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Muchas personas se encuentran totalmente desconcertadas ante las propuestas del arte contemporáneo, haciéndose la pregunta constante de que si tal o cual cosa merecen tener la categoría obra de arte. Entonces comienzan a recurrir al discurso del oficio, o de la belleza vinculados a teorías del arte provenientes de los siglos S XV o XVIII. Es por esto que, para oponerse totalmente al discurso del arte contemporáneo y otorgarles un fundamento a estas personas, aparecen críticos como Avelina Lésper. Esta crítica mexicana ha escrito ya numerosos artículos desde su blog en el que desalienta todo tipo de práctica actual sin oficio, defendiendo la tradición de la representación vinculada a la pintura, al dibujo y a la escultura. Desde ese lugar, cita obras de artistas para criticarlas, aludiendo a que “no es arte”; son obras legitimadas pero no plantean un cambio radical en el mundo del arte; o son obras que hacen planteos que no tienen sentido. Así es que recientemente ha escrito un artículo sobre la performance planteando que el arte de la performance ha muerto. Ya que según su postura son actos repetitivos donde el cuerpo aparece como un espacio real y simbólico que se maltrata, hiere y humilla. Por lo tanto, comparado con la realidad, lo que representa el performance no ofrece nada nuevo; existen innumerables sucesos como los colgados por la homosexualidad en Irán, el terrorismo o las mujeres musulmanas lapidadas que superan la actitud “sin oficio” del performance.1 Sin embargo, lejos de coincidir con este discurso al que muchos herederos del pensamiento del S XVIII adhieren, me parece importante refutarlo. Ya que no todas las prácticas de la performance recurren a este universo temático, ni tampoco, aunque las hay, todas son carentes de sentido o repetitivas. Por el contrario, muchas de ellas vienen a sacudirnos, a proponernos algo nuevo, y a hacernos reflexionar. Tal es así que, frente a las teorías de la muerte del performance o de la muerte del arte, se encuentran otros críticos que abogan en pos de la comprensión y la teorización del arte contemporáneo. El mismo Dantho, luego de plantear la muerte del arte, manifestó que “Lo que había llegado a su fin era ese relato, pero no el tema mismo del relato”2. Según el autor “el < > significa una legitimación de aquello que ha permanecido mas allá de los limites.”3 Hal Foster, en este sentido, escribe un texto llamado “Funeral para cadáver equivocado” aludiendo a que no es el arte lo que ha muerto, ya que el arte siguió aun después de anunciada su defunción; lo que ha muerto, como dice Dantho, es un tipo de relato. 1

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Lucia Santaella Braga, por otro lado, ha planteado recientemente que “Las artes son siempre impetuosas. Los artistas no temen al riesgo ni al error: tienen un papel fundamental en el mundo contemporáneo. […] Desde el mingitorio, Duchamp firmó una carta de libertad total para los artistas: son libres de hacer su trabajo, y responsables por aquello que crean”4 En relación con la performance esta misma autora plantea que la importancia de la “potencia de la presencia: el hecho del calor de la presencia, el problema de la mirada y todo lo que precisamos para comunicar está en el cuerpo. Es el primer medio: las artes de la presencia no van a morir, van a continuar, pero muchos artistas están experimentando la potencia de la presencia en la hibridación”5 En este sentido, el crítico José Luis Brea enmarca este tipo de prácticas dentro de la corriente centrífuga6 que se encuentra en la producción escultórica, vinculado a la tensión que ejerce el impulso “utópico-crítico”. Este impulso propio del arte posee una doble vocación: “La primera, aquella que apunta a atraer al orden de la historia < > […] La segunda vocación que pondríamos como motriz de este impulso utópico-crítico es aquella que intenta trasformar el orden de lo real, de las formaciones efectivas de los mundos de vida.”7 Según el autor estas vocaciones son las que nos llevan a realizar una crítica para generar otros mundos de vida posibles. Así es que como expresión de estas tendencias me parece importante citar la obra de Ana Mendieta que utilizaba la performance como medio más importante en su producción. Mendieta realizaba performances relacionadas con el Earth art o mejor dicho Earth/body. Era una artista que exponía su cuerpo, utilizándolo como matriz para dejar una

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El movimiento centrífugo es el que, según el auto, lleva a abandonar en la producción escultórica su centro estabilizado en la lógica de monumento. 7

huella, hacer una crítica o una denuncia o para mimetizarse con la naturaleza. Su fuerte historia de vida fue una marca que la llevó a encontrar en el arte, un modo de expresión, de crítica y rebeldía ante lo establecido.

