Elementos Y Principios Del Arte 455b6k

LICENCIATURA EN FOTOGRAFÍA Materia: Elementos y Principios del arte

Ensayo presentado por Lucero Yazmín Rodríguez Espinosa MATRICULA: 10649 Asesor: Jesús Adrián de la Fuente Valdés

Monterrey, N. L. a Diciembre del 2015

Índice Capítulo I Elementos del arte……………………………………………………………… 1.1 El punto…………………………………………………………………………………... 1.1.1 Centros Geométricos……………………………………………………………….. 1.1.2 Puntos de fuga………………………………………………………………………. 1.1.3 Puntos de interés…………………………………………………………………..... 1.2 La línea…………………………………………………………………………….......... 1.2.1 Horizontales………………………………………………………………………… 1.2.2 Verticales…………………………………………………………………………… 1.2.3 Diagonales………………………………………………………………………….. 1.2.4 Con punto de fuga…………………………………………………………………... 1.2.5 Curvas………………………………………………………………………………. 1.3 El plano…………………………………………………………………………………... 1.3.1 Plano general……………………………………………………………………….. 1.3.2 Plano americano……………………………………………………………………. 1.3.3 Plano medio………………………………………………………………………… 1.3.4 Plano medio corto…………………………………………………………………... 1.3.5 Primer plano………………………………………………………………………... 1.3.6 Plano detalle………………………………...……………………………………… 1.4 La forma………………………………………………………………………………….. 1.5 El espacio………………………………………………………………………………… 1.6 El color…………………………………………………………………………………… 1.6.1 Colores primarios…………………………………………………………………... 1.6.2 Colores secundarios………………………………………………………………… 1.6.3 Colores terciarios…………………………………………………………………... 1.7 Tono……………………………………………………………………………………… 1.7.1 Tono alto……………………………………………………………………………. 1.7.2 Tono bajo…………………………………………………………………………… 1.8 Valor……………………………………………………………………………………... 1.9 Intensidad………………………………………………………………………………… 1.10 Textura………………………………………………………………………………….. 1.11 Contraste………………………………………………………………………………... Capítulo II Los principios del arte………………………………………………………… 2.1 Balance…………………………………………………………………………………… 2.1.1 Simétrico 2.1.2 Asimétrico 2.1.3 Radial 2.2 Variedad………………………………………………………………………………….. 2.3 Armonía………………………………………………………………………………….. 2.4 Énfasis……………………………………………………………………………………. 2.4.1 Regla de los tercios…………………………………………………………………. 2.5 Proporción………………………………………………………………………………... ii

2.5.1 Proporción aurea…………………………………………………………………… 2.5.2 Simetría dinámica…………………………………………………………………... 2.6 Movimiento………………………………………………………………………………. 2.6.1 El barrido…………………………………………………………………………… 2.6.2 El zooming………………………………………………………………………….. 2.6.3 Fotosecuencias……………………………………………………………………… 2.6.4 Exposición prolongada……………………………………………………………... 2.7 Ritmo……………………………………………………………………………………... 2.7.1 Uniforme..................................................................................................................... 2.7.2 Alterno………...…………………………………………………………………….. 2.7.3 Creciente o decreciente………………………………………………...…………… 2.7.4 Ritmo radial……...………………………………………………………………… Capítulo III Arte Pop (Pop Art)…………………………………………………………… 3.1 Antecedentes……………………………………………………………………………... 3.2 Características……………………………………………………………………………. 3.3 Principales exponentes…………………………………………………………………… 3.3.1 Gran Bretaña – Londres……………………………………………………………. 3.3.2 Estados Unidos……………………………………………………………………... 3.4 Aplicaciones……………………………………………………………………………… 3.4.1 Muebles…………………………………………………………………...………… 3.5 Portafolio fotográfico…………………………………………………………………….. Conclusión…………………………………………………………………………………… Referencias…………………………………………………………………………………...

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Introducción El arte, es la actividad o resultado obtenido por el hombre, con características estéticas, y por mediante la cual expresa ideas, sentimientos, emociones, etc.; se logra a través de diferentes recursos, tales como el sonido, la lingüística, o artes plásticas. También va relacionada a la época en que la persona la realice, influenciada por aspectos sociales, económicos y culturales.

