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Entrevista a Alejandro Jodorowsky, por Erik Morse | PLANO CREATIVO

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Entrevista a Alejandro Jodorowsky, por Erik Morse abril 24, 2013 Archivado en: Alejandro Jodorowsky,Alejandro Jodorowsky en los medios,Entrevistas — planocreativo @ 1:41 pm

* E.M.- Podemos comenzar nuestra entrevista con el comienzo de su misión artística, específicamente con su llegada a París de Chile en 1953 como un extranjero, un extraño, un exiliado. He leído que en su origen fue su trabajo en el circo y la pantomima en Santiago con el Teatro Mimico, un grupo de su propia creación, que originalmente te llevó a Europa. ¿Quieres decirme algo de esa fascinación temprana como mimo? ¿Cómo llegaste a conocer a Etienne Decroux y Marcel Marceau después de trasladarse a París?

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* A.J.- Yo no quería ser un intérprete, es decir ser un actor que repite palabras que él no ha escrito. Quería ser un creador: es decir expresarme con mi cuerpo y no con palabras. Las únicas palabras que me interesaban eran las de la poesía, porque se proponían , trágicamente, tratar de explicar el silencio. E.M.- Es importante también señalar la función de silencio que viene con el arte de la mímica. A pesar del énfasis que se pone a menudo en la visualidad de sus películas, la condición de silencio – ya sea en el koan zen, meditación, catatonia o afasia – es central en toda su obra. ¿Cree usted que nosotros, como una comunidad moderna, hemos olvidado la preciosidad de silencio? ¿Por qué crees que el silencio siempre se equipara a la debilidad en la cultura contemporánea? * A.J.- El silencio espiritual no elimina los ruidos, se despega de ellos. Cuando hablo de silencio en Arte, hablo del silencio espiritual, interior, un despegue del mundo, un vivir en el mundo sin ser del mundo. Los sonidos, palabras, son entonces como las nubes que vagan bajo el silencio de un cielo despejado, siempre azul. E.M.- Usted ha dicho que a la edad de quince años, destruyó todas las fotos de ti mismo en un esfuerzo por eliminar los recuerdos de su vida en Chile. Deduzco de lo que has escrito en el pasado que la relación con su padre, de apellido Groismann (aunque usted no tomó su apellido), era muy difícil. ¿Reconoció a esta edad muy temprana que no pertenecía a ninguna familia, ninguna comunidad, ningún país? ¿Era un acto teatral o una erradicación más profundamente personal de su árbol genealógico? * A.J.- Nací en un muy pequeño pueblo, desértico, sin cultura, industrial. Mis padres eran comerciantes, tan sin cultura como Tocopilla, mi pueblo natal. No sé por qué nací como un mutante. Llegué al mundo ya con 10 dientes y con una cabellera rubia. Aprendí a leer, de golpe, a los 4 años. A los 7 años había leído a los clásicos, entre ellos todas las obras de teatro de Shakespeare. Esa familia de personajes mediocres, ciegos hacia el arte, fue para mi una cárcel. Los borré a todos de mi vida a los 23 años, padre, madre, hermana, abuelos, tios, primos. Nunca más los volví a ver. * E.M.- ¿Qué recuerda del ambiente artístico de París en la década de 1950? Los años de la posguerra inmediatos en Francia suelen contextualizarse como una mezcla de arte y diversas subculturas políticas de llenar el vacío dejado por la guerra y el surgimiento de Gaulism. ¿Cómo ve su papel en estos años antes de conocer a Fernando Arrabal y Roland Topor y concebir el movimiento pánico? ¿Fue principalmente como intérprete? ¿Un artista? ¿Un filósofo? ¿Un vagabundo?* A.J.- Llegué a París con tres metas: trabajar con Marceau, estudiar filosofía en la Universidad de la Sorbona con Bachelard y frecuentar el grupo surrealista de Andrè Breton. Pude hacer las tres cosas. Me convertí en el ayudante principal de Marceau (escribí muchas de sus pantomimas), cree el movimiento filosófico

