El Concepto Del Manierismo 62yn

El concepto del manierismo Solo cuando el cuando el concepto manierista se separa por completo del concepto amanerado, se obtiene una categoría histórica artística útil. Los conceptos y ejercicios del arte proceden del siglo XVII. En vasari, maniera significa estilo; en el mas amplio sentido de la palabra. Los clasista del siglo XVII, unen con el concepto de maniera la idea de ejercicio artístico rebuscado, y comprobaron la censura que el manierismo significa en la evolución y el alejamiento que respecto del clasicismo se hace sensible en el arte del 1520. Quizás porque el equilibrio que encontró su expresión artística en el clasicismo del cincuecento fue un ideal soñado mas que una solida realidad, y el renacimiento siguió siendo hasta el final, una época esencialmente dinámica, que no se tranquilizaba con ninguna solución. Incluso el equilibrio que se creo a finales del quatrocento por obra de la burguesía satisfecha y dispuesta a transformarse en cortesana, fue de corta duración. Después de la perdida de la supremacía económica, de la reforma ocurrida en la iglesia, de la invasión del país por ses, españoles y del Sacco de roma, ya no se podía sostener el equilibrio y la tranquilidad. Las formulas de equilibrio sin tención del arte clásico ya no bastaban y sin embargo se siguen aferrando a ellas. El sentimiento de inseguridad explica la naturaleza contradictoria de su relación con el arte clásico; que estaba condicionado por el nuevo espíritu de manieristas, completamente ajenos al clasicismo. Aspecto artístico Todos los artistas creadores del manierismo como Tintoretto y el Greco, tienen el afán estilístico de dirigirse a romper la regularidad y armonía del arte clásico y a sustituir su normalidad supra personal por rasgos más sugestivos y subjetivos. La conciencia del artista se extiende, a la selección de medios que corresponden a su intención artística, y a las determinaciones de esa intención; se refiere al método artístico y a los fines del arte. El manierismo es la primera orientación estilística moderna, que esta ligada a un problema cultural que estima que la relación entre la tradición e innovación es tema que ha de resolverse por medio de la inteligencia. Las dos corrientes contrapuestas en el manierismo- espiritualismo místico de El Greco y el naturalismo panteísta de Bruegel- no están por completo, como tendencias estilísticas distintas, personificadas en artistas diversos, sino que suelen estar revueltas entre si de manera insoluble; son realistas como idealistas, de unidad compleja y apenas diferenciadas del naturalismo y el espiritualismo, falta de forma y formalismo, concreción y abstracción su el arte, es la formula fundamental de todo el estilo, que une a unos con otros. Esta heterogeneidad es un signo de conmoción, en los criterios de realidad y resultado de intento, de poner de acuerdo la espiritualidad de la edad media con el realismo del renacimiento. El manierismo comienza por disolver la estructura renacentista del espacio y descomponer la escena, hace valer en cada sección diversos valores espaciales, escalas distintas, diferentes posibilidades de movimiento: en una el principio de la economía en otra el despilfarro del espacio. La caracterización del manierismo, contiene rasgos dispares, difícil de unir con concepto unitario. El manierismo es el estilo que prevalece entre el tercer decenio y el fin del siglo (confundiéndose con tendencias barrocas). Los dos estilos posclásicos surgen contemporáneamente a la crisis espiritual de los primeros decenios del siglo: el

manierismo; con su expresión ente el antagonismo entre la corriente espiritualista y la corriente sensualista de esta época; el barroco, como equilibrio inestable de esta contradicción basada en el sentimiento espontaneo. Después del Sacco de roma, las tendencias estilísticas barrocas fueron reprimidas, sigue entonces un periodo de más de 70 años en los que el manierismo domina la evolución. La historia del arte en siglo XVI consistiría en el repetido choque de barroco y manierismo, con la victoria provisional manierista y la definitiva de la barroca. Pero esto hace comenzar al barroco inicial antes del manierismo, exagerando el carácter transitorio de este. El manierismo es el estilo artístico de un estrato cultural, de espíritu aristocrático; el barroco lo es de una dirección espiritual mas popular; el barroco maduro triunfa sobre el mas refinado