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Capítulo I Elementos del arte Los elementos del arte son los aspectos que se utilizan en la enseñanza y análisis de una obra de arte, que a su vez, van de la mano con principios del arte, ya que estos dos son piezas básicas para la composición de una obra de arte. Según los autores o fuentes estos elementos varían, pero por lo general, se conforman de:

1.1 El punto Es el elemento primario y el más simple en el dibujo, ya que no cuenta con dimensiones, solo tiene posición, es el elemento mínimo de la imagen. El punto se da cuando un instrumento, (lápiz), deja un registro o marca pequeña en un plano, (hoja). Se está acostumbrado a tomar a un círculo pequeño como punto, pero puede variar su forma, puede ser un triángulo, mancha, estrella, etc.; también puede construir formas y dar sensación de textura.

Hablando en términos fotográficos, es posible identificar su elemento mínimo de información, también llamado pixel, esto mediante la ampliación de una imagen, (zoom). Otra forma de pensar en el punto, es como un objeto lejano, completamente aislado sobre el fondo o contrastando con lo que le rodea y ocupando siempre una mínima parte, su posición determinará el equilibrio, tensión visual o dinamismo y marcará el grado de interés que quieras reflejar.

No es necesario ver al punto representado visualmente como tal, también podemos percibirlo en:

1.1.1 Centros Geométricos: es el foco principal de atracción visual, sin que nada más se interponga, se visualiza claramente. 1.1.2 Puntos de fuga: provoca la atracción visual a través de le perspectiva, convergencia de líneas. 1.1.3 Puntos de interés: Son elementos que provocan y atraen la atención del observador.

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Figura 1. En esta imagen se puede tomar como ejemplo del punto, ya que la persona ocupa un pequeña parte del espacio y presenta contraste con lo que la rodea, al igual, se puede representar como punto de interés porque es el único elemento que atrae la atención de quien la observa.

1.2 La línea Es el resultado del movimiento continuo de un punto, (da la sensación de dirección) y a su vez, es el medio más sencillo de representación. Puede ser delgada o gruesa, recta o curva, puede definir el contorno de las formas, define perímetro, formar sombras o hasta formar texturas. En una imagen, le da dinamismo y sirve como guía para el espectador, logrando catar el elemento principal de una obra.

Podemos encontrar algunas líneas de tipo: 1.2.1 Horizontales: transmiten tranquilidad y serenidad, casi siempre se usan para dividir escenas. 1.2.2 Verticales: transmiten poder y fuerza, crecimiento yo surgimiento, estas formas dan el aspecto de alargar y dar altura a los objetos. 1.2.3 Diagonales: son utilizadas para guiar el ojo del espectador a través de la fotografía y da dinamismo. 1.2.4 Con punto de fuga: también llamadas líneas convergentes, puestas que a la vista da sensación de perspectiva, y que llegan a unirse en un pinto.

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1.2.5 Curvas: tienen la capacidad de agregar mucho más movimiento y dinamismo que las demás líneas, da sensación de suavidad, dirección y es mucho más agradable a la vista.

Figura 2. Esta fotografía, es un ejemplo de líneas con punto de fuga, ya que desde la posición que fue tomada, las líneas simuladas por el techo se unen en un punto dando la representación de perspectiva, al igual son diagonales y presentan movimiento.

1.3 El plano Es una superficie que cuenta con dos dimensiones, el largo y ancho, y no tiene profundidad. En una imagen, el plano se percibe con la interacción de varios elementos acomodados de tal forma que nos dan sensación de profundidad. Por lo cual, cuando tenemos un objeto a distancia más corta del observador, se le llama primer plano, al objeto más próximo hacia la parte trasera se la llama segundo plano y así consecutivamente.

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En relación con la fotografía, el plano es un tanto diferente, puesto que se refiere al personaje u objeto dentro del encuadre fotográfico, nos indica que sección de la imagen aparecerá en la imagen. Se clasifican en: 1.3.1 Plano general: Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo los elementos de una escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte. 1.3.2 Plano americano: encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere retratar a varias personas. 1.3.3 Plano medio: se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite destacar la belleza de la persona. 1.3.4 Plano medio corto: muestra a la persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de su entorno. 1.3.5 Primer plano: se logra encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. 1.3.6 Plano detalle: se emplea para destacar elementos específicos, el acercamiento se maximiza para enfatizar ciertos elementos que de otra manera podrían pasar desapercibidos.

Figura3. Este es un ejemplo de plano americano, usualmente usado en películas western, el plano abarca toda la parte superior del sujeto hasta las rodillas.

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1.4 La forma Puede definir objetos en un mismo espacio, es una superficie bidimensional, (largo y ancho), o tridimensional, (largo, ancho y altura), que se delimitan por líneas. Éstas pueden ser naturales, que se encuentran directamente en la naturaleza, como una planta; o artificiales, que fueron hechas por el hombre, como un ventilador. Es un elemento visual que puede ser tanto real como perceptivo. Esto es así porque el ser humano reconoce una forma gracias a otras formas que tiene almacenadas previamente en el cerebro. Debido a este conocimiento previo y a esta "memoria" podemos reconocer los objetos que nos rodean.

