Actividad El Cubismo 4h268

EL CUBISMO

Movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en

Francia

* Pablo Picasso Encabezado por:

*Georges Braque *Jean Metzinger

Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. CARACTERÍSTICAS  Se preocupa primordialmente por la expresión del movimiento y no tanto del tiempo.  Pretende representar(al mismo tiempo) todas las formas posibles de ver una figura.  Procura capturar la cuarta dimensión, que está en la mente humana: la del movimiento, por lo que, el espectador está casi obligado a recorrer con su mirada todo el cuadro para “armar” la figura.  Descompone las formas y figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas; el objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. ETAPAS DEL CUBISMO •

Cezaniano (1907-1909): se denomina cezanio por la influencia del viejo maestro en las obras producidas. Los géneros que predominaban fueron las figuras humanas y los paisajes. Se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras.

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Analítico(1909-1912): Se caracteriza por la descomposición de la forma y las figuras en múltiples partes todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por separado.

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Sintético: En ella el color se vuelve mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas debido a la introducción de elementos como trozos de periódico, papel de paredes, cajas de cerillas y letras recortadas. Desarrollada de forma paralela por Picasso, Braque y Juan Gris.

PAUL CÉZANNE Nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, sur de Francia. Hijo de un banquero acaudalado, conoció en su infancia Émile Zola. A finales de los años cincuenta decide dedicarse a la pintura, aunque comienza estudios de Derecho para complacer a su padre. En 1862 inicia sus estudios de arte en París. Asiste a la Académie Suisse para ejercitarse en el dibujo. Allí conoce a Guillaumin. Sus primeras obras las realizó con pigmentos espesos y en tonos oscuros. Desarrolló un estilo pictórico duro, denso, espeso, de fuertes pinceladas, que toma como modelo al italiano Caravaggio y al español Diego Velázquez. La influencia más significativa en sus comienzos fue la de Camille Pissarro, que le introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Bajo la tutela de Pissarro, en el periodo comprendido entre 1872 y 1873, pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. Los impresionistas le aceptaron dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y 1877. Su gran aportación a la pintura se realizó tras la disolución del grupo impresionista, cuando deriva hacia una pintura más intelectualizada. Durante la década de 1880 pasó gran parte tiempo en su Aix-en-Provence natal. En 1886 creyó ver referencias a sus fracasos en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y consiguió la independencia económica, aunque permaneció en su aislamiento social. Siguió pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, y fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura. Se lamentaba de su fracaso en la representación de la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas (c. 1899-c. 1906, Museo de Arte, Filadelfia), revelan unas distorsiones curiosas. En el año 1895 Ambroise Vollard, marchante parisino, organizó una exposición de sus obras y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes. Hacia 1904, alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura. Muchos pintores jóvenes viajaron hacia Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo en sus últimos años. Antes de su muerte, acaecida el 22 de octubre de 1906 en Aix, Paul Cézanne ya había logrado un prestigio considerable. OBRAS Panes y huevos (1865) El padre del artista (1866) Retrato del tío Dominique (1866) El rapto (1867)

Retrato de Achille Emperaire (1867-1868) La orgía (1867-1872) Reloj de mármol negro (1869-1870) Pastoral (1870) El asesinato (1870) La casa del ahorcado (1872-73) Vista de Auvers (1873) Una moderna Olimpia (1873-74) Bañistas (1874-1875) Señora Cézanne en la butaca roja (1877)