manierismo, mientras que la eclesiástica de la contra reforma gana en amplitud y el catolicismo vuelve a ser de nuevo la religión popular. Pero en el siglo XVI el manierismo es el estilo cortesano por excelencia y se extiende por todo el continente. El manierismo cortesano es, en su forma tardía, un movimiento unitario y de extensión europea: el primer estilo internacional desde el gótico. La fuente de su valor general esta en el absolutismo monárquico que se extendía por todo occidente y en las modas de las cortes orientadas intelectualmente y ambiciosas en el terreno del arte. El manierismo es la forma particular en que los logros artísticos del renacimiento encuentran difusión internacional. Pero el manierismo tiene en común con el gótico: la renovación religiosa de la época, la nueva mística, el desprecio del cuerpo y el sumirse en la vivencia de lo sobrenatural, lleva una “glorificación”, que halla su expresión exagerada, en las proporciones alargadas de las formas manieristas. El gótico, dio mediante la animación de las figuras humanas, el primer paso en la evolución del arte expresivo moderno, el segundo lo dio el manierismo, con la disolución del arte renacentista, la acentuación del punto de vista del artista y la experiencia personal del espectador. La época de la política realista El manierismo es la expresión artística de la crisis que conmueve el siglo XVI a todo occidente. La crisis política comienza con la invasión de Italia por Francia y España; las primeras potencias imperialistas de la edad moderna. En lugar de la deseada unión, resulto el antagonismo político que debía predominar en la historia de Europa durante más de cuatrocientos años. Carlos V conquisto Italia con la ayuda del capitán Alemán e italiano. Desde entonces empezó a dominar el mundo. Sus guerreros y los de sus sucesores arruinaron a los más grandes capitalistas de la época, pero aseguraron al capitalismo el dominio del mundo. Los fundamentos de la monarquía centralizada, eran muy antiguos. Desde que los señores territoriales, arrendaran sus tierras en lugar de istrarlas ellos mismos, disminuyo el número de su gente y estaba dada la premisa para que predominara el poder central. Se demostró que el proceso hacia al absolutismo era cuestión de tiempo y dinero. Carlos V comenzó a organizar su dominio en Italia, el centro del comercio mundial, se había desplazado desde el mediterráneo hacia occidente, como consecuencia del peligro turco, del descubrimiento de nuevas vías marítimas y del predominio económico de las naciones oceánicas. Termina la época inicial del capitalismo y comienza el capitalismo moderno en gran estilo. Los pequeños negocios son absorbidos por grandes, y estos, dirigidos por capitalistas, se dedican a los negocios financieros. La segunda mitad del siglo presencia una serie de crisis financiera, en 1557, la bronca brota del estado de Francia y la primera en España en 1575. Los elementos burgueses que hicieron con entusiasmo las guerras contra los privilegios feudales del clero no solo se retiraron del movimiento tan pronto como consiguieron sus

fines propios, sino que se opusieron a todo progreso que hubiera perjudicado sus intereses en beneficio de los estratos inferiores, el protestantismo, que comenzó sobre una ancha base, se apoyo en los señores territoriales y en los elementos burgueses. Lutero, juzgo las opiniones de las clases revolucionarias que poco a poco se puso se puso de parte de aquellos estratos con el movimiento del orden y la autoridad. La conducta razonable de Lutero, fue un ejemplo de política realista. Los representantes de la época pueden haber sido ajenos a la causa de los campesinos e incluso haber representado intereses contradictorios, pero en espectáculo de la degeneración de una gran idea no pudo quedarse sin efecto sobre aquellos, aunque hubieran sido de opinión contraria a la reforma. El punto de vista de Lutero en cuestión a los campesinos era solo un síntoma de la evolución que había que tomar toda idea revolucionaria en la era del absolutismo. En la primera mitad del siglo, el protestantismo significo para occidente, no solo un problema eclesiástico y confesional, sino también una cuestión de conciencia; pero cuando el protestantismo se convirtió en la confesión de los principios interesados puramente en la política, y de la burguesía preocupada en primer lugar por la economía, y se puso en camino de convertirse en otra iglesia, estos