La principal característica de las formas es ser capaz de identificar a los elementos que representan, esta identificación se puede dar desde dos vertientes. Una es la que reconoce la forma como tal del objeto y por lo tanto la identifica con la realidad y otra que reconoce el significado simbólico de esa forma.

Figura 4. Esta foto es un claro ejemplo de la forma en la fotografía, es natural puesto que se está fotografiando a un animal, a simple vista sabemos que es una paloma; y también cuenta con significado simbólico, una paloma blanca representa la paz.

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1.5 El espacio Es la relación entre objetos situados en un mismo lugar, pueden ser bidimensionales o tridimensionales. Se puede decir que el espacio es positivo cuando está ocupado por un objeto o sujeto, y se le dice negativo al espacio que rodea a nuestro sujeto, (espacios en blanco).

En términos fotográficos, nos apoyamos mucho en el espacio negativo, ya que le da protagonismo a aquello que realmente quieres resaltar, al sujeto principal de la imagen, porque la falta de información del espacio negativo, hace que tu ojo se dirija instintivamente a aquello que contiene la información de peso (lo que también llamamos espacio positivo).

Figura 5. En esta fotografía se muestra un ejemplo de espacio, ya que tenemos un sujeto principal, espacio positivo, (valsa), y espacio negativo, que es todo lo que le rodea.

1.6 El color Es un elemento esencial en el arte, su percepción se logra a través de la luz reflejada en una superficie. Según la teoría del color, se dice que se dividen en:

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1.6.1 Colores primarios: son aquellos que vienen de la naturaleza y no pueden ser creados por la combinación de otros colores, éstos son el amarillo, azul y rojo. 1.6.2 Colores secundarios: que surgen a partir de la combinación de los colores primarios, amarillo y azul, forman el verde, el azul y rojo, forman el morado o violeta y el rojo con amarillo, forman el naranja. 1.6.3 Colores terciarios: son los obtenidos de la mezcla de un primario y un secundario, éstos son el amarillo verdoso, azul verdoso, azul violáceo, rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado.

Figura 6. Muestra de circulo cromático, del nos podemos basar para identificar los colores, ya sea, primarios, secundarios, terciarios, etc.

En una fotografía, el color es el que crea la mayor respuesta emocional, algunos colores atraen más la atención que otros, los colores primarios (y en particular el rojo) conducen inmediatamente la vista hacia la parte de la fotografía donde se encuentran presentes. Los colores intensos crean un gran impacto cuando se usan aisladamente pero si los combinamos, podemos obtener un efecto no muy agradable.

Así que dependiendo de la combinación elegida, la interacción entre estos tipos de colores podrá crear armonía o contraste en la fotografía; pero en cualquier caso la idea siempre será atraer al ojo y plasmar la belleza.

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Figura 7. En esta fotografía se muestra como la fuerza y el calor del color rojo atraen al espectador, dando más fuerza a la imagen.

1.7 Tono Es la tonalidad o escala que resulta cuando un color es mezclado con otro.

Figura 8. Ejemplo de tono en el color.

Hablando fotográficamente, los objetos reflejan tonos, dependiendo de la superficie y la calidad y dirección de la luz, éste mantiene la comprensión de las formas. Podemos mencionar dos tipos de tono: 1.7.1 Tono alto: escenas cuyos tonos predominantes van del blanco a los grises claros, con pequeñas áreas negras en la imagen, la iluminación debe ser intensa y suave. (Imagen en blanco y negro). Para una fotografía a colores, la imagen tiende a los blancos y tonos pastel, colores desaturados y luminosos, dando una impresión de elegancia.

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1.7.2 Tono bajo: en la fotografía a blanco y negro, predominan los negros, los grises oscuros, con pequeñas áreas de blanco en la imagen, la iluminación puede ser dura, suave, lateral o desde atrás, iluminando solo los elementos importantes. En una imagen a color, no hay saturación, tiende al negro.

Figura 9. En la fotografía muestra ejemplo del tono bajo, ya que predomina el tono negro.

1.8 Valor Es el grado de luminosidad u oscuridad de un color, cuando se hace la mezcla con blanco, el color tiende a ser más luminoso y cuando se mezcla con negro o gris, tiende a oscurecerse. En el arte, el valor influye en los diferentes estados de ánimo, ya que el artista refleja éstos a través del color.

