El Bodegon En El Siglo Xvi 3o3334

HISTORIA DEL BODEGON EN EL SIGLO XVI

Desde la mitad del siglo XVI, el lienzo se impondrá como soporte habitual de la pintura española frente a la tabla. Este cambio lleva aparejada una revisión completa de los sistemas habituales de preparación de las superficies antes de pintar, ya que los materiales y procedimientos utilizados hasta ese momento resultan menos adecuados para las características del nuevo soporte. A partir de los análisis de micromuestras procedentes de varias obras de la colección del Museo del Prado se ha tratado de describir la evolución de los artistas de lo siglos XVI y XVII en lo que se refiere a la preparación de los lienzos en España, contrastando también la información obtenida con la documentación escrita por los principales tratadistas de ese periodo. La incorporación de la tela como soporte para las pinturas supuso un gran avance en la historia del arte, propiciado por los pintores venecianos que desarrollaron y difundieron su uso. El lienzo presentaba varias ventajas frente a los soportes tradicionales: era más resistente a la humedad que la pintura al fresco y, a la vez, permitía trabajar con formatos más grandes que la tabla, era menos costoso y menos sensible al deterioro (grietas, ataques de insectos, etc.) y facilitaba el transporte al ser más ligero y poder ser enrollado1. A mediados del siglo XVI y siguiendo las influencias italianas, comienza a desarrollarse la pintura sobre lienzo en España. Por el contrario, en los ambientes artísticos nórdicos, la utilización de la tabla como soporte principal para la pintura de caballete continuará siendo preferente, especialmente para obras de importancia, y será ya a lo largo del siglo XVII cuando llegue realmente a imponerse el uso del lienzo El cambio en el soporte llevó asociado también un nuevo procedimiento de preparación del mismo antes de comenzar el proceso pictórico, dado que el sistema utilizado para las tablas (superposición de gruesas capas de yeso o carbonato cálcico aglutinados con cola animal) resultaba demasiado rígido para un material flexible y deformable como el lienzo. De este modo, comienza un proceso de búsqueda de fórmulas alternativas para conseguir una superfi cie adecuada a las nuevas necesidades partiendo de una base con unas características y un comportamiento marcadamente diferentes. Esta búsqueda no se refiere únicamente a la idoneidad de los materiales en cuanto a sus propiedades físicas como flexibilidad, absorción y secado, sino que también está relacionada con una estética en transición hacia nuevos efectos lumínicos y cromáticos que condicionarán, en gran medida, el color elegido para la superficie sobre la que se va a pintar. Se trataba de encontrar un procedimiento adecuado para la buena conservación de la pintura que ofreciera, además, posibilidades interesantes como punto de partida para crear sombras, fondos y colores.

HISTORIA DEL BODEGON EN EL SIGLO XVII Aunque la pintura de bodegón italiana estaba ganada en popularidad, permaneció históricamente menos respetada que la pintura de «gran estilo» de temas históricos, religiosos y míticos. Destacados académicos de principios de los años 1600, como Andrea Sacchi, sentía que la escena de género y el bodegón no portaban la gravitas que hace que la pintura sea considerada grande. Por otro lado, exitosos artistas de bodegón italianos encontraron amplio mecenazgo en su tiempo. Más aún, las pintoras, siendo pocas, normalmente elegían o se veían constreñidas a pintar temas como el bodegón, como ocurría, por ejemplo conGiovanna Garzoni, Laura Bernasconi y Fede Galizia. Muchos artistas italianos destacados en otros géneros, también produjeron algunos cuadros de bodegones. En particular, Caravaggio (1573-1610) fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su Cesto con frutas(h. 1595-1600) es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro, presentado con precisión y ubicado a la altura del ojo.19Aunque no abiertamente simbólica, esta pintura era propiedad del cardenal Borromeo y pudo haber sido apreciada tanto por razones estéticas como religiosas. Jan Brueghel el Viejo pintó su Gran buqué milanés (1606) también para el cardenal, señalando que la pintura era «fatta tutti del natturel» («hecha entera del natural») y aumentó el precio por el esfuerzo extra. Eran unos bodegones más en la colección del cardenal, junto con su amplia colección de curiosidades. Entre otros bodegones italianos, La cocinera, de Bernardo Strozzi, es una «escena de cocina» a la manera holandesa, que es por un lado un detallado retrato de una cocinera, y por otro, la representación de las aves de caza que está preparando.21 En una manera semejante, uno de los escasos bodegones de Rembrandt, Muchacha con pavos reales muertos combina de igual manera un simpático retrato femenino con imágenes de aves de caza Este género fue muy cultivado en la pintura nórdica del siglo XVII, tanto en losPaíses Bajos septentrionales como en los meridionales donde nacen muchas de las diversas variedades del género, como el bodegón de cocina, con objetos de caza, de lo que pueden servir de ejemplo los bodegones de Frans Snyders, el bodegón de desayuno del que son ejemplo Osias Beert, Clara Peeters o Jacob van Es, y el «bodegón monócromo» que hace su aparición en el norte hacia 1625 y tiene en Willem Heda y Pieter Claesz. a sus más representativos autores. El bodegón se independizó en el nuevo clima artístico de los Países Bajos, con el nombre de stilleven («naturaleza tranquila»), mientras que en las lenguas romances, y en ruso, se prefieren términos relacionados con la «naturaleza muerta». Mientras los artistas encontraban oportunidad limitada para producir la iconografía religiosa que durante mucho tiempo había sido su principal industria, ya que las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la iglesia protestante reformada holandesa, la tradición septentrional de realismo detallado y símbolos ocultos atraían a las crecientes clases medias holandesas, que estaban reemplazando a la iglesia y el estado como los principales mecenas del arte en los Países Bajos.