idealistas intelectuales, que consideraron la reforma como un movimiento espiritual, se sintieron desilusionados. Los jefes del movimiento reformista católico, fueron humanistas ilustrados que pensaban de un modo muy progresista. Hacia 1520 se formo en roma el oratorio del divino amor. Esta congregación debía ser un ejemplo de piedad y había que estimular la reforma de la iglesia. En estos círculos humanísticos permaneció Miguel Ángel; quien recibió los estímulos que le condujeron a un renacimiento religioso y al espiritualismo del estilo de su vejez. La evolución religiosa que experimento es típica de la época de transición entre el renacimiento y la contrarreforma. Con la edad, su piedad, se hizo mas profunda, no solo borro sus ideales renacentistas, sino que lo llevo a dudar del sentido y el valor de toda su actividad artística. En las tumbas de los Medici que en las pechinas de las bóvedas de la sextina se pueden descubrir los signos de una concepción artística manierista. La armonía espacial de las composiciones renacentistas han desaparecido. Es un espacio irreal, discontinuo, ni unitariamente, ni constituido con un patrón unitario, aquel en que se mueve la representación. La deformación y desintegración de la imagen renacentista del mundo, se manifiesta cada paso, ante todo la renuncia, al efecto de perspectiva ilusionista. La unidad óptica, la coherencia continua del espacio, han desaparecido, la profundidad espacial no esta construida gradualmente; sino lanzada de repente; las diagonales se trazan a través del plano de representación. Figura y espacio, hombre y mundo, ya no están en relación. La teoría y el programa de realismo político fueron desarrolladas por Maquiavelo, en el se encuentra la clave del mundo del manierismo. Desde que hubo señores y súbditos, amos y criados, explotadores y explotados, también dos distintos ordenes de patrones morales, uno para los poderosos y otro para los débiles. Maquiavelo, fue quien puso este dualismo moral, ante la conciencia de los hombres e intento justificar que en los asuntos del estado, valen otras máximas de actuación que en la vida privada, y que los principios morales cristianos de fe no son absolutamente obligatorios para el estado y para los príncipes. El maquiavelismo, con su doctrina de doble moral, tiene un único paralelo en la historia de la humanidad occidental, y es la doctrina de la doble verdad. La idea del realismo y la doble moral era propiedad común, que paso a la gente de manera menos controlable. Las direcciones espirituales del concilio quisieron trazar una frontera clara entre la ortodoxa y la herejía. Si ya no se podía disimular la secesión, al menos se debía impedir

la ulterior difusión del mal. La victoria de esta concepción significo el fin de la unidad del cristianismo occidental. Con la convocación del concilio ceso el liberalismo de la iglesia con respecto del arte. La producción artística de la iglesia fue puesta bajo la vigilancia de teólogos, y los pintores habían de atenerse, especialmente en las empresas mayores, estrictamente a las indicaciones de sus consejeros espirituales. Las decisiones del concilio prohíben las escenas de desnudos, así como la representación de exhibiciones excitantes, inconvenientes y profanas en los lugares sagrados. La ambigüedad de los sentimientos aparecen solo con el manierismo y pertenecen a la escisión de esta cultura, que reúne en si las mayores antítesis: el sentimiento más espontaneo, la más estricta fe en la autoridad con el individualismo más caprichoso y las representaciones más castas con las formas más desenfrenadas del arte. Los del concilio tridentino, no soñaban con un arte, como el manierismo, que estuviera dirigido a un reducido estrato de intelectuales, sino como un arte popular, como llego a serlo el barroco. En a época de concilio, el manierismo era la forma mas difundida y viviente de arte, pero no representaba la orientación mejor adecuada para resolver los problemas artísticos de la contrarreforma. El hecho de que tuvieron que ceder el paso al barroco se explica ante todo por su ineptitud para resolver los problemas eclesiásticos en el sentido de la contrarreforma. El artista de la época manierista, había perdido todo lo que contenía el artista artesano de la edad media, estaban divididos entre la imposición y la libertad, y se encontraron indefensos frente al caos que avanzaba el orden del mundo espiritual. En ellos se nos presenta el