Figura 10. Muestra de escala de valores para el color rojo.

Cuando hablamos de valor en la fotografía, es directamente relacionado con el diafragma, (se mide en números “F”), ya que es el encargado de medir la cantidad de luz que entra en la cámara al momento de realizar una fotografía. Entre mayor sea el número

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de “F”, es menos la cantidad de luz que entra en la cámara, y por tanto, la imagen es más oscura, y si es menos la cantidad de “F”, entra mayor luz y es mas luminosa la imagen.

Figura 11. En este ejemplo, podemos percatarnos del valor conseguido en cada imagen, yendo de la imagen, más luminosa y con menor número de abertura del diafragma (F), hasta la más oscura y con mayor número de apertura.

1.9 Intensidad Es el grado de pureza y brillo de un color, esto quiere decir que, cuando un color es fuerte y brillante, es de alta intensidad; y cuando es débil y sin brillo, es de baja intensidad.

Figura 12. Muestra de intensidad en el color rojo, (enfocándonos en el arte). Logramos resaltar un sujeto en la fotográfica con la ayuda de la intensidad de la luz, la dirigimos hacia el lugar donde se encuentra, logrando dar mayor brillo y captando mejor la curiosidad del observador. Al contrario de cuando no iluminamos nuestro espacio para la fotografía, no se resalta nada, no hay brillo, no se perciben los colores, no tenemos intensidad.

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Figura 13. Esta imagen nos presenta aun ejemplo de intensidad, hablando de luz, puesto que entre mayor es el grado de intensidad, se nota mejor el brillo del objeto.

1.10 Textura Es cuando una superficie tiene cualidades que se pueden percibir por la vista o los sentidos. Se dice que un objeto o figura tiene textura cuando presenta cualidades ásperas, lisas, rugosas, duras o blandeas, etc.

Halando de términos fotográficos, en la imagen se puede representar estas texturas, cuando son muy marcadas se perciben con realismo, pues la imagen evocará en el espectador el sentido del tacto, también se puede percibir cierta tridimensionalidad en la fotografías, y dejará de ser simples fotos para pasar a tener volumen.

Por norma general, hacer evidente la textura que tiene un objeto tiende a "llenarlo" visualmente, lo que significa que, a nivel visual, "pesará más", estará más presente, llamará más la atención al ojo que mire la fotografía. Asimismo, un objeto/sujeto que tenga una textura lisa (sea porque realmente la tiene o porque hemos disimulado su textura real mediante una iluminación frontal) será mucho más ligero visualmente.

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Figura 14. Esta imagen representa la textura, presenta dureza, da sensación de rigidez, volumen, etc.

1.11 Contraste Es la diferencia que existe entre uno o más objetos, en el arte, se utiliza para resaltar o darle importancia a ciertos elementos, se puede percibir por la forma, tamaño o escala, por color de dicho objeto, por espacios negativos, por significación, por luminosidad, etc.

Si explicamos qué es el contraste diciendo que es la manera como vemos un color en referencia a los colores que tiene alrededor, tenemos la respuesta a lo que tenemos que buscar en una fotografía para tener una buena composición por contraste. Mediante el contraste podemos ubicar un centro de interés en nuestra imagen, dejando de ser planas o aburridas, agregando así, el dinamismo y guiando al espectador a través de la composición.

Figura 15. Ejemplo de contraste a través del color y forma, logrando un centro de interés en la imagen.

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Capitulo II Los principios del arte Los principios del arte son las características que se consideran en una obra de arte para que pueda decirse que es impactante, que tiene equilibrio y unidad. También trabajan en conjunto con los elementos del arte en la producción de una obra de arte. Estos principios se dividen en:

2.1 Balance Combinación de elementos que dan una sensación de equilibrio o estabilidad en una obra, refiere a la cualidad de la fotografía que guía nuestra mirada, es una de las reglas básicas de la composición y puede ser: 2.1.1 Simétrico: efecto espejo, nos da una idea de estatismo, de quietud del objeto fotografiado. 2.1.2 Asimétrico: diferente en varios aspectos, da una sensación de movimiento y de acción a la fotografía. 2.1.3 Radial: acomodando objetos alrededor de un punto central.

Figura 1. En la fotografía se aprecia un ejemplo del balance, presenta equilibrio, y cuenta con casi los mismos elementos por un lado que por el otro, cuenta con asimetría.

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2.2 Variedad Es la calidad o estado de tener diferentes formas o tipos. Las diferencias que dan un interés de diseño visual y conceptual: en particular el uso de contraste, el énfasis, la diferencia en el tamaño y color.