HISTORIA DEL BODEGON EN EL SIGLO XVIII

En el siglo XVIII, las connotaciones religiosas y alegóricas de bodegón se abandonaron y las pinturas de mesa de cocina evolucionaron hasta ser calculadas representaciones de variado color y forma, mostrando comidas cotidianas. La aristocracia sa contrató a artistas para ejecutar pinturas de pródigos y extravagantes bodegones que honraban sus mesas, también sin el mensaje moralista de la vanitas de sus predecesores holandeses. El amor rococó por el artificio llevó a un auge en la apreciación sa por el trampantojo (llamado en francés trompe l'oeil («engañar el ojo»). Los bodegones de Chardin emplean una variedad de técnicas desde el realismo al estilo holandés a armonías más suaves. En los Estados Unidos, en la época revolucionaria, los artistas estadounidenses formados en el extranjero aplicaron estilos europeos al retrato y los bodegones. Charles Willson Peale fundó una familia de prominentes pintores estadounidenses y también una sociedad para la formación de artistas, así como un museo de curiosidades naturales. Su hijo Raphaelle Pealefue integrante de un grupo de bodegonistas que también incluyó a John F. Francis, Charles Bird King y John Johnston.40En la segunda mitad del siglo XIX, Martin Johnson Heade introdujo la versión estadounidense de la pintura de biotopo o hábitat, que colocaba flores y pájaros en un entorno de exteriores simulado.41 Los trampantojos también se cultivaron durante este período, con autores como John Haberle, William Michael Harnett y John Frederick Peto. Peto se especializó en una pintura nostálgica de estanterías mientras que Harnett logró el mayor nivel de hiperrealismo en sus celebraciones pictóricas de la vida estadounidense a través de objetos cotidianos

HISTORIA DEL BODEGON EN EL SIGLO XIX

Con el surgimiento de las academias europeas, muy destacadamente de la Academia sa, que tuvo un papel central en el llamado arte académico, el bodegón comenzó a decaer. Las academias establecieron una jerarquía de los géneros (o «jerarquía del tema tratado»), que consideraba que el mérito artístico de una pintura radicaba ante todo en su tema. Según este sistema, la forma más alta de pintura era la denominada Pintura de historia, aquella que representaba temas históricos, alegóricos, mitológicos o religiosos, quedando el bodegón en el rango más inferior del reconocimiento artístico. En lugar de usar el bodegón para representar a la naturaleza, algunos artistas, como John Constable y Camille Corot, eligieron los paisajes, prefigurando movimientos posteriores como el impresionismo. Cuando el neoclasicismo comenzó a declinar en los años 1830, la pintura de género y elretrato se convirtieron en los géneros preferidos por las corrientes artísticas romántica y realista. Muchos de los grandes artistas de la época incluyeron el bodegón en sus obras. Los bodegones de Francisco Goya, Gustave Courbet y Eugène Delacroix conllevan una fuerte corriente emocional y están menos preocupados con la exactitud y más interesados en el estado de ánimo.43 Aunque siguieron el modelo de los bodegones de Chardin, los bodegones de Édouard Manet son fuertemente tonales, apuntando al impresionismo.Henri Fantin-Latour, usando una técnica más tradicional, fue famoso por sus pinturas de flores, viviendo casi exclusivamente de encargos de este tipo para coleccionistas. Con el declive final de la jerarquía académica en Europa y el auge de los pintores impresionistas yposimpresionistas, la técnica y armonía de color triunfaron sobre el tema, y el bodegón volvió a ser tratado y versionado según las nuevas corrientes pictóricas. En sus primeros bodegones, Claude Monet muestra la influencia de FantinLatour, pero fue uno de los primeros que rompió con la tradición del fondo oscuro, que Pierre-Auguste Renoir también descarta en suBodegón con ramo y abanico (1871), con su brillante fondo naranja. En el bodegón impresionista, el contenido alegórico y mitológico está completamente ausente, importando más la armonía cromática y el tratamiento luminoso. Es curioso comprobar cómo impresionistas y posimpresionistas, aunque inspirándose en el color de la naturaleza, reinterpretaron su visión del mismo, de modo que a veces sus cuadros resultaban marcadamente antinaturales. Como afirmó Gauguin, «Los colores tienen sus propios significados» También se intentaron variaciones en la perspectiva, como puede verse en Fruta mostrada en un perchero de Gustave Caillebotte, «una pintura de la que se burlaron en la época como una muestra de fruta a vista de pájaro»