artista moderno, con su escisión interna, su huida del mundo y su rebeldía sin piedad, su subjetividad exhibicionista. A partir de este momento, aumenta entre los artistas, el raro, el exentico, Parmigiamno, se vuelve melancólico y presenta un aspecto interior completamente lamentable. En la teoría del arte ocurre un cambio que corresponde a la crisis intelectual. Frente al naturalismo, del, “dogmatismo ingenuo” del renacimiento, el manierismo plantea en relación con el arte, la teoría del conocimiento: se experimenta el problema de la relación del arte con la naturaleza. El manierismo abandono esta técnica de la copia, el arte crea acorde a la nueva doctrina, no según la naturaleza sino como la naturaleza. La doctrina urgida en el renacimiento, del individualismo e irracionalismo de la creatividad artística, aunque todas las tesis de que el arte no es ni aprendible, ni enseñable, sino que artista se nace, llega a su formulación mas extremada en la época del manierismo y precisamente en Giordano Bruno, que habla no solo de la libertad de creación artística sino de su falta de reglas. El antagonismo existente entre las reglas y la no existencia de ellas, se expresa el cambio de la idea de academia pero las academias temían una funcionalidad representativa, de enseñanza, de sustituir los gremios no solo como corporaciones, sino también como establecimientos docentes contrarreforma, autoridad, academicismo, y manierismo forman distintos aspectos del mismo espíritu y no es casualidad que Vasari , el primer manierista consiente de sus objetivos, sea a la vez el primer fundador de la primer academia regular de arte. Por el contrario, las primeras academias de la época manierista eran instituciones perfectamente organizadas. Los artistas formaban asociaciones religiosas y caritativas, organizadas de forma liberal, eran llamadas, hermandades. Durante tres siglos el academicismo domino la política artística oficial, las exposiciones y en parte la critica del arte. Solo el naturalismo del siglo XIX consiguió remover el prestigio de las academias y orientar la teoría del arte, que su creación estaba planteada

de modo clasicista. La primera fase, del manierismo florentino, comprender el decenio de 1520 a 1530, es una reacción contra el academicismo del renacimiento. El manierismo comienza con una protesta contra el arte del renacimiento y los contemporáneos se dieron cuenta del corte que con ello ocurría. El espacio es para el renacimiento, como para toda cultura movida, fluyente y dinámica, la categoría fundamental de la imagen óptica del mundo, en el manierismo la espacialidad pierde esta preeminencia, sin perder su valor, a diferencia de las culturas estáticas y conservadoras, anti mundanas y espiritualistas, que suelen renunciar a la representación del espacio y describen los cuerpos en abstractos aislamientos sin profundidad y sin atmosfera. Solo a finales de la edad media se convierte la espacialidad en principios de la vida movida y en portadora de la luz y de la atmosfera que lo envuelve todo. El manierismo se diferencia de esta postura porque, procura sobreponerse a toda limitación espacial y no se resigna todavía a renunciar a todos los efectos expresivos, dinámicos, de la profundidad espacial. Con la consolidación del dominio de los príncipes, el manierismo, pierde en Florencia, su frivolidad artística y adopta un carácter cortesano y académico haciéndose mas fuerte en el manierismo, la dependencia del arte clásico, que su oposición a el. En toda Italia se desarrolla un estilo de corte refinado, un superrococo, cuya sutileza no sede en nada al arte francés del siglo XVIII. Entonces el manierismo adquiere un carácter internacional y la general vigencia que nunca poseyó el arte del renacimiento. Miguel ángel es un pagano que lucha con los misterios del cristianismo, si se le compara con Tintoretto, que ya esta en posesión del misterio por cuya solución tenia aun que luchar su precursor. El único sucesor de Tintoretto, es el Greco. Al igual que el arte de los grandes manieristas, venecianos, el suyo se desarrolla en lo esencial independiente de los círculos de la corte. Sigue el greco, como en Tintoretto, un periodo de deformación, desproporción y tención. En Tintoretto el escenario de sus representaciones, se amplia hasta espacios cósmicos, en el Greco resultan las figuras incongruencias que exigen una interpretación que trasciende lo racional y natural. Las grandes