Figura 2. Esta fotografía, tiene un tema, deportes, cuenta con un concepto, diferentes formas, tamaños, contrastes, es una muestra de variedad bajo un mismo concepto o idea.

2.3 Armonía Se logra combinando elementos similares, (usando la repetición), es cuando se dice que hay unidad en la obra, es lo contrario al contraste, es la conveniente correspondencia de una cosa con otra, connotando generalmente la belleza.

Una de sus características es la combinación de elementos de forma equilibrada sin que ninguno predomine de forma que parezca inapropiada. Una composición o diseño armonioso provocan sensación de unidad, de que todo fluye apropiadamente y que todo está en el lugar adecuado.

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Figura 3. Esta pintura es un ejemplo de la armonía, todos los colores y texturas, son equilibradas visualmente, y dan la sensación de unidad, sin que una sobresalga de las demás.

2.4 Énfasis Es cuando en una obra, un elemento sobresale más que los otros, tiene un mayor sentido de importancia, desarrollando un mayor interés, esto es por su posición, color, textura, etc.

Se le puede dar un mayor énfasis a las imágenes mediante la composición fotográfica, una técnica es la llamada “regla de los tercios”. 2.4.1 Regla de los tercios: ésta consiste en dividir mentalmente la imagen en 3 partes horizontal y verticalmente; establece que los puntos formados por las intersecciones de estas divisiones imaginarias marcan el lugar en que debe ir el motivo o sujeto.

Al seguir esta regla se crea un desequilibrio, ya que el motivo colocado a un lado de la imagen le da mayor peso a uno de los lados.

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Figura 4. Esta fotografía nos muestra un claro ejemplo de enfasis mediante la regla de los tercios, logrando resaltar al sujeto.

2.5 Proporción Relación entre cantidad y tamaño de elementos que se encuentran en una obra de arte. Se dice que un obra esta proporcionada cuando da sensación de equilibrio, y desproporcionada cuando algún elemento descompensa este equilibrio.

2.5.1 Proporción aurea: Se trata de un número algebraico que posee muchas propiedades matemáticas y algebraicas interesantes y que fue descubierto en la antigüedad, no como “unidad” sino como relación o proporción. Se expresa con el número (ɸ), o también conocido como “numero de oro”.

Se trata de la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor. De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618.

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Figura 5. Muestra grafica de la teoría de la proporción aurea, donde muestra la aplicación del número de Fibonacci. La espiral resultante (conocida como Espiral de Oro) está permanentemente presente en la naturaleza: en las semillas de un girasol, en las conchas marinas.

Para algunos hay diversas formas de medir esta proporción, una de ellas es la ya mencionada regla de los tercios, o también la regla de simetría Dinámica.

2.5.2 Simetría dinámica: con esta regla, se consideran las fotos más interesantes, son aquellas que desplazan los elementos ligeramente para que llamen la atención más al receptor, consiste en trazar unas diagonales situadas en ángulo recto con las diagonales principales del encuadre para que salgan unos nuevos puntos de interés, por tanto, llaman más la atención, generan más tensión visual y, en consecuencia, las imágenes que siguen esta regla de composición pueden resultar más atractivas visualmente.

Figura 5. Muestra de la regla de simetría dinámica, ayudando en la proporción de los espacios en la fotografía.

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2.6 Movimiento Es cuando en la obra se sugiere un desplazamiento visual, e puede percibir este movimiento ya sea por la representación de algo borroso, con secuencia, dirección, gradación de color, etc. Cuando hablamos de movimiento en la fotografía y a pesar de que en sí misma es estática, es posible expresar este movimiento mediante la utilización de algunas técnicas.

2.6.1 El barrido: es la técnica que deberás utilizar si lo que quieres es que el sujeto u objeto de interés salga estático y bien definido mientras que el fondo salga movido, barrido consiste en desplazar la cámara a la misma velocidad y en la misma dirección en la que se mueva el objeto o sujeto que queramos fotografiar, “barriendo” la escena. Logra trasmitir de un modo muy efectivo el movimiento y dinamismo de una escena, todo lo que estaba estático quedará movido, y el objeto que se movía quedará estático. 2.6.2 El zooming: permite dar la sensación de movimiento mediante la utilización del zoom del objetivo. Dicha sensación puede ser tanto de acercamiento, si hacemos zoom o de alejamiento del sujeto u objeto a fotografiar. A través de líneas convergentes, se logra centrar la atención del observador hacia el centro de la fotografía, generando una sensación de movimiento hacia dentro o fuera según como se utilice, otorgándole dinamismo y movimiento muy peculiares. 2.6.3 Fotosecuencias: Expresar el tiempo y el movimiento de los sujetos u objetos de interés también puede hacerse mediante múltiples fotografías, es decir, una secuencia de ellas. 2.6.4 Exposición prolongada: consiste, en dejar por un tiempo prolongado (mucho mayor al normal), la cámara captando la “luz” de la escena en cuestión. Sólo tendrás que configurar la velocidad de disparo y la apertura del diafragma para evitar que la misma quede sobre expuesta. La magia de estas fotografías sucede al dejar el obturador de la cámara abierto unos cuantos segundos, minutos u hasta horas de modo que queden en el sensor dibujadas todas las estelas, por ejemplo, de las luces de los automóviles en una autopista.