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Pánico, y frecuenté durante dos años las reuniones del grupo surrealista, inventando juegos para ellos. ¿Qué fui? Fui un poeta en acción. Yo creía que tenía mucho más imaginación que Dalí. * E.M.- He leído que también dirigiría Maurice Chevalier en su regreso teatral a finales de los años 50. En ese momento Chevalier había reducido de una estrella a un traidor y criminal. ¿Había algo que aprendió de su cabaret estilo musical que influyó en su visión teatral y cinematográfico más radical? * A.J.- De él aprendí solamente a no ser avaro. Ese divo estaba enfermo de avaricia. Le creé un espectáculo que duró un año. Me costó obligarlo a pagarme mi sueldo. En cuanto a aprender, él aprendió de mí, porque le enseñé el arte de la pantomima, arte que aplicó después en todas sus giras. * E.M.- A menudo se escribe de su profunda cercanía al psicoanálisis de Jung, pero también ve una conexión extraordinariamente íntima entre su trabajo y el de Gaston Bachelard, uno de los filósofos más importantes del siglo XX. Usted ha mencionado en otras entrevistas que usted asistió a las conferencias finales de Bachelard en la Sorbona. ¿Cuáles fueron sus impresiones de sus libros sobre los elementos y su interés general, con la psicología y el chamanismo? * A.J.- Lo que más me impresionó y marcó para siempre mi mente fue uno de sus libros menos conocidos: “La filosofía del no”. Ahi aprendí a pensar correctamente. Este profesor fue el primero en enterarse de las semánticas noaristotélicas. Hoy las llamaríamos pensamiento cuántico. * E.M.- El movimiento pánico debe gran parte de su desarrollo conceptual y teatral del teatro de la crueldad de Antonin Artaud. De hecho, en un ensayo titulado “La meta de Teatro” escribe, “El teatro debe estar basado en lo que hasta ahora ha sido llamado ‘errores’: accidentes efímeros… El teatro… no debe durar ni un solo día en la vida de un hombre, “por otra parte, J. Hoberman escribió la célebre frase de sus películas,” el gusto de Jodorowsky para la indignación y el escándalo – característicamente perseguido en términos simplistas de contenido parafraseable y detalle morboso, y no en las de la expresividad estilística o formal – prácticamente invierte Artaud escenario radical para la reforma del espectador”. ¿Fue su primera introducción a la obra de Artaud a través Arrabal? ¿Te han resultado las ideas de Artaud de un “físico” teatro – centrada en la transformación alquímica del cuerpo a través de un lenguaje gestual violenta – para estar cerca de alguna respecto a sus propios intereses en mimo y el payaso? ¿Elabórame cómo influyó en ti la obra de Artaud, desde panique al cine o al tarot y la psicomagia? * A.J.- El “Teatro de la crueldad” de Artaud me entusiasmó sólo hasta el momento en que abandoné la búsqueda de la catarsis a través de la crueldad, por la búsqueda de la sanación a través de la bondad. planocreativo.wordpress.com/2013/04/24/entrevista-a-alejandro-jodorowsky-por-erik-morse/

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E.M.- ¿Cree usted que tal vez demasiado énfasis se ha puesto en la conexión de Artaud cuando sus obras de teatro y el cine son tan inspiradas por Buster Keaton y Luis Buñuel? ¿Dónde crees que viene esta fascinación por Artaud? * A.J.- Las fascinaciones de la gente que calienta sillones de oficina con sus nalgas no me interesan. Cada persona tiene una visión distinta de un humano famoso. Tu Buster Keaton, tu Artaud, no son mi Buster Keaton ni mi Artaud, ni son el B.K ni el A. de los demás. Cada vez que alguien pone una mujer gorda con grandes senos en un film, ellos dicen “Es Felinesco”. Si ponemos un enano nos dirán “Es Buñuelesco”. Si ponemos monstruos nos diran “es Todbrauwningnesco”. Pero la gordas, los enanos, los monstruos pueden ser absolutamenetye Jodorowskianos. Soy un mutante, el único que me ha inspirado es el inmenso sapo negro que vive en mi alma. * E.M.- Me gustaría saber de sus primeros encuentros con Arrabal. Parece que un espíritu de colaboración se desató que afectó sus dos carreras tremendamente. ¿Has visto inmediatamente en el otro una especie de hermandad artística o espiritual o era el resultado de años de trabajo y la excavación entre ustedes? * A.J.-Realicé en México su obra de teatro “Fando y Lis”. Luego , a mi manera, la convertí en película… Nos encontramos en París. A mí, que adoro los enanos, me encantó conocerlo: era de estaura muy pequeña. En esos años no habían sexshops. Para mí las fotos pornográficas eran arte. Tenía un maletín con una gran colección de ellas. Como me habían prestado un apartamento en París, con un baño de tina, invité a Arrabal que viniera a darse una zambullida. Le pasé las fotos pornográficas. Dijo que se iba a masturbar (en esa época no penetraba a su mujer, sólo se masturbaba con ella porque creía que el coito le quitaría su poder creativo). Así lo hizo, encerrado en el baño. Salió de ahí con cuatro de sus libros manchados por chorros de sémen. Esa fue su dedicatoria. Nunca trabajamos juntos ni nunca nos influenciamos. Cada cual siguió fiel a su estilo de crear. * E.M.- ¿Podemos discutir los detalles del movimiento pánico? La única evidencia que tenemos es en 1965, un vídeo de un evento titulado Melodrama Sacramental de mayo. Ha sido citado por un gran número de artistas como una influencia importante, pero creo que hay una falta de comprensión de este movimiento. ¿Puede describir brevemente sus principios centrales? Es el movimiento pánico destinado a ser, en su esencia, un acto de confrontación y provocación, una rebelión juvenil diseñado para destruir el ego, o está también destinado a ser una especie de terapia teatral usado para curar, calmar, etc, en la manera de psicomagia? ¿Es la psicomagia una práctica institucionalizada conectada a la teatralidad del movimiento pánico? * A.J.- El Pánico nunca existió como un movimiento organizado, con manifiestos como el Surrealismo. Nos juntamos tres artistas con carácter intenso, Topor, Arrabal y yo, y decidimos burlarnos de la cultura inventando la existencia de algo planocreativo.wordpress.com/2013/04/24/entrevista-a-alejandro-jodorowsky-por-erik-morse/

