah. Club Cultures: Music, Media and Subcultural Capital. Cambridge: Polity Press, 1995. WELCH, W. L.; BURT, L. B. From tinfoil to stereo. The acoustic years of the recording industry, 1877-1929. Florida: University of Florida Press, 1994.
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__ AULA 2: CONHECENDO O SOFTWARE ABLETON LIVE 2.1. O que é DAW?
Figura 1. Digital Audio Workstation (DAW): ambiente virtual de produção musical – Ableton Live.
A funcionalização da música como notas em sequências em um eixo temporal linear, incrementada às inovações do piano roll presente nas pianolas, a emulação de mesas de som e a presença de instrumentos virtuais que simulam outros instrumentos, formam o ambiente de produção músicas dos DJs e produtores, o DAW. Na figura a seguir, veremos uma representação genérica do que faz parte de qualquer DAW, independente da marca. Veremos que, nele, podemos organizar impulsos MIDIs e áudios diversos em função do tempo. Esses impulsos podem fazer tocar sintetizadores ou samples e os áudios podem ser gravações de qualquer instrumento musical ou uma voz. Essa organização é feita no sequenciador3 (sequencer). Cada canal, seja de áudio ou MIDI, é editável pela simulação de mesa de som do DAW. Assim, os DAW possuem:
3 Sequenciador é um dispositivo que, conectado a um instrumento eletrônico, permite criar linhas melódicas com notas pré-definidas que são posteriormente reproduzidas de maneira autônoma conforme comando do compositor. 9
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1.
impulsos MIDI tocando instrumentos musicais virtuais e/ou áudios gravados;
2. sequenciador que organiza esses impulsos e áudios em função do tempo; 3. mesa de som virtual, na qual se soma as diversas trilhas.
Figura 2. Componentes comuns nos DAWs
2.2. Os Diferentes Tipos de Canal no DAW O Ableton Live possui três tipos básicos de canais: canal de áudio, MIDI e retorno. Vamos começar estudando os canais de áudio e de MIDI. O Live utiliza dois tipos de sinais: áudio e MIDI, cada um possui seu respectivo canal. No canal MIDI, os impulsos tocam instrumentos e, no áudio, temos clips gravados ou pré-gravados. No canal MIDI, os impulsos entram em um instrumento virtual para se tornarem áudio.
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Figura 3. Canal de MIDI, áudio e retorno
Já nos canais de retorno (return), criamos as “mandadas”, que servem como canais auxiliares para aplicarmos os mesmos efeitos em diversos canais e para fazermos endereçamentos diversos. Exemplos: mandar um click4 ou apenas faixas específicas para um músico que está acompanhando o som do programa. Usar um efeito externo dentro do Live, tipo um pedal de reverb.
2.3. Diferentes “visões” do Ableton Live Diferentes de outros DAW, o live possui duas visões. A session view (visão de sessão) serve para rascunhar criações, fazendo com que o processo criativo seja mais fluido, ou para performances, possibilitando o controle das “partes” da música. A arrajement view (visão de arranjo) funciona como os outros softwares, você organiza os sons em uma linha do tempo que corre horizontalmente.
VOCÊ TROCA DE UMA VISÃO PARA OUTRA APERTANDO A TECLA TAB!
4 O click, ou metrônomo, mede o andamento musical (BPM), produzindo pulsos de duração regular. Ele pode ser utilizado para guiar gravações e performances. 11
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•
Visão de Sessão: rascunho das partes da música, indicada pelas setas (notas os elementos entrando e saindo).
•
Visão de Arranjo: clips organizados em função do tempo para que um “play” e tocando tudo.
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2.3. Principais instrumentos do software Analog
O Analog é um sintetizador analógico virtual. Não utiliza nenhum tipo de samples; o som é processado em tempo real pela U de acordo com os valores de cada parâmetro. Este método de síntese sonora assegura uma qualidade de som, realismo e dinamismo de reprodução inigualáveis.
Operator
O instrumento Operator é um potente e flexível instrumento avançado que combina o conceito de “frequência modulada” (FM) com a síntese subtrativa clássica. Utiliza quatro osciladores com várias formas de onda que podem modular as frequências dos demais osciladores, o que lhe dá a possibilidade de criar timbres bastante complexos partindo de um número limitado de objetos.
Sampler
Software feito para armazenar amostras de áudio, alocados em uma memória usualmente digital, com a finalidade de poder serem reproduzidas e/ou reprocessadas posteriormente. O Sampler do Ableton é um instrumento multisampler* formidável. Trabalha à base de sons prégravados, que são nele incluídos e modificados.
Drum Rack Instrumento feito para agrupar diferentes instrumentos com um propósito comum: a criação de um kit de bateria. É possível, por exemplo, abrir qualquer instrumento em suas células, criando grandes possibilidades para a criação de baterias e sequências rítmicas. Simpler
“Irmão menor do Sampler”, é mais leve e possui funções reduzidas. Se você arrastar um áudio para uma célula do Drum Rack, por exemplo, um Simpler será aberto ali automaticamente.
*MULTISAMPLER: Tipo complexo de sampleamento, em que, por exemplo, diversos takes e formas de tocar um instrumentos são gravados e organizados de modo a serem reproduzidos pelo Sampler. Entenda: grava-se um violino sendo tocado forte, fraco e médio. A depender a força contida no impulso MIDI que chega a esse instrumentos, um dos takes feitos será tocado. Isso dá ao Sampler mais capacidade de reproduzir com fidelidade instrumentos reais.
2.4. Principais efeitos de áudio EQ 8 ou EQ 3
Trabalham modificando a amplitude (volume) de determinadas frequências (grave, médio, agudo).
Compressor
Trabalha na dinâmica musical, atenuando ou ampliando as diferenças entre o impulso sonoro mais alto e mais baixo.
Flanger
Efeito produzido pela mistura de duas ondas idênticas, criando, por exemplo, efeito de defasamento.
Simple Delay
Serve para adicionar um intervalo de tempo no sinal de áudio.
Ping Pong
Mesma função do Simple Delay, entretanto, trabalha com o panning.
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2.5. Principais efeitos MIDI Arpeggiator Serve para tocar sequências de novas com base no input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI. Pitch
Serve para fazer transposição* do input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI.
Scale
Filtra o input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI para que soe apenas as notas “corretas”.
Chord
Com base input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI, duplica-se o sinal no intuito de criar acordes**.
* TRANSPOSIÇÃO: Em terminologia musical, refere-se ao processo de se modificar a altura de uma nota ou coleção de notas por um intervalo constante. Quando se transpõe uma música, modifica-se também a tonalidade em que ela se encontra. ** ACORDES: Complexo sonoro resultante da emissão simultânea de três ou mais sons de frequência diferente.
2.6. Adicionando e trabalhando com third-party plug-ins Como os diversos DAWs no mercado, você pode trabalhar com softwares de outras marcas e fabricantes com o Ableton Live. Após a instalação, ache, em seu computador, a pasta onde os plug-ins estarão, para serem achados pelo Ableton. Certifique-se de instalá-los sempre nessa mesma pasta (geralmente padronizada) para que os novos plug-ins instalados estejam disponíveis no Live.
Figura 4. Habilitando o uso de plug-ins de outros fabricantes
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2.7. Equipamentos comuns em home-studios Vamos agora entender os equipamentos presentes nos estúdios direcionados à produção de música eletrônica.
Figura 11. Esquema dos equipamentos que constituem os estúdios
•
Monitores de áudio: Caixas de som próprias para a produção musical.
•
Placa de som: Interface que processa o áudio. Possui canais analógicos para gravação de instrumentos ou vozes.
•
Sintetizadores: Hardwares para síntese sonora tanto de timbres quanto de batidas.
•
Computador: Peça central do estúdio, ele conecta os demais equipamentos.
2.8. Conclusão Aqui, vimos o conceito de DAW, os canais de retorno, áudio, MIDI, os principais efeitos de áudio e MIDI. Estudamos como habilitar third-party plug-ins e conhecemos os equipamentos comuns em home-studios.
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2.9. Sugestão de vídeos Veja o episódio da série Agaist the Clock, da Fact, para ver o processo de criação da produtora Flava D. Essa série de vídeos é muito boa, e, nos 10 minutos de cada vídeo, aprendemos um pouco sobre as diferentes possibilidades de criação. https://www.youtube.com/watch?v=YpDLg6cut-8
Neste outro vídeo, a mesma produtora faz outra faixa. Nela podemos ver outros truques e recursos utilizados! https://www.youtube.com/watch?v=J7q-jrDXgSs
2.10. Referências ABLETON LIVE. Manual. Disponível em:
.
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__ AULA 3 | INTRODUÇÃO À GRAVAÇÃO Aqui, falaremos sobre alguns procedimentos e dicas de gravação usando o Ableton Live. Entenderemos como habilitar canais para gravação e vermos algumas dicas de gravação e microfonação. 3.1. Habilitando Canais para Gravação Primeiro, nas preferências, escolha sua placa de entrada e habilite-as!
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Veja na figura a seguir as indicações. Clicando no símbolo “I/O”, ou seja, input/output (entrada/saída), você mostra as entradas.
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Assim, podemos escolher a fonte do áudio que será gravada. O Ableton possui as opções de gravar o próprio master, canais individuais e instrumentos externos. Após escolher o canal de entrada, escolha o “modo do canal” (In, Auto, Off), “arme” o botão de REC e comece a gravar! Veja os modos: •
In: só toca o que vem do input e não toca clipes.
•
Auto: toca clipes e o input.
•
Off: só toca clips!
3.2. Introdução à Microfonação Existem muitos tipos de microfones, cada um com uma característica específica. •
Microfone dinâmico: Mais baratos e mais robustos, não necessitam de alimentação externa e são indicados onde as condições de captação forem mais severas, como palestras, apresentações, shows e reportagens. Aceitam grandes pressões sonoras sem distorção. Têm menor sensibilidade a ruídos de manuseamento. Excelentes para gravação de vozes em exteriores, eliminando o ruído ambiente.
•
Microfone condensador: Possuem alta sensibilidade e menor saturação do sinal. Sua utilização, entretanto, requer alimentação elétrica, através de bateria interna ou do mixer de áudio (phantom power). Os microfones condensadores são recomendados para a captação de som de alta qualidade, seja em estúdios, seja para captação de instrumentos musicais.
3.3. Conclusão Vimos aqui como habilitar sua placa de som e os canais do Ableton Live para gravações. Após, fizemos uma pequena introdução sobre os tipos de microfone e diferentes objetivos de gravação.
3.4. Dicas de links Veja a microfonação de uma bateria de 1 a 8 microfones. Observe os modelos de microfone e a posição deles no momento da captação. Ah! Claro, preste bem atenção nas 19
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peculiaridades sonoras entre as diferentes captações. Por favor, releve o fato de o cara do vídeo estar de samba-canção... O que vale é o conhecimento! https://www.youtube.com/watch?v=fDfPdO_lC88
Sobre as figuras de captação. https://jacarandatrilhas.com/2014/07/microfones-e-suas-figuras-de-captacao/
Sobre os tipos de microfone. http://www.artsomstudio.com.br/blog/microfone-condensador-ou-dinamico
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__ AULA 4 | SÍNTESE SONORA 4.1. O que é e para que serve a síntese sonora Síntese sonora é a geração de sons através da manipulação direta de correntes elétricas (sintetizadores analógicos) ou leitura de dados contidos numa memória (sintetizadores digitais).
Foto do Microbrute, sintetizador analógico e monofônico da Arturia. Note os mesmos componentes do Analog do Ableton Live: oscilador, filtro, envelope, LFO.
Esse processo serve para esculpir um determinado timbre, que será sequenciado para criação da faixa musical. Logo, podemos usar sintetizadores para criação de timbres tipo basslines (linhas de baixo) e fundos (background, ambience), elementos da bateria (bumbo, caixa, pratos), etc.
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4.2. Tipos de Síntese Sonora Existem alguns tipos de síntese sonora, vamos a elas? •
Síntese aditiva: consiste em sobrepor várias frequências em simultâneo de forma a criar, com a sua soma acústica, uma nova textura sonora.
•
Síntese subtrativa: consiste basicamente em moldar os harmônicos de uma onda gerada por um oscilador. A onda gerada pelo oscilador a por uma sequência de filtros e depois é amplificada. É o tipo mais comum.
•
Síntese FM: Modulação em frequência (ou síntese FM) é uma forma de síntese onde o timbre de uma onda simples é alterado modulando sua frequência com uma frequência de modulação que esteja na faixa audível, resultando em uma forma de onda mais complexa e uma sonoridade diferente. A frequência de um oscilador é alterada ou distorcida “de acordo com a amplitude de um sinal modulado” (DODGE; JERSE, 1997, p. 115).
•
Síntese com base em sons pré-gravados: A partir de uma gravação, acrescenta-se filtros, efeitos e envelopes para modificá-lo e chegar a um timbre desejado.
4.3. Exemplos de Síntese Sonora com o Analog do Ableton Live Veremos agora alguns processos básicos (e didáticos) para criação de um timbre com síntese subtrativa. LEMBRE-SE: GERALMENTE ESSE PROCESSO ACONTECE NO SENTIDO “DA DIREITA PARA ESQUERDA”. VEJA AS INDICAÇÕES DA SETA! 1.
Com o oscilador, escolha uma forma de onda: senoide, dente de serra (sawtooth), quadrada, noise.
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2. Usando o filtro, escolha o tipo deste (hi, low, band, etc.) e corte frequências com o botão “Freq” e destaque frequências com o “Reso”.
3. Vá para o envelope de amplitude e determine parâmetros como: ataque, sustentação, decaimento e duração (attack, decay, sustain, release – ADSR).
4. Ligue o LFO e determine um rate. Depois, vá para o do filtro e aplique esse LFO na “Freq”.
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Veremos agora, nas imagens seguintes, algumas possibilidades criação timbrística com esse sintetizador virtual que simula os processos analógicos.
1.
Baixo Wobble: observe o tipo de onda, o filtro e o LFO aplico à frequência.
2. Hi Hat: observe o tipo de onda, o filtro e o envelope de amplitude.
3. Fundo: observe o tipo de onda, o filtro, o envelope de amplitude e o vibrato.
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4.4. Conclusão Estudamos o que é e para que serve a síntese sonora. Vimos aqui os diferentes tipos de síntese sonora e alguns exemplos de como criar certos timbres para determinados da música. Esta parte do curso é bem prático, então, não deixe de praticar com os sintetizadores disponíveis para você, sejam eles físicos ou virtuais.
4.5. Sugestão de links Este tutorial em português ensina como criar basslines de psytrance com o TALNoiseMaker, um sintetizador virtual gratuito. e o primeiro link para ver o vídeo e o segundo para baixar o sintetizador. https://www.youtube.com/watch?v=EUf-azPHlcM https://tal-software.com/products/tal-noisemaker
4.6. Referências DODGE, Charles; JERSE, Thomas A. Computer Music: Synthesis, Composition and Performance. New York: Schirmer Books, 1997. MICROGRUTE PATCHES. Metalic Short Bass-patch; Sparks - Tryouts for a human race – patch; DRON-Wah-patch. Disponível em:
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__ AULA 5 | PROGRAMAÇÃO DE BATERIA 5.1. As Baterias Eletrônicas Antes, aprendemos os tipos de síntese sonora e como sintetizar determinados timbres. Nesse processo, estávamos sempre definindo um timbre que iria ser tocado por um teclado, e as teclas tocadas influenciavam diretamente em sua nota. Agora, vamos entender a síntese sonora voltada para criando de sons de batida.
ENTRETANTO, VAMOS VER UM POUCO DE HISTÓRIA! Alguns equipamentos se tornaram standards5 de como criar batidas; logo, os softwares de hoje se basearam em como esses equipamentos funcionavam. Vamos ver primeiro as diferentes TRs da marca Roland, cujas sonoridades são bem características. Adiante, entenderemos o sequencer e ideia de um como dividido em 16 tempos! 1.
5
TR 707: bem electro, timbres tem uma pegada “acústica” bem marcante!
Padrão, tipo, modelo, norma. 26
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2. TR 808: marca registrada das baterias de trap, entretanto, fizeram muito sucesso na cena techno e post-punk!
3. TR 909: a mais house de todas!
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Outro equipamento muito importante é a MPC da Akai. Nela, você consegue fazer pequenas gravações e sequenciar essas pequenas gravações. Muito importante para o hip-hop! Foi por meio dela que as baterias de funk, jazz e blues ressequenciadas foram parar nas batidas de rap!
Antes da popularização dos computadores, era preciso ter equipamentos desse tipo para fazer batidas!
5.2. Drum Rack do Ableton Como vimos, os diversos tipos de síntese servem para a criação de diferentes sons, ou seja, com apenas algumas mudanças em certos parâmetros, você pode transformar um timbre que servia de linha de baixo em um hi-hat (prato) de bateria. No caso do Ableton Live, o principal instrumento para programação de bateria é o Drum Rack. Nele, atribuímos um som (que pode ser um áudio ou um sintetizador) a uma célula desse instrumento. Cada célula é ativada por uma tecla/nota. Assim, organizando impulsos que tocam cada uma dessas células em função do tempo, você estará programando uma bateria. A figura acima mostra um Drum Rack vazio. Perceba que cada célula será tocada por uma determinada tecla do controlador MIDI ou do teclado do computador. Podemos, então, preencher o nosso Drum Rack com vários samples ou instrumentos virtuais. Veja:
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Figura 2. Possibilidades do Drum Rack: abre um áudio ou um outro instrumento
Para organizar os sons em função do tempo, precisando entender mais a fundo sobre o sequencer. Veja a foto de uma outra bateria eletrônica, a Elektron Machinedrum: note o formato do sequencer na parte de baixo: sequencer de 16 steps em um como do tipo 4/4:
PERCEBEU A SEMELHANÇA COM AS “TR” MOSTRADAS ANTERIORMENTE? TODAS ELAS POSSUEM ESSE SEQUENCER, QUE SE TORNOU PADRÃO, E ESTÁ TAMBÉM NO ABLETON LIVE!
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Entraremos em contato agora com o padrão consolidado de programação rítmica. Na maioria dos hardware e softwares de produção, você verá um sequencer de 16 steps em um como do tipo 4/4. Ou seja, por padrão, divide-se um como em 16 partes, onde irão se organizar os impulsos que tocarão os instrumentos. Veja agora como funciona no Ableton Live:
Sequência inicial no Drum Rack com um Kit do Ableton
Percebeu a lógica da bateria eletrônica presente também no software (como 4/4 dividido em 16 steps)? Assim, trabalhando a sequência de bateria, o andamento da faixa e os acentos, chegamos aos ritmos básicos que marcam cada estilo. Veja a aparência de um arranjo de bateria programada finalizado.
5.3. Como Neste momento, é importante vermos mais esses conceitos! Como é uma forma de dividir quantitativamente em grupos os sons de uma composição musical, Por exemplo, nas baterias eletrônicas, vemos 1 como divido em 16 os. Por quê? Pois, na maioria das vezes, vamos lidar com comos 4/4, ou seja, nele, cabem 4 partes de 4 os. Veja a imagem, vemos 4 partes de 4, ou seja, 16 os. 30
Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live
Se estivéssemos trabalhando com uma valsa, ou seja, com como, teríamos 3 partes de 4 os. Veja a imagem, vemos 3 partes de 4, ou seja, 12 os.
No processo de composição, precisamos ficar atentos pois devemos sempre fazer melodias e harmonias “proporcionais”, que caminhem em grupos de comos coerentes, tipo, se sua melodia principal possui 4 comos, sua harmonia deve, no mínimo, seguir proporcionalmente, ou seja, ter 1, 2, 4, 8 comos, por exemplo. Em gêneros da música eletrônica, a música é feita de 4 em 4 ou de 8 em 8 comos. Geralmente, é a cada 4 ou 8 comos que a música muda, que entra o break, viradas, etc.
5.4. Acentos, Swing/Groove Um bom instrumentista é notado e valorizado justamente por tocar perfeitamente as “imperfeições”. Bom, ao criarmos um pequeno arranjo de bateria ou uma melodia com o mouse, colocamos uma série de notas ou impulsos. Cada um desses impulsos está perfeitamente preso ao “grid”, ao tempo! Exercitando a escuta, logo notamos parecer um robô tocando!
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Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live
Assim, se esse “feeling mecânico” te interessa, OK! Entretanto, se você busca trabalhar com músicas “tocadas” ou com gêneros musicais não tão “eletrônicos”, é preciso acrescentar acento e swing ao seu arranjo de bateria! Veja as imagens a seguir, temos a diferença de uma programação simples em que uma tem mudanças de acento e swing e outra não.
Essas modificações no acento (força que cada nota é tocada – velocity) e no swing (pequenas “imperfeições” no tempo) em uma mesma sequência de notas podem diferenciar estilos. Por exemplo, o de cima, mais mecânico, lembra um ragga, enquanto o outro, lembra baião (forró), com uma pegada mais orgânica. Para aplicar um swing automático, ou seja, sem que você toque ou edite, use a seguinte ferramenta:
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Notou as pequenas imperfeições? Elas tornam a música mais “orgânica” ou “humana”!
5.5. Conclusão Estudamos tanto o que é como para que serve a programação de bateria. Entendemos como sintetizar e criar sons de baterias, desenvolvendo drumkits, e como organizá-los em função do tempo para criar um loops e célulcas rítmicas de batidas para posterior uso em composições. Vimos também sobre o sequencer e os parâmetros de acento e swing!
5.6. Sugestões de links Paterns clássicos da TR 808: https://www.youtube.com/watch?v=yJiJSGsJH4U
Música usando TR 707: https://eodtracks.bandcamp.com/track/questionmark-1
Apesar de estar em inglês, a página a seguir compila uma série de vídeos com ótimas dicas de programação de bateria. https://www.ableton.com/en/blog/get-swing-drum-programming-tips/
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__ AULA 6 | PEQUENA INTRODUÇÃO À TEORIA MUSICAL 6.1. A Relação entre Nota Musical e Frequência Sonora Notas musicais são os nomes que nós damos a uma determinada frequência. Veja a figura:
Cada nota tem uma frequência respectiva. Ou seja, se temos uma onda sonora oscilando em 440 Hz, provavelmente estaremos ouvindo aquilo que nós chamamos de “Lá”. Observe também que os múltiplos de determinada frequência têm o mesmo nome, ou seja, uma onda sonora oscilando pode oscilar em 110 Hz, ou 220 Hz, 440, ou 880 Hz, estará sempre fazendo um “Lá”, mas um lá em oitavas6 diferentes!