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Figura 6. Cada una de estas imágenes presenta movimiento.

2.7 Ritmo Es un movimiento que permite crear patrones, esto hace que una obra de arte, parezca activa, llama la atención por si mismo y puede ayudarnos a estructurar la imagen. De hecho, en algunos casos, el ritmo puede llegar a convertirse en el tema principal de la fotografía.

Conseguir esa sensación de ritmo no es difícil. Es recomendable utilizar al menos tres motivos similares ya que con menos puede ser complicado. También es recomendable utilizar encuadres apaisados que permitan establecer ritmos horizontales y que permitan que el ojo se desplace de lado a lado.

Hay algunos ritmos mayormente utilizados: 2.7.1 Uniforme: se origina a través de formas repetidas regularmente. Dependiendo del espacio libre entre unas y otras, obtendremos un ritmo más lento (mucho espacio vacío entre las formas) o más rápido (menos espacio entre ellas).

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2.7.2 Alterno: el ritmo alterno, como su propio nombre indica, alterna dos o más formas diferentes de forma regular. 2.7.3 Creciente o decreciente: Repetición de las formas de la imagen agrandándose o empequeñeciéndose progresivamente. 2.7.4 Ritmo radial: es el ritmo que parte de un punto central y se expande progresivamente a partir de él.

Figura 7. La imagen es un ejemplo del ritmo radial, ya que cuenta un punto central y se va marcando un ritmo a partir de él, extendiéndose por todo el plano.

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Capítulo III Arte Pop (Pop Art) Esta corriente artística se sitúa en los años 50s, a sus principios de la década en Gran Bretaña y en sus términos en Estados Unidos, principalmente en Nueva York, teniendo su mayor auge en los años 60s.

3.1 Antecedentes El Pop Art como tal, tuvo sus raíces de dos corrientes artísticas, el Dadaísmo o Dada (1914 – 1920) y el surrealismo (1920 – 1950), ambas corrientes se basaban en los acontecimientos de la época y por estar tan unidas en los años los mimos artistas evolucionaban de una corriente a otra.

En el año de 1952, Londres, se encuentran los principales precursores de este movimiento, se hacían llamar El Grupo Independiente, que eran jóvenes artistas que desafiaban todo los conocido como arte, tomaban como base toda la cultura popular, (de aquí el nombre), y los acontecimientos del momento, tanto elementos comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia, ficción y tecnología, a esta primera parte se le conoce como pre-pop, utilizando elementos como el cartel y el collage como medio de expresión.

Posteriormente se extiende a Estados Unidos, es aquí donde surgió una revolución cultural, donde los artistas empezaron a inspirarse en el mundo que los rodeaba, consideraban que lo que se tenía como arte no se podía identificar con el espectador, lo museos estaban llenos de pinturas oscuras que no se podían interpretar, al menos no a simple vista, con este nuevo movimiento lograban que el espectador se relacionara con lo que estaba viendo, siendo cosas cotidianas, marcas reconocidas, objetos que utilizaban en su vida diaria, cine, televisión, etc.

3.2 Características * Fue el primer movimiento post-modernista (donde el medio es tan importante como el mensaje)

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*Rechaza lo abstracto, consideraba a este movimiento como excesivamente intelectual y apartado de la realidad social. *Maneja los colores brillantes, fluorescentes, puros. *Dirigido a la juventud. *Intenta poner el arte en o con el mundo y la realidad. *Emplea objetos de uso común de la cultura popular, tales como anuncios, envases de producto de consumo, tiras cómicas, fotos de estrellas de cine, etc., en sí, utiliza un elemento fabricado en serie y sin un evidente valor estético o artístico como una pieza fundamental en la historia del arte moderno. *No importaba el arte refiriéndose a la técnica, sino, el mensaje que la obra transmitía. *Comenzó la producción en masa, utilizando el collage, la serigrafía, pintura acrílica, y los carteles como medio de representación.