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inexistente. Llamaríamos “pánica” a todas las obras que creáramos; por separado, nunca juntos. Así, engañando a los críticos, haríamos que algo sin definición alguna, pasara a la historia del arte. Y lo logramos. * E.M.- Usted atribuye psicomagia, a una forma experimental de la psicología performativa, pero aún mantiene un vínculo muy tradicional de los arquetipos de Jung, los mitos y el árbol de familia. A partir de la década de 1950, sin embargo, el movimiento anti-psiquiátrico, que creció de la misma estirpe de artistas y teóricos, ha rechazado esta dependencia de las imágenes totémicas y narraciones sexuales – del padre y de la madre – como elemento central de la formación del sujeto. Aquí me refiero a teóricos como Lacan, Laing, Reich, Macho, Deleuze y Guattari. ¿Cree usted que existe el peligro de una psiquiatría que intenta erradicar la función terapéutica tradicional del “inconsciente”, y también búsquedas más allá de la unidad familiar para la formación del yo del paciente? * A.J.- Me cansa Jung. Se enteró de todo, lo sospechó todo, le hizo publicidad a lo transpersonal, al inconsciente colectivo, al nosotros, pero se quedó encerrado en su ego elefantíasico. Fue capaz de ver al Buda, pero incapaz de transformarse en un Buda. Habló de la alquimia sin convertir nunca un pedazo de plomo en oro. Le concedo el título de “Turista del misticismo”… El psicoanálisis fue creado por médicos, hombres rellenos de ciencia, intelectos rígidos saliendo a la caza del lenguaje caótico de los sueños para traducirlo en un lenguaje racional. Freud, enceguecido por su egolatría, pretendió poder explicar los sueños y traducir en palabras a un inconscienete que no se expresa con palabras sino con arcos iris. Yo pude crear la Psicomagía porque desde los cinco años de edad fui un artista. Hice lo contrario del psicoanálisis: le enseñé a nuestra isla racional a hablar el lenguaje del inconsciente, a concebir la realidad como si fuera un sueño, a meternos dentro del sueño escupiendo mariposas y no palabras. ¿Por qué diablos me haces preguntas tan universitarias? El lenguaje que empleas, la erudición que exhibes, es una idiotez cultural. * E.M.- A lo largo de su carrera artística, que ha imitado o aspirado a la estructura de las disciplinas de artistas como Da Vinci, Petrarca o Cocteau, como una especie de “hombre del Renacimiento” – autor, novelista gráfico, cineasta, dramaturgo y director, espiritualista, psiquiatra, etc ¿Por qué crees que el mundo del arte moderno desaprueba tan fuertemente a los artistas que intentan ampliar su obra principal para muchos géneros o disciplinas a la vez? ¿Todavía vivimos en la sombra teórica de la muerte del autor? * A.J.- El Arte de ninguna manera es “one artistic career”. Un artista genial no emplea “disciplinary structures”. Un artista auténtico se caga en la idea de ser un “Renaissance man”. Si tienes testículos no más grandes que una nuez, puedes correr detrás de una sola libre. Pero si los tienes del tamaño de melones puedes correr detrás de 30 liebres a la vez y cazarlas todas. Yo he sido un precursor adelantado 30 años. En el siglo 20 un artista debía dedicarse a ser esclavo de una planocreativo.wordpress.com/2013/04/24/entrevista-a-alejandro-jodorowsky-por-erik-morse/