creaciones artísticas desde el manierismo tienen, por razón dela vulgaridad de sus motivos, infinitas interpretaciones posibles. Su naturalismo simbolista; con el que comienza la historia del arte moderno, tiene su origen en el entendimiento manierista de la vida y significa la completa inversión de la homogeneidad homérica. Una crisis en el arte Por Gombrich Hacia 1520, la pintura había alcanzado su máximo esplendo. Hombres como, Miguel ángel, Rafael, habían alcanzado la cima de la perfección. Combinaron la belleza y la armonía con la corrección. En arquitectura prefirieron ostentar con gran formación y su conocimiento de los autores clásicos; el mayor culto de estos arquitectos fue Andrea Palladio (1508-1580); por su famosa Villa Rotonda que posee cuatro lados idénticos, cada uno con un pórtico como fachada, agrupados en un espacio central. Un artista típico de este periodo fue el escultor y orfebre Florentino Benvenuto Cellini (1500 – 1571); para el, ser artista consistía en ser un virtuoso, por cuyo favor debían competir príncipes y cardenales. El punto de vista de Cellini es típico de los intentos infatigables de crear algo interesante y poco frecuente que lo realizado por la generalización anterior. Este mismo espíritu se refleja en la obra de uno de los discípulos de Correggio, Parmigianino (1503

– 1540). En la composición nos puso de manifiesto que no creía en armonías convencionales. Con gusto de formas alargadas y antinaturales. El pintor deseaba ser heterodoxo, demostrar que la solución clásica de la armonía perfecta no era la única concebible, y que la simplicidad natural es uno de los medios de conseguir la belleza. Parmigianino y todos los artistas de esa época trataron de crear algo nuevo e inesperado. Lo que llamamos arte moderno puede tener sus raíces en un imperativo análogo de soslayar lo vulgar y conseguir efectos que se diferencien de la belleza natural convencional. El maestro de la última mitad del siglo XVI vivió en Venecia. Se llamo Jacopo Robusti Tintoretto (1518 – 1594). Sus cuadros tendían a ser más agradables que emotivos. Haciendo que el espectador sintiese el drama intenso y conmovedor de los acontecimientos que pintó. Giorgio Vasari (1511 – 1574) escribió de Tintoretto: “Sus esbozos son tan rudos que los trazos de sus lápices revelan mas vigor que reflexión”. En épocas como las de Tintoretto el dominio de la técnica alcanzo tanta altura, generalizo y quiso mostrar las cosas a una nueva luz, explorando otros modos de representar los mitos y leyendas del pasado. Durante el siglo XVI, El Greco llego a Venecia. En su país natal debió acostumbrarse a ver imágenes de santos, solemnes, en actitud rígida y sin ninguna semejanza de apariencia natural. El fue un hombre fervoroso y sintió plasmar los temas sagrados de manera distinta y llena de agitación. Tras su estancia en Venecia, los críticos no exigían un dibujo correcto y natural ya que en España el grado de elevación de las ideas persistía en ideas medievales del arte. Esto explica por que el arte de El Greco supera al de Tintoretto. El Greco aprendió mucho del procedimiento nada ortodoxo de desequilibrar la composición empleada por Tintoretto. Así como también adoptó el método de alargar las figuras como en la aristocracia madona de Parmigniano. Su estudio se hallaba siempre atareado: empleó a numerosos ayudantes para atender los encargos que recibió, por eso es que no todas las obras de El Greco ostentan su firma. A partir de las nuevas generaciones se empezó a su forma y colores antinaturales. En los países nórdicos, en Alemania, Países Bajos; los artistas se enfrentaron con una crisis mas seria que sus colegas italianos y españoles, estos últimos solo tenían que resolver el problema de cómo pintar de un modo distinto y que causara una impresión mayor. En el norte el problema se planteo en si se podía o se debía seguir pintando. Esta crisis fue producida por la reforma. Muchos protestantes pusieron objeciones a los cuadros y estatuas que representaban a los Santos en las iglesias, considerándolos signos de la idolatría papal. De este modo, los pintores de las regiones protestantes perdieron su mayor fuente de ingresos: la de la pintura de retablos de altar. Podemos observar los efectos de esta crisis en la carrera del pintor alemán Hands Holbein (1497 – 1543). Su forma fue la tradicional en todos los países, nos hace pensar en composiciones armoniosas, formas clásicas, majestuosas. La atención