3.3 Principales exponentes 3.3.1 Gran Bretaña – Londres. *Eduardo Paolozzi Luigi. Fundador del Grupo Independiente, y precursor del Pop Art, es conocido por su obra, "Yo era el juguete de un hombre rico" (1947).

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*Richard Hamilton. Un cofundador del Grupo Independiente en el Institute of Contemporary Arts de Londres, el grupo de artistas discusión que generó pop-art en Gran Bretaña, es más conocido por su 1956 collage titulado "¿Exactamente qué es lo que hace que los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivo?”

*Peter Blake. Diseñó la porta del disco de los Beatles, "Lonely Hearts Club Band Sargento Pepper".

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3.3.2 Estados Unidos. *Andy Warhol. Conocido como el sacerdote del Pop Art, tal vez es la figura más emblemática de esta corriente artística, a producir pinturas de los productos estadounidenses emblemáticos, como latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola y los billetes de dólar, junto con imágenes de estrellas internacionales como Marilyn Monroe, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor y Elvis Presley. También estableció su famoso estudio de arte de Nueva York, conocido como "The Factory", donde él anticipó los métodos de producción en masa de Damien Hirst por más de 30 años.

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* Roy Lichtenstein Empezó pintando versiones a mano alzada de los marcos de cómic, con burbujas de texto, sus obras aparecieron en las dos grandes exposiciones de 1962 en Pasadena y Nueva York. A finales de 1963, Lichtenstein comenzó a conseguir la atención mundial. Obras icónicas de la época fueron: "Drowning Girl" (1963), y "Whaam!" (1963).

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* Robert Rauschenberg. Es más conocido por sus "Combina Pintura" de la década de 1950, que consiste en materiales no tradicionales y objetos que se presentan en combinaciones innovadoras. En este momento Rauschenberg especializada en el uso de "encontrado" materiales como basura y otros desechos que se recoge de las calles de Nueva York, con el fin de cerrar la brecha entre la imagen y la realidad, la introducción de muchas veces en sus pinturas objetos tridimensionales o construir modelos de tamaño natural de situaciones reales y objetos comunes, utilizando todo tipo de materiales. Estos "entornos" o "conjuntos", reunirá a los personajes de la pintura, la escultura, el collage y la puesta en escena teatral. Sin embargo, 1961-62, comenzó a incluir imágenes, así como los objetos que se encuentran en sus obras, generalmente fotografías transferido a la lona a través del proceso de serigrafía. De esta manera, su trabajo se puede considerar contemporánea con la de Andy Warhol.

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3.4 Aplicaciones 3.4.1 Muebles. De igual manera, la confección de los muebles ligado a esta corriente artística llevan sus características, colores vibrantes, formas sobresalientes, todo enfocado hacia la juventud. Entre ellos podemos encontrar sillones en forma de labios, guantes de beis boll, sillas circulares, en forma de esfera, e incluso de forma humana, etc.

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3.5 Portafolio fotográfico A continuación se presentan veinte imágenes de diversas obras que se desarrollan en el Pop Art.

Figura 1 (Andy Warhol, Flowers, 1964) Esta obra presenta contraste, ya que por la interacción del color verde hace que resalte más, de igual manera, tiene textura, puesto que da sensación de que lo verde es césped, presenta rugosidad y por último, cuenta con ritmo, ya que presenta repetición en las formas, que en este caso son flores.

Figura 2 (Andy Warhol, Electric Chair, 1971) En esta secuencia de imagines primeramente presenta color, interactúan entre sí para dar mayor importancia a la figura; presenta mayormente espacio negativo, que esto ayuda a darle importancia al sujeto principal, (silla). De igual manera, cuenta con tono, ya que predominan los colores vivos.

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Figura 3 (George Segal, The Costume Party, 1965 – 72) Como toda esta corriente artística, se da importancia al color, mesclando toco con diferentes elementos, cuenta con variedad, ya que son varios elementos relacionados entre si, todos son cuerpos humanos; presenta planos, ya que están colocados en diferentes posiciones para dar sensación de profundidad.

Figura 4 (James Rosenquist, The Swimmer in the Economist, pintura 3, 1997 – 98) Esta pieza cuenta con intensidad, pasando de un área oscura a una brillante, cuenta con un punto de interés, ya que da la sensación de que todos los elementos salen del centro de la obra. Cuenta con asimetría.

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Figura 5 (James Rosenquist, Flamenko kapsula, 1970) Presenta contraste en colores brillantes y colores grises, logrando resaltar los elementos situados al frente; presenta movimiento, ya que los mismos elementos se ven como si estuvieran flotando, como si los hubieran aventado, también hay ritmo, ya que se repiten las mismas figuras.