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sola etiqueta: un “pintor” no podía ser un “escritor” ni un “danzarín” ni un “chamán”. Las cosas en el siglo 21 han cambiado. Antes un teléfono era sólo un teléfono. Ahora lo que era un teléfono es un aparato que sirve también para fotografiar, escuchar música, enviar frases escritas, conocer la temperatura, indicarnos el camino correcto, etc. Pronto será también un vibrador sexual y un lanza-dardos venenosos. ¿Porqué entonces un artista no sería innumerables cosas? * E.M.- Entre su fascinación por las tradiciones medievales como la alquimia, tarot y los Borgia y su trabajo siempre documentado con la ciencia-ficción en la novela gráfica [El Incal, Metabaron, etc], que son constantemente “vajes en el tiempo” entre el pasado y el futuro lejano en busca de inspiración. ¿Crees en ti mismo como “pertenencia” del todo con el momento presente? ¿Estar “enraizado” en en presente, es importante para usted? A.J.- En todo momento el pasado y el futuro existen en nuestro presente. Pero para vivir esto hay que tener un cerebro libre de límites impuestos por la familia, la sociedad y la cultura. Muchos viven sólo en el pasado, son ciegos aterrados que no quieren ver el futuro, y, insensibles a punta de definiciones intelectuales, apenas logran vivir en un fragmento de presente. ¿Qué más te puedo decir? Cada vez que salgo a la calle la veo llena de muertos vivos paseando sin ir a ninguna parte. * E.M.- Cuando se le preguntó cuál de sus películas sigue siendo su favorita, contestó Sante Sangre (1989) – una maravillosa sorpresa debido a la devoción mostrada hacia películas como Fando y Lis, El Topo y La Montaña Sagrada. También es mi favorita. ¿Me puede decir sobre el origen de la película y la historia de Gregorio Cárdenas Hernández? Parece que la película es volver a conectar con su trabajo en la pantomima. ¿Qué hay en Sante Sangre que sigue siendo única entre sus películas? * A.J.- No me des el trabajo de contarte la vida del asesino mexicano Goyo Cárdenas. La encuentras en Internet. Cuando él salió, declarado “sano”, de un encierro de diez años en un manicomio después de haber asesinado a muchas mujeres, se graduó de abogado, escribió novelas, se casó y tuvo varias hijas. Lo encontré un día en el café del periódico donde los dos colaborábamos. Me encantó hablar con un ex-asesino en serie. Le pregunté qué sentía. Me dijo que no se recordaba de nada, que ya era un hombre normal y muy bueno. Se creía redimido… Entonces pensé, si este hombre, que ha estrangulado a unas 17 victimas lo ha olvidado todo, vive tranquilo y es respetado, esta sociedad criminal en la que vivo, este periodo sucio de la historia humana, vergonzoso, cruel, puede ser olvidado, arrojado al tarro de basuras de la historia, ¡LA HUMANIDAD ASESINA PUEDE REDIMIRSE! De este encuentro nació Santa Sangre. * E.M.- Con su próxima película, Danza de la Realidad, que estará produciendo el primer largometraje en más de veinte años. Sin embargo, los fans de sus películas planocreativo.wordpress.com/2013/04/24/entrevista-a-alejandro-jodorowsky-por-erik-morse/