Ana Mendieta: un fragmento de vida Su historia está fuertemente marcada por su vinculación con dos mundos: Cuba y USA. En 1961 fue desprendida brutalmente en el marco de la “Operación Peter Pan”, donde expulsaron a una gran cantidad de niños a los Estados Unidos, sin sus padres, ni parientes bajo el cuidado de diversas organizaciones religiosas, las cuales actuaron, en muchos casos, con fuerza y brutalidad. A los trece años fue expulsada de su país de origen junto con su hermana Raquelín Mendieta hacia los Estados Unidos, a Dubuque, Iowa. Cuenta su hermana que el arte fue parte de su infancia, de su historia familiar ya que tenían un tío y una abuela que pintaba. Sin embargo, Raquelín plantea que no hubiesen podido ser artistas sino abandonaban Cuba, ya que su familia, arraigada en fuertes tendencias conservadoras de la época, no lo hubiese permitido. Cuenta la propia Ana, que el período de estadía en los Estados Unidos no fue fácil: “En el Medio Oeste, la gente me miraba como un ser erótico (el mito de la latina ardiente), agresivo, y en cierta manera diabólico. Esto creó en mi una actitud rebelde, hasta que, por así decir, explotó dentro de mí y yo cobre conciencia de mi ser, de mi existencia como un ser particular y singular. Este descubrimiento fue una forma de verme a mí misma separada de otras, sola”. Podemos decir que hay en Mendieta una necesidad de seguir siendo otro, de conformarse a si misma como diferente, como autónoma, como otredad. Y además, que esto le sirvió en tanto conformación y fortalecimiento de su propia identidad, vinculada especialmente con sus raíces, con su lugar de origen. Toda su historia se plasmó de alguna u otra manera en su obra. Su principal medio de creación fue su propio cuerpo; a través de él buscó su identidad. Según Gerardo Mosquera “Su arte fue un rito compensatorio de su escisión personal, una solución imaginaria a su ansia imposible de afirmación mediante el regreso, a la vez en términos étnicos, freudianos, sociales y políticos”. 8

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Mosquera, Gerardo. “Ana Mendieta”. En: www.performanceología.blogspot.com.ar. Visitada el 20/11/13

Los trabajos que me resultan más interesante y significativos son los vinculados a las prácticas del “Earth art” o “Earth/body” (Serie “Siluetas” 1973/1980) donde su cuerpo se vuelve matriz que se relaciona directamente con el paisaje, al punto que se mimetiza con este. Ana Mendieta recurre a la temática de culturas provenientes de su país de origen, que se encontraban en el olvido. Como por ejemplo la Taina de Cuba y las precolombinas de la zona de México. En ellas encuentra claras referencias a las experiencias rituales, místicas, espirituales que se encontraban opacadas por el proceso de desculturización (al que Ana se oponía en una crítica constante). A partir de estos aportes, la artista comenzará a tomar el cuerpo como ritual; revalorizando lo primigenio y lo ancestral. Utilizando el camuflaje como un medio de fusión con el paisaje, o la huella marcada en el paisaje como un dejo o una pulsión de vida. Su obra entabla un claro diálogo con la naturaleza en la que describe “su obra como una vuelta al seno materno. Consiste en un único gesto: incorporarse al medio natural, fundirse con él en un acto místico. Es un alegre metáfora del regreso a lo primario.”9 Según Gerardo Mosquera: “Más que una suerte de unión de feminismo, earth art, body art, performance y “primitivismo”, su trabajo fue una vida-arte. Su expresión sobrepasa el simbolismo de signo físico, llenándose de implicaciones vivenciales y de cultura. […] Ana se uso a sí misma como metáfora”. Así mismo, la crítica Avendaño Santa plantea que “La identidad, según parecen decirnos las siluetas de Mendieta, se forja mediante la transformación física, y la fortaleza para volver a la génesis del origen, tal como nos recuerda Ortega y Gasset, un atributo necesario de heroísmo.”10 La obra Imagen de Yagul de Ana Mendieta es muy significativa de todos estos procesos. La artista se encuentra recostada, sobre la tierra en una tumba azteca; se encuentra totalmente desnuda, en o íntimo con la tierra, y desde allí florece la vida. Es como si en un intento de encontrar su lugar, su identidad, el o con sus raíces más profundas no hubiera otro camino que el o con la naturaleza, uno de los mayores símbolos de origen y maternidad. Lo que podemos observar en su obra, entonces, después de todo este recorrido es el inminente vínculo que existe entre el arte y la vida. Muchas veces me pregunto si son realmente inseparables estos dos conceptos, y al ver estas obras llego a la conclusión de que no. Arte y vida son realidades totalmente unidas, desde las primeras prácticas vanguardistas 9 10