Las orillas del Marne (Villa al borde del río.) - (1885-1887) Museo del Hermitage. San Petersburgo (Rusia) En los paisajes de este tipo se forman y se encarnan los principales aspectos del sistema artístico de Cézanne. El artista funde los planos alejados, sintetiza espacios distantes y próximos, conservando al mismo tiempo la ilusión perfecta de la tercera dimensión sugerida por la profundidad espacial. Este es sin duda alguna uno de los puntos esenciales. Cézanne destruye los lazos naturales del lugar a partir del cual mira el mundo que quiere representar. Dos telas del año 1888 Las orillas del Marne - (Villa al borde del rio) y Las orillas del Marne ( Puente del Marne en Creteil, ) nos muestran cómo el pintor alcanza la resolución del problema del equilibrio entre los dos polos el modelo espacial del mundo y la superfície de la tela sobre la cual éste debe desplegarse. Durante su trabajo sobre ambos paisajes Cézanne se propuso como objetivo mostrar las relaciones recíprocas entre dos elementos heterogéneos: uno sólido la superfície estable de la tierra y el otro fluído, la superfície cambiante del agua, que refleja el mundo terrestre en su perpetuo movimiento; dicho de otro modo, contaba con mostrar las relaciones entre lo estático y lo dinámico, entre el caos y el orden.

Georges Braque Nació en Argenteuil-sur-Seine, Francia, en una familia de artesanos. Creció en Le Havre y estudió en la Escuela de Bellas Artes (Ecole des Beaux-Arts) desde 1897 hasta 1899. Llegó a París en 1900. Allí estudió primero en la Academia Humbert, en la que conoció a Marie Laurencin y Francis Picabia, después, a partir de 1903, en la Escuela de Bellas Artes. La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje a Amberesy, durante el verano boreal de 1907, a La Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese mismo año, la exposición retrospectiva de Cézanne y el deporte de la amistad que trabó con Pablo Picasso, que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. El trabajo de ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. En el verano boreal de 1908 pinta paisajes en L'Estaque, en 1909, en Normandía y La Roche-Guyon. Estudiando metódicamente las líneas de contorno utilizadas por Paul Cézanne, Braque fue evolucionando progresivamente sus composiciones con ligeras interrupciones en las líneas. Tras 1908 comienza a romper con la visión clásica, utilizando cada vez más formas geométricas principalmente para naturalezas muertas. Asimismo introdujo textos en sus pinturas y creó el collage. Creó asimismo en 1912 las esculturas en papel, de las que no queda más rastro que una fotografía tomada a una de estas obras en 1914. En ese año, fue movilizado y participó en la Primera Guerra Mundial, siendo herido de gravedad en 1915. Regresó a París. En 1917 se reincorporó a su trabajo y realizó al final de la guerra una obra esencialmente basada en la naturaleza muerta, abandonando paulatinamente sus composiciones geométricas. En 1930 se compra una casa en Varengville, cerca de Dieppe. La Segunda Guerra Mundial le inspiró obras más serias y austeras. A partir de 1947, su trabajo se ve constantemente interrumpido por la enfermedad. En 1961, se convierte en el primer pintor vivo cuya obra se exhibió en el Museo de Louvre al organizarse una retrospectiva de su trabajo en ese lugar.

Murió el 31 de agosto de 1963 en París, a la edad de 81 años y actualmente hay un colegio en Nantes con su nombre. Estilo: George Braque tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano boreal de 1907 pinta en L'Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes "lineales" que son ya pre-cubistas. Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético. A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar. Después de la Segunda Guerra Mundial pintó una obra a la que llamo Sofía y Mauro.

OBRA:

La mesa del músico. Pintura de La mesa del músico. Obra del Pintor Georges Braque, arte de La mesa del músico. 1913 - Óleo y carboncillo sobre lienzo. 1913 - Óleo y carboncillo sobre lienzo CASAS EN L’ESTAQUE