Figura 6 (Robert Rauschenberg, Untitled, 1963) En esta imagen se presentan texturas, colores, figuras de casa, tiene variedad de elementos, dando importancia a la parte central, ya que es el lugar más limpio, con relación con los demás elementos que la conforman se percibe como un punto

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Figura 7 (Robert Rauschenberg, Barge, 1962-63) Podemos ver en esta pieza de arte mucha variedad de elementos, se ven texturas, ya sea rugosas, duras, ásperas, frías, carece de color y presenta figuras naturales, figuras creadas por el hombre y también geométricas.

Figura 8 (Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen, Soft Shuttlecock, 1995) En esta fotografía se aprecia una forma, esta escultura representa una forma natural, una planta, aunque carece de color, se identifica fácilmente, ya que presenta la textura de las hojas y la forma de sus tallos.

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Figura 9 (Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen, Knife Ship I, 1985) Al contemplar esta fotografía, podemos ver claramente un objeto utilizado en nuestra vida diaria, tiene forma, presenta coloro, dando énfasis en un área de la escultura, tiene movimiento y dirección, ya que por el espiral nos muestra esta sensación.

Figura 10 (Claes Oldenburg, Soft Pay-Telephone,1963) Aqui podemos apreciar un bolso, pero el mismo tiene forma de teléfono, un objeto usado en nuestrs vidas, presenta puntos de interes en un area, ya que cambia el color y hace que el espectador lo perciba facilmente.

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Figura 11 (Claes Oldenburg, Freighter and Sailboat, 1962) En esta composición podemos apreciar principalemente figura, énfasis, ya que por su fondo carente de color resaltamos los dos objetos, en este caso barcos, tienen textura, que a pesar de aparentar ser barcos, por los materiales con que fueron hechos parecen ser blandos y esponjosos; presentan color y hay planos por la posición donde fueron colocados.

Figura 12 (Roy Lichtenstein, Interior with Mirrored Wall, 1991) En esta pieza de arte podemos percibir fácilmente el punto, que es la base de los principios del arte, la línea, que es la succión de varios puntos; la textura, diferenciando un objeto de otro y el color, resaltando algunos elementos de otros.

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Figura 13 (Roy Lichtenstein, Girl with Tear I, 1977) En esta obra, podemos apreciar puntos y líneas, que a su vez, forman la textura; presenta color, logrando llamar la atención del espectador, hay intensidad ya que el color es muy brillante.

Figura 14 (Roy Lichtenstein, Preparedness, 1968) Al apreciar esta imagen, podemos ver que cuenta con un punto de interés, asi hace que diríamos la vista a raves de las líneas apreciándola completamente, esto quiere decir que tiene movimiento, intensidad por sus colores, tiene ritmo por la repetición de los objetos, hay armonía ya que todo se conforma en un solo tema, las maquinas.

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Figura 15 (Roy Lichtenstein- Grrrrrrrrrrr!!-1965) Aquí tenemos énfasis en la cara del perro, ya que es imponente, presenta línea, puntos, y con estos se conforma la textura, también contiene color, hay intensidad, ya que el color es brillante y puro; y presenta perspectiva.

Figura 16 (Roy Lichtenstein, In, 1962) En esta imagen podemos apreciar color, línea, movimiento, ya que con la sombra nos da esa sensación, encontramos también al espacio, tanto positivo como negativo.

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Figura 17 (Richard Hamilton, The Solomon R. Guggenheim, 1965-66) En esta escultura podemos apreciar movimiento, ya que por sus líneas curvas nos da esta sensación, al igual que contraste, ya que está muy marcado el color negro y el blanco, contamos con un punto de entrada, de donde comienza a brotar la figura.

Figura 18 (Jim Dine, Pearls, 1961) En esta obra se aprecia el punto, ya que hay demasiado espacio negativo, este punto resalta, tiene forma, ya que son pequeños círculos que por su constante repetición también se encuentra el ritmo.

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Figura 19 (Jim Dine, Bedspring, 1960) En esta escultura podemos apreciar formas, tanto geométricas como hechas por el hombre, también presenta textura dura y rugosa, hay movimiento y dirección ya que son líneas en espiral, podemos decir que hay balance ya que se encuentran casi las mismas cosas de un extremo que del otro.

Figura 20 (John Chamberlain, Dolores James, 1962) En esta escultura podemos encontrar color, textura de dureza y frío, hay movimiento, ya que por sus dobleces podemos dirigir la mirada para contemplarla.

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Conclusión

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