hacia todas las tendencias que siguieron, estos dos conceptos se ha unido para no separarse jamás. Siempre hay algo de vida en el arte, y sobre todo en este tipo de prácticas, ya que la búsqueda del artista es una búsqueda personal, totalmente espiritual. Ana Mendieta decía que poseía una: “creencia de una energía universal que corre a través de todas las cosas… Mis obras son las venas de irrigación de ese fluido universal,… No existe un pasado original que se deba redimir: existe el vacio, la orfandad, la tierra sin bautizo de los inicios, el tiempo que nos observa desde el interior de la tierra. Existe por encima de todo la búsqueda del origen.”11 Relacionado con este vinculo entre arte y vida, además podemos citar al crítico Hal Foster al definir una serie de categorías que operan en las producciones contemporáneas. Una de ellas, (creo, la más adecuada) es el Trauma. El trauma aparece como “una experiencia que no es vivida –al menos no concretamente-, que llega demasiado pronto o demasiado tarde para que la conciencia la registre, que solo puede ser repetida compulsivamente o rearmada pieza a pieza después de los hechos.”12 Es decir, que aquello que no superamos, que quedó en el inconsciente de algún modo aparece con el tiempo y es manifestado. Se manifiesta y se repite como un modo de enfrentarlo, de asumirlo, y de superarlo en un instinto que tiende a la vida. Nieves correa, al hablar de performance dice: “Para empezar a hablar sobre la performance me gustaría primero negar la performance, negarla tres veces: como género, como espectáculo y como “nueva tendencia escénica”. Prefiero hablar de que “la vida se ofrece como obra”. 13 Las obras de Ana Mendieta ejemplifican claramente esto. Hay tanto de ella y de su historia en su obra, se ha entregado de tal modo que es imposible disociar su arte de su historia. “Soy una artista que siente que el arte es antes que nada una cuestión de vocación. Ahora bien, la vocación es un factor limitador, que llega incluso hasta el tipo de arte que un artista es capaz de hacer. En otras palabras, creo que un artista está limitado incluso hasta aquello en lo que puede dar vida. Hago el arte que hago porque es el único que puedo hacer. No tengo elección. El filosofo español Ortega y Gasset dijo: “ser un héroe, ser heroico, es ser uno

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mismo”. Creo que esta afirmación es especialmente significativa con respecto a la actitud que un artista debe tener en la sociedad.”14 Bibliografía: Alonso, Rodrigo. “Performance, fotografía y video: la dialéctica entre el acto y el registro”. En CAIA. Arte y Recepción. Buenos Aires: Centro Argentino de Investigadores de Artes. 1997 Avendaño Santana, Lynda. E. “Ana Mendieta. Trazas de cuerpo-huellas que oblitera improntas”. En: www.idoub.com.ar. Visitada el 18/11/2013. Brea, Jose Luis. “Ornamento y Utopía. Evoluciones de la escultura en los años 80 y 90”. En Arte. Proyectos e Ideas. Nº 4. Facultad de Humanidades y Artes de San Carlos de Valencia. UPV. 1996. Lesper, Avelina. “Contra el performance”. En www.avelinalesper.blogspot.com.ar. Publicado el 22/08/2013. Mosquera, Gerardo. “Ana Mendieta”. En: performanceologia.blogspot.com. Visitada el 20/11/2013. Mendieta, Raquelín. “Memorias de la infancia: religión, política, arte”. En Moure, Gloria “Ana Mendieta”, Ed. Fundación Tapies. Centro Gallego de Arte Contemporáneo, España. 2000 Mendieta, Ana. “Escritos personales”. En Moure, Gloria “Ana Mendieta”, Ed. Fundación Tapies. Centro Gallego de Arte Contemporáneo, España. 2000 Santaella Braga, Lucia. En “Hacia dónde va el arte en la era postutópica”. Revista Ñ. 11/10/2013 Foster, Hal. “Funeral para cadáver equivocado”. Milpalabras, letras y artes en revista. Nº 5. Bs. As. Argentina. 2003. Padin, Clemente. “Hacia un lenguaje de la acción”. En: performanceologia.blogspot.com. Visitada el 20/11/2013.

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En Ana Mendieta: escritos personales. Pag 167