Autor: Georges Braque (1882 –1963) Tipo de obra: Óleo sobre tela Estilo: Cubista Cronología: 1908 Localización geográfica: Berna (Suiza) Kunstmuseu Esta es una de las obras más representativas de la etapa cubista de Braque. Todos los elementos de este paisaje se han geometrizado, o cubificado, de forma muy intensa y lo que parece más importante. El cromatismo que presenta en Casas en L'Estaque es de tonalidad muy reducida ocre, verde y gris, las casas están escalonadas y realizadas a partir de cubos, compuestos unos sobre otros y se amontonan como si se tratara de un castillo realizado con cartas de naipes. Toda la pintura ocupa la tela sin dejar ver nada de horizonte ni cielo, un tronco de árbol en primer plano traza una línea diagonal hacia la izquierda. La luz no viene de un sitio concreto, se consigue el volumen con unas sombras individuales en cada forma. La pintura sigue el pensamiento y la obra de años posteriores de Braque, a la que fue fiel hasta el final de su vida. PABLO PICASSO (Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago

Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados de El Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo. El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más universalmente iradas, el mural de gran tamaño Guernica (1937). La reducción al mínimo del cromatismo, el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo conforman una impresionante denuncia del bombardeo de la aviación alemana, que el 26 de abril de 1937 arrasó esta población vasca en una acción de apoyo a las tropas franquistas. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos. En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON

Técnica. Óleo sobre lienzo, con poca importancia de la factura. Composición fuertemente geometrizada y en gran parte simétrica. El predominio de las verticales le da un cierto carácter ascensional, aunque el formato sea cuadrado. Línea. Es una de las grandes protagonistas de la obra. Su aplicación es geométrica, descomponiendo a las figuras en formas básicas, de agudas esquinas que parecen interpenetrarse unas con otras. Color. El uso preferente de los cálidos vuelve más rotundas las formas que se desvinculan así del fondo en donde son utilizados los fríos y ocres. Pese a tener un cierto recuerdo de la realidad (el anaranjado de la piel), su tono saturado (muy fuerte) no puede ser considerado como realista y nos puede recordar (aunque en un menor grado) al utilizado por los fauves que Picasso conocía. La luz no incide en el cuadro, creando zonas cromáticas puras yeliminando, casi por completo, el tradicional claroscuro. Perspectiva. Se encuentra abolida. El espacio tradicional ha desaparecido, convertido en formas geométricas que se interpenetran entre si,pugnando por salir al exterior. Las figuras se realizan a través de formas geométricas simples, eliminando todo detalle (como es bien patente en los rostros).

JUAN GRIS Nació el 23 de marzo de 1887 en Madrid. Hijo del empresario papelero Gregorio González, casado con Isabel Pérez, con quien tuvo catorce hijos. Juan Gris hacía el número trece. Ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de la capital donde estudia entre 1904 y 1906, posteriormente asiste al estudio de José Moreno Carbonero. Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 viaja a París para evitar ser reclutado, instalándose en el famoso "Bateau Lavoir" donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Los primeros años consiguió algo de dinero para mantenerse dibujando para las revistas L'Assiette du Beurre y Charavari. Las influencias de Cézanne, Picasso y Braque hicieron nacer en él el estilo cubista que le haría famoso en el mundo entero. En 1912 realiza sus primeras obras cubistas. En 1913 veraneó con Pablo Picasso en Céret, época en la que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). En el transcurso de la I Guerra Mundial (19141918) trabajó en París, donde, en 1919, tuvo lugar su primera exposición individual. Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diáguilev, Les tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), paralelamente seguía pintando. Tras 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Juan Gris falleció en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927 víctima de la tuberculosis.

BOTELLA Y FRUTERO 1919 Colorido cromatismo de tonos marrones cálidos combinados con verdes y grises más fríos, tomado directamente del paisaje. Sus composiciones siempre resultan elegantes y lúcidas. «Veo en el campo tonos tan sólidos y tan sabrosos de materia y combinaciones tan verdaderas que llevan en ellos mucha más fuerza que todas las combinaciones de la paleta y con ellos me gustaría trabajar», señalaba Gris. En sus bodegones, el tema que aborda más habitualmente en su carrera, se evidencia que poco a poco las composiciones se van haciendo más simples, despojándolas de todo lo superfluo y anecdótico. Los objetos, por su parte,