HISTORIA DEL BODEGON EN EL SIGLO XX

Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un periodo excepcional de fermento y revolución artística. Los movimientos de vanguardia evolucionaron con rapidez y se superpusieron en su marcha hacia la abstracción total, lo no figurativo. El bodegón, así como otros géneros, continuaron evolucionando hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, ejemplificada por la pintura de goteo de Jackson Pollock, eliminaron todo elemento reconocible. El siglo comenzó con varias tendencias, a veces marcadamente contradictorias, dominado el panorama artístico. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, su homenaje a su amigo van Gogh, que había muerto once años antes. El grupo conocido como los Nabis, que incuía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, asumieron las teorías armónicas de Gauguin y añadieron elementos inspirados por los grabados japoneses a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó destacados bodegones durante este periodo, especialmente flores Henri Matisse redujo la representación de objetos de bodegón a poco más que perfiles planos y marcados rellenados con colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores. En algunos de sus bodegones, comoBodegón con berenjenas, los objetos apenas destacan del fondo de la habitación. Otros exponentes del fauvismo, comoMaurice de Vlaminck y André Derain, exploraron el color puro y la abstracción en sus bodegones. Paul Cézanne encontró en el bodegón el vehículo perfecto para su revolucionaria búsqueda de la organización espacial geométrica. Para Cézanne, el bodegón fue un medio de alejar la pintura de su función mimética o ilustrativa, mostrando independientemente los elementos de color, forma y línea, un gran paso hacia el arte abstracto. Así, los experimentos de Cézanne infuirán grandemente en el desarrollo del bodegón cubista a principios del siglo XX Al adaptar los cambiantes planos y ejes de Cézanne, los cubistas atenuaron la paleta de color de los fauvistas y en lugar de ello se centraron en deconstruir objetos en formas y planos puramente geométricos. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de bodegón, a menudo incluyendo instrumentos musicales, así como creando las primeras obras de collage cubista sintético, como en la obra oval de Picasso Bodegón con silla de mimbre (1912). En estas obras, los objetos del bodegón se superponen y entremezclan manteniendo a duras penas formas bidimensionales reconocibles, perdiendo la textura superficial individual y fundiéndose con el fondo, alcanzando así logros casi opuestos a aquellos del bodegón tradicional. Fernand Léger introdujo en el bodegón el uso de abundante espacio en blanco y formas geométricas que se superponen, definidas con claridad, coloreadas, para producir un efecto más mecánico

LA PROPORCION Y LA DESPROPORCION ARTISTICA

Proporción es la relación de tamaño o cantidad que existe entre las partes de algo dentro de un todo o entre los elementos de un conjunto. Cuando esta relación es equilibrada se dice que algo está proporcionado y desproporcionado cuando el tamaño o cantidad de alguno de los elementos descompensa el equilibrio del conjunto. Qué es proporción y sus funciones en la obra de arte La proporción es uno de los principios de diseño con los que se organiza una obra de arte entendida como un todo compuesto de partes relacionadas entre sí. Esta relación entre las partes puede ser armoniosa o desequilibrada. Cuando la obra está proporcionada, es decir existe una relación equilibrada entre sus partes, se está buscando la armonía matemática u óptica del conjunto, una belleza platónica basada en la armonía característica del arte clásico. Desproporción, “La NO disposición o correspondencia de las partes con el todo o entre cosas relacionadas entre sí”. Desproporción es, “La NO relación de semejanza entre el espacio real y su representación”: NO QUIERE DECIR una mera copia de la realidad existente, sino un proceso dinámico e interactivo a través del cual la IMAGEN de la realidad es reinterpretada por la mente de cada uno de los componentes del grupo/clase, es decir irán recreando una imagen mental de la realidad integrando su mundo, su manera de sentir, su manera de mirar es decir su personalidad a esa imagen; la cual va construyendo progresivamente modelos interpretativos cada vez más complejos. Como consecuencia de las diversas interpretaciones del concepto Desproporción, podemos integrar diferentes imágenes, en su representación es decir desde la realidad a nuestro entendimiento y su imagen Para la comprensión del concepto Desproporción, seguimos el mismo camino que con el concepto Proporción, es decir mediante el diálogo entre alumnos/as y profesor/a intentaremos traducir la nueva definición, añadiendo el NO a la anterior (Proporción) y así ir generando, dinámicamente, imágenes mentales de este nuevo concepto a través del dialogo con los alumnos/as para encontrar/buscar esta nueva realidad en su realidad. En caso de no encontrarlas, nos pondríamos a fabricarlas con el material de clase.