esmerada puesta en cada detalle, como cierta indiferencia hacia la belleza, Holbein, se hallo en las mejores condiciones de convertirse en el maestro de los países de habla germana, cuando la convulsión que supuso la reforma puso fin a tales expectativas. Uno de los primeros encargues de Holbein fueron los numerosos retratos de la familia del Gran Erudito. Si Holbein confió en evadirse de la reforma, debió quedar desengañado ante los acontecimientos posteriores; pero cuando se estableció de manera definitiva en Inglaterra y recibió el título de cámara de Enrique VIII, acabó de encontrar una actividad que le permitió vivir y consagrarse a través de su trabajo. En sus primeros trabajos (retratos), trataba de caracterizar al modelo por medio del

ambienteCuando Holbein murió, la única rama de la pintura que sobrevivió con la reforma fue la del retrato. Pero incluso en este sector las modas del manierismo meridional se hicieron sentir cada vez más. Estos estilos, ideales de refinamiento y elegancia cortesanos desplazaron al sencillo estilo de Holbein. Solo existió una religión protestante en Europa en la que el arte sobrevivió a la crisis de la reforma: los países bajos, donde la pintura floreció; aunque los artistas se especializaron en todas las clases de temas contra los que no podía poner ninguna objeción la iglesia protestante. Los artistas flamencos fueros reconocidos como maestros perfectos en la imitación de la naturaleza. Mientras los italianos se enorgullecían de no tener rivales en la representación de la figura humana en movimiento. El mayor de los maestros holandeses del siglo XVI en la pintura de género fue BRUEGEL EL VIEJO (1525-1559) y se concentro en las escenas de la vida de los campesinos. En Francia, la crisis dl arte tomo un giro diferente. La tradición del arte francés estuvo amenazada, por la invasión de la moda italianizante, que los pintores ses encontraron tan difícil de adoptar, como sus colegas de los países bajo, la forma en que se acepto el arte italiano, por parte de la alta sociedad, fue de los refinados y elegantes manieristas italianos del tipo de Cellini. Al igual que Tintoretto, incluso El Greco, gusto de ofrecer las combinaciones de tamaños sorprendentes y de panoramas insólitos. El manierismo en el siglo XVI Por Rodolfo Palluchini El manierismo, labora sobre el mismo ideal de belleza, que opone la deformación a la armonía, al exceso a la mesura y a la inquietud a la serenidad. El primer manierismo italiano y el nuevo concepto de la realidad Hoy se ve en el manierismo un fenómeno de autonomía, una visión artística bien definida. El manierismo aun comenzando en toscana, se extendió en ´poco tiempo por toda Europa. Habiendo aparecido en toscana en 1510, acabaría en Toledo con la muerte de El Greco 1614. A comienzo del siglo XVI, LAS OBRAS DE Miguel Ángel, y Leonardo segunda fase del renacimiento toscano, contienen una estética atirrenacentista. Forma, espacio, luz y color, son otros tantos problemas discutidos y resueltos de manera original. Al concepto de armonía propio del renacimiento se opone una fantasía masa libre de los ritmos. Las formas de Pontormo, casi consumidas por su luminosidad diáfana interior, olvidaban la mesura racional que conservaban, en la tradición de Andrea Del Santo. Bajo la incitación de Durero, los cuerpos, determinados por contornos más nerviosos y vibrantes, pierden su peso. Una exasperación, un deseo súbito de introspección imprimen a la fantasía del artista una alucinante potencia de expresión. Mientras la inspiración de Pontormo, es de una pureza agreste, es “un alto fuera del tiempo, fuera de toda necesidad narrativa, en un ligero movimiento como suspendido en el ritmo” el que ofrece la pasión de Cristo narrada en los cuatros frescos del gran claustro de La Cartuja (1522-1525). Pantormo crea una de las más patéticas composiciones religiosas del siglo XVI Italiano, desarrollándolas en un espacio irreal y privados de vínculos perspectivos. El color se expresa en una luminosidad sin sombras, y se une a una forma arrebatada, por un ritmo alucinado. La luz hace transparentes, como cristales de pureza

verdaderamente platónica. El procedimiento manierista de transportar los datos realistas, por ejemplo la anotomía en una pura fantasía formal. La elegancia de la forma no se separa nunca de una idealización, cada vez más abstracta del personaje. En Toscana la escultura se hizo manierista mas tarde que la pintura.