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han seguido los rumores de proyectos misteriosos como Abel Caín, los hijos de El Topo y King Shot con colaboradores como David Lynch, Marilyn Manson y Johnny Depp. Sin duda, la adaptación Dune, para el que comenzó famosa producción en 1974 con colaboradores como [los artistas gráficos] Moebius y HR Giger, Orson Welles y Salvador Dalí, es el más famoso de estos intentos abortados. ¿No nos fijamos en estas obras “fallidas” como una parte / efecto necesario del proceso y su perspectiva cinematográfica inflexible? Para usted, ¿hay tanta belleza en el incompleto como en el total? * A.J.- Todo es para bien. Si no filmé en 20 años, nunca dejé de ser cineasta, es decir, poeta. Todos los proyectos anteriores fueron una preparación que me llevó a lo que hoy soy. El universo está en contínua expansión, tal como la mente de un artista. Si no filmé mis anteriores proyectos es porque no debía filmarlos. No fueron abortos, fueron grandes semillas. Definitivamente “La Danza de la realidad” es el mejor de mis anteriores filmes, pero no es mejor que mis próximos filmes. * E.M.- ¿Puedes contarnos un poco sobre el proceso de filmación de Danza de la Realidad? Parece muy envuelta en el secreto por el momento. Sabemos pocas cosas – que se basa en la autobiografía del mismo nombre, que se centra principalmente en su infancia, sino que se financia con un puñado de ricos mecenas, que fue filmado en un pueblo cerca de su ciudad natal, Tocopilla, y protagoniza la mayor parte de su familia. ¿La película es acerca del libro o es que sólo utiliza un plan preliminar durante el rodaje? * A.J.- Conseguí dinero para filmar un film al que no le importa perder dinero. Soy un artista, no un empleado de Hollywood. A mi ningún productor me viene a decir lo que debo o lo que no debo filmar. No introduzco propaganda política subliminal, no le hago propaganda subliminal a productos comerciales, no me dirijo a un público de compradores, ni me interesa cómo reaccionarán los idiotas o los adultos infantilizados… No hago publicidad previa, no permito un makingoff, prohibo hacer fotos o videos durante la filmación, no prometo nada. Los niños se gestan en la oscuridad del vientre materno, yo no tengo por qué sacar a la luz antes de tiempo a mi feto. La película está terminada. Te lo aseguro: es una obra maestra. La verás cuando se estrene en el festival de Cannes. * E.M.- ¿Cuál fue su experiencia de revisitar Tocopilla después de todos estos años? ¿Cuál era el estado de la ciudad? ¿Había cambiado mucho desde la última vez que lo vio? He leído que los lugareños le apodaron “El alcalde Jodorowsky” porque prácticamente ha reconstruido Tocopilla. * A.J.- Sólo tuve que reconstruir mi casa, porque se había quemado. Tocopilla es casi un pueblo fantasma. Tiene unos 30.000 habitantes, que para trabajar deben ir a ciudades vecinas. En 80 años no ha cambiado nada. Hay un sólo nuevo edificio. Encontré a Tocopilla igual como lo conocí cuando niño. Todos los tocopìllanos planocreativo.wordpress.com/2013/04/24/entrevista-a-alejandro-jodorowsky-por-erik-morse/

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colaboraron con mi filme. Estoy tratando de hacer en el próximo mes el estreno oficial de La Danza de la Realidad en Tocopìlla. Aunque ahí hay dos muy pequeños hoteles, para no más de 50 personas. Los invitados, tendrían que dormir en carpas. * E.M.- ¿El rodaje de la Danza de la Realidad y el retorno a Tocopilla es un ritual de sanación para usted después de “renunciar” a su nombre como un muchacho de quince años hace tanto tiempo? ¿Fue también una manera de permanecer muy cerca de sus propios hijos, que han estado en muchas de sus películas anteriores? * A.J.- Así es. Exactamente tal como lo dices. * E.M.- Con películas como Santa Sangre y el Colmillo, que ha tratado con los temas de la infancia y de la memoria y nos sumerge en la experiencia en el mundo del niño. Y a menudo considero algunos de los momentos más bellos del cine a ser aquellos que exploran alguna relación especial entre la maravilla de la juventud y de la magia del cine. Por ejemplo, Zero de Jean Vigo de Conducta, 400 golpes de Truffaut o Los niños del paraíso de Marcel Carné. ¿Puede explicar esa conexión psicológica o fantástico especial que existe entre los ojos de un niño y la pantalla de cine? * A.J.- Todos guardamos en el alma un niño secreto. Esa “special psychological or fantastical connection that exists between a child’s eyes and the movie screen” es la misma que día a día, momento a momento existe en nuestra vida diaria. No hay ningún adulto, en esta sociedad, que no sea un niño que sufre de no vivir en el mundo ideal que ansía. * E.M.- También se rumorea que va a comenzar la producción de Hijos de El Topo, la esperada secuela de El Topo, poco después de la Danza de la Realidad, ¿es cierto esto? ¿Cree que un día se retirará del cine? * A.J.- He regresado al cine. Por supuesto que voy a continuar. Para después del estreno de la Danza, barajo varios proyectos, esperando que la magia de las circunstancias, por esa divina sincronicidad, me indique cuál realizar. ¿Los hijos del Topo? ¿Juan Solo? ¿Albina y los hombres-perro? ¿La continuación de La Danza de la Realidad?… Aún no lo sé. * ALEJANDRO JODOROWSKY * Foto: Getty Images planocreativo.wordpress.com/2013/04/24/entrevista-a-alejandro-jodorowsky-por-erik-morse/

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