QUIEN DESCUBRIO EL BODEGON Bodegón. Tipo de representación pictórica, considerada menor hasta el Renacimiento, que solía aparecer encubierto en géneros como retratos, pintura religiosa, etc.Caravaggio (1573-1610)será uno de los primeros artistas en representar naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. A partir de entonces son muchos los pintores que se especializan en el género de bodegón de flores, alcanzando en el siglo XVIII en países como Holanda o Flandes un gran esplendor y difusión comercial. Posteriormente el bodegón de flores ha sido tema principal en la obra de muchos pintores del siglo XIX y XXsobre el cual, en numerosas ocasiones, se elaboraron las propuestas actuales. La palabra bodegón es de origen español y hace referencia a la pintura de alimentos y objetos de cocina. En otros países, este tipo de pintura se denomina naturaleza muerta. Se ha representado pictórica y dibujísticamente desde la antigüedad, pero hasta el siglo XVI aparece siempre como tema secundario e integrado dentro de otro principal. Las primeras pinturas de bodegón surgieron en el antiguo Egipto; en sus tumbas los faraones siempre llevaban imágenes de comida porque creían que se convertirían en realidad en la otra vida. En la Roma antigua también se pueden apreciar ese tipo de cuadros. En 1596 Caravaggio pintaba el que se consideraba el primer bodegón de la historia del género. El precursor en España de este tipo de pintura es Juan Sánchez Cotán, y con él Zurbarán y Velázquez. Los tres tratan el objeto con un realismo extremo. CLASES Y TIPOS DE BODEGON También conocido como naturaleza muerta, es una pintura que representa objetos sin vida en un espacio determinado, como animales de caza, frutas, flores, utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, etc TIPOS DE BODEGONES O NATURALEZAS MUERTAS -BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (Putrefacción de lo Natural) ”Elementos naturales que en algún momento han vivido o se convertirían en algo vivo y que ahora es solo cuestión de tiempo para que acaben descompuestos y podridos, como es el caso de los huevos, la carne o el pescado congelado"

-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (Naturaleza Eterna) "Seres que en algún momento tuvieron vida y que una vez muertos quedan disecados o petrificados para la eternidad, por ejemplo un fósil de caracol, los esqueletos de los erizos de mar y las perlas"

-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (Metáfora del Recuerdo) "Elementos artificiales que recuerdan al pasado y producen nostalgia. Como es el caso de una fotografía"

BODEGÓN GEOMÉTRICO Es un método elemental par dibujar a partir de la forma geométrica simple desarrollando su imaginación, adiestrándose en relacionar las formas de las cosas con triángulos, círculos ,cuadrados, rectángulos etc.

BODEGÓN ARTÍSTICO género pictórico donde se representa objetos inanimados o naturaleza muerta, pueden ser simples o compuestos.

BODEGÓN CUBISTA El arte cubista era emotivo, alegre, decorativista redujo la naturaleza a planos completamente abstractos en base al cubo, el prisma, la esfera, sin embargo sus figuras dejan ver sus formas reales.

Pablo Picasso, Bodegón, 1945

BODEGÓN FRUTAL Naturaleza muerta compuesta por el artista priorizando el uso de toda clase de frutas.

Paul Cezanne, Bodegón con Canasta de Manzanas, 1890-94

BODEGÓN FLORAL Un subgénero, dentro del bodegón, es el bodegón floral, que representa floreros y guirnaldas, género que contó también con especialistas, como Mario Nuzzi o Margarita Caffi en Italia. Este tipo de bodegones son frecuentes en la época barroca.

Margarita Caffi. Naturaleza muerta con flores BODEGÓN VANITAS Dentro del género de la naturaleza muerta y del bodegón, la modalidad de la vanitas alcanzó un especial desarrollo durante el Barroco. Su denominación procede de un pasaje del Eclesiastés (1,2): Vanitas vanitatumomnia vanitas (Vanidad de vanidades, todo es vanidad) y se usó pictóricamente para introducir una reflexión sobre la fugacidad de la vida y la inutilidad de los placeres mundanos ante la certeza de la muerte.

PieterClaesz, Bodegón Vanitas, 1630