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Intervalo que abrange oito notas de uma escala diatônica ou 12 semitons. 34
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6.2. Intervalos Musicais Agora que já falamos em “oitava”, vamos entender os outros intervalos musicais. Primeiro, vamos entender o tom e semitom. 1.
Semitom é a diferença entre C e C#, por exemplo, veja no teclado!
2. Um tom é a soma de 2 semitons:
Agora, vamos ver que, além de nomearmos as notas, nomeamos também a diferença entre elas, ou seja, a diferença entre um C para um C# ou de um A para um A#, de um semitom, é chamado de segunda menor (2ª m). Veja a tabela!
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6.3. Acorde (tríade) Agora que entendemos o que são as notas musicais e os intervalos, vamos entender 2 tipos de acordes, os maiores e menores. Acordes são conjuntos de notas. Esses acordes são chamados de tríades, pois possuem três notas. Os acordes maiores seguem a seguinte “fórmula”: Nota + 3ª maior + 5ª justa. Veja a tabela:
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Os acordes menores são assim: Nota + 3ª menor + 5ª justa. Veja a tabela:
DICA: ACORDE MAIOR É “ALEGRE”, O MENOR, “TRISTE”! 6.4. Tonalidade Observe na figura seguinte, um gráfico de frequência X amplitude do Eq8 do Ableton da execução da nota C3 em de um piano.
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Nessa imagem, como destacado pelas setas, temos alguns picos de frequência. O primeiro, e mais destacado, é a frequência fundamental, que determina a nota que está sendo executada. Os picos seguintes, mais fracos, são os harmônicos. Esses harmônicos seguem sempre uma fórmula, chamada de série harmônica. Veja!
Ou seja, um Dó, na verdade, é soma de uma série de notas, que juntas, soam assim. Visto isso, avançamos um pouco mais na teoria musical. Com base nas teorias das séries harmônicas, foi possível desenvolver ainda mais as teorias de tonalidade, ou seja, foi possível identificar notas que “combinam” entre si e possuem uma relação de hierarquia. Na figura anterior, note que as notas presentes nos harmônicos compõem a tonalidade. Assim, percorrendo o caminho da imagem acima (1, 2, 3, 4, 5...), veremos uma sequência de intervalos musicais. Daí, temos, a tonalidade é formada pelas notas C, D, E, F, G, A, B. A relação de hierarquia começa quando nós adotamos uma nota como a fundamental. Daí, uma sequência de intervalos musicais determina o restante das notas presentes em uma tonalidade. Veremos dois tipos de tonalidade, a maior e a menor.
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Essas são notas que compõem a tonalidade. Agora, veremos os acordes e os graus de cada tonalidade. Reflita: se temos esse número limitado de notas, vamos seguir a fórmula anterior de criação de tríades com as notas que temos disponíveis, ou seja, C, D, E, F, G, A, B (no caso de dó maior). Então temos: C-E-G: dó maior | D-F-A: ré menor | E-G-B: mi menor F-A-C: fá maior | G-B-D: sol maior | A-C-G: lá menor | B-D-F: si diminuto7 É claro que esses acordes também têm um nome! Além de serem associados a um grau. Eles têm um nome, pois cada um está associado uma função na harmonia de uma música, por exemplo, causa tensão, resolver tensão, finalizar, introduzir, etc. Ordem
Grau
Nome
Função
1º
I
Tônica
repouso natural da tonalidade
2º
II
Supertônica / grau acima da tônica Dominante da dominante
3º
III
Mediante
grau intermediário entre a tônica e a dominante
4º
IV
Subdominante
grau abaixo da dominante
5º
V
Dominante
quinto grau a partir da tônica
6º
VI
Submediante / Superdominante
grau intermediário (terça) entre a subdominante e a tônica da oitava superior
Subtônica / Sensível
subtônica quando o intervalo relativo à tônica superior é de um tom (escala menor natural); sensível quando o intervalo relativo à tônica superior é de um semitom (escala maior, escala menor harmônica e escala menor melódica)
7º
7
VII
Com um semitom a menos que um justo (diz-se de intervalo). 39
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Visto isso, com base em uma melodia, podemos criar a harmonia, ou seja, acordes que acompanham uma melodia. Existem também as cadências, ou progressões de acorde, que são sequências de acordes de uma tonalidade, com base nos graus, que servem de base para a criação de uma harmonia básica. Veja os vídeos recomendados!
6.5. Conclusão Vimos aqui uma muito pequena introdução sobre a teoria musical. Aprendemos conceitos iniciais sobre nota, acorde, harmonia, entre outros. Não deixe de se aprofundar nesse assunto, ando os links a seguir e treinando seu ouvido!
6.6. Dicas de links Aqui temos um vídeo mostrando algumas progressões bem comuns! https://www.youtube.com/watch?v=9YS3YvtY8-E
Neste aqui temos músicas famosas e suas respectivas progressões! https://www.uberchord.com/blog/5-popular-common-guitar-chord-progressions-songwriters/
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__ AULA 7 | COMPOSIÇÃO: ÁUDIOS PRÉGRAVADOS Nesta parte do conteúdo, veremos como trabalhar com arquivos de áudio que contêm algum conteúdo de tempo, ou seja, são loops ritmados, músicas inteiras, takes de instrumentos individuais, etc.
7.1. WARP Para isso, precisamos entender a ferramenta WARP do Ableton. Pensa comigo, se você tem uma música em 4/4 ou uma gravação de um instrumento individual, e precisa encaixar um beat nisso, ou seja, precisa sincronizar esses arquivos de áudio com o como e o andamento do programa, o que fazer? Para isso, usamos o WARP, para “esticar” ou “encolher” os arquivos de áudio, de diferentes formas, para colocá-los em sincronia com o programa. Veja na imagem, os warps, marcações indicadas pelas setas, servem para “esticar” ou “encolher” partes do áudio para mantê-lo no tempo, no beat!
O Ableton irá detectar o andamento e como de boa partes das músicas eletrônicas ou loops pré-fabricados que você inserir! No entanto, músicas tocadas, orgânicas, antigas e instrumentais, não! Então, você precisa ir manualmente e fazer as marcas, seguindo o “click do programa”.
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Achar o “1” da música é achar onde temos certeza que ali é o começo de um como. Feito isso, esse “1” nos servirá de referência, junto com o click e o próprio gráfico da música, para encaixá-la no tempo.
7.2. Tipos de Warp Agora fique atento, existem alguns tipos de WARP, cada um é bom para uma função.
•
Beats: é destinado para loops percussivos – bateria, percussão e outros loops rítmicos.
•
Tones: é destinado para loops/sons de função tonal – baixo, lead, voz, etc.
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•
Texture: é destinado para timbres polifônicos (diversas notas tocadas ao mesmo tempo) ou noises.
•
Re-Pitch: destinado para qualquer tipo de som – neste tipo de warp mode quando ocorre time-stretch (diferença de tempo) também ocorre pitch-shift (mudança de tom).
•
Complex e Complex Pro: destinados para qualquer tipo de som – nestes tipos de warp mode, quando ocorre o time-stretch não ocorre o pitch-shift.
7.3. Conclusão Vimos aqui como utilizar a ferramenta WARP. Com ela, você pode adicionar um Groove a tudo ou colocar tudo dentro do seu groove! Não deixe de praticar essa técnica no nível mais avançando, ou seja, fazendo loops e colocando batidas em música “tocadas”.
7.3. Dicas de Links Dubspot ensinando a warpar, vale a pena assistir! https://www.youtube.com/watch?v=jsHnZUGl8yY
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__ AULA 8 | COMPOSIÇÃO: CRIANDO UMA FAIXA AUTORAL 8.1. Sequenciando na Visão de Sessão Neste momento, aproveitamos o que há de mais interessante no Ableton Live, ou seja, vamos aproveitar e brincar bastante na visão de sessão. Nesse modo, podemos ir criando diversas camadas, temas, ideias, como se estivéssemos fazendo um rascunho de nossa música, assim, vamos criar basicamente duas partes, como se fosse uma parte A, com tema principal, clímax, e uma parte B, diferente da A, com outros sentimentos, que serve para termos uma ponte para uma coisa diferente e para depois voltar ao nosso tema principal. Nosso projeto fica, inicialmente assim:
Vamos apenas rascunhar, juntar vários clips que dão certo juntos para, depois, ainda na visão de sessão, rascunhar um desenvolvimento para música, criando uma introdução, break, clímax, ainda de forma rudimentar. Aqui, entenderemos o conceito de “cena”, isto é, uma linha horizontal de clips! Conforme a figura seguinte, iremos montar várias cenas, cada uma com uma função (introdução, tema principal, break, parte b, break, clímax, fim). 44
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Aqui, dando o play nas cenas inteiras, vamos vendo como criar uma pré-música, com uma ideia de seus momentos.
8.2. Conclusão Vimos aqui como utilizar a visão de sessão para fazer a pré-produção de uma música. Pela sua fluidez, fica mais fácil rascunhar partes e ideias, sem ainda finalizar o arranjo.
8.3. Sugestão de links
Neste vídeo, parte uma coleção de nove vídeos, fala um pouco sobre a visão de sessão. e para ampliar seu conhecimento. https://www.youtube.com/watch?v=nmOEanhDTGo Mais dicas sobre o que é possível fazer na visão de sessão. https://www.youtube.com/watch?v=CfUgVInYE-g
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__ AULA 9 | SEQUENCIAMENTO E AUTOMAÇÃO 9.1. A organização de elementos de áudio e MIDI em função do tempo Para organizar elementos musicais em função do tempo, precisamos de um sequenciador (sequencer). Antes, um sequencer era um equipamento externo, um hardware robusto, no qual se programava impulsos que tocariam samplers ou sintetizadores.
Sequencer analógico, note a divisão padrão em 16 os (steps), semelhante àquela que vimos na aula sobre programação de bateria
Entretanto, com o processo de virtualização da música, esse equipamento foi emulado para dentro do computador, ou seja, nos DAWs existe sempre um sequencer embutido. Genericamente, assim é o sequencer em boa parte dos DAWs disponíveis atualmente.
Exemplo genérico dos sequencers nos DAWs
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Assim, sequenciador é um dispositivo ou aplicativo de software que pode gravar, editar ou reproduzir música, pela manipulação de notas e informações diversas. Normalmente, trabalha-se com MIDI, clips de áudio e dados de automação de parâmetros. O processo de sequenciamento de uma música, assim, pode envolver atividades como: •
Programação de bateria com o uso de impulsos MIDI.
•
Organização de loops e samples pré-gravados (clips de áudio).
•
Criação de linhas melódicas em MIDI para que diversos instrumentos as toquem (melodias de baixo, de fundo, leads etc.).
•
Automação para gravar mudanças de diversos parâmetros em função do tempo (por exemplo, um filtro faz um sweep nas faixas de bateria para fazer um break na música.
9.2. Sequenciando da Visão de Sessão para A Visão de Arranjo Neste momento, precisamos deixar nossa música organizada como na figura anterior, com tudo organizado em função do tempo para que nós possamos, depois, exportá-la! Assim, pegaremos nosso rascunho da visão de sessão e levaremos para a visão de arranjo. Podemos fazer isso gravando, ou seja, apertando o REC e dando o play nas cenas (partes da música) ou copiando e colando nossas partes para a visão de arranjo! Veja: 1.
Gravando:
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2. Copiando e colando:
9.3. Automação As ferramentas de automação servem para gravar mudanças de diversos parâmetros em função do tempo, entre eles, podemos modificar: •
Movimentos nos parâmetros de equalização para criar um efeito sweep.
•
Modificação do andamento (bpm) da música para criar mudanças da “velocidade da música”, criando momentos e partes distintas na trilha em processo de criação.
•
Fade-in ou fade-out de elementos diversos ou de toda a música.
•
Automatizar o volume, por exemplo, de um take de voz, para chegar a um equilíbrio entre as palavras articuladas com muito ou pouca intensidade.
•
Fazer um determinado instrumento ou efeito sonoro “ear” pelos lados esquerdo e direito em um sistema de som estéreo.
•
Aumentar os cutoff dos sintetizadores para tornar os timbres mais estridentes apenas nos momentos de clímax da música que se está criando. 48
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A lista continua. Na verdade, podemos definir espontaneamente o processo de automação como o meio pelo qual você vai “gravar” o movimento de um botão em seu ambiente de criação. Vale destacar que essa automação pode ser feita tanto a partir da performance, na qual se “grava” os movimentos dos instrumentos virtuais por meio do seu controlador MIDI ou mouse, ou “na mão”, usando o mouse e os recursos do seu DAW para “desenhar” o movimento desejado de determinado parâmetro.
Veja as diversas automações em uma faixa. Veja, alguns parecem ter sido feitos com “na mão” e outros parecem ter tido gravados por uma performance
9.4. Conclusão Entendermos como funciona a organização de elementos de áudio e MIDI em função do tempo, por meio do equipamento sequencer, que pode ser físico ou virtual, e realizamos automações.
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9.5. Sugestões de links Vídeo rápido e simples com algumas dicas de automação. https://www.youtube.com/watch?v=4trjSIt_S0o
Vale a pena rever esse vídeo, agora neste outro momento de nosso curso. Nele, a produtora Flava D começa uma track do zero, sem nem usar a visão de sessão do Ableton. Um método diferente do que estudamos, mas muito interessante. https://www.youtube.com/watch?v=J7q-jrDXgSs
Veja agora esse vídeo produzido pelo canal da Ableton sobre como o sequenciamento funciona no controlador feito especialmente para controlar o Ableton Live. https://www.youtube.com/watch?v=VUweOQHgjLY
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_ AULA 10 | CONCEITOS GERAIS SOBRE MIXAGEM E MASTERIZAÇÃO 10.1. os Essenciais de uma Mixagem Inbox
LEMBRA DA IMAGEM DA PRIMEIRA AULA, NA QUAL OS MÚSICOS SE ORGANIZAM NO ESPAÇO PARA CONSEGUIR O MELHOR RESULTADO DA GRAVAÇÃO? Então, hoje, como o padrão de gravação (em nosso caso composição) é em multipista, será preciso, então, juntar artificialmente as diversas faixas. E o que há de complicado nisso? Bom, temos agora que pensar em nossa característica biológica. Nosso ouvindo escuta frequências entre o intervalo 20Hz ou 2kHz, então, temos que organizar cada elemento que temos em nossa música para que cada um ocupe a frequência “certa”, para poder nossa música ficar equilibrada, ou seja, cada elemento deve ser ouvido nitidamente, mas sem se sobrepor a outros elementos. Veja:
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Nessa figura, podemos ver que cada instrumento tem seu “campo de frequência”, ou seja, ocupa um determinado intervalo. E o que é mixagem inbox? Bom, historicamente, a mixagem era feita em robustas mesas de som. Nessas mesas, que hoje os DAWs simulam, cada canal era equalizado, comprimido e efeitos diversos eram acrescentados. Assim, a “soma” final dos canais acontecia analogicamente, ou seja, por meio de uma mesa de som que trabalha o sinal analógico do áudio. Esse é o processo outbox. No inbox, nosso caso, essa mixagem e essa soma será feita no âmbito digital. Ou seja, não usaremos uma mesa de som e suas respectivas ferramentas, usaremos a interface do DAW e os efeitos virtuais diversos de áudio.
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Na imagem a seguir, observe que cada canal está com um volume preciso determinado, usou-se o panning8, há uma série de sends sendo mandados para os canais de retorno e, para cada canal, há no mínimo, um equalizador e um compressor. Com o equalizador, destacamos ou retiramos certas frequências sonoras do canal que estamos editando, e, com o compressor, trabalhamos a dinâmica de cada instrumento. Bom, para uma boa mixagem, recomenda-se os seguintes os: •
Equilíbrio de volume: delimitar os volumes de cada canal, tendo em mente os elementos principais da faixa (voz, ou kick, por exemplo) e o efeito desejado (instrumental mais presente, voz distante, instrumento em destaque, etc.)
•
Panning: processo de “especializar” os elementos. Lidar com o volume e direcionamento em esquerda ou direita possibilita a organização espacial do som (imagine você assistindo a um concerto clássico ou a uma banda de percussão sem amplificadores ou microfones, você ouve certo instrumentos mais para um lado do que para outro, certo? Faça isso com sua mix!)
•
Equalização: Tendo em mente a figura anterior, coloque cada instrumentos em sua respectiva frequência (Exemplos: retire frequências graves e agudas desnecessárias dos timbres; em sons presentes e destacados, retire parte da frequência média/ aguda, para dar lugar a outros instrumentos).
•
Compressão: Lidando com essa ferramenta que trabalha a dinâmica sonora, use-o para conseguir o melhor som possível de cada canal, deixando o som mais na cara, ou abafado, ou distorcido, sempre de olho na intenção e no feeling que se deseja com a mix.
•
Ambiência: Escolha três tipos de reverbs (um curto, um médio e um longo) e vá adicionando a cada elemento. Dica: bateria e baixo, reverbs curtos; percussão e instrumentos diversos, reverb médio; voz e cordas: reverb longo. IMPORTANTE: EXPORTE SUA MIX FINAL EM 44.100 E 24 BITS!
8 Panning é a distribuição de sinal de som (monaural ou estereofônico) em um campo de som stereo ou multicanal. 53
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10.2. Masterização Na história da gravação, mesmo após a mixagem final das gravações, um outro processo era necessário: a masterização. Ela servia para adaptar o resultado da mixagem para ser prensada no vinil. Com a evolução e mudança do mundo do áudio, esse processo de manteve, ganhando novas funções, mas mantendo sua ideia básica: formatação do trabalho final da mixagem para um meio eu m contexto específico. Assim, na masterização, geralmente trabalhamos com conjunto de músicas, que serão lançadas juntamente ou em um mesmo contexto. Assim, o objetivo básico é: •
fazer soar a mix final bem em diversos tipos de caixas de som,
•
colocar as diversas faixas em um mesmo volume, tornando melhor a audição de toda a obra,
•
colocar as músicas em um volume compatível ao meio e contexto em que ela irá circular (meio comercial: muito alta; meio independente: alta o suficiente, etc.).
Assim, para realizar a masterização usamos três principais processos: •
bus compression: vimos anteriormente que é preciso usar compressores em cada elemento separadamente para conseguir o melhor som possível daquele elemento. Agora, usaremos um compressor em nosso master, ou seja, comprimiremos toda a faixa, de modo a criar uma ideia de “glue”, de “cola”.
•
Equalização final: após todos o processo até aqui, é possível que, para se conseguir uma perfeita compressão, certas frequências tenham sido atenuadas ou destacadas, use um equalizados para ajustes finos de frequência, sempre ouvindo e comparando.
•
Limiter: um limiter é como se fosse um compressor funcionando “ao máximo”. A partir de onde estiver o threshold, o som não a! Assim, é possível aumentar ainda mais o volume da faixa, pois os picos serão retirados pelo limiter. IMPORTANTE: GERALMENTE, A MASTER FINAL É EXPORTADA EM 44.100 E 16 BITS!
Ao final desse processo, tenha em mente o meio no qual sua faixa vai circular. Cada contexto pede uma especificação diferente. Use sempre uma música de referência em arquivo de alta qualidade para fazer comparações. Fique atento ao processo de conversão da faixa em mp3, use conversores confiáveis. Obrigado por nos acompanhar até aqui e siga em frente! Boa produção. 54
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Sumário
AULA 1 CONCEITO DE “MÚSICA” HOJE E PRINCÍPIOS DO ÁUDIO DIGITAL
4
AULA 2 CONHECENDO O SOFTWARE ABLETON LIVE
9
AULA 3 INTRODUÇÃO À GRAVAÇÃO
17
AULA 4 SÍNTESE SONORA
21
AULA 5 PROGRAMAÇÃO DE BATERIA
26
AULA 6 PEQUENA INTRODUÇÃO À TEORIA MUSICAL
34
AULA 7 COMPOSIÇÃO: ÁUDIOS PRÉ-GRAVADOS
41
AULA 8 COMPOSIÇÃO: CRIANDO UMA FAIXA AUTORAL
44
AULA 9 SEQUENCIAMENTO E AUTOMAÇÃO
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AULA 10 CONCEITOS GERAIS SOBRE MIXAGEM E MASTERIZAÇÃO
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__ AULA 1 | CONCEITO DE “MÚSICA” HOJE E PRINCÍPIOS DO ÁUDIO DIGITAL 1.1. O que é mesmo isso que a gente chama de música?
As performances necessitaram ser chamadas de “ao vivo”, enquanto as gravações “são” as próprias músicas. (THORNTON, 1996).
Para começarmos nossa conversa, precisamos entender o que nossa cultura, atualmente, chama de música. Veja a figura a seguir, referente à primeira “era” das gravações.
Figura 1. Foto de uma gravação na era acústica: organiza-se os músicos na sala para melhor resultado na gravação (WELCH; BURT, 1994, p. 121). O cantor está mais próximo da corneta. Metais ficam atrás e mais acima. Cordas, à frente dos sopros.
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Vemos aqui o quanto há um trabalho de “formatação” daquilo que consideramos música. Antes das gravações e das inovações tecnológicas da música, você obrigatoriamente precisava de um instrumentista e um instrumento para ouvir música. A música mudou daquele fenômeno performático e único para se tornar um padrão formatado pela história da gravação. De forma que aquilo que chamamos de música é um conceito construído ao longo do tempo, que envolve uma série de “regras e padrões” nos quais se inserem os diversos estilos e gêneros musicais. A disposição dos músicos na figura 1 deixa isso claro. Antes da gravação multicanal1, era preciso organizar espacialmente os instrumentos, de modo a conseguir uma gravação “compreensível” para público, músicos e produtores. 1.2. Áudio Digital
Figura 2. A amostragem no áudio digital: Na gravação digital, o sinal sonoro é amostrado 44.100 vezes por segundo e, para cada amostra, é gerado um número binário (byte), transformando o som em um gigante caractere formado de milhões de números (MUMMA; RYE; KERNFELD, 2012, p. 9).
O áudio digital é a representação digital de uma onda sonora por meio de código binário. O processo que envolve, na captação ou gravação, a conversão do som analógico para digital (AD) e, na reprodução, a conversão do som digital para analógico (DA), permitindo que o som seja armazenado e reproduzido em diferentes meios. São arquivos de áudio de alta qualidade: WAV, AIFF, CAF. Gravação Música
Gravação Vídeo
Padrão CD
Bit depth
24 bits
24 bits
16 bits
Sample rate
44.100
48.000
44.100
1 Gravação multicanal ou multipista: grava-se, ao mesmo tempo ou separadamente, cada um dos instrumentos em um canal diferente. Depois, faz-se a soma ou junção desses canais “artificialmente”, criando uma pista de áudio só, com todos os canais. 5
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Logo, áudio é tudo aquilo que foi gravado, seja um instrumento, voz, sons ambientes etc. Tudo que foi gravado virou um áudio.
Figura 3. No processo de digitalização do tipo PCM, as amplitudes são transformadas em números binários (POHLMANN, 2001, p. 38). No padrão do CD, faz-se 44.100 amostras por segundo, cada amostra gerando um número binário.
1.3. MIDI MIDI (abreviação de Musical Instrument Digital Interface) é uma norma técnica que descreve um protocolo, interface digital e conectores e permite a conexão, a comunicação e a troca de “informações musicais” entre uma grande variedade de instrumentos musicais eletrônicos, computadores e outros dispositivos relacionados.
6
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Figura 4. Piano roll: organização de notas musicais, com suas respectivas alturas, forças e duração, em função do tempo
O MIDI carrega mensagens de evento que especificam notação, pitch e velocidade, sinais de controle para os parâmetros, tais como volume, vibrato2, panning, pistas e sinais de MIDI clock, que definem e sincronizam ritmo entre vários dispositivos. Essas mensagens são enviadas através de um cabo MIDI para outros dispositivos onde são controladas a geração de som e outros recursos. Os diversos parâmetros presentes no programa, ou seja, qualquer “botão” ou função, podem ser automatizados e controlados por via MIDI. Veja no quadro a seguir alguns padrões de controle MIDI. A cada “botão” ou função do programa, você pode atribuir um número de MIDI CC, para que você o controle via controlador MIDI ou via automação: Número MIDI CC MIDI 0
CC
MIDI 1
CC
MIDI 2
CC
MIDI 4
CC
Função
MIDI CC Descrição
MIDI CC Bank Select
Mudança de banco de timbre
Modulation
Geralmente, esse CC controla o efeito vibrato, modulação de afinação
Aftertouch
Geralmente associado ao aftertouch, ou seja, a velocidade com que a tecla pressionada é soltada pode gerar um sinal e controlar algum parâmetro sonoro.
Controle de pedal
Geralmente relacionado ao pedal de sustain de instrumentos com teclas (pianos, órgão, cravo)
2 Vibrato: Nos instrumentos de das (violino, viola e violoncelo), efeito técnico que consiste em produzir uma ligeira oscilação na altura de um som, a fim de reforçar o valor expressivo das notas. 7
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1.4. Conclusão Conversamos sobre as convenções sociais e temporais que compõem aquilo que nós entendemos como música. Tendo isso em mente, podemos ar ao estudo das principais linguagens e formatos utilizados na produção musical. Assim, vimos que, no Ableton Live e na maioria dos DAWs, esses são os dois tipos de canais mais importantes: o canal (ou faixa) de áudio de de MIDI. Vimos também as características e funções de cada um desses tipos de linguagem.
1.5. Sugestão de vídeos Vídeo em inglês sobre bit depth, áudio digital e mixagem! Muito bom, vale a pena! https://www.youtube.com/watch?v=T-TpPLzRpsU Já este outro fala sobre a diferença entre o som do vinil e o som de CD, ou seja, a diferença entre analógico e digital. https://www.youtube.com/watch?v=fBQD58dkhjk
1.6. Referências MUMMA, G.; RYE, H.; KERNFELD, B. Recording. In: New Grove Dictionary of Music. Disponível em:
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__ AULA 2: CONHECENDO O SOFTWARE ABLETON LIVE 2.1. O que é DAW?
Figura 1. Digital Audio Workstation (DAW): ambiente virtual de produção musical – Ableton Live.
A funcionalização da música como notas em sequências em um eixo temporal linear, incrementada às inovações do piano roll presente nas pianolas, a emulação de mesas de som e a presença de instrumentos virtuais que simulam outros instrumentos, formam o ambiente de produção músicas dos DJs e produtores, o DAW. Na figura a seguir, veremos uma representação genérica do que faz parte de qualquer DAW, independente da marca. Veremos que, nele, podemos organizar impulsos MIDIs e áudios diversos em função do tempo. Esses impulsos podem fazer tocar sintetizadores ou samples e os áudios podem ser gravações de qualquer instrumento musical ou uma voz. Essa organização é feita no sequenciador3 (sequencer). Cada canal, seja de áudio ou MIDI, é editável pela simulação de mesa de som do DAW. Assim, os DAW possuem:
3 Sequenciador é um dispositivo que, conectado a um instrumento eletrônico, permite criar linhas melódicas com notas pré-definidas que são posteriormente reproduzidas de maneira autônoma conforme comando do compositor. 9
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1.
impulsos MIDI tocando instrumentos musicais virtuais e/ou áudios gravados;
2. sequenciador que organiza esses impulsos e áudios em função do tempo; 3. mesa de som virtual, na qual se soma as diversas trilhas.
Figura 2. Componentes comuns nos DAWs
2.2. Os Diferentes Tipos de Canal no DAW O Ableton Live possui três tipos básicos de canais: canal de áudio, MIDI e retorno. Vamos começar estudando os canais de áudio e de MIDI. O Live utiliza dois tipos de sinais: áudio e MIDI, cada um possui seu respectivo canal. No canal MIDI, os impulsos tocam instrumentos e, no áudio, temos clips gravados ou pré-gravados. No canal MIDI, os impulsos entram em um instrumento virtual para se tornarem áudio.
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Figura 3. Canal de MIDI, áudio e retorno
Já nos canais de retorno (return), criamos as “mandadas”, que servem como canais auxiliares para aplicarmos os mesmos efeitos em diversos canais e para fazermos endereçamentos diversos. Exemplos: mandar um click4 ou apenas faixas específicas para um músico que está acompanhando o som do programa. Usar um efeito externo dentro do Live, tipo um pedal de reverb.
2.3. Diferentes “visões” do Ableton Live Diferentes de outros DAW, o live possui duas visões. A session view (visão de sessão) serve para rascunhar criações, fazendo com que o processo criativo seja mais fluido, ou para performances, possibilitando o controle das “partes” da música. A arrajement view (visão de arranjo) funciona como os outros softwares, você organiza os sons em uma linha do tempo que corre horizontalmente.
VOCÊ TROCA DE UMA VISÃO PARA OUTRA APERTANDO A TECLA TAB!
4 O click, ou metrônomo, mede o andamento musical (BPM), produzindo pulsos de duração regular. Ele pode ser utilizado para guiar gravações e performances. 11
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•
Visão de Sessão: rascunho das partes da música, indicada pelas setas (notas os elementos entrando e saindo).
•
Visão de Arranjo: clips organizados em função do tempo para que um “play” e tocando tudo.
12
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2.3. Principais instrumentos do software Analog
O Analog é um sintetizador analógico virtual. Não utiliza nenhum tipo de samples; o som é processado em tempo real pela U de acordo com os valores de cada parâmetro. Este método de síntese sonora assegura uma qualidade de som, realismo e dinamismo de reprodução inigualáveis.
Operator
O instrumento Operator é um potente e flexível instrumento avançado que combina o conceito de “frequência modulada” (FM) com a síntese subtrativa clássica. Utiliza quatro osciladores com várias formas de onda que podem modular as frequências dos demais osciladores, o que lhe dá a possibilidade de criar timbres bastante complexos partindo de um número limitado de objetos.
Sampler
Software feito para armazenar amostras de áudio, alocados em uma memória usualmente digital, com a finalidade de poder serem reproduzidas e/ou reprocessadas posteriormente. O Sampler do Ableton é um instrumento multisampler* formidável. Trabalha à base de sons prégravados, que são nele incluídos e modificados.
Drum Rack Instrumento feito para agrupar diferentes instrumentos com um propósito comum: a criação de um kit de bateria. É possível, por exemplo, abrir qualquer instrumento em suas células, criando grandes possibilidades para a criação de baterias e sequências rítmicas. Simpler
“Irmão menor do Sampler”, é mais leve e possui funções reduzidas. Se você arrastar um áudio para uma célula do Drum Rack, por exemplo, um Simpler será aberto ali automaticamente.
*MULTISAMPLER: Tipo complexo de sampleamento, em que, por exemplo, diversos takes e formas de tocar um instrumentos são gravados e organizados de modo a serem reproduzidos pelo Sampler. Entenda: grava-se um violino sendo tocado forte, fraco e médio. A depender a força contida no impulso MIDI que chega a esse instrumentos, um dos takes feitos será tocado. Isso dá ao Sampler mais capacidade de reproduzir com fidelidade instrumentos reais.
2.4. Principais efeitos de áudio EQ 8 ou EQ 3
Trabalham modificando a amplitude (volume) de determinadas frequências (grave, médio, agudo).
Compressor
Trabalha na dinâmica musical, atenuando ou ampliando as diferenças entre o impulso sonoro mais alto e mais baixo.
Flanger
Efeito produzido pela mistura de duas ondas idênticas, criando, por exemplo, efeito de defasamento.
Simple Delay
Serve para adicionar um intervalo de tempo no sinal de áudio.
Ping Pong
Mesma função do Simple Delay, entretanto, trabalha com o panning.
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2.5. Principais efeitos MIDI Arpeggiator Serve para tocar sequências de novas com base no input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI. Pitch
Serve para fazer transposição* do input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI.
Scale
Filtra o input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI para que soe apenas as notas “corretas”.
Chord
Com base input dado por aquele que toca ou pelo clip MIDI, duplica-se o sinal no intuito de criar acordes**.
* TRANSPOSIÇÃO: Em terminologia musical, refere-se ao processo de se modificar a altura de uma nota ou coleção de notas por um intervalo constante. Quando se transpõe uma música, modifica-se também a tonalidade em que ela se encontra. ** ACORDES: Complexo sonoro resultante da emissão simultânea de três ou mais sons de frequência diferente.
2.6. Adicionando e trabalhando com third-party plug-ins Como os diversos DAWs no mercado, você pode trabalhar com softwares de outras marcas e fabricantes com o Ableton Live. Após a instalação, ache, em seu computador, a pasta onde os plug-ins estarão, para serem achados pelo Ableton. Certifique-se de instalá-los sempre nessa mesma pasta (geralmente padronizada) para que os novos plug-ins instalados estejam disponíveis no Live.
Figura 4. Habilitando o uso de plug-ins de outros fabricantes
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2.7. Equipamentos comuns em home-studios Vamos agora entender os equipamentos presentes nos estúdios direcionados à produção de música eletrônica.
Figura 11. Esquema dos equipamentos que constituem os estúdios
•
Monitores de áudio: Caixas de som próprias para a produção musical.
•
Placa de som: Interface que processa o áudio. Possui canais analógicos para gravação de instrumentos ou vozes.
•
Sintetizadores: Hardwares para síntese sonora tanto de timbres quanto de batidas.
•
Computador: Peça central do estúdio, ele conecta os demais equipamentos.
2.8. Conclusão Aqui, vimos o conceito de DAW, os canais de retorno, áudio, MIDI, os principais efeitos de áudio e MIDI. Estudamos como habilitar third-party plug-ins e conhecemos os equipamentos comuns em home-studios.
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2.9. Sugestão de vídeos Veja o episódio da série Agaist the Clock, da Fact, para ver o processo de criação da produtora Flava D. Essa série de vídeos é muito boa, e, nos 10 minutos de cada vídeo, aprendemos um pouco sobre as diferentes possibilidades de criação. https://www.youtube.com/watch?v=YpDLg6cut-8
Neste outro vídeo, a mesma produtora faz outra faixa. Nela podemos ver outros truques e recursos utilizados! https://www.youtube.com/watch?v=J7q-jrDXgSs
2.10. Referências ABLETON LIVE. Manual. Disponível em:
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__ AULA 3 | INTRODUÇÃO À GRAVAÇÃO Aqui, falaremos sobre alguns procedimentos e dicas de gravação usando o Ableton Live. Entenderemos como habilitar canais para gravação e vermos algumas dicas de gravação e microfonação. 3.1. Habilitando Canais para Gravação Primeiro, nas preferências, escolha sua placa de entrada e habilite-as!
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Veja na figura a seguir as indicações. Clicando no símbolo “I/O”, ou seja, input/output (entrada/saída), você mostra as entradas.
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Assim, podemos escolher a fonte do áudio que será gravada. O Ableton possui as opções de gravar o próprio master, canais individuais e instrumentos externos. Após escolher o canal de entrada, escolha o “modo do canal” (In, Auto, Off), “arme” o botão de REC e comece a gravar! Veja os modos: •
In: só toca o que vem do input e não toca clipes.
•
Auto: toca clipes e o input.
•
Off: só toca clips!
3.2. Introdução à Microfonação Existem muitos tipos de microfones, cada um com uma característica específica. •
Microfone dinâmico: Mais baratos e mais robustos, não necessitam de alimentação externa e são indicados onde as condições de captação forem mais severas, como palestras, apresentações, shows e reportagens. Aceitam grandes pressões sonoras sem distorção. Têm menor sensibilidade a ruídos de manuseamento. Excelentes para gravação de vozes em exteriores, eliminando o ruído ambiente.
•
Microfone condensador: Possuem alta sensibilidade e menor saturação do sinal. Sua utilização, entretanto, requer alimentação elétrica, através de bateria interna ou do mixer de áudio (phantom power). Os microfones condensadores são recomendados para a captação de som de alta qualidade, seja em estúdios, seja para captação de instrumentos musicais.
3.3. Conclusão Vimos aqui como habilitar sua placa de som e os canais do Ableton Live para gravações. Após, fizemos uma pequena introdução sobre os tipos de microfone e diferentes objetivos de gravação.
3.4. Dicas de links Veja a microfonação de uma bateria de 1 a 8 microfones. Observe os modelos de microfone e a posição deles no momento da captação. Ah! Claro, preste bem atenção nas 19
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peculiaridades sonoras entre as diferentes captações. Por favor, releve o fato de o cara do vídeo estar de samba-canção... O que vale é o conhecimento! https://www.youtube.com/watch?v=fDfPdO_lC88
Sobre as figuras de captação. https://jacarandatrilhas.com/2014/07/microfones-e-suas-figuras-de-captacao/
Sobre os tipos de microfone. http://www.artsomstudio.com.br/blog/microfone-condensador-ou-dinamico
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__ AULA 4 | SÍNTESE SONORA 4.1. O que é e para que serve a síntese sonora Síntese sonora é a geração de sons através da manipulação direta de correntes elétricas (sintetizadores analógicos) ou leitura de dados contidos numa memória (sintetizadores digitais).
Foto do Microbrute, sintetizador analógico e monofônico da Arturia. Note os mesmos componentes do Analog do Ableton Live: oscilador, filtro, envelope, LFO.
Esse processo serve para esculpir um determinado timbre, que será sequenciado para criação da faixa musical. Logo, podemos usar sintetizadores para criação de timbres tipo basslines (linhas de baixo) e fundos (background, ambience), elementos da bateria (bumbo, caixa, pratos), etc.
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4.2. Tipos de Síntese Sonora Existem alguns tipos de síntese sonora, vamos a elas? •
Síntese aditiva: consiste em sobrepor várias frequências em simultâneo de forma a criar, com a sua soma acústica, uma nova textura sonora.
•
Síntese subtrativa: consiste basicamente em moldar os harmônicos de uma onda gerada por um oscilador. A onda gerada pelo oscilador a por uma sequência de filtros e depois é amplificada. É o tipo mais comum.
•
Síntese FM: Modulação em frequência (ou síntese FM) é uma forma de síntese onde o timbre de uma onda simples é alterado modulando sua frequência com uma frequência de modulação que esteja na faixa audível, resultando em uma forma de onda mais complexa e uma sonoridade diferente. A frequência de um oscilador é alterada ou distorcida “de acordo com a amplitude de um sinal modulado” (DODGE; JERSE, 1997, p. 115).
•
Síntese com base em sons pré-gravados: A partir de uma gravação, acrescenta-se filtros, efeitos e envelopes para modificá-lo e chegar a um timbre desejado.
4.3. Exemplos de Síntese Sonora com o Analog do Ableton Live Veremos agora alguns processos básicos (e didáticos) para criação de um timbre com síntese subtrativa. LEMBRE-SE: GERALMENTE ESSE PROCESSO ACONTECE NO SENTIDO “DA DIREITA PARA ESQUERDA”. VEJA AS INDICAÇÕES DA SETA! 1.
Com o oscilador, escolha uma forma de onda: senoide, dente de serra (sawtooth), quadrada, noise.
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2. Usando o filtro, escolha o tipo deste (hi, low, band, etc.) e corte frequências com o botão “Freq” e destaque frequências com o “Reso”.
3. Vá para o envelope de amplitude e determine parâmetros como: ataque, sustentação, decaimento e duração (attack, decay, sustain, release – ADSR).
4. Ligue o LFO e determine um rate. Depois, vá para o do filtro e aplique esse LFO na “Freq”.
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Veremos agora, nas imagens seguintes, algumas possibilidades criação timbrística com esse sintetizador virtual que simula os processos analógicos.
1.
Baixo Wobble: observe o tipo de onda, o filtro e o LFO aplico à frequência.
2. Hi Hat: observe o tipo de onda, o filtro e o envelope de amplitude.
3. Fundo: observe o tipo de onda, o filtro, o envelope de amplitude e o vibrato.
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4.4. Conclusão Estudamos o que é e para que serve a síntese sonora. Vimos aqui os diferentes tipos de síntese sonora e alguns exemplos de como criar certos timbres para determinados da música. Esta parte do curso é bem prático, então, não deixe de praticar com os sintetizadores disponíveis para você, sejam eles físicos ou virtuais.
4.5. Sugestão de links Este tutorial em português ensina como criar basslines de psytrance com o TALNoiseMaker, um sintetizador virtual gratuito. e o primeiro link para ver o vídeo e o segundo para baixar o sintetizador. https://www.youtube.com/watch?v=EUf-azPHlcM https://tal-software.com/products/tal-noisemaker
4.6. Referências DODGE, Charles; JERSE, Thomas A. Computer Music: Synthesis, Composition and Performance. New York: Schirmer Books, 1997. MICROGRUTE PATCHES. Metalic Short Bass-patch; Sparks - Tryouts for a human race – patch; DRON-Wah-patch. Disponível em:
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__ AULA 5 | PROGRAMAÇÃO DE BATERIA 5.1. As Baterias Eletrônicas Antes, aprendemos os tipos de síntese sonora e como sintetizar determinados timbres. Nesse processo, estávamos sempre definindo um timbre que iria ser tocado por um teclado, e as teclas tocadas influenciavam diretamente em sua nota. Agora, vamos entender a síntese sonora voltada para criando de sons de batida.
ENTRETANTO, VAMOS VER UM POUCO DE HISTÓRIA! Alguns equipamentos se tornaram standards5 de como criar batidas; logo, os softwares de hoje se basearam em como esses equipamentos funcionavam. Vamos ver primeiro as diferentes TRs da marca Roland, cujas sonoridades são bem características. Adiante, entenderemos o sequencer e ideia de um como dividido em 16 tempos! 1.
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TR 707: bem electro, timbres tem uma pegada “acústica” bem marcante!
Padrão, tipo, modelo, norma. 26
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2. TR 808: marca registrada das baterias de trap, entretanto, fizeram muito sucesso na cena techno e post-punk!
3. TR 909: a mais house de todas!
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Outro equipamento muito importante é a MPC da Akai. Nela, você consegue fazer pequenas gravações e sequenciar essas pequenas gravações. Muito importante para o hip-hop! Foi por meio dela que as baterias de funk, jazz e blues ressequenciadas foram parar nas batidas de rap!
Antes da popularização dos computadores, era preciso ter equipamentos desse tipo para fazer batidas!
5.2. Drum Rack do Ableton Como vimos, os diversos tipos de síntese servem para a criação de diferentes sons, ou seja, com apenas algumas mudanças em certos parâmetros, você pode transformar um timbre que servia de linha de baixo em um hi-hat (prato) de bateria. No caso do Ableton Live, o principal instrumento para programação de bateria é o Drum Rack. Nele, atribuímos um som (que pode ser um áudio ou um sintetizador) a uma célula desse instrumento. Cada célula é ativada por uma tecla/nota. Assim, organizando impulsos que tocam cada uma dessas células em função do tempo, você estará programando uma bateria. A figura acima mostra um Drum Rack vazio. Perceba que cada célula será tocada por uma determinada tecla do controlador MIDI ou do teclado do computador. Podemos, então, preencher o nosso Drum Rack com vários samples ou instrumentos virtuais. Veja:
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Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live
Figura 2. Possibilidades do Drum Rack: abre um áudio ou um outro instrumento
Para organizar os sons em função do tempo, precisando entender mais a fundo sobre o sequencer. Veja a foto de uma outra bateria eletrônica, a Elektron Machinedrum: note o formato do sequencer na parte de baixo: sequencer de 16 steps em um como do tipo 4/4:
PERCEBEU A SEMELHANÇA COM AS “TR” MOSTRADAS ANTERIORMENTE? TODAS ELAS POSSUEM ESSE SEQUENCER, QUE SE TORNOU PADRÃO, E ESTÁ TAMBÉM NO ABLETON LIVE!
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Entraremos em contato agora com o padrão consolidado de programação rítmica. Na maioria dos hardware e softwares de produção, você verá um sequencer de 16 steps em um como do tipo 4/4. Ou seja, por padrão, divide-se um como em 16 partes, onde irão se organizar os impulsos que tocarão os instrumentos. Veja agora como funciona no Ableton Live:
Sequência inicial no Drum Rack com um Kit do Ableton
Percebeu a lógica da bateria eletrônica presente também no software (como 4/4 dividido em 16 steps)? Assim, trabalhando a sequência de bateria, o andamento da faixa e os acentos, chegamos aos ritmos básicos que marcam cada estilo. Veja a aparência de um arranjo de bateria programada finalizado.
5.3. Como Neste momento, é importante vermos mais esses conceitos! Como é uma forma de dividir quantitativamente em grupos os sons de uma composição musical, Por exemplo, nas baterias eletrônicas, vemos 1 como divido em 16 os. Por quê? Pois, na maioria das vezes, vamos lidar com comos 4/4, ou seja, nele, cabem 4 partes de 4 os. Veja a imagem, vemos 4 partes de 4, ou seja, 16 os. 30
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Se estivéssemos trabalhando com uma valsa, ou seja, com como, teríamos 3 partes de 4 os. Veja a imagem, vemos 3 partes de 4, ou seja, 12 os.
No processo de composição, precisamos ficar atentos pois devemos sempre fazer melodias e harmonias “proporcionais”, que caminhem em grupos de comos coerentes, tipo, se sua melodia principal possui 4 comos, sua harmonia deve, no mínimo, seguir proporcionalmente, ou seja, ter 1, 2, 4, 8 comos, por exemplo. Em gêneros da música eletrônica, a música é feita de 4 em 4 ou de 8 em 8 comos. Geralmente, é a cada 4 ou 8 comos que a música muda, que entra o break, viradas, etc.
5.4. Acentos, Swing/Groove Um bom instrumentista é notado e valorizado justamente por tocar perfeitamente as “imperfeições”. Bom, ao criarmos um pequeno arranjo de bateria ou uma melodia com o mouse, colocamos uma série de notas ou impulsos. Cada um desses impulsos está perfeitamente preso ao “grid”, ao tempo! Exercitando a escuta, logo notamos parecer um robô tocando!
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Assim, se esse “feeling mecânico” te interessa, OK! Entretanto, se você busca trabalhar com músicas “tocadas” ou com gêneros musicais não tão “eletrônicos”, é preciso acrescentar acento e swing ao seu arranjo de bateria! Veja as imagens a seguir, temos a diferença de uma programação simples em que uma tem mudanças de acento e swing e outra não.
Essas modificações no acento (força que cada nota é tocada – velocity) e no swing (pequenas “imperfeições” no tempo) em uma mesma sequência de notas podem diferenciar estilos. Por exemplo, o de cima, mais mecânico, lembra um ragga, enquanto o outro, lembra baião (forró), com uma pegada mais orgânica. Para aplicar um swing automático, ou seja, sem que você toque ou edite, use a seguinte ferramenta:
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Notou as pequenas imperfeições? Elas tornam a música mais “orgânica” ou “humana”!
5.5. Conclusão Estudamos tanto o que é como para que serve a programação de bateria. Entendemos como sintetizar e criar sons de baterias, desenvolvendo drumkits, e como organizá-los em função do tempo para criar um loops e célulcas rítmicas de batidas para posterior uso em composições. Vimos também sobre o sequencer e os parâmetros de acento e swing!
5.6. Sugestões de links Paterns clássicos da TR 808: https://www.youtube.com/watch?v=yJiJSGsJH4U
Música usando TR 707: https://eodtracks.bandcamp.com/track/questionmark-1
Apesar de estar em inglês, a página a seguir compila uma série de vídeos com ótimas dicas de programação de bateria. https://www.ableton.com/en/blog/get-swing-drum-programming-tips/
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__ AULA 6 | PEQUENA INTRODUÇÃO À TEORIA MUSICAL 6.1. A Relação entre Nota Musical e Frequência Sonora Notas musicais são os nomes que nós damos a uma determinada frequência. Veja a figura:
Cada nota tem uma frequência respectiva. Ou seja, se temos uma onda sonora oscilando em 440 Hz, provavelmente estaremos ouvindo aquilo que nós chamamos de “Lá”. Observe também que os múltiplos de determinada frequência têm o mesmo nome, ou seja, uma onda sonora oscilando pode oscilar em 110 Hz, ou 220 Hz, 440, ou 880 Hz, estará sempre fazendo um “Lá”, mas um lá em oitavas6 diferentes!
6
Intervalo que abrange oito notas de uma escala diatônica ou 12 semitons. 34
Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live
6.2. Intervalos Musicais Agora que já falamos em “oitava”, vamos entender os outros intervalos musicais. Primeiro, vamos entender o tom e semitom. 1.
Semitom é a diferença entre C e C#, por exemplo, veja no teclado!
2. Um tom é a soma de 2 semitons:
Agora, vamos ver que, além de nomearmos as notas, nomeamos também a diferença entre elas, ou seja, a diferença entre um C para um C# ou de um A para um A#, de um semitom, é chamado de segunda menor (2ª m). Veja a tabela!
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6.3. Acorde (tríade) Agora que entendemos o que são as notas musicais e os intervalos, vamos entender 2 tipos de acordes, os maiores e menores. Acordes são conjuntos de notas. Esses acordes são chamados de tríades, pois possuem três notas. Os acordes maiores seguem a seguinte “fórmula”: Nota + 3ª maior + 5ª justa. Veja a tabela:
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Os acordes menores são assim: Nota + 3ª menor + 5ª justa. Veja a tabela:
DICA: ACORDE MAIOR É “ALEGRE”, O MENOR, “TRISTE”! 6.4. Tonalidade Observe na figura seguinte, um gráfico de frequência X amplitude do Eq8 do Ableton da execução da nota C3 em de um piano.
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Nessa imagem, como destacado pelas setas, temos alguns picos de frequência. O primeiro, e mais destacado, é a frequência fundamental, que determina a nota que está sendo executada. Os picos seguintes, mais fracos, são os harmônicos. Esses harmônicos seguem sempre uma fórmula, chamada de série harmônica. Veja!
Ou seja, um Dó, na verdade, é soma de uma série de notas, que juntas, soam assim. Visto isso, avançamos um pouco mais na teoria musical. Com base nas teorias das séries harmônicas, foi possível desenvolver ainda mais as teorias de tonalidade, ou seja, foi possível identificar notas que “combinam” entre si e possuem uma relação de hierarquia. Na figura anterior, note que as notas presentes nos harmônicos compõem a tonalidade. Assim, percorrendo o caminho da imagem acima (1, 2, 3, 4, 5...), veremos uma sequência de intervalos musicais. Daí, temos, a tonalidade é formada pelas notas C, D, E, F, G, A, B. A relação de hierarquia começa quando nós adotamos uma nota como a fundamental. Daí, uma sequência de intervalos musicais determina o restante das notas presentes em uma tonalidade. Veremos dois tipos de tonalidade, a maior e a menor.
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Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live
Essas são notas que compõem a tonalidade. Agora, veremos os acordes e os graus de cada tonalidade. Reflita: se temos esse número limitado de notas, vamos seguir a fórmula anterior de criação de tríades com as notas que temos disponíveis, ou seja, C, D, E, F, G, A, B (no caso de dó maior). Então temos: C-E-G: dó maior | D-F-A: ré menor | E-G-B: mi menor F-A-C: fá maior | G-B-D: sol maior | A-C-G: lá menor | B-D-F: si diminuto7 É claro que esses acordes também têm um nome! Além de serem associados a um grau. Eles têm um nome, pois cada um está associado uma função na harmonia de uma música, por exemplo, causa tensão, resolver tensão, finalizar, introduzir, etc. Ordem
Grau
Nome
Função
1º
I
Tônica
repouso natural da tonalidade
2º
II
Supertônica / grau acima da tônica Dominante da dominante
3º
III
Mediante
grau intermediário entre a tônica e a dominante
4º
IV
Subdominante
grau abaixo da dominante
5º
V
Dominante
quinto grau a partir da tônica
6º
VI
Submediante / Superdominante
grau intermediário (terça) entre a subdominante e a tônica da oitava superior
Subtônica / Sensível
subtônica quando o intervalo relativo à tônica superior é de um tom (escala menor natural); sensível quando o intervalo relativo à tônica superior é de um semitom (escala maior, escala menor harmônica e escala menor melódica)
7º
7
VII
Com um semitom a menos que um justo (diz-se de intervalo). 39
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Visto isso, com base em uma melodia, podemos criar a harmonia, ou seja, acordes que acompanham uma melodia. Existem também as cadências, ou progressões de acorde, que são sequências de acordes de uma tonalidade, com base nos graus, que servem de base para a criação de uma harmonia básica. Veja os vídeos recomendados!
6.5. Conclusão Vimos aqui uma muito pequena introdução sobre a teoria musical. Aprendemos conceitos iniciais sobre nota, acorde, harmonia, entre outros. Não deixe de se aprofundar nesse assunto, ando os links a seguir e treinando seu ouvido!
6.6. Dicas de links Aqui temos um vídeo mostrando algumas progressões bem comuns! https://www.youtube.com/watch?v=9YS3YvtY8-E
Neste aqui temos músicas famosas e suas respectivas progressões! https://www.uberchord.com/blog/5-popular-common-guitar-chord-progressions-songwriters/
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__ AULA 7 | COMPOSIÇÃO: ÁUDIOS PRÉGRAVADOS Nesta parte do conteúdo, veremos como trabalhar com arquivos de áudio que contêm algum conteúdo de tempo, ou seja, são loops ritmados, músicas inteiras, takes de instrumentos individuais, etc.
7.1. WARP Para isso, precisamos entender a ferramenta WARP do Ableton. Pensa comigo, se você tem uma música em 4/4 ou uma gravação de um instrumento individual, e precisa encaixar um beat nisso, ou seja, precisa sincronizar esses arquivos de áudio com o como e o andamento do programa, o que fazer? Para isso, usamos o WARP, para “esticar” ou “encolher” os arquivos de áudio, de diferentes formas, para colocá-los em sincronia com o programa. Veja na imagem, os warps, marcações indicadas pelas setas, servem para “esticar” ou “encolher” partes do áudio para mantê-lo no tempo, no beat!
O Ableton irá detectar o andamento e como de boa partes das músicas eletrônicas ou loops pré-fabricados que você inserir! No entanto, músicas tocadas, orgânicas, antigas e instrumentais, não! Então, você precisa ir manualmente e fazer as marcas, seguindo o “click do programa”.
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Achar o “1” da música é achar onde temos certeza que ali é o começo de um como. Feito isso, esse “1” nos servirá de referência, junto com o click e o próprio gráfico da música, para encaixá-la no tempo.
7.2. Tipos de Warp Agora fique atento, existem alguns tipos de WARP, cada um é bom para uma função.
•
Beats: é destinado para loops percussivos – bateria, percussão e outros loops rítmicos.
•
Tones: é destinado para loops/sons de função tonal – baixo, lead, voz, etc.
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•
Texture: é destinado para timbres polifônicos (diversas notas tocadas ao mesmo tempo) ou noises.
•
Re-Pitch: destinado para qualquer tipo de som – neste tipo de warp mode quando ocorre time-stretch (diferença de tempo) também ocorre pitch-shift (mudança de tom).
•
Complex e Complex Pro: destinados para qualquer tipo de som – nestes tipos de warp mode, quando ocorre o time-stretch não ocorre o pitch-shift.
7.3. Conclusão Vimos aqui como utilizar a ferramenta WARP. Com ela, você pode adicionar um Groove a tudo ou colocar tudo dentro do seu groove! Não deixe de praticar essa técnica no nível mais avançando, ou seja, fazendo loops e colocando batidas em música “tocadas”.
7.3. Dicas de Links Dubspot ensinando a warpar, vale a pena assistir! https://www.youtube.com/watch?v=jsHnZUGl8yY
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__ AULA 8 | COMPOSIÇÃO: CRIANDO UMA FAIXA AUTORAL 8.1. Sequenciando na Visão de Sessão Neste momento, aproveitamos o que há de mais interessante no Ableton Live, ou seja, vamos aproveitar e brincar bastante na visão de sessão. Nesse modo, podemos ir criando diversas camadas, temas, ideias, como se estivéssemos fazendo um rascunho de nossa música, assim, vamos criar basicamente duas partes, como se fosse uma parte A, com tema principal, clímax, e uma parte B, diferente da A, com outros sentimentos, que serve para termos uma ponte para uma coisa diferente e para depois voltar ao nosso tema principal. Nosso projeto fica, inicialmente assim:
Vamos apenas rascunhar, juntar vários clips que dão certo juntos para, depois, ainda na visão de sessão, rascunhar um desenvolvimento para música, criando uma introdução, break, clímax, ainda de forma rudimentar. Aqui, entenderemos o conceito de “cena”, isto é, uma linha horizontal de clips! Conforme a figura seguinte, iremos montar várias cenas, cada uma com uma função (introdução, tema principal, break, parte b, break, clímax, fim). 44
Curso de Produção de Música Eletrônica com Ableton Live
Aqui, dando o play nas cenas inteiras, vamos vendo como criar uma pré-música, com uma ideia de seus momentos.
8.2. Conclusão Vimos aqui como utilizar a visão de sessão para fazer a pré-produção de uma música. Pela sua fluidez, fica mais fácil rascunhar partes e ideias, sem ainda finalizar o arranjo.
8.3. Sugestão de links
Neste vídeo, parte uma coleção de nove vídeos, fala um pouco sobre a visão de sessão. e para ampliar seu conhecimento. https://www.youtube.com/watch?v=nmOEanhDTGo Mais dicas sobre o que é possível fazer na visão de sessão. https://www.youtube.com/watch?v=CfUgVInYE-g
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__ AULA 9 | SEQUENCIAMENTO E AUTOMAÇÃO 9.1. A organização de elementos de áudio e MIDI em função do tempo Para organizar elementos musicais em função do tempo, precisamos de um sequenciador (sequencer). Antes, um sequencer era um equipamento externo, um hardware robusto, no qual se programava impulsos que tocariam samplers ou sintetizadores.
Sequencer analógico, note a divisão padrão em 16 os (steps), semelhante àquela que vimos na aula sobre programação de bateria
Entretanto, com o processo de virtualização da música, esse equipamento foi emulado para dentro do computador, ou seja, nos DAWs existe sempre um sequencer embutido. Genericamente, assim é o sequencer em boa parte dos DAWs disponíveis atualmente.
Exemplo genérico dos sequencers nos DAWs
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Assim, sequenciador é um dispositivo ou aplicativo de software que pode gravar, editar ou reproduzir música, pela manipulação de notas e informações diversas. Normalmente, trabalha-se com MIDI, clips de áudio e dados de automação de parâmetros. O processo de sequenciamento de uma música, assim, pode envolver atividades como: •
Programação de bateria com o uso de impulsos MIDI.
•
Organização de loops e samples pré-gravados (clips de áudio).
•
Criação de linhas melódicas em MIDI para que diversos instrumentos as toquem (melodias de baixo, de fundo, leads etc.).
•
Automação para gravar mudanças de diversos parâmetros em função do tempo (por exemplo, um filtro faz um sweep nas faixas de bateria para fazer um break na música.
9.2. Sequenciando da Visão de Sessão para A Visão de Arranjo Neste momento, precisamos deixar nossa música organizada como na figura anterior, com tudo organizado em função do tempo para que nós possamos, depois, exportá-la! Assim, pegaremos nosso rascunho da visão de sessão e levaremos para a visão de arranjo. Podemos fazer isso gravando, ou seja, apertando o REC e dando o play nas cenas (partes da música) ou copiando e colando nossas partes para a visão de arranjo! Veja: 1.
Gravando:
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2. Copiando e colando:
9.3. Automação As ferramentas de automação servem para gravar mudanças de diversos parâmetros em função do tempo, entre eles, podemos modificar: •
Movimentos nos parâmetros de equalização para criar um efeito sweep.
•
Modificação do andamento (bpm) da música para criar mudanças da “velocidade da música”, criando momentos e partes distintas na trilha em processo de criação.
•
Fade-in ou fade-out de elementos diversos ou de toda a música.
•
Automatizar o volume, por exemplo, de um take de voz, para chegar a um equilíbrio entre as palavras articuladas com muito ou pouca intensidade.
•
Fazer um determinado instrumento ou efeito sonoro “ear” pelos lados esquerdo e direito em um sistema de som estéreo.
•
Aumentar os cutoff dos sintetizadores para tornar os timbres mais estridentes apenas nos momentos de clímax da música que se está criando. 48
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A lista continua. Na verdade, podemos definir espontaneamente o processo de automação como o meio pelo qual você vai “gravar” o movimento de um botão em seu ambiente de criação. Vale destacar que essa automação pode ser feita tanto a partir da performance, na qual se “grava” os movimentos dos instrumentos virtuais por meio do seu controlador MIDI ou mouse, ou “na mão”, usando o mouse e os recursos do seu DAW para “desenhar” o movimento desejado de determinado parâmetro.
Veja as diversas automações em uma faixa. Veja, alguns parecem ter sido feitos com “na mão” e outros parecem ter tido gravados por uma performance
9.4. Conclusão Entendermos como funciona a organização de elementos de áudio e MIDI em função do tempo, por meio do equipamento sequencer, que pode ser físico ou virtual, e realizamos automações.
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9.5. Sugestões de links Vídeo rápido e simples com algumas dicas de automação. https://www.youtube.com/watch?v=4trjSIt_S0o
Vale a pena rever esse vídeo, agora neste outro momento de nosso curso. Nele, a produtora Flava D começa uma track do zero, sem nem usar a visão de sessão do Ableton. Um método diferente do que estudamos, mas muito interessante. https://www.youtube.com/watch?v=J7q-jrDXgSs
Veja agora esse vídeo produzido pelo canal da Ableton sobre como o sequenciamento funciona no controlador feito especialmente para controlar o Ableton Live. https://www.youtube.com/watch?v=VUweOQHgjLY
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_ AULA 10 | CONCEITOS GERAIS SOBRE MIXAGEM E MASTERIZAÇÃO 10.1. os Essenciais de uma Mixagem Inbox
LEMBRA DA IMAGEM DA PRIMEIRA AULA, NA QUAL OS MÚSICOS SE ORGANIZAM NO ESPAÇO PARA CONSEGUIR O MELHOR RESULTADO DA GRAVAÇÃO? Então, hoje, como o padrão de gravação (em nosso caso composição) é em multipista, será preciso, então, juntar artificialmente as diversas faixas. E o que há de complicado nisso? Bom, temos agora que pensar em nossa característica biológica. Nosso ouvindo escuta frequências entre o intervalo 20Hz ou 2kHz, então, temos que organizar cada elemento que temos em nossa música para que cada um ocupe a frequência “certa”, para poder nossa música ficar equilibrada, ou seja, cada elemento deve ser ouvido nitidamente, mas sem se sobrepor a outros elementos. Veja:
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Nessa figura, podemos ver que cada instrumento tem seu “campo de frequência”, ou seja, ocupa um determinado intervalo. E o que é mixagem inbox? Bom, historicamente, a mixagem era feita em robustas mesas de som. Nessas mesas, que hoje os DAWs simulam, cada canal era equalizado, comprimido e efeitos diversos eram acrescentados. Assim, a “soma” final dos canais acontecia analogicamente, ou seja, por meio de uma mesa de som que trabalha o sinal analógico do áudio. Esse é o processo outbox. No inbox, nosso caso, essa mixagem e essa soma será feita no âmbito digital. Ou seja, não usaremos uma mesa de som e suas respectivas ferramentas, usaremos a interface do DAW e os efeitos virtuais diversos de áudio.
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Na imagem a seguir, observe que cada canal está com um volume preciso determinado, usou-se o panning8, há uma série de sends sendo mandados para os canais de retorno e, para cada canal, há no mínimo, um equalizador e um compressor. Com o equalizador, destacamos ou retiramos certas frequências sonoras do canal que estamos editando, e, com o compressor, trabalhamos a dinâmica de cada instrumento. Bom, para uma boa mixagem, recomenda-se os seguintes os: •
Equilíbrio de volume: delimitar os volumes de cada canal, tendo em mente os elementos principais da faixa (voz, ou kick, por exemplo) e o efeito desejado (instrumental mais presente, voz distante, instrumento em destaque, etc.)
•
Panning: processo de “especializar” os elementos. Lidar com o volume e direcionamento em esquerda ou direita possibilita a organização espacial do som (imagine você assistindo a um concerto clássico ou a uma banda de percussão sem amplificadores ou microfones, você ouve certo instrumentos mais para um lado do que para outro, certo? Faça isso com sua mix!)
•
Equalização: Tendo em mente a figura anterior, coloque cada instrumentos em sua respectiva frequência (Exemplos: retire frequências graves e agudas desnecessárias dos timbres; em sons presentes e destacados, retire parte da frequência média/ aguda, para dar lugar a outros instrumentos).
•
Compressão: Lidando com essa ferramenta que trabalha a dinâmica sonora, use-o para conseguir o melhor som possível de cada canal, deixando o som mais na cara, ou abafado, ou distorcido, sempre de olho na intenção e no feeling que se deseja com a mix.
•
Ambiência: Escolha três tipos de reverbs (um curto, um médio e um longo) e vá adicionando a cada elemento. Dica: bateria e baixo, reverbs curtos; percussão e instrumentos diversos, reverb médio; voz e cordas: reverb longo. IMPORTANTE: EXPORTE SUA MIX FINAL EM 44.100 E 24 BITS!
8 Panning é a distribuição de sinal de som (monaural ou estereofônico) em um campo de som stereo ou multicanal. 53
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10.2. Masterização Na história da gravação, mesmo após a mixagem final das gravações, um outro processo era necessário: a masterização. Ela servia para adaptar o resultado da mixagem para ser prensada no vinil. Com a evolução e mudança do mundo do áudio, esse processo de manteve, ganhando novas funções, mas mantendo sua ideia básica: formatação do trabalho final da mixagem para um meio eu m contexto específico. Assim, na masterização, geralmente trabalhamos com conjunto de músicas, que serão lançadas juntamente ou em um mesmo contexto. Assim, o objetivo básico é: •
fazer soar a mix final bem em diversos tipos de caixas de som,
•
colocar as diversas faixas em um mesmo volume, tornando melhor a audição de toda a obra,
•
colocar as músicas em um volume compatível ao meio e contexto em que ela irá circular (meio comercial: muito alta; meio independente: alta o suficiente, etc.).
Assim, para realizar a masterização usamos três principais processos: •
bus compression: vimos anteriormente que é preciso usar compressores em cada elemento separadamente para conseguir o melhor som possível daquele elemento. Agora, usaremos um compressor em nosso master, ou seja, comprimiremos toda a faixa, de modo a criar uma ideia de “glue”, de “cola”.
•
Equalização final: após todos o processo até aqui, é possível que, para se conseguir uma perfeita compressão, certas frequências tenham sido atenuadas ou destacadas, use um equalizados para ajustes finos de frequência, sempre ouvindo e comparando.
•
Limiter: um limiter é como se fosse um compressor funcionando “ao máximo”. A partir de onde estiver o threshold, o som não a! Assim, é possível aumentar ainda mais o volume da faixa, pois os picos serão retirados pelo limiter. IMPORTANTE: GERALMENTE, A MASTER FINAL É EXPORTADA EM 44.100 E 16 BITS!
Ao final desse processo, tenha em mente o meio no qual sua faixa vai circular. Cada contexto pede uma especificação diferente. Use sempre uma música de referência em arquivo de alta qualidade para fazer comparações. Fique atento ao processo de conversão da faixa em mp3, use conversores confiáveis. Obrigado por nos acompanhar até aqui e siga em frente